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Until We Are Free is the debut album from fabric, a collective of musicians from diverse backgrounds united by a shared goal: to fuse irresistible rhythms and grooves with a direct, socially conscious message that draws vital attention to the contradictions of modern life. The project's name itself evokes the idea of a living, dynamic ensemble—a creative intertwining of different threads, from musical genres to founding musicians and guest collaborators, all actively woven into the social fabric.

The record blends funk, soul, and Afrobeat with a sharp, contemporary urban attitude, resulting in a sound that functions simultaneously as sonic resistance and an invitation to the dancefloor.

It finds its place in a lineage that runs from Fela Kuti and ESG to The Comet Is Coming, Sault and Jungle.

At its core is the conviction that music and civic engagement can coexist seamlessly without being didactic. While the lyrics—entirely in English—tackle themes of rights, equality, and freedom, the groove remains the heartbeat: constant, pulsing, and relentless.

Mixed by Tom Campbell (whose credits include Sault, Little Simz, Adele, Michael Kiwanuka, and Jungle) and featuring art direction by Raissa Pardini, Until We Are Free is a soundtrack for complex times. It is an invitation to refuse neutrality and isolation, and to imagine—together—new possibilities for movement, resistance, and the future.

fabric's singles "Taste This Sound" and "Fight!" have been featured in FIP's Spotify Playlists "FIP Radio (en live)" and KEXP's "New This Week" and "KEXP Rotation".

2026 Repress in generic white sleeve!

It's been quite a wait for new &ME material here on Keinemusik. But these two new cuts, adding to our catalogue number KM046, sure have been worth waiting for. The EP starts with „The Rapture Pt.II“ and as the title already suggests, it coherently takes up where his last original material had left us, in a stirred state of sweet, harmony-kissed affection. Known as a virtuoso of sound-details, &ME lives up to that reputation, implementing fine synth-elements and temperately rattling percussions, all conjoined by shimmering layers and, of course, an ultimately heart-melting Piano improvisation that at some point will play along to the rhythm of its synthetic brother to a finale that will leave no crowd untouched.

"Solaris" on the flipside adds indeed a futuristic note to the arrangement, opening up with a broken beat and propelling claps. A cut that, as much as its predecessor, is relying on flow and organic shifts rather than forced and peaktime formatted gimmickry, adding a synth arpeggio, white noise, vocal chants and
harmonies in a rather subtle way. Nevertheless, it unfolds a compelling strength to heat the dancefloor gradually through its playtime.

2xLP Magenta Vinyl. Sororitie, released in 2024, is a 15-track project that showcases Lucy’s signature maximalist production and genre-bending style.

Generic Flipper, the debut album by Flipper, remains the most absorbing full-length LP to emerge from the early San Francisco punk scene. A constant source of imitation for so-called "noise rock" bands, it has yet to be surpassed in its nihilistic glee.

Recorded between October 1980 and August 1981 and released in 1982 on the indispensable Subterranean Records, this album functions as a chaotic, sticky mass of individual personalities: the magma-like bass eruptions and dual vocals of Will Shatter and Bruce Loose, Ted Falconi's icy guitar scraping and the relentless beat of drummer Steve DePace. At times playful and taciturn, paranoid and absurd, Generic charts a deliberate path that willfully chances destruction.

In early '80s punk, when the hardening default was "faster-shorter-louder," Generic subverts the nascent hardcore scene with a strictly applied regimen of turgid-slower-heavier. The lyrics are bleak, yet unnervingly beautiful. "Ever" sets the tone with trademark restraint – "Ever wish the human race didn't exist? And then realize you're one too?" – while closer "Sex Bomb" is a churning, 8-minute epic with looping bass, saxophone accompaniment and electronic effects of dropping bombs.

Tons of indie bands have attempted to recreate Flipper's mix of acidic guitar, metallic bass sludge and sardonically brilliant lyricism, using the seemingly effortless template they pioneered; however, the effect usually drives listeners right back to Generic. While most of their contemporaries wilt under direct comparison, No Trend, the Butthole Surfers, feedtime and Church Police are a few who can stand the frigid heat.

»Music for Shared Rooms« is B. Fleischmann’s eleventh solo album and his first since 2018. It is also not an album, or at least not in the conventional sense of the word. These 16 instrumental pieces provide a kaleidoscopic glimpse of a forward-thinking musician at home in many different musical worlds, including experimental and abstract music, pop and more classically-minded compositional forms. These pieces were culled from an archive of roughly 600 compositions for theatre pieces and films written throughout the past twelve years. The Österreichischer Filmpreis-awarded composer, however, aimed for more than simply documenting his extensive work in and with different media. To do so, he edited and re-mixed the individual recordings for this release, taking them out of their contexts and reworking them for an audience who can experience them in a different setting. »Music for Shared Rooms« makes it possible for its listeners to engage with the sounds and to fill the spaces they open up with their own imagination.

Roughly speaking, music for theatre or film can serve two functions: it either takes the lead, or underscores what is happening on stage or screen. The marvelous thing about these pieces is that they manage to do both. Fleischmann’s work as a prolific producer has always drawn on contrasts, at times combining pop sentiment with rigid experimentation, the seemingly naive with the intricate and complex. This approach also marks the tracks collected here: bringing together acoustic elements and electronic sounds, at times working with conventional structures but always de- and re-contextualising them, Fleischmann constructs a vivid dramaturgy out of discrete singular compositions, letting them interact across the record.

Take, for example, the opener »Träumerei« and the following »Brenne«: after the soothing acoustic sounds of the former, the latter quickly picks up speed with hard-hitting drum machine rhythms. It’s a stark contrast sonically and stylistically, however both tracks are tied together by a certain harmonic sensibility. This sort of dramaturgical interconnectedness of varied musical materials is the thread that runs through »Music for Shared Rooms«. A droney piece for string instruments like »Sehnsucht« is followed by a trip-hop beat, before »Schock« lives up to its title with skittering beats and piercing high frequencies. The differences between the pieces may be striking, but the progression from one to the other is subtle. It goes on like this through different moods and tempos. There’s soothing-yet-eerie piano pieces like the »Für Elise«-inspired »Der Lärmkrieg«, gentle house grooves, joyful synthesizer excursions and, finally, »Die Erde ist mir fremd geworden«, a collage of abstract textures and concrete sounds.

All these pieces create distinct situations through the juxtaposition of diverse musical elements, but are also bound together by a single vision. Writing music for theatre pieces or film requires a composer and his pieces to engage with people and their movements in space, which is exactly what Fleischmann offers on this record. He breaks down the fourth wall and invites his listeners into his world, a wide-ranging musical panorama. »Music for Shared Rooms« is indeed not an album in the conventional sense of the word, but more like a photo album in which each page opens up a new space to get lost in; recreates different scenes in which you can immerse yourself. These are shared rooms indeed.

Sasha's collaborative hot streak continues with Manchester-based duo Cortese. The pair were last on Last Night On Earth in 2024.

A big 2025 saw electronic titan Sasha linking up with a mix of fellow pioneers and next-generation stars. He collaborated with the likes of Artche, Henry Saiz, and Joseph Ashworth, always pushing forward his signature sound, steeped in meticulous synth craft, built on transportive grooves, and packed with rare levels of universal emotion.

Cortese are new school artists with an emotionally rich mix of garage, breaks, and house. They head up their own Plaza Recordings and, as well as appearing on Sasha’s LUZoSCURA compilation, they dropped their 'All U Do' EP here in December 2024. Following gigs in support of mainstays like Bicep and Mike Skinner, they now hook up with one of dance music's most recognisable names.
The result is 'One', a deep and heavenly odyssey with warm, supple drums infused with subtle garage swing. Wordless vocals bleed into the mix, heightening the sensuality, as the majestic arps and shimmering chords light up the airwaves. It's an irresistible invitation for the dance floor to take off on a wave of cautious hope and optimism without ever losing sight of the grounding groove.

On the flip and the fantastic 'U Disappear' is an Ibiza anthem in the making - the synths are widescreen and sun-kissed, while the bass is dark and transportive. Balearic piano chords ripple through the mix alongside arching pads and soft, wordless vocals, lending a dreamy edge to what is a powerful track, both physically and spiritually.

Die allererste 7"-Veröffentlichung von Sylvester ,Syl" Johnsons lebhaftem, groovigem ,Tripping on Your Love" und dem Titelsong ,Foxy Brown", der lange Zeit als Heiliger Gral der Funk-Sammler galt - nie neu aufgelegt, nie zusammengestellt und genau zwischen Boogie und Steppers angesiedelt, eine private Pressung, wie sie nur aus Chicago kommen kann. Diese 45er-Platte kommt in bester Klangqualität und greifbarster Form.

SELF-iSH is a quick but intensely dramatic concept album with dark psychedelic themes and nonstop experimental energy. Will Wood and the Tapeworms quickly grabbed attention in the punk scene following "Everything is a Lot" due to Wood's unique writing and refusal to break character even backstage and the band's dangerously high-energy shows. Face paint, confetti, and on-stage violence became the project's calling card, making SELF-iSH's dark and intense drama an inevitable direction for Wood. Mere months after the debut, producer Kevin Antreassian offered Wood a deal on his follow-up but only had a narrow time window, so Wood improvised. Bringing together a new lineup and with the help of guitarist Mike Bottiglieri, Wood wove scraps of discarded or unfinished songs together and created a tight yet abstract psychedelic concept album with the intent of taking every risk and trying every off-kilter idea he had. SELF-iSH began its highly conceptual production process during the holiday season in 2015, and the studio became littered with notepads, graphic charts, and teeth. The result was a manic little album featuring screaming, theremin, kazoo, power drills, the sound of breaking furniture, and an almost heavy-metal twist on Wood's off-kilter vision. By the time the album was finished, the piano was bloody, and the studio was wrecked. The album became what Wood described as the "bastard child" of his discography. Will Wood's early career can be primarily defined by his experimental vocal delivery, honky-tonk piano smashing, and darkly edgy songwriting. While his stylings have matured and taken on a more precise approach, his refusal to conform to expectations and constant shifts in the genre have continued to be hallmarks of his songwriting and production. In his "Will Wood and the Tapeworms" releases (Everything Is A Lot in 2015, SELF-iSH in 2016), audiences can see the first glimpses into what would eventually become his signature style, presented in a uniquely raw and chaotic state of potential.

On 6th October, multi BRIT-nominated DJ/producer Joel Corry releases his debut album, ‘Another Friday Night’ via Asylum / Atlantic Records, with the pre-order going live on the 18th August.

To be released on both vinyl & CD, as well as via streaming/download, ‘Another Friday Night’ is a collection of Joel’s most iconic records of the last five years, including breakthrough hit ‘Sorry’, ‘Lonely’, multi-platinum UK #1 single ‘Head & Heart’ ft. MNEK, ‘BED’ w/ RAYE & David Guetta, ‘OUT OUT’ w/ Jax Jones, Charli XCX & Saweetie, plus fresh 2023 cuts like ‘Dance Around It’ with Caity Baser and the anthemic ‘0800 HEAVEN’ with Nathan Dawe & Ella Henderson, ‘Another Friday Night’ toasts a remarkable run of releases that’s seen Joel become one of the UK’s biggest and most impactful dance acts.

“My debut album ‘Another Friday Night’ is the biggest moment of my life”, says Joel Corry. “Everything I have dreamed about and worked so hard for has come together with the release of this record. It has been an incredible journey and I am so proud to have reached this moment in my career. I want the songs to make people feel good and bring happiness to their days, and the album includes everyone’s favourite bangers from over the years, as well as some really exciting new material. This is the ultimate Joel Corry playlist, perfect for Another Friday Night.”

Ahead of the release of ‘Another Friday Night’ on October 6th, Joel has also announced a special headline show at London’s Ministry Of Sound on Friday 29th September – his first London headline date since playing at former 5000-cap venue, Printworks, in autumn 2021.

Fans who pre-order ‘Another Friday Night’ will be granted early pre-sale access to tickets on August 24th, before general sale opens on August 25th

Longtime friend of the label Eraserhead returns after over a decade away from producing music due to his surreal MS Paint work as 'Jim'll Paint It' becoming an unexpected cultural phenomenon. With his debut full-length, 'Violence', Eraserhead presents a truly eclectic electronic LP featuring collaborations with established producers such as Om Unit, Enduser, and Brain Rays, as well as the vocal talents of Nadia Rose, Beans (of Antipop Consortium), and Cadence Weapon. An album held together by theme and tone rather than style or tempo, 'Violence' is the culmination of a bitter wave of inspiration, initially conceived in the wake of a personal tragedy that quickly grew into a broader polemic about the state of the world.

Originally linking up with Love Love in its breakcore netlabel infancy with his refined, breaks-heavy breakcore/gabba, Eraserhead's flair for tight, intricate productions was evident in his finely tuned tracks of controlled chaos. This time around, his work is a darker, more expansive evolution of his sound, with the scale upsized and the stylistic scope massively broadened, remaining unfaithful to any single genre, but with firm nods to Breakcore, Grime, Drum & Bass, Techno, Rave, Dubstep, and Footwork, all chewed up with a hard industrial edge and cinematically framed by a backdrop of apocalyptic synths.

Opening with the cold tech-noir of 'Shining Brainless Beacon' to set the tone, the album quickly locks in with the blistering spoken-word headrush of 'Hurricane With Teeth' alongside rapper Beans, before Om Unit lends his expertise on the sharp groove and clinical bass blasts of 'Operation Hardtack'. The album shifts and morphs constantly throughout the runtime, moving from the raw and urgent acid techno of 'Crowd Control' to the crunching military march of the Gore Tech collaboration 'No More Worlds' and the tribal sci-fi footwork of the Brain Rays collaboration 'Night Visions'. 'Monolith' provides a final burst of catharsis, channelling Underworld by way of Nine Inch Nails, complete with writhing screams from Amée Chanter of sludge-punk-noise-rock duo Human Leather, before the heart of the album is laid bare with the painfully bleak closing dirge of 'Animal'. In its final moments, 'Violence' leaves the listener suspended between devastation and awe - an unflinching portrait of an uncaring world.

Mr Bongo proudly presents, ‘AFIM’, the second solo album by one of Brazil’s most exciting new talents, Zé Ibarra. You may be familiar with the hypnotic, entrancing tones of Ibarra’s vocals through his work with the Latin Grammy award-winning, four-piece, Bala Desejo and the band Dônica. He has also toured with the musical titan, Milton Nascimento, performing guitar and vocals, which is quite the honour and a testament to Ibarra's craft. As a solo artist, he has performed headline solo shows in Japan, Portugal and the US, as well as recently completing a support tour with the great, Seu Jorge.

‘AFIM’ is comprised of eight tracks, featuring Zé’s own compositions as well as cover versions of tracks by contemporaries and friends, Sophia Chablau, Tom Veloso, and Dora Morelenbaum. It combines elements of MPB, jazz, pop and progressive rock in a bold, authoritative style. The album represents the intersection between different facets of the artist, from the stripped-down, intimate, guitar singer-songwriter, to dense arrangements with sweeping strings sections. Writing this album allowed Ibarra "to explore sides of myself that had not yet been organized in an album: a certain darkness, a more cinematic musicality, a desire for new soundscapes.

The album features the single, 'Transe', a song with an instantly comforting tone reminiscent of classic Brazilian songs of the past (think Caetano Veloso). It is built on a rhythmic guitar that supports dynamic sound layers, opening space for Ibarra's intense interpretation. Cinematic atmospheres that lend an air of mystery come courtesy of string arrangements by Jaques Morelenbaum.

His unique cover version of Sophia Chablau's 'Segredo' is equally compelling, taking Sophia's punky-indie original in a different direction and making it feel like his own. 'Essa Confusão', a song celebrating the intensity of love and co-written by Dora Morelenbaum, is steered into epic, 70's AOR, singer-songwriter territory with wind arrangements by Ibarra, Jorge Continentino and strings by Jaques Morelenbaum.

The album is the result of the collaboration of experienced musicians and long-time partners of Ibarra. Fellow Bala Desejo and Dônica member Lucas Nunes co-produced the album. The core band featured on the record consists of Lucas Nunes on organs, Alberto Continentino on bass, Daniel Conceição and Thomas Harres on drums and percussion, Rodrigo Pacato on additional percussion, Chico Lira on Fender Rhodes and Guilherme Lírio on guitar.

The overall feel of the record is archetypically quintessential without slipping into retro mode. It is a stunning album from one of the finest musicians of his generation. A true star of Brazil’s blooming contemporary scene.

José González has delivered a new album, Against the Dying of the Light, a companion and further meditation on the themes of his critically acclaimed album, Local Valley. Where Local Valley turned inward toward place, language, and personal reflection, this new record widens its gaze, becoming an urgent call to preserve the light of humanity with all its flaws, at a moment when, technology increasingly shapes how we think, feel, and relate to one another.

While José has always embraced technological advancement, he questions the assumption that every new possibility must be pursued to its maximum potential, especially when progress comes at the expense of human flourishing, attention, and empathy.

Keeping in the tradition of folk music as protest, José’s new single — sharing its title with the forthcoming album — urges listeners to resist systems that dehumanize and divide: “Disconnect from every algorithm, every perverse incentive that drags you down. Let’s rebel against the replicators, against the dying of the light. Kill the codes that feed the hate, keep the codes that make you thrive, celebrate the **king fact that we’re alive.”

Across the album, González works within a deliberately minimal framework, pushing his familiar palette to new heights through subtle variation, restraint, and detail. Each song unfolds with its own distinct character, proving how much emotional and musical range can be achieved within self - imposed limitations. Written in English, Swedish, and Spanish, the record reflects his Swedish - Argentine roots and frames its humanist message as a global one rather than a purely personal or political statement.

José González is one of the most quietly influential artists of our generation. The Swedish - Argentine artist has built a singular musical world from hypnotic, minimal guitar work and his unmistakably gentle voice — a sound that has become deeply personal to millions of listeners worldwide. With billions of streams across platforms and hundreds of thousands of physical records sold, González’s songs often act as emotional landmarks. Ask almost anyone, and they can name at least one of his tracks tied to a defining moment in their lives.

Killer Groove Records proudly presents "Keep Your Step", the explosive comeback by Italian rock steady & early reggae ambassadors The Appetizers, a soulful celebration of reggae's timeless spirit.


"Keep Your Step" marks the band's much-awaited return, landing April 10th on limited edition LP, CD digipack and digital format featuring two exclusive bonus tracks.

The Appetizers deliver a masterclass in roots reggae music with their highly anticipated second studio album, bridging Jamaica's golden age with contemporary relevance. "Keep Your Step" is a heartfelt sonic journey where the band blends rocksteady and early reggae with funk and soul influences to create a sound that's both genuine and refreshingly modern.

The fourteen tracks move fluidly between infectious dancefloor fillers and socially conscious lyrics. From the laid-back swing of "Feel Like Dancing" to the hypnotic rhythm of "Thicker Than Water", the band demonstrates their versatility while remaining true to the roots of Jamaican sound. "A Message from The Meters" pays tribute to the legendary funk pioneers, while the instrumental "Catch This" and "Make It Reggay" highlight the band's musical prowess and the deep connections between reggae and funk.

Meanwhile, tracks like "Fussy Girl" and "Behind My Shoulders" explore love's complexities with humor and soul. The album's heart lies in its social consciousness. "Cool and Deadly", "The Life", "Stormy Weather" and the album title track "Keep Your Step" tell stories of perseverance through life's struggles.

With the hopeful anthem "We Shall Overcome," The Appetizers deliver a timely message about genuine human connection in a social media-dominated era. The digital edition closes with "Get Some Rollin'" and "Swing and Sway," rounding out the journey with two additional gems.

"Keep Your Step" pays homage to Jamaican music legends, from Jackie Mittoo and Tommy McCook to Toots & the Maytals, while carving out The Appetizers' own distinctive sound. This is a groove made for both the dance floor and the soul, proving that reggae's power to inspire, unite, and uplift remains as vital as ever.

The production stays true to The Appetizers' signature sound: organic tones, deep groove, and that live-room vibe you only get when real musicians are locked in together. Luca Monza and Claudio Mambrini, the band's core members, handled the artistic production. Mastering came courtesy of the great JJ Golden (Black Pumas, Sharon Jones & The Dap-Kings, Jr. Thomas & The Volcanos, The Frightnrs) at Golden Mastering in Ventura, California. JJ is one of the most trusted engineers working in this sound, ensuring every ounce of warmth and authenticity came through.

The Appetizers are a rocksteady and early reggae band formed in Milan in 2020 by musicians deeply embedded in the Italian and international reggae scene. Musicians from different paths united by a shared vision: recreating that vintage Caribbean and American sound with authenticity, respect and a forward-thinking edge.

Drawing inspiration from Jamaica's golden era and channeling the soul of Delroy Wilson, Alton Ellis, the early Wailers, and The Upsetters, The Appetizers carry forward the essence of bass culture with a pure, fully organic approach.

Their debut album Listen Up! (2022), released via Belgian imprint Badasonic Records (home to The Slackers, The Aggrolites, David Hillyard & Victor Rice), featured ten original tracks and a dub cut by Victor Rice. Distributed across Europe, the UK, the US, and Japan, it quickly earned international recognition among reggae connoisseurs and selectors worldwide.

Following extensive touring, including shows with The Slackers, Black Uhuru, Skip Marley, and more, the band returned to the studio to record "Keep Your Step", their second album produced by Killer Groove Records. Here the band expands its musical language, weaving together the spirit of historic Jamaican labels like Studio One and Treasure Isle with '60s funk, arriving at a warm, organic, and timeless sound: soul, Jamaican roots, and modern sensibility in perfect balance. Their lyrics explore heartbreak, social issues, and reflections on life and music, performed with dedication and respect for tradition while always pushing forward.


If you're into The Skatalites, The Ethiopians, and those classic Caribbean rhythms, this one's for you.

Bristol experimental band SUGAR HORSE are delighted to announce that their third album, Not A Sound In Heaven, will be released on 10th April 2026 via Fat Dracula Records.

To celebrate the news, the band are sharing the bruising lead single ‘Secret Speech’, available to stream on all good digital service providers from 12th February 2026.

Also announced today are a run of April 2026 UK album headline tour dates and an appearance at StrangeForms Festival 2026, with tickets on sale now (see below for full listings).

“We are fortunate enough to live in what is generally known as ‘The West’,” says front man Ash Tubb of the lyrical themes behind the new track. “I say fortunate with gritted teeth, because I know—as I’m sure the reader knows—that living in the West isn’t always rosy. The vast majority of people struggle everyday to feed, clothe and house themselves. Let alone receive adequate healthcare, schooling and workers’ rights.”

“We are, however, where all the world’s wealth is hoarded. We are at the centre of Empire. The people outside of this empire—those of the Global South—have had their resources extracted and their populations exploited by our own governments, with very little given back in return. This won’t go on forever. It will inevitably end, as all great empires do.”

“We in The West have a choice to make in the meantime; either help create a new, fairer world, or let the greed of our ruling classes become the undoing of all of us.”

The first glimpse of new material from the quartet, ‘Secret Speech’ starts as Not A Sound In Heaven means to go on—a politically-charged wrecking ball of a song that smashes its way through the often unbelievable chaos and brutality of the 21st century with vitriolic malice.

How do you capture the machinations of the geo-political industrial war machine—and all the horrors that go with it—in the studio, without seeming trite or crass? That’s the question that Sugar Horse have posed themselves on their forthcoming third album Not A Sound In Heaven, and they must surely be one of the only bands in existence capable of delivering on just that premise with both musical substance and cutting philosophical insight.

“Ever since I was born I can remember visions of war, famine, and death being beamed directly into my living room via the magic of television,” says Tubb of the record. “These visions were accompanied by newsreader narratives designed to either humanise or dehumanise the people involved. We humanise our government’s allies and dehumanise their enemies. This is taken as common sense, or even wisdom to some degree. People watch the news and accept it as fact, simple and true.”

“As a person gets older they move in one of three different directions with this acceptance of reality; They embrace what they’re being told, they fall into a kind of trust free nihilism or they learn that there are deeper narratives at play.”

“Not A Sound In Heaven is an aged acceptance of the latter. An acceptance of sitting at the centre of a global empire of both military and economic dimensions. An acceptance that the stories we’re told as a nation, or what’s generally in the zeitgeist, isn’t necessarily reality itself.”

“How does a person cope with the weight—and, frankly, the guilt—of a society that perpetuates such distinct inequalities? A society that thinks a bit of killing abroad is fine, as long as it improves the lives of people at home. You can see why so many choose to embrace it. Hell, nihilism seems pretty sensible. Once a person decides upon pursuing a degree of truth however, things get a bit depressing. Beyond depressing...maddening.”

“This album explores this kind of breezy, frivolous subject matter in a manner that will no doubt be uplifting to the listener and massively financially rewarding for the artist.”

The new album follows on from their standalone AA single ‘What’s Your ETA? Let’s Have A Tear Up’/‘Would You Like Me To Be The Cat?’ which was released late last year as a surprise double drop.

HYPER GAL are restless. Since 2019, Kansai’s minimalist duo has been in persistent, perpetual motion.

In January of 2024, SKiN GRAFT Records introduced HYPER GAL to western audiences, giving the previously self-released album “Pure” a worldwide release. It was followed by “After Image”; a new full-length record; in September of that same year. In short order HYPER GAL left Japan to embark on a month-long European tour, performing at festivals such as Left of the Dial in Rotterdam and Le Guess Who? in Utrecht.

Consisting of Koharu Ishida (vocals) and Kurumi Kadoya (drums), HYPER GAL craft a sound all their own, characterized by avant-garde rhythms, looping landscapes, and hypnotic vocals. Their music resists traditional genre boundaries to carve out a truly singular sonic space.

With their fourth album “Our Hyper”, HYPER GAL thrust their sound into a deeper, harder core. Songs unfold into surprising shapes, embracing shadowy turns emboldened by a heavier low-end, while unearthing sharp takes on Japan’s harsh noise roots. The drums have grown even more acrobatic and unorthodox, while the vocals take on new colors, shifting from mesmerizing repetition to melodic, pop-tinged expression.

The album’s artwork is no less adventurous and features masks created by contemporary artist Tokiyoshi Akina and photographed in the band’s own hands, signaling resistance to the performative dualities of social media and a commitment to authenticity.
Despite the lean, unadorned two-piece setup, HYPER GAL’s music attains an intense and unmistakable presence - an unwavering momentum driven by an unrelenting intent. “Our Hyper” is HYPER GAL amplified.

"With each release they appear as mirage sculptors, using simple tools (drums, keyboards, vocals) in craft of multi-genre spanning work which only becomes more captivating the simpler their execution becomes...”
– MYSTIFICATION

Big Crown Records freut sich, das zweite Album von Les Imprimes, ,Fading Forward", zu präsentieren. Unter der Leitung des autodidaktischen Multi-Instrumentalisten und Produzenten Morten Martens beschäftigt sich dieses Album mit Sterblichkeit, Realitätsflucht und einer Vielzahl von Erfahrungen, die mit Liebe verbunden sind. Martens hinterließ mit seinem hochgelobten Debütalbum ,Rêverie" aus dem Jahr 2023 einen bleibenden Eindruck Rêverie einen enormen Eindruck und hat sich seitdem eine treue Fangemeinde aufgebaut, deren Demografie ebenso vielfältig ist wie die Einflüsse, die seine Musik prägen. Er mischt Klänge aus dem Soul der 60er und 70er Jahre mit Anspielungen auf Doo-Wop-Platten, übernimmt die Energie der Hip-Hop-Drums und überzieht das Ganze mit Gesangsstilen aus den 90ern und 2000ern . Aber es sind Martens' Texte, Emotionen und Darbietung, die wirklich alles zusammenbringen und ihm helfen, sich von seinen Kollegen abzuheben. Seine Texte sind ansteckend und poppig und werden mit höchster Klasse und Geschmack umgesetzt, was Les Imprimés die seltene Eigenschaft verleiht, sofort anzusprechen und mit jedem Hören noch besser zu werden. Der aus Kristiansand, Norwegen, stammende Martens spielt fast alle Instrumente auf Fading Forward, produziert und arrangiert das Album und singt natürlich auch. ,Es ist Soulmusik, aber ich habe nicht gerade eine Soulstimme", erklärt Morten bescheiden. ,Aber ich mache es auf meine eigene Art und Weise, auf eine Art, die mir eigen ist." Der Album-Opener ,You & I" ist Mortens Hommage an seine Partnerin, die ,durch das Chaos und die Fehler" mit ihm durchhält. Kraftvolle Drums und kaskadenartige Klaviere machen diesen Song zu einem richtigen Two-Stepper und einer Hymne für diejenigen, die das Glück haben, jemanden zu finden, der sie versteht und ihnen in den Bereichen des Lebens hilft, in denen sie es brauchen. ,Again & Again" verlangsamt das Tempo und beschäftigt sich mit der schwereren Seite der Liebe und des Lebens, während Martens seine Widerstandsfähigkeit angesichts der Missgeschicke, des Herzschmerzes und der Enttäuschungen gescheiterter Liebesbeziehungen bekundet. ,Untainted Love" rückt die süße Seite der neuen Liebe in den Mittelpunkt, mit einer Melodie, die auf den Titel des Klassikers von Gloria Jones anspielt. ,Get Lost" neigt zum Metaphysischen mit der Einladung, die Realität hinter sich zu lassen und Zeit mit Les Imprimés zu verbringen, wo es Raum zum Träumen gibt. ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz zu in ,With You", einem schnellen, beschwingten Song über eine zufällige Begegnung, die Lust auf mehr macht. Martens sehnt sich nach ihr, aber freudig, als ob allein die Erinnerung daran, dass eine solche Verbindung möglich ist, genau das ist, was er wirklich braucht. ,Fading Forward" endet mit einer völlig düsteren Note mit ,Miss The Days", einer langsam brennenden Ballade, die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch besser war. Martens wird von der Gastsängerin Ama Li in ,Miss The Days" begleitet, einer langsam brennenden Ballade , die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch an einem besseren Ort war. Fading Forward endet mit einer ganz und gar düsteren Note mit ,Paradise", einem Lied, das einem verstorbenen Freund Freiheit und Frieden wünscht. In der kleinen Stadt Kristanland in Norwegen lebt ein großes Talent, das den größten Teil seines Lebens damit verbracht hat, sich zurückzuhalten und im Hintergrund zu bleiben. Der Vertrag mit dem New Yorker Label Big Crown Records inspirierte Morten Martens dazu, seine eigene Musik zu veröffentlichen. Die Reaktionen auf sein Debütalbum ,Rêverie" veranlassten ihn, das Studio zu verlassen und auf die Bühne zu gehen, und all dies diente ihm als Inspiration, um seine Kunstfertigkeit auf ein neues Niveau zu heben. Neue Höhen, die auf Fading Forward voll zur Geltung kommen.

Big Crown Records freut sich, das zweite Album von Les Imprimes, ,Fading Forward", zu präsentieren. Unter der Leitung des autodidaktischen Multi-Instrumentalisten und Produzenten Morten Martens beschäftigt sich dieses Album mit Sterblichkeit, Realitätsflucht und einer Vielzahl von Erfahrungen, die mit Liebe verbunden sind. Martens hinterließ mit seinem hochgelobten Debütalbum ,Rêverie" aus dem Jahr 2023 einen bleibenden Eindruck Rêverie einen enormen Eindruck und hat sich seitdem eine treue Fangemeinde aufgebaut, deren Demografie ebenso vielfältig ist wie die Einflüsse, die seine Musik prägen. Er mischt Klänge aus dem Soul der 60er und 70er Jahre mit Anspielungen auf Doo-Wop-Platten, übernimmt die Energie der Hip-Hop-Drums und überzieht das Ganze mit Gesangsstilen aus den 90ern und 2000ern . Aber es sind Martens' Texte, Emotionen und Darbietung, die wirklich alles zusammenbringen und ihm helfen, sich von seinen Kollegen abzuheben. Seine Texte sind ansteckend und poppig und werden mit höchster Klasse und Geschmack umgesetzt, was Les Imprimés die seltene Eigenschaft verleiht, sofort anzusprechen und mit jedem Hören noch besser zu werden. Der aus Kristiansand, Norwegen, stammende Martens spielt fast alle Instrumente auf Fading Forward, produziert und arrangiert das Album und singt natürlich auch. ,Es ist Soulmusik, aber ich habe nicht gerade eine Soulstimme", erklärt Morten bescheiden. ,Aber ich mache es auf meine eigene Art und Weise, auf eine Art, die mir eigen ist." Der Album-Opener ,You & I" ist Mortens Hommage an seine Partnerin, die ,durch das Chaos und die Fehler" mit ihm durchhält. Kraftvolle Drums und kaskadenartige Klaviere machen diesen Song zu einem richtigen Two-Stepper und einer Hymne für diejenigen, die das Glück haben, jemanden zu finden, der sie versteht und ihnen in den Bereichen des Lebens hilft, in denen sie es brauchen. ,Again & Again" verlangsamt das Tempo und beschäftigt sich mit der schwereren Seite der Liebe und des Lebens, während Martens seine Widerstandsfähigkeit angesichts der Missgeschicke, des Herzschmerzes und der Enttäuschungen gescheiterter Liebesbeziehungen bekundet. ,Untainted Love" rückt die süße Seite der neuen Liebe in den Mittelpunkt, mit einer Melodie, die auf den Titel des Klassikers von Gloria Jones anspielt. ,Get Lost" neigt zum Metaphysischen mit der Einladung, die Realität hinter sich zu lassen und Zeit mit Les Imprimés zu verbringen, wo es Raum zum Träumen gibt. ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz zu in ,With You", einem schnellen, beschwingten Song über eine zufällige Begegnung, die Lust auf mehr macht. Martens sehnt sich nach ihr, aber freudig, als ob allein die Erinnerung daran, dass eine solche Verbindung möglich ist, genau das ist, was er wirklich braucht. ,Fading Forward" endet mit einer völlig düsteren Note mit ,Miss The Days", einer langsam brennenden Ballade, die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch besser war. Martens wird von der Gastsängerin Ama Li in ,Miss The Days" begleitet, einer langsam brennenden Ballade , die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch an einem besseren Ort war. Fading Forward endet mit einer ganz und gar düsteren Note mit ,Paradise", einem Lied, das einem verstorbenen Freund Freiheit und Frieden wünscht. In der kleinen Stadt Kristanland in Norwegen lebt ein großes Talent, das den größten Teil seines Lebens damit verbracht hat, sich zurückzuhalten und im Hintergrund zu bleiben. Der Vertrag mit dem New Yorker Label Big Crown Records inspirierte Morten Martens dazu, seine eigene Musik zu veröffentlichen. Die Reaktionen auf sein Debütalbum ,Rêverie" veranlassten ihn, das Studio zu verlassen und auf die Bühne zu gehen, und all dies diente ihm als Inspiration, um seine Kunstfertigkeit auf ein neues Niveau zu heben. Neue Höhen, die auf Fading Forward voll zur Geltung kommen.

Die Botschaft, das Wesentliche, das sich teilen lässt, ist Licht; es ist der Samen in der Erde, der zu einer Pflanze wird und dann zu einer Blume, die in voller Blüte steht und schließlich unvermeidlich verwelkt, damit der Zyklus von Neuem beginnen kann; es ist die Suche nach Schönheit im Chaos, aus dem Harmonie entsteht, um es zu überwinden. Auf Volume III kehren Mathieu David Gagnon und sein Projekt Flore Laurentienne zurück, um die Pracht des Flusses und seiner floralen und waldreichen Umgebung zu feiern.Volume III ist zudem eine tiefere Erkundung der Verbindung von akustischen und synthetischen Elementen, die den Charakter von Flore Laurentienne ausmachen. Anders als bei den ersten drei Alben wurden die meisten Stücke gemeinsam mit den Bandmitgliedern während Residenzen und Konzerten entwickelt, bevor sie aufgenommen wurden. Dies bereicherte die Kompositionen in einer Phase, in der sie sich noch im Wandel befanden. Die Band treibt das Projekt an und inspiriert Gagnons Schreibprozess, indem sie den Klang weiterentwickelt, nährt und ihm erlaubt, neue Wege zu gehen.Dieser neue Meilenstein markiert zugleich den Abschluss einer Trilogie, die 2019 mit Volume I begann - mit dem inhärenten und parallelen Bestreben, ein drittes Volume zu erreichen, um Volume 3 von L'Infonie (einem Kultkollektiv aus Québec, das Jazz, Prog, Kunstmusik und Poesie verband) zu würdigen. Letzteres beeinflusste die Musik von Flore Laurentienne nicht direkt, sondern vielmehr das Verständnis von Freiheit in der Komposition, die Klassik und Improvisation vereint.Die Entwicklung von Volume III folgt der Evolution des Projekts: Während der erste Track ,Fleurs" dem ähnelt, was Volume II bot, gibt uns der abschließende Titel ,(A travers les) Chablis" einen Vorgeschmack darauf, wie der nächste Schritt klingen könnte. Es ist ein Album, das man zusammen mit seinen beiden Vorgängern genießen sollte - und dabei gespannt auf das Kommende blickt. Flore Laurentienne entwickelt sich ständig weiter, doch die Vision ist seit Beginn dieselbe geblieben: Musik zu schaffen, die lebendig, wahrhaftig, menschlich und kompromisslos ist.

Die Botschaft, das Wesentliche, das sich teilen lässt, ist Licht; es ist der Samen in der Erde, der zu einer Pflanze wird und dann zu einer Blume, die in voller Blüte steht und schließlich unvermeidlich verwelkt, damit der Zyklus von Neuem beginnen kann; es ist die Suche nach Schönheit im Chaos, aus dem Harmonie entsteht, um es zu überwinden. Auf Volume III kehren Mathieu David Gagnon und sein Projekt Flore Laurentienne zurück, um die Pracht des Flusses und seiner floralen und waldreichen Umgebung zu feiern.Volume III ist zudem eine tiefere Erkundung der Verbindung von akustischen und synthetischen Elementen, die den Charakter von Flore Laurentienne ausmachen. Anders als bei den ersten drei Alben wurden die meisten Stücke gemeinsam mit den Bandmitgliedern während Residenzen und Konzerten entwickelt, bevor sie aufgenommen wurden. Dies bereicherte die Kompositionen in einer Phase, in der sie sich noch im Wandel befanden. Die Band treibt das Projekt an und inspiriert Gagnons Schreibprozess, indem sie den Klang weiterentwickelt, nährt und ihm erlaubt, neue Wege zu gehen.Dieser neue Meilenstein markiert zugleich den Abschluss einer Trilogie, die 2019 mit Volume I begann - mit dem inhärenten und parallelen Bestreben, ein drittes Volume zu erreichen, um Volume 3 von L'Infonie (einem Kultkollektiv aus Québec, das Jazz, Prog, Kunstmusik und Poesie verband) zu würdigen. Letzteres beeinflusste die Musik von Flore Laurentienne nicht direkt, sondern vielmehr das Verständnis von Freiheit in der Komposition, die Klassik und Improvisation vereint.Die Entwicklung von Volume III folgt der Evolution des Projekts: Während der erste Track ,Fleurs" dem ähnelt, was Volume II bot, gibt uns der abschließende Titel ,(A travers les) Chablis" einen Vorgeschmack darauf, wie der nächste Schritt klingen könnte. Es ist ein Album, das man zusammen mit seinen beiden Vorgängern genießen sollte - und dabei gespannt auf das Kommende blickt. Flore Laurentienne entwickelt sich ständig weiter, doch die Vision ist seit Beginn dieselbe geblieben: Musik zu schaffen, die lebendig, wahrhaftig, menschlich und kompromisslos ist.

Hard Texas Funk aus der renommierten Szene von San Antonio. Während Abe Epstein auf dem General McMullen Boulevard nach West Side Brown-Eyed Soul-Gruppen suchte, antworteten Mickey Foster und seine gemischtrassige Soul Generation Band auf Browns Aufruf, südlich des River Walk den richtigen Weg einzuschlagen. Hier sind ein Dutzend ihrer schwungvollsten und unkonventionellsten Instrumentalstücke versammelt, eine stimmungsvolle Übersicht über die Band von 1969 bis 1977, darunter der Hit ,Iron Leg". Entscheiden Sie sich hier für Ihr nächstes Sample.

Hard Texas Funk aus der renommierten Szene von San Antonio. Während Abe Epstein auf dem General McMullen Boulevard nach West Side Brown-Eyed Soul-Gruppen suchte, antworteten Mickey Foster und seine gemischtrassige Soul Generation Band auf Browns Aufruf, südlich des River Walk den richtigen Weg einzuschlagen. Hier sind ein Dutzend ihrer schwungvollsten und unkonventionellsten Instrumentalstücke versammelt, eine stimmungsvolle Übersicht über die Band von 1969 bis 1977, darunter der Hit ,Iron Leg". Entscheiden Sie sich hier für Ihr nächstes Sample.

Das Debütalbum einer der renommiertesten und einflussreichsten Bands Großbritanniens, Songs to Remember, versetzt uns zurück in die Anfänge von Scritti Politti. Die von Green Gartside angeführte Gruppe, die aus der DIY-Szene der Einzimmerwohnungen in Camden Ende der 70er Jahre hervorgegangen war, hatte jedoch eine musikalische Vision, die der von Miles Davis (mit dem sie später zusammenarbeiteten) in nichts nachstand. Mit Songs To Remember, das sowohl die feurige Politik der damaligen Zeit als auch eine aufkeimende Pop-Sensibilität widerspiegelte, etablierte sich die Gruppe als einer der wahren Innovatoren der frühen 80er Jahre. Songs to Remember, das bei seiner Veröffentlichung 1982 vom NME als "witzig und genial" beschrieben wurde, wurde für diese längst überfällige Vinyl-Neuauflage vollständig remastered, was Gartside persönlich überwacht hat. "Mark E Smith, damals Künstler bei Rough Trade, sagte einmal zu mir: 'Scritti hat die beste Rhythmusgruppe in der Rockmusik." Er erwähnte Green Gartside nicht, daher weiß ich nicht, was er von ihm hielt. Ich weiß jedoch, dass wir bei Rough Trade alle von Greens honigsüßer Stimme und seinen brillanten Texten fasziniert waren. Es waren aufregende Zeiten, in denen die Menge an purem Talent, die in das Rough-Trade-Universum strömte, einfach überwältigend war. Niemand mehr als Green, der den intelligenten Angriff auf die Zitadelle der Popmusik-Perfektion verkörperte. Ich erinnere mich, dass ich sehr stolz auf "Songs To Remember" war, zu einer Zeit, als es für uns noch eine relativ neue Erfahrung war, ganze Alben zu veröffentlichen." - Geoff Travis

2ND LP PRESSING

Cosmic Ear is a new group bringing together Christer Bothén, Mats Gustafsson, Goran Kajfeš, Kansan Zetterberg and Juan Romero. Their debut album TRACES is released by We Jazz Records on 23rd of May, 2025. Including 6 deep cuts, TRACES is an album that sees Cosmic Ear tracking down the "traces" of the legendary Don Cherry's legacy while paving their own way in contemporary creative music expression.

Christer Bothén, a collaborator with Don Cherry during his Swedish period in the 1970s, brings depth to the history of the band, while his bandmates each belong at the top of the game in Scandinavian jazz. Their music is meditative and deep, much recommended for fans of the likes of Don Cherry, Alice Coltrane, and Pharoah. That being said, listeners should approach Cosmic Ear only with openness and curiosity, without set stylistic boundaries, as it's the group's natural flow and togetherness that brings their music into a fresh territory of their own.

As John Corbett writes in his liner notes:

"The Cosmic Ear. Five souls, sometimes six, on the same road. The pied piper path of Mr. Cherry. Christer Bothén, one of Cherry's main collaborators in his Swedish period and one of the most beautiful bass clarinetists on planet earth, together with next-gen saxophonist Mats Gustafsson, who has carried so many torches in Cherry's procession, and younger Swedish stars trumpeter Goran Kajfes, bassist Kansan Zetterberg, and percussionist Juan Romero. Together a tempo is set, a path is charted. There are global grooves. A berimbau, a karignan (metal scraper from Guinea), donso n'goni. There are ET grooves. Synth, live-electronics, slide flute. The globe is a glove, a hand warmer that radiates with extraterrestrial power, returning the fingers to their place at the center of the galaxy; the Cherry path is a balm that restores essential moisture to the lips that blow life back into the megacosm. Let us all praise warm fingers and moist mouths."

Lucciole ist Silvia Tarozzis leuchtendes Nachfolgealbum zu den intimen Reflexionen von "Mi specchio e rifletto" und den tief verwurzelten Folk-Dialogen von "Canti di guerra, di lavoro e d'amore" mit Deborah Walker. Hier bringt Tarozzi Stimmen, Erinnerungen und musikalische Traditionen zusammen, um ein Album zu schaffen, auf dem avantgardistische Kompositionen, persönliche Erzählungen und kollektive Resonanz frei miteinander verschmelzen. Das Album beginnt mit einem strahlenden Blechbläserensemble, das wegen seines populären, feierlichen und spirituellen Klangs ausgewählt wurde, und endet mit dem Piccolo Coro Angelico, dem Kinderchor, mit dem sie seit über fünfzehn Jahren zusammenarbeitet und den sie als ,meine beste Kompositionsschule und ständige Quelle der Hoffnung" bezeichnet. Zwischen diesen beiden Eckpunkten zeichnen Tarozzis Lieder mit seltener Zärtlichkeit die Übergänge des Lebens nach: von der Kindheit zum Jugendalter, von Gesundheit zu Gebrechlichkeit, von Anwesenheit zu Abwesenheit. Die Streicher, Stimmen und melodischen Konturen, die "Mi specchio e rifletto" prägen, tauchen hier mit neuer Wärme und Tiefe wieder auf. Produziert von Tarozzi in enger Zusammenarbeit mit Marta Salogni, die das Album technisch umgesetzt und abgemischt hat, strahlt Lucciole eine Klarheit, Intimität und klangliche Großzügigkeit aus, die ihre gemeinsame Reise durch den Aufnahmeprozess widerspiegeln. Im Kern ist Lucciole ein Album über kleine Lichter, die durch Momente des Übergangs tragen - eine Einladung, genau hinzuhören auf die Orte, an denen sich das Leben verändert, und auf die Menschen, die leben und in Erinnerung bleiben und den Weg erhellen.

Time Out, a pause, like an injunction to suspend the course of events in order to project oneself into a more serene future, is the title of Malted Milk's eighth album. From the haunting Afro beat of the title track to the decadent boogaloo of "I Feel Numb", via the ballad "What a Night" and the funky "It's Alright" , the band demonstrates i ts mastery of arrangements, its creative ability and its talent for revisiting the soul/funk genre. As with the previous album, 1975, Marco Cinelli is back on writing and production duties, bringing undeniable added value to the band's sound and aesthetic. The live translation of this album bears Malted Milk's trademark precision, energy, instrumental talent and group cohesion. Malted Milk once again demonstrates its musical strength and affirms the special place the band occupies on the current soul scene.

Big Crown Records freut sich, das zweite Album von Les Imprimes, ,Fading Forward", zu präsentieren. Unter der Leitung des autodidaktischen Multi-Instrumentalisten und Produzenten Morten Martens beschäftigt sich dieses Album mit Sterblichkeit, Realitätsflucht und einer Vielzahl von Erfahrungen, die mit Liebe verbunden sind. Martens hinterließ mit seinem hochgelobten Debütalbum ,Rêverie" aus dem Jahr 2023 einen bleibenden Eindruck Rêverie einen enormen Eindruck und hat sich seitdem eine treue Fangemeinde aufgebaut, deren Demografie ebenso vielfältig ist wie die Einflüsse, die seine Musik prägen. Er mischt Klänge aus dem Soul der 60er und 70er Jahre mit Anspielungen auf Doo-Wop-Platten, übernimmt die Energie der Hip-Hop-Drums und überzieht das Ganze mit Gesangsstilen aus den 90ern und 2000ern . Aber es sind Martens' Texte, Emotionen und Darbietung, die wirklich alles zusammenbringen und ihm helfen, sich von seinen Kollegen abzuheben. Seine Texte sind ansteckend und poppig und werden mit höchster Klasse und Geschmack umgesetzt, was Les Imprimés die seltene Eigenschaft verleiht, sofort anzusprechen und mit jedem Hören noch besser zu werden. Der aus Kristiansand, Norwegen, stammende Martens spielt fast alle Instrumente auf Fading Forward, produziert und arrangiert das Album und singt natürlich auch. ,Es ist Soulmusik, aber ich habe nicht gerade eine Soulstimme", erklärt Morten bescheiden. ,Aber ich mache es auf meine eigene Art und Weise, auf eine Art, die mir eigen ist." Der Album-Opener ,You & I" ist Mortens Hommage an seine Partnerin, die ,durch das Chaos und die Fehler" mit ihm durchhält. Kraftvolle Drums und kaskadenartige Klaviere machen diesen Song zu einem richtigen Two-Stepper und einer Hymne für diejenigen, die das Glück haben, jemanden zu finden, der sie versteht und ihnen in den Bereichen des Lebens hilft, in denen sie es brauchen. ,Again & Again" verlangsamt das Tempo und beschäftigt sich mit der schwereren Seite der Liebe und des Lebens, während Martens seine Widerstandsfähigkeit angesichts der Missgeschicke, des Herzschmerzes und der Enttäuschungen gescheiterter Liebesbeziehungen bekundet. ,Untainted Love" rückt die süße Seite der neuen Liebe in den Mittelpunkt, mit einer Melodie, die auf den Titel des Klassikers von Gloria Jones anspielt. ,Get Lost" neigt zum Metaphysischen mit der Einladung, die Realität hinter sich zu lassen und Zeit mit Les Imprimés zu verbringen, wo es Raum zum Träumen gibt. ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz zu in ,With You", einem schnellen, beschwingten Song über eine zufällige Begegnung, die Lust auf mehr macht. Martens sehnt sich nach ihr, aber freudig, als ob allein die Erinnerung daran, dass eine solche Verbindung möglich ist, genau das ist, was er wirklich braucht. ,Fading Forward" endet mit einer völlig düsteren Note mit ,Miss The Days", einer langsam brennenden Ballade, die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch besser war. Martens wird von der Gastsängerin Ama Li in ,Miss The Days" begleitet, einer langsam brennenden Ballade , die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch an einem besseren Ort war. Fading Forward endet mit einer ganz und gar düsteren Note mit ,Paradise", einem Lied, das einem verstorbenen Freund Freiheit und Frieden wünscht. In der kleinen Stadt Kristanland in Norwegen lebt ein großes Talent, das den größten Teil seines Lebens damit verbracht hat, sich zurückzuhalten und im Hintergrund zu bleiben. Der Vertrag mit dem New Yorker Label Big Crown Records inspirierte Morten Martens dazu, seine eigene Musik zu veröffentlichen. Die Reaktionen auf sein Debütalbum ,Rêverie" veranlassten ihn, das Studio zu verlassen und auf die Bühne zu gehen, und all dies diente ihm als Inspiration, um seine Kunstfertigkeit auf ein neues Niveau zu heben. Neue Höhen, die auf Fading Forward voll zur Geltung kommen.

L. Jacobs releases his second album, Behind the Great Curve, on the Belgian label Blickwinkel. Featuring contributions from Milan W., Sarah Yu Zeebroek, and Joachim Badenhorst, the follow-up to the surprising debut Enthusiasm was initially composed and recorded in Jacobs’ small attic room and later refined at Milan W.’s Van den Nest Studio, where W. also handled production and mixing.

A line or outline which gradually deviates from being straight for some or all of its length.

Behind the Great Curve explores and celebrates the beauty and universality of the abstract notion above and what we commonly refer to as the curve. Its presence, allegedly, is everywhere. It is a form that appears visually, mathematically, and symbolically — a line that suggests motion, time, expectation, and impermanence.

This album aims to listen to all of this — the poetry, the irony, and the faint background hum of modern life — with quiet curiosity. Within a gently meandering, synthesized landscape, a collection of dreamlike compositions unfolds: delicate melodies, sparse percussion, warm buzzing synths, and fragments of field recordings coexist in carefully measured imperfection. Colorful yet minimal in aesthetic, the album does not seek to explain the curve, but to follow it.

Gregory Hutchinsons "Kind of Now - The Pulse of Miles Davis" ist eine innovative wie neue All-Star-Hommage an Miles und seine Musik entstand unter der Leitung von Gregory Hutchinson, „dem Schlagzeuger seiner Generation“ laut Jazz Magazine. Jetzt erscheint das Album pünktlich zum 100. Geburtstag der Ikone.
Es ist ein faszinierendes und äußerst lohnendes Album, das einigen unsterblichen Klassikern aus Miles Davis’ Repertoire neues Leben einhaucht, wie etwa Charlie Parkers „Ah-Leu-Cha“ oder Miles’ eigenem „Seven Steps To Heaven“, wobei stets das Offensichtliche außer Acht gelassen und stattdessen die „deep cuts“ hervorgehoben werden. Die Schlagzeug-Interludes des Bandleaders verweben dieses über einstündige Programm eng und verleihen ihm eine futuristische Neuheit, ganz in Hutchs Sinn von Zeit. Kind of Now.
Mit Ambrose Akinmusire, Ron Blake, Jakub Bro, Emmanuel Michael, Gerald Clayton & Joe Sanders

Suncraft is an underground rock band from Oslo, Norway. After appearing on the scene with their debut in 2021, they"ve ratcheted up their sound a notch in every conceivable way with their furious and fun new album Welcome To The Coven. Formed in Oslo in 2017, Suncraft built their early identity on mid-tempo stoner rock, but Welcome to the Coven shows the band has broadened their foundation significantly. The album channels classic rock swagger, punk urgency, and flashes of blackened intensity without settling into pastiche or genre collage - think Turbonegro meets Venom with the odd helping of blast beats thrown in and you"re on your way. The album"s eight tracks move fluidly between heavy riffing, hook-forward choruses and sudden shifts in mood, giving the record a restless, forward thinking character that keeps its 40-minute runtime lean and engaging. Welcome To The Coven is a confident step forward for a promising band which emphasizes their sharpened songwriting and willingness to push beyond scene expectations. The album is available on red or black vinyl from Norwegian purveyors of heavy rock label All Good Clean Records.

Suncraft is an underground rock band from Oslo, Norway. After appearing on the scene with their debut in 2021, they"ve ratcheted up their sound a notch in every conceivable way with their furious and fun new album Welcome To The Coven. Formed in Oslo in 2017, Suncraft built their early identity on mid-tempo stoner rock, but Welcome to the Coven shows the band has broadened their foundation significantly. The album channels classic rock swagger, punk urgency, and flashes of blackened intensity without settling into pastiche or genre collage - think Turbonegro meets Venom with the odd helping of blast beats thrown in and you"re on your way. The album"s eight tracks move fluidly between heavy riffing, hook-forward choruses and sudden shifts in mood, giving the record a restless, forward thinking character that keeps its 40-minute runtime lean and engaging. Welcome To The Coven is a confident step forward for a promising band which emphasizes their sharpened songwriting and willingness to push beyond scene expectations. The album is available on red or black vinyl from Norwegian purveyors of heavy rock label All Good Clean Records.

Mit ,GO BOOMER GO!" liefert die Wiener Band POST ein kompromissloses Statement zwischen spätem 70er-Punk und kantigem New Wave. Roh, direkt und mit scharfem Schmäh zerlegt die Band Generationenmythen, Selbsttäuschungen und den ganz normalen Wahnsinn der Gegenwart. Gesungen wird auf Deutsch und im Wiener Dialekt - bissig, poetisch, ungeschönt. POST verorten sich musikalisch zwischen der schnörkellosen Energie von Wilko Johnson und der unbändigen Energie von The Clash, kombiniert mit der gesellschaftskritischen Haltung eines Sigi Maron. Harsche Gitarren, minimalistische Arrangements, stoischer Groove und eine rotzige Attitüde prägen den Sound - keine Retro-Show, sondern ein wütend-zeitgenössisches Update des späten Siebziger-Feelings, das - wie wir ja alle wissen - in Wirklichkeit zeitlos ist. ,GO BOOMER GO!" ist keine bloße Generationskritik, sondern eine Zustandsbeschreibung: Zwischen Wut und Witz, Zynismus und Selbstironie seziert POST gesellschaftliche Spannungen, Bequemlichkeit und kulturelle Stillstände - immer mit Wiener Unterton und einer klaren DIY-Haltung.

Amulets is the solo project of Portland-based audio and visual artist Randall Taylor. Amulets employs handmade cassette tape loops and live processed guitar loops to create live, lush soundscapes and immersive drones. Through the recontextualisation of cassettes, sampling, field recording, and looping, these long-form compositions blur the genres of ambient, drone, noise, and electronic music. Amulets has steadily built a catalog defined by tactile intimacy and patient exploration. Deeply immersive, the album navigates the dreamy boundaries between the tangible and the ethereal, where sound behaves as memory itself: unstable, layered, and quietly transformative. Known for his ability to weave soundscapes that evoke powerful emotions with minimalistic instrumentation, Taylor's newest project is a masterful exploration of mood, atmosphere, and texture.Throughout the ambient soundscapes is introspection, melancholy, and an almost hypnotic calm. The album resists forward motion, instead inviting the listener to linger inside its evolving textures, to sit with what's left behind rather than rush toward resolution. Central to Amulets' identity is Taylor's insistence on working, quite literally, outside the box. While many contemporary experimental artists rely heavily on software, Taylor's process remains rooted in physical interaction with sound. "This album differs from previous albums because it's a lot of found sounds, song fragments, and other samples that I have that I wanted to fuse together. I also heavily relied on a lot of ambient guitar and live guitar recording to marry all the sounds together." (Randall Taylor) FOR FANS OF Tim Hecker * Ben Frost * Lawrence English * Alessandro Cortini * This Will Destroy You * Mono * Windy & Carl

White vinyl. Signed Print Edition. When Jack Tatum began work on Life of Pause, his third full-length to date, he had lofty ambitions: Don't just write another album; create another world. One with enough detail and texture and dimension that a listener could step inside, explore, and inhabit it as they see fit. "I desperately wanted for this to be the kind of record that would displace me," he says. "I'm terrified by the idea of being any one thing, or being of any one genre. And whether or not I accomplish that, I know that my only hope of getting there is to constantly reinvent. That reinvention doesn't need to be drastic, but every new record has to have its own identity, and it has to have a separate set of goals from what came before." What came before: a rightfully acclaimed, much beloved display of singular pop craftsmanship. Tatum's dreamy, unexpected 2010 debut, Gemini, was written while he was still a student at Virginia Tech University. Its equally disarming follow-up, 2012's Nocturne, marked the first time he'd been able to bring his bedroom recordings into a studio, to be performed and fully realized with the help of other musicians. There has been a set of wonderfully expansive EPs in between_each hinting at new directions and punctuating previous ideas_but with Life of Pause, Tatum delivers what he describes as his most "honest" and "mature" work yet, an exquisitely arranged and beautifully recorded collection of songs that marry the immediate with the indefinable. "I allowed myself to go down every route I could imagine even if it ended up not working for me," he says. "I owe it to myself to take as many risks as possible. Songs are songs and you have to allow yourself to be open to everything." After a prolonged period of writing and experimentation, recording took place over several weeks in both Los Angeles and Stockholm, with producer Thom Monahan (Devendra Banhart, Beachwood Sparks) helping Tatum in his search for a more natural and organically textured sound. In Sweden, in a studio once owned by ABBA, they enlisted Peter, Bjorn and John drummer John Ericsson and fellow Swedish Radio Symphony Orchestra veteran Pelle Jacobsson, to contribute drums and marimba. In California, at Monahan's home, Tatum collaborated with Medicine guitarist Brad Laner and a crew of saxophonists. From the hypnotic polyrhythms of "Reichpop" to the sugary howl of "Japanese Alice" to the hallucinogenic R&B of "A Woman's Wisdom," the result is a complete, fully immersive listening environment. "I just kept things really simple, writing as ideas came to me," he says. "There's definitely a different kind of `self' in the picture this time around. There's no real love lost, it's much more a record of coming to terms and defining what it is that you have_your place, your relationships. I view every record as an opportunity to write better songs. At the end of the day it still sounds like me, just new."

Mit bisher über 30 Millionen Streams ihres Katalogs und einer Tournee-Geschichte, die das Download Festival, Graspop, Resurrection sowie Tourneen als Support für Electric Callboy und Bury Tomorrow umfasst, sind As Everything Unfolds sicherlich keine Neulinge in der Szene. Die Band, angeführt von der Powerfrau Charlie Rolfe, ist bekannt für ihre emotionsgeladene Musik sowie ihre dynamischen Live-Auftritte. Nun veröffentlicht die Band ihr drittes Album "DID YOU ASK TO BE SET FREE?" über Century Media Records. Das Album, benannt nach den Lyrics der Single "SET IN FLOW", zeichnet sich durch die bekannte und beliebte musikalische Intensität der Band aus, gepaart mit emotionalen Texten, mit denen sich Fans und neue Hörer gleichermaßen verbunden fühlen werden. Charlie, die sich nicht scheut, über die Inspiration hinter den Tracks zu sprechen, wechselt mühelos zwischen heavy Growls und klarem Gesang und lässt die Musik wie eine Achterbahnfahrt zwischen verschiedenen Genres wirken. Mit einem Feature von Dani Winter-Bates von Bury Tomorrow auf "WHAT YOU WANTED" würdigt die Band ihre Freundschaft und Tournee-Geschichte mit der britischen Metalcore-Band - ein Track, der sicherlich zu einem Fan-Favoriten werden wird. Nach dem Erscheinen des Albums müssen die Fans nicht allzu lange warten, um die neue Musik auch live zu erleben, denn die erste Festivalankündigung für den Sommer steht bereits fest.
Mit "DID YOU ASK TO BE SET FREE?" definieren sich As Everything Unfolds erneut als Band ohne Grenzen und als eine Gruppe, die man in der alternativen Musikszene im Auge behalten sollte - ihre größten Momente liegen vielleicht noch vor ihnen. Das Album wird als Standard-CD-Jewelcase, als trasparent-petrolgrüne LP sowie als digitales Album erhältlich sein.

2024 marked the 50th anniversary of Cymande’s ‘Promised Heights’, a record that closed out an historic three album run of seminal early 1970s Afro-soul that also included their 1972 self-titled debut and 1973’s ‘Second Time Round’

Promised Heights’ solidified Cymande’s place in music history and contains some of their most- beloved and often-sampled tracks such as ‘Brothers On The Slide’.

As children of the Windrush Generation, Cymande were part of the first wave of innovators and originators of the fledgling Black British music scene.

Taking influences from their Guyanese and Jamaican roots, the band fused reggae basslines, Afro-tinged Nyabinghi percussion, psychedelic rock touches, and American style funk instrumentation into a unique sound they dubbed as ‘Nyah-rock’.

‘Promised Heights’ was recorded following the band’s US tour with Al Green, which had firmly planted Cymande in the ears of an adoring American audience.

Broadside has never been a band to stay in one place for too long—musically or otherwise. The Richmond, Virginia-based band has spent the past decade carving out their own space in the pop rock scene. Drawing influence from The Killers, AFI, Kings of Leon, and Taking Back Sunday, their sound seamlessly fuses nostalgic rock energy with a fresh, modern edge. Their evolution has been nothing short of remarkable, taking them from underground favorites to genre staples, all while embracing the idea that growth and change are not just inevitable but necessary. With Oliver Baxxter (vocals), Domenic Reid (guitar), and Patrick Diaz (bass/backup vocals) at the helm, Broadside has built a career on crafting music that feels both deeply personal and universally relatable.

Their last full-length album, Hotel Bleu, served as a bold chapter in their story, using the transient nature of hotel stays as a metaphor for self-reflection, fleeting moments, and personal reinvention. The album marked a significant milestone in their career, amassing over 100 million streams and standing as their boldest, brightest, and most ambitious work to date. Now, as they prepare to enter their next era, the band is gearing up to release their most dynamic music yet, continuing to evolve while staying true to the energy and authenticity that first captivated listeners.

Broadside has never been a band to stay in one place for too long—musically or otherwise. The Richmond, Virginia-based band has spent the past decade carving out their own space in the pop rock scene. Drawing influence from The Killers, AFI, Kings of Leon, and Taking Back Sunday, their sound seamlessly fuses nostalgic rock energy with a fresh, modern edge. Their evolution has been nothing short of remarkable, taking them from underground favorites to genre staples, all while embracing the idea that growth and change are not just inevitable but necessary.

With Oliver Baxxter (vocals), Domenic Reid (guitar), and Patrick Diaz (bass/backup vocals) at the helm, Broadside has built a career on crafting music that feels both deeply personal and universally relatable. Their last full-length album, Hotel Bleu, served as a bold chapter in their story, using the transient nature of hotel stays as a metaphor for self-reflection, fleeting moments, and personal reinvention. The album marked a significant milestone in their career, amassing over 100 million streams and standing as their boldest, brightest, and most ambitious work to date. Now, as they prepare to enter their next era, the band is gearing up to release their most dynamic music yet, continuing to evolve while staying true to the energy and authenticity that first captivated listeners.

Die BRIT Rising Star Gewinnerin 2022 Holly hat sich in kürzester Zeit als eine der ehrlichsten Stimmen
ihrer Generation etabliert. Nach nur zwei EPs, einer Ivor-Novello-Nominierung für „Haunted House“ und
ihrem von Kritikern gefeierten Debütalbum „Paint My Bedroom Black“ (Platz 3 der Charts, 2023), meldet
sie sich mit einem neuen Album „Cruel World“ zurück und widmet sich den stillen Turbulenzen des jungen
Erwachsenenalters.
Inspiriert von romantischer, platonischer und weiblicher Liebe thematisiert Holly Solidarität, Selbstfindung
und das Aufbrechen erlernter Konkurrenz zwischen Frauen – geprägt von einem Aufwachsen unter starken
weiblichen Vorbildern