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Big Crown Records freut sich, das zweite Album von Les Imprimes, ,Fading Forward", zu präsentieren. Unter der Leitung des autodidaktischen Multi-Instrumentalisten und Produzenten Morten Martens beschäftigt sich dieses Album mit Sterblichkeit, Realitätsflucht und einer Vielzahl von Erfahrungen, die mit Liebe verbunden sind. Martens hinterließ mit seinem hochgelobten Debütalbum ,Rêverie" aus dem Jahr 2023 einen bleibenden Eindruck Rêverie einen enormen Eindruck und hat sich seitdem eine treue Fangemeinde aufgebaut, deren Demografie ebenso vielfältig ist wie die Einflüsse, die seine Musik prägen. Er mischt Klänge aus dem Soul der 60er und 70er Jahre mit Anspielungen auf Doo-Wop-Platten, übernimmt die Energie der Hip-Hop-Drums und überzieht das Ganze mit Gesangsstilen aus den 90ern und 2000ern . Aber es sind Martens' Texte, Emotionen und Darbietung, die wirklich alles zusammenbringen und ihm helfen, sich von seinen Kollegen abzuheben. Seine Texte sind ansteckend und poppig und werden mit höchster Klasse und Geschmack umgesetzt, was Les Imprimés die seltene Eigenschaft verleiht, sofort anzusprechen und mit jedem Hören noch besser zu werden. Der aus Kristiansand, Norwegen, stammende Martens spielt fast alle Instrumente auf Fading Forward, produziert und arrangiert das Album und singt natürlich auch. ,Es ist Soulmusik, aber ich habe nicht gerade eine Soulstimme", erklärt Morten bescheiden. ,Aber ich mache es auf meine eigene Art und Weise, auf eine Art, die mir eigen ist." Der Album-Opener ,You & I" ist Mortens Hommage an seine Partnerin, die ,durch das Chaos und die Fehler" mit ihm durchhält. Kraftvolle Drums und kaskadenartige Klaviere machen diesen Song zu einem richtigen Two-Stepper und einer Hymne für diejenigen, die das Glück haben, jemanden zu finden, der sie versteht und ihnen in den Bereichen des Lebens hilft, in denen sie es brauchen. ,Again & Again" verlangsamt das Tempo und beschäftigt sich mit der schwereren Seite der Liebe und des Lebens, während Martens seine Widerstandsfähigkeit angesichts der Missgeschicke, des Herzschmerzes und der Enttäuschungen gescheiterter Liebesbeziehungen bekundet. ,Untainted Love" rückt die süße Seite der neuen Liebe in den Mittelpunkt, mit einer Melodie, die auf den Titel des Klassikers von Gloria Jones anspielt. ,Get Lost" neigt zum Metaphysischen mit der Einladung, die Realität hinter sich zu lassen und Zeit mit Les Imprimés zu verbringen, wo es Raum zum Träumen gibt. ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz zu in ,With You", einem schnellen, beschwingten Song über eine zufällige Begegnung, die Lust auf mehr macht. Martens sehnt sich nach ihr, aber freudig, als ob allein die Erinnerung daran, dass eine solche Verbindung möglich ist, genau das ist, was er wirklich braucht. ,Fading Forward" endet mit einer völlig düsteren Note mit ,Miss The Days", einer langsam brennenden Ballade, die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch besser war. Martens wird von der Gastsängerin Ama Li in ,Miss The Days" begleitet, einer langsam brennenden Ballade , die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch an einem besseren Ort war. Fading Forward endet mit einer ganz und gar düsteren Note mit ,Paradise", einem Lied, das einem verstorbenen Freund Freiheit und Frieden wünscht. In der kleinen Stadt Kristanland in Norwegen lebt ein großes Talent, das den größten Teil seines Lebens damit verbracht hat, sich zurückzuhalten und im Hintergrund zu bleiben. Der Vertrag mit dem New Yorker Label Big Crown Records inspirierte Morten Martens dazu, seine eigene Musik zu veröffentlichen. Die Reaktionen auf sein Debütalbum ,Rêverie" veranlassten ihn, das Studio zu verlassen und auf die Bühne zu gehen, und all dies diente ihm als Inspiration, um seine Kunstfertigkeit auf ein neues Niveau zu heben. Neue Höhen, die auf Fading Forward voll zur Geltung kommen.

Big Crown Records freut sich, das zweite Album von Les Imprimes, ,Fading Forward", zu präsentieren. Unter der Leitung des autodidaktischen Multi-Instrumentalisten und Produzenten Morten Martens beschäftigt sich dieses Album mit Sterblichkeit, Realitätsflucht und einer Vielzahl von Erfahrungen, die mit Liebe verbunden sind. Martens hinterließ mit seinem hochgelobten Debütalbum ,Rêverie" aus dem Jahr 2023 einen bleibenden Eindruck Rêverie einen enormen Eindruck und hat sich seitdem eine treue Fangemeinde aufgebaut, deren Demografie ebenso vielfältig ist wie die Einflüsse, die seine Musik prägen. Er mischt Klänge aus dem Soul der 60er und 70er Jahre mit Anspielungen auf Doo-Wop-Platten, übernimmt die Energie der Hip-Hop-Drums und überzieht das Ganze mit Gesangsstilen aus den 90ern und 2000ern . Aber es sind Martens' Texte, Emotionen und Darbietung, die wirklich alles zusammenbringen und ihm helfen, sich von seinen Kollegen abzuheben. Seine Texte sind ansteckend und poppig und werden mit höchster Klasse und Geschmack umgesetzt, was Les Imprimés die seltene Eigenschaft verleiht, sofort anzusprechen und mit jedem Hören noch besser zu werden. Der aus Kristiansand, Norwegen, stammende Martens spielt fast alle Instrumente auf Fading Forward, produziert und arrangiert das Album und singt natürlich auch. ,Es ist Soulmusik, aber ich habe nicht gerade eine Soulstimme", erklärt Morten bescheiden. ,Aber ich mache es auf meine eigene Art und Weise, auf eine Art, die mir eigen ist." Der Album-Opener ,You & I" ist Mortens Hommage an seine Partnerin, die ,durch das Chaos und die Fehler" mit ihm durchhält. Kraftvolle Drums und kaskadenartige Klaviere machen diesen Song zu einem richtigen Two-Stepper und einer Hymne für diejenigen, die das Glück haben, jemanden zu finden, der sie versteht und ihnen in den Bereichen des Lebens hilft, in denen sie es brauchen. ,Again & Again" verlangsamt das Tempo und beschäftigt sich mit der schwereren Seite der Liebe und des Lebens, während Martens seine Widerstandsfähigkeit angesichts der Missgeschicke, des Herzschmerzes und der Enttäuschungen gescheiterter Liebesbeziehungen bekundet. ,Untainted Love" rückt die süße Seite der neuen Liebe in den Mittelpunkt, mit einer Melodie, die auf den Titel des Klassikers von Gloria Jones anspielt. ,Get Lost" neigt zum Metaphysischen mit der Einladung, die Realität hinter sich zu lassen und Zeit mit Les Imprimés zu verbringen, wo es Raum zum Träumen gibt. ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz zu in ,With You", einem schnellen, beschwingten Song über eine zufällige Begegnung, die Lust auf mehr macht. Martens sehnt sich nach ihr, aber freudig, als ob allein die Erinnerung daran, dass eine solche Verbindung möglich ist, genau das ist, was er wirklich braucht. ,Fading Forward" endet mit einer völlig düsteren Note mit ,Miss The Days", einer langsam brennenden Ballade, die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch besser war. Martens wird von der Gastsängerin Ama Li in ,Miss The Days" begleitet, einer langsam brennenden Ballade , die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch an einem besseren Ort war. Fading Forward endet mit einer ganz und gar düsteren Note mit ,Paradise", einem Lied, das einem verstorbenen Freund Freiheit und Frieden wünscht. In der kleinen Stadt Kristanland in Norwegen lebt ein großes Talent, das den größten Teil seines Lebens damit verbracht hat, sich zurückzuhalten und im Hintergrund zu bleiben. Der Vertrag mit dem New Yorker Label Big Crown Records inspirierte Morten Martens dazu, seine eigene Musik zu veröffentlichen. Die Reaktionen auf sein Debütalbum ,Rêverie" veranlassten ihn, das Studio zu verlassen und auf die Bühne zu gehen, und all dies diente ihm als Inspiration, um seine Kunstfertigkeit auf ein neues Niveau zu heben. Neue Höhen, die auf Fading Forward voll zur Geltung kommen.

Mango Glow Edition. Das experimentelle Berliner Trio ZAHN kehrt mit seinem bislang elektrisierendsten Werk zurück. Eine üppige Fusion aus Schwere, Elektronik und halluzinatorischen Farben. Monolithische Grooves treffen auf synthetischen Schimmer. PURPUR strahlt Spannung und Gefahr aus und pulsiert mit Tiefe und Dichte. Bekannt für ihren intensiven, treibenden Sound, der den unerbittlichen Marsch einer Welt am Abgrund widerspiegelt, vertieft das Trio ZAHN - Chris Breuer, Nic Stockmann und Felix Gebhard - seine klangliche Erkundung mit einem Album, das gleichzeitig elektronischer und rockiger ist als seine gefeierten Vorgänger. Purpur orientiert sich am lebhaften Cover des Albums - einer Explosion aus Trauben und Beeren, die seinen üppigen, farbenfrohen Sound widerspiegelt. Das Album verbindet kraftvolle Genres zu etwas Frischem und Elektrisierendem: schwere Fundamente treffen auf reichhaltige elektronische Texturen und schaffen Schichten aus Farbe, Komplexität und einem Hauch von halluzinatorischer Süße. Erneut in Gyhum mit dem Toningenieur Peter Voigtmann (ex-The Ocean, Death By Gong, Heads.) aufgenommen, tritt Purpur in die Fußstapfen der bisherigen Werke der Band, markiert aber auch einen mutigen Sprung nach vorne. Gastbeiträge von Fabian Bremer (Radare, AUA) und Kjetil Nernes (Årabrot) vertiefen das Gefühl der Unruhe und Faszination des Albums, während Magnus Lindberg (Cult of Luna) mit seinem Mix und Mastering dem Album die Tiefe eines unterirdischen Pulses verleiht - knackig, schwer und lebendig mit mikroskopischen Details. Während ,Adria" eine lebhafte Flucht durch Krautrock, Dark Jazz, Noise Rock und Post-Punk bot, zieht ,Purpur" die Zuhörer in eine dichtere, komplexere und eng verwobene Klanglandschaft. Das dritte Album der Band ist ein berauschender Wirbel aus synthetischem Puls und physischer Schwere - ein Album, das sich eher wie fermentiert als wie komponiert anfühlt.

Mit Home Safe veröffentlicht der Pariser Produzent und Songwriter Crayon am 24. Oktober sein lang erwartetes Debütalbum auf Erased Tapes. Nach Jahren als gefragter Produzent für französische Rap-Größen wie Josman und Dinos tritt Crayon nun selbst ins Rampenlicht - mit einem Werk, das Soul, Folk, Jazz, Hip-Hop und Elektronik zu einem warmen, vielschichtigen Klangkosmos vereint. Die Entstehung des Albums begann in einer Pariser WG, wo Crayon und Jazzpianist Bastien Brison intime Jam-Sessions veranstalteten. Aus dieser kreativen Gemeinschaft entstand ein Sound, der orchestrale Größe mit der Intimität von Bedroom-Produktionen verbindet. Nach einer persönlichen Rückzugsphase in seinem Elternhaus verfeinerte Crayon über drei Jahre die Klangästhetik des Albums - inspiriert von Erinnerungen an das Zuhause und der Frage: Was bedeutet Heimat für dich? Das Ergebnis ist ein zutiefst persönliches, visuell geprägtes Album mit Gästen wie FKJ, ELIZA, Rhye, anaiis, Yamê und Arthur Teboul. Tracks wie Home Safe und Diamond Miner laden ein in eine Welt, in der Sound, Bild und Emotion verschmelzen.

Hurts Like Hell ist Charlotte Cornfields sechstes Album und das erste, das sie seit der Geburt ihrer Tochter aufgenommen hat - ein Wendepunkt für sie als Mensch und Künstlerin. Die wiederkehrenden Themen des Albums - persönliche Entwicklung und Erneuerung, die Beständigkeit der Liebe trotz Schwierigkeiten, Scham und Unbeholfenheit - haben dort ihren Ursprung. ,Diese Erfahrung hat mich aus mir selbst herausgeholt und mir eine andere Sichtweise auf die Dinge gegeben", sagt sie. ,Die Verletzlichkeit, Zerbrechlichkeit und Wildheit des Ganzen haben dazu geführt, dass ich mich weniger auf mich selbst konzentriere und mehr Abstand gewinne." Hurts Like Hell ist das offenste und stimmgewaltigste Album ihrer Karriere und auch dasjenige, an dem am meisten mitgearbeitet wurde. Cornfield zog sich in Philip Weinrobes Sugar Mountain Studio in Brooklyn zurück und wurde von einer kompletten Begleitband unterstützt, darunter El Kempner von Palehound, Bridget Kearney von Lake Street Dive, Adam Brisbin und Sean Mullins, mit wichtigen Beiträgen von Núria Graham und Daniel Pencer. Cornfield holte dann Feist, Buck Meek, Christian Lee Hutson und Maia Friedman als Gastsänger für das Album dazu. Das Ergebnis dieses Prozesses wird sofort in der Lead-Single ,Hurts Like Hell" deutlich, einem von Country-Klängen durchdrungenen Sehnsuchtslied, das Cornfield als ,eine Liebesgeschichte schüchterner Menschen" bezeichnet, wobei die Band Cornfields eigenwilligen Flow aufnimmt, als wolle sie das Herz ihrer Protagonistin wiegen. Dass der Song so verletzlich und so lebendig ist, ist eine Frage des Vertrauens zwischen Cornfield und ihren Bandkollegen, untereinander und in ihr Bauchgefühl. Ihr Sound liegt irgendwo zwischen Nashville Skyline und Harvest - eine warme, reichhaltige Antwort auf ihren verletzten, aber suchenden Ruf. Ein Großteil der Magie von Hurts Like Hell entsteht in dem Raum, den Cornfield für Harmonie schafft. Von Meek oder Hutson aufgegriffen, werden die Charaktere wie mit einem Pinselstrich zum Leben erweckt. Wenn Kempner oder Kearney hinzukommen, entsteht eine schillernde Facette der natürlichen, blitzartigen Chemie ihrer Band. In ,Kitchen" spiegelt Friedman Cornfields Erstaunen darüber wider, dass sie sich verliebt hat, und bringt die Emotion auf ihren ätherischen Höhepunkt. In ,Living With It" wird sie von Feist begleitet, die Cornfield über einen Gruppenchat für Mütter, die als Musikerinnen auf Tournee sind, kennengelernt hat. Cornfield ist mit den Narben ihrer Vergangenheit und der Hoffnung für die Zukunft zu diesem Album gekommen. Sie hat sich selbst von außen betrachtet und überlegt, was sie mit ihrer Musik nach der Geburt ihres Kindes erreichen will. Dabei war sie mutig genug, um Freiraum, Zeit und Hilfe von vertrauten und unerwarteten Quellen zu bitten - einem Gruppenchat, Songwritern, die sie bewundert, aber nicht persönlich kennt, Freunden, deren längst vergessener Song ihr den Refrain für einen neuen Song geliefert hat. Jedes ,Ja", jede Sprachmemo, jede geteilte Datei, jede offene Tür führte zu diesem Moment in Charlotte Cornfields Karriere. Nenn diesen Moment, wie du willst - eine Erweiterung, eine Wiedergeburt, ein Durchbruch - Hurts Like Hell ist groß genug, um ihm gerecht zu werden, und hat nichts von Cornfields Charme, Witz oder Dringlichkeit verloren. Es ist gleichzeitig eine Bestätigung ihrer Stellung unter den großen Singer-Songwritern ihrer Generation und die erste Formulierung ihrer Zukunft, egal welche Unsicherheiten und welche Liebe sie mit sich bringen mag.

Hurts Like Hell ist Charlotte Cornfields sechstes Album und das erste, das sie seit der Geburt ihrer Tochter aufgenommen hat - ein Wendepunkt für sie als Mensch und Künstlerin. Die wiederkehrenden Themen des Albums - persönliche Entwicklung und Erneuerung, die Beständigkeit der Liebe trotz Schwierigkeiten, Scham und Unbeholfenheit - haben dort ihren Ursprung. ,Diese Erfahrung hat mich aus mir selbst herausgeholt und mir eine andere Sichtweise auf die Dinge gegeben", sagt sie. ,Die Verletzlichkeit, Zerbrechlichkeit und Wildheit des Ganzen haben dazu geführt, dass ich mich weniger auf mich selbst konzentriere und mehr Abstand gewinne." Hurts Like Hell ist das offenste und stimmgewaltigste Album ihrer Karriere und auch dasjenige, an dem am meisten mitgearbeitet wurde. Cornfield zog sich in Philip Weinrobes Sugar Mountain Studio in Brooklyn zurück und wurde von einer kompletten Begleitband unterstützt, darunter El Kempner von Palehound, Bridget Kearney von Lake Street Dive, Adam Brisbin und Sean Mullins, mit wichtigen Beiträgen von Núria Graham und Daniel Pencer. Cornfield holte dann Feist, Buck Meek, Christian Lee Hutson und Maia Friedman als Gastsänger für das Album dazu. Das Ergebnis dieses Prozesses wird sofort in der Lead-Single ,Hurts Like Hell" deutlich, einem von Country-Klängen durchdrungenen Sehnsuchtslied, das Cornfield als ,eine Liebesgeschichte schüchterner Menschen" bezeichnet, wobei die Band Cornfields eigenwilligen Flow aufnimmt, als wolle sie das Herz ihrer Protagonistin wiegen. Dass der Song so verletzlich und so lebendig ist, ist eine Frage des Vertrauens zwischen Cornfield und ihren Bandkollegen, untereinander und in ihr Bauchgefühl. Ihr Sound liegt irgendwo zwischen Nashville Skyline und Harvest - eine warme, reichhaltige Antwort auf ihren verletzten, aber suchenden Ruf. Ein Großteil der Magie von Hurts Like Hell entsteht in dem Raum, den Cornfield für Harmonie schafft. Von Meek oder Hutson aufgegriffen, werden die Charaktere wie mit einem Pinselstrich zum Leben erweckt. Wenn Kempner oder Kearney hinzukommen, entsteht eine schillernde Facette der natürlichen, blitzartigen Chemie ihrer Band. In ,Kitchen" spiegelt Friedman Cornfields Erstaunen darüber wider, dass sie sich verliebt hat, und bringt die Emotion auf ihren ätherischen Höhepunkt. In ,Living With It" wird sie von Feist begleitet, die Cornfield über einen Gruppenchat für Mütter, die als Musikerinnen auf Tournee sind, kennengelernt hat. Cornfield ist mit den Narben ihrer Vergangenheit und der Hoffnung für die Zukunft zu diesem Album gekommen. Sie hat sich selbst von außen betrachtet und überlegt, was sie mit ihrer Musik nach der Geburt ihres Kindes erreichen will. Dabei war sie mutig genug, um Freiraum, Zeit und Hilfe von vertrauten und unerwarteten Quellen zu bitten - einem Gruppenchat, Songwritern, die sie bewundert, aber nicht persönlich kennt, Freunden, deren längst vergessener Song ihr den Refrain für einen neuen Song geliefert hat. Jedes ,Ja", jede Sprachmemo, jede geteilte Datei, jede offene Tür führte zu diesem Moment in Charlotte Cornfields Karriere. Nenn diesen Moment, wie du willst - eine Erweiterung, eine Wiedergeburt, ein Durchbruch - Hurts Like Hell ist groß genug, um ihm gerecht zu werden, und hat nichts von Cornfields Charme, Witz oder Dringlichkeit verloren. Es ist gleichzeitig eine Bestätigung ihrer Stellung unter den großen Singer-Songwritern ihrer Generation und die erste Formulierung ihrer Zukunft, egal welche Unsicherheiten und welche Liebe sie mit sich bringen mag.

"Nachpressung als limitiertes gelbes Vinyl! Das in Australien gegründete und in LA ansässige Duo VOWWS meldet sich mit „I'll Fill Your House With an Army“ zurück, ihrem bisher ehrgeizigsten und am besten umgesetzten Album.

„I'll Fill Your House With an Army“ (2025) ist der Höhepunkt der kühnsten Ideen der Band und zeigt, wie VOWWS, bestehend aus Rizz und Matt James, ihre charakteristische „Death-Pop“-Ästhetik vertiefen: eine genreübergreifende Mischung aus industrieller Elektronik, alternativem Rock, cineastischer Nostalgie und melancholischer Pop-Sensibilität. Co-produziert von Billy Howerdel (A Perfect Circle) und mit Gastauftritten von Josh Freese (A Perfect Circle, NIN, Devo) und James „Munky“ Shaffer (KORN), ist das Album eine Reise durch Sehnsucht, Entfremdung und die surreale Schönheit des Chaos.

Dieses Album zeigt perfekt die dynamische Bandbreite des Duos: von verzerrter Intimität bis hin zu gewaltigen Klangattacken reflektieren VOWWS ein zerbrochenes Spiegelbild des modernen Zustands - romantisch, aber desillusioniert, viszeral und doch seltsam erhebend.

Nachdem sie sich durch Touren mit den Deftones, Twin Temple und Poppy bereits eine kultige Fangemeinde erspielt haben und gerade einen bahnbrechenden Live-Auftritt im Golden Gate Park neben System of a Down und The Mars Volta absolviert haben, sind VOWWS bereit, ihr Vermächtnis mit dieser Veröffentlichung zu zementieren. Ihr künstlerisches Ethos, unbeugsam in einer Ära der Wegwerfbarkeit, hat sie auch in die Welt der High Fashion geführt, wo sie mit Comme des Garçons, Givenchy und Byredo zusammenarbeiten.

“The spirit moves us to sing these fight songs”, schreiben die Irreversible Entanglements in einem Statement
zu ihrem von Fans heiß erwarteten zweiten Album auf Impulse! Records. Seit zehn Jahren mischt die Band
mit spektakulären Live-Auftritten und abenteuerlichen Alben nun schon die internationale Jazzszene auf.
Das Quintett um die Spoken-Word-Künstlerin Camae Ayewa (a.k.a. Moor Mother), die als “Internationale
Künstlerin des Jahres” mit dem Deutschen Jazzpreis 2023 ausgezeichnet wurde, ist in der Vergangenheit
schon mit John und Alice Coltrane, Pharoah Sanders, aber auch der Schroffheit des Punk und aktuellen
Zeitgenossen wie Shabaka Hutchings und Makaya McCraven verglichen worden.
Sein zweites Impulse!-Album ”Future Present Past“ hat das Quintett erneut im legendären Rudy Van
Gelder Studio aufgenommen, in dem auch der Coltrane-Klassiker ”A Love Supreme“ entstand. Mit dem
Album wollen die fünf Musiker einmal mehr dynamischen Jazz, globale Musiktraditionen, Spoken Word
und klare politische Standpunkte verbinden. Als Gäste sind erstmals die beiden Künstler MOTHERBOARD
und Helado Negro dabei.

Stan Getz‘ Albumklassiker “Jazz Samba“ war ein derartiger Welterfolg, dass 1963 mit ”Jazz Samba Encore!” eine Fortsetzung folgte, allerdings diesmal nicht mit Gitarrist Charlie Byrd sondern dem legendären
Luiz Bonfá. Als Gäste glänzen hier Antônio Carlos Jobim und die Sängerin Maria Toledo, zu hören sind nicht
nur Titel aus Bonfás Feder, sondern auch drei Jobim-Klassiker, darunter ”Só Danço Samba” und ”Insensatez”. Die Wiederveröffentlichung dieser Latin-Jazz-Perle innerhalb der audiophilen Acoustic Sounds Serie
von Verve lässt den Hörer die musikalischen und aufnahmetechnischen Finessen des Albums perfekt erleben.

Bossa-Nova-Königin Astrud Gilberto in neuem Glanz. Nachdem ihr Gastauftritt auf dem legendären Album „Getz/Gilberto“ sie berühmt gemacht hatte, war dies ihr zweites Album unter eigenem Namen, es
machte sie endgültig zum Star der Bossa-Nova-Welle, die in den 1960er Jahren die ganze Welt eroberte.
Ihre unverwechselbare Stimme wird hier von sanft swingenden Arrangements von Don Sebesky und Claus
Ogerman umrahmt, die die Songs aus Bossa, Jazz und Pop perfekt veredeln.

Nach eineinhalb Dekaden, in denen Musiker und Produzent Christopher van Deylen alias Schiller das Publikum mit seiner ganz besonderen Mischung aus Pop, Ambient und Electro verzaubert, erschien mit Zeitreise
– Das Beste von Schiller die allererste Werkschau des deutschen Ausnahmekünstlers, welcher seine Fans
regelmäßig zu aufregenden Kurztrips in seinen ganz eigenen Soundkosmos einlädt. Ein Universum von
unbeschreiblicher Klangvielfalt, in dem Deutschlands wohl faszinierendster Elektronik-Artist in regelmäßigen Abständen von hochkarätigen musikalischen Gästen wie Owl City, Mike Oldfield, Unheilig oder dem
chinesischen Starpianisten Lang Lang besucht wird.
Mit Zeitreise – Das Beste von Schiller erschien im Dezember 2016 der allererste Querschnitt durch sein
bisheriges Schaffen, angefangen bei Auskopplungen aus Schillers Anfängen, bis hin zu Tracks der letzten drei #1-Alben Atemlos, Sonne und Future. Die Essenz von Schiller und der ideale Soundtrack zum
Träumen und Entspannen. Parallel zu Zeitreise – Das Beste von Schiller veröffentlichte Schiller das auf
der sensationellen Arena-Tour aufgenommene Live-Album Zeitreise – Live: Ein unglaublicher Rausch aus
atmosphärisch-tanzbaren Sounds, die Schiller stimmungsvoll in Live-Albumformat einfangen konnte.
Beide Versionen von Zeitreise erscheinen nun einzeln als farbige Vinyl Neuauflagen. Die Best Of Studioversion als cremeweiße 2LP, die Live-Version von Zeitreise ebenfalls als 2LP, auf transparentem Blau.

Nach eineinhalb Dekaden, in denen Musiker und Produzent Christopher van Deylen alias Schiller das Publikum mit seiner ganz besonderen Mischung aus Pop, Ambient und Electro verzaubert, erschien mit Zeitreise
– Das Beste von Schiller die allererste Werkschau des deutschen Ausnahmekünstlers, welcher seine Fans
regelmäßig zu aufregenden Kurztrips in seinen ganz eigenen Soundkosmos einlädt. Ein Universum von
unbeschreiblicher Klangvielfalt, in dem Deutschlands wohl faszinierendster Elektronik-Artist in regelmäßigen Abständen von hochkarätigen musikalischen Gästen wie Owl City, Mike Oldfield, Unheilig oder dem
chinesischen Starpianisten Lang Lang besucht wird.
Mit Zeitreise – Das Beste von Schiller erschien im Dezember 2016 der allererste Querschnitt durch sein
bisheriges Schaffen, angefangen bei Auskopplungen aus Schillers Anfängen, bis hin zu Tracks der letzten drei #1-Alben Atemlos, Sonne und Future. Die Essenz von Schiller und der ideale Soundtrack zum
Träumen und Entspannen. Parallel zu Zeitreise – Das Beste von Schiller veröffentlichte Schiller das auf
der sensationellen Arena-Tour aufgenommene Live-Album Zeitreise – Live: Ein unglaublicher Rausch aus
atmosphärisch-tanzbaren Sounds, die Schiller stimmungsvoll in Live-Albumformat einfangen konnte.
Beide Versionen von Zeitreise erscheinen nun einzeln als farbige Vinyl Neuauflagen. Die Best Of Studioversion als cremeweiße 2LP, die Live-Version von Zeitreise ebenfalls als 2LP, auf transparentem Blau.

Mizery aus San Diego sind ein rebellisches Kraftpaket, das mit seinem Crossover-Hardcore-Sound für Aufsehen sorgen will. Mizery wurden 2014 mit ihrer EP ,Survive The Vibe" bekannt, gefolgt von ihrem 2016 erschienenen Album ,Absolute Light" (Flatspot Records). Mit ihren groovigen Rhythmen und dynamischen Live-Auftritten erregten sie schnell Aufmerksamkeit. Die Idee zu Mizery hatten die Kindheitsfreunde Jose Luna (Gesang) und Taylor Parker (Leadgitarre). Als die beiden den Schlagzeuger Cayle Sain trafen, wurde aus der Idee echt was. Bald darauf holten sie Miguel ,Mikey" Salazar am Bass dazu und begannen als Vierergruppe zu komponieren. Nach der Veröffentlichung des Albums tourten Mizery mit Genre-Größen wie Power Trip, Terror und Backtrack und nahmen Ahmad Ali am Bass auf, wodurch Mikey zur Rhythmusgitarre wechselte. Wie der Rest der Welt kam auch die Band während der Pandemie zum Stillstand, schrieb aber weiter Songs und war bereit, mit voller Kraft zurückzukommen. Im Dezember 2023 erschütterte der unerwartete Tod des Schlagzeugers Cayle Sain, der auch mit Twitching Tongues, God's Hate und GhosteMane auftrat, die Musikszene und brachte Mizery verständlicherweise zum Stillstand. Während sie ihre Trauer verarbeiteten und nachdachten, wussten die Mitglieder von Mizery, dass sie weitermachen mussten, und eine gefundene Aufnahme gab ihnen ein neues Ziel. Jose und Taylor entdeckten, dass Cayle die Vorproduktions-Demos, die sie ihm geschickt hatten, genommen und in einem professionellen Studio Schlagzeugspuren dafür aufgenommen hatte. Mit der Hilfe des Produzenten Taylor Young (The Pit) konnte die Band diese Schlagzeugspuren bekommen und sie für ihre selbstbetitelte EP verwenden. Die Mizery-EP, die am 20. März 2026 bei Flatspot Records erscheinen soll, ist ein offen politisches Album, das sich um Erneuerung und Reflexion dreht. In den sechs Tracks werden die Texte als Waffe eingesetzt, wie Jose erklärt: ,Es ist eine Reflexion einer Welt, die einige von uns sehen und andere ignorieren. Die Gewalttaten, die Angst vor Gewalt und die Auswirkungen von Gewalt." Die Songs weichen von einem geradlinigen Kurs ab und mischen mitreißende Rap-Gesangspassagen mit metallischen Riffs, einfallsreichen Grooves und einigen Überraschungen. Die Einflüsse stammen von Leeways ,Adult Crash", Merauders ,5 Deadly Venoms" und Only Living Witness' ,Innocents", kombiniert mit den Werken von Rage Against The Machine und P.O.D., die die Bandmitglieder in ihrer Jugend geprägt haben. Schon beim Opener ,Renegade Rhythm" wird klar, dass Mizery es ernst meint, wenn sie sich mit dem Zustand der Welt auseinandersetzen und dabei Musik machen, die im Kopf bleibt. ,The Weapon PT.II" ist der lauteste Track auf der EP und setzt auf Worte, um Veränderungen zu bewirken, statt auf physische Gewalt. Den Abschluss der EP bildet der selbstgerechte Song ,Eulogy" mit Gastgesang von Sammy Ciaramitaro von DRAIN. Der Song entstand als frühe Demo und war der einzige Track, für den Cayle programmierte Drums anstelle von Studioaufnahmen verwendet hatte. Um die Single zu vervollständigen, sprang Schlagzeuger David Stalsworth (Militarie Gun, Torena) bei den Aufnahmen ein und ist nun Mitglied von Mizery. Während manche die Veröffentlichung der EP als Triumph betrachten mögen, ist sie für Mizery ein Beweis für ihre Beharrlichkeit und zeigt, dass die Band bereit ist, in eine neue Ära einzutreten.

Mizery aus San Diego sind ein rebellisches Kraftpaket, das mit seinem Crossover-Hardcore-Sound für Aufsehen sorgen will. Mizery wurden 2014 mit ihrer EP ,Survive The Vibe" bekannt, gefolgt von ihrem 2016 erschienenen Album ,Absolute Light" (Flatspot Records). Mit ihren groovigen Rhythmen und dynamischen Live-Auftritten erregten sie schnell Aufmerksamkeit. Die Idee zu Mizery hatten die Kindheitsfreunde Jose Luna (Gesang) und Taylor Parker (Leadgitarre). Als die beiden den Schlagzeuger Cayle Sain trafen, wurde aus der Idee echt was. Bald darauf holten sie Miguel ,Mikey" Salazar am Bass dazu und begannen als Vierergruppe zu komponieren. Nach der Veröffentlichung des Albums tourten Mizery mit Genre-Größen wie Power Trip, Terror und Backtrack und nahmen Ahmad Ali am Bass auf, wodurch Mikey zur Rhythmusgitarre wechselte. Wie der Rest der Welt kam auch die Band während der Pandemie zum Stillstand, schrieb aber weiter Songs und war bereit, mit voller Kraft zurückzukommen. Im Dezember 2023 erschütterte der unerwartete Tod des Schlagzeugers Cayle Sain, der auch mit Twitching Tongues, God's Hate und GhosteMane auftrat, die Musikszene und brachte Mizery verständlicherweise zum Stillstand. Während sie ihre Trauer verarbeiteten und nachdachten, wussten die Mitglieder von Mizery, dass sie weitermachen mussten, und eine gefundene Aufnahme gab ihnen ein neues Ziel. Jose und Taylor entdeckten, dass Cayle die Vorproduktions-Demos, die sie ihm geschickt hatten, genommen und in einem professionellen Studio Schlagzeugspuren dafür aufgenommen hatte. Mit der Hilfe des Produzenten Taylor Young (The Pit) konnte die Band diese Schlagzeugspuren bekommen und sie für ihre selbstbetitelte EP verwenden. Die Mizery-EP, die am 20. März 2026 bei Flatspot Records erscheinen soll, ist ein offen politisches Album, das sich um Erneuerung und Reflexion dreht. In den sechs Tracks werden die Texte als Waffe eingesetzt, wie Jose erklärt: ,Es ist eine Reflexion einer Welt, die einige von uns sehen und andere ignorieren. Die Gewalttaten, die Angst vor Gewalt und die Auswirkungen von Gewalt." Die Songs weichen von einem geradlinigen Kurs ab und mischen mitreißende Rap-Gesangspassagen mit metallischen Riffs, einfallsreichen Grooves und einigen Überraschungen. Die Einflüsse stammen von Leeways ,Adult Crash", Merauders ,5 Deadly Venoms" und Only Living Witness' ,Innocents", kombiniert mit den Werken von Rage Against The Machine und P.O.D., die die Bandmitglieder in ihrer Jugend geprägt haben. Schon beim Opener ,Renegade Rhythm" wird klar, dass Mizery es ernst meint, wenn sie sich mit dem Zustand der Welt auseinandersetzen und dabei Musik machen, die im Kopf bleibt. ,The Weapon PT.II" ist der lauteste Track auf der EP und setzt auf Worte, um Veränderungen zu bewirken, statt auf physische Gewalt. Den Abschluss der EP bildet der selbstgerechte Song ,Eulogy" mit Gastgesang von Sammy Ciaramitaro von DRAIN. Der Song entstand als frühe Demo und war der einzige Track, für den Cayle programmierte Drums anstelle von Studioaufnahmen verwendet hatte. Um die Single zu vervollständigen, sprang Schlagzeuger David Stalsworth (Militarie Gun, Torena) bei den Aufnahmen ein und ist nun Mitglied von Mizery. Während manche die Veröffentlichung der EP als Triumph betrachten mögen, ist sie für Mizery ein Beweis für ihre Beharrlichkeit und zeigt, dass die Band bereit ist, in eine neue Ära einzutreten.

Mit "Galgenlieder" präsentiert der Club der toten Dichter sein Jubiläumsprojekt zum 20-jährigen Bestehen - eine außergewöhnliche Neuvertonung der legendären Gedichte Christian Morgensterns. Dessen skurriler Humor, philosophische Tiefe und spielerische Leichtigkeit bilden die ideale Grundlage für Reinhardt Repkes musikalische Neuinterpretationen, die den berühmten Texten wie "Der Lattenzaun", "Das Mondschaf" oder "Der Werwolf" ein zeitgemäßes, berührendes Klanggewand verleihen. Für dieses achte Programm des Clubs konnte Schauspieler Hans-Werner Meyer als Gastsänger gewonnen werden. Seine spontane Begeisterung - und seine persönliche Verbindung zu Morgensterns Lyrik - prägen den intensiven Vortrag zwischen Ironie, Wärme und feiner Melancholie. Begleitet wird er von Markus Runzheimer (Element of Crime), der Bass, Percussion und Gesang beisteuert. Bandgründer Reinhardt Repke zeichnet erneut für die Kompositionen verantwortlich und formt mit Gitarre und Stimme den charakteristischen Sound des Projekts.

First vinyl release from Gastric Acid featuring Hedonist and FUKNO.
Limited to 120 on black vinyl

Die internationale Rocksensation The Hives, die beste Liveband der Welt und immer noch eure neue Lieblingsband, hat wieder einmal, schneller als erwartet, ein neues Werk geschaffen, wie man es noch nie gehört hat und wahrscheinlich auch nie wieder hören wird. Ihr siebtes Album 'The Hives Forever Forever The Hives' erscheint am 29. August auf dem ehrwürdigen Label Play It Again Sam. Ein neues Album voller Energie, Freude, Wut und Leben! Jeder einzelne Song eine Single, jede einzelne Single ein Hit, jeder Hit ein Volltreffer mitten ins Gesicht. Diese neue Meisterwerk entstand unter der Leitung des langjährigen Kollaborateurs Pelle Gunnerfeldt in Stockholm. Mike D von den legendären Beastie Boys ist als Gast vertreten und auch Josh Homme (Queens Of The Stone Age) stand mit Rat und Tat zur Seite.

The Hives, bestehend aus Howlin’ Pelle, Chris Dangerous, The Johan And Only, Nicholaus Arson und Vigilante Carlstroem, haben sich in über dreißig Jahren in die Annalen der Rockgeschichte eingeschrieben. Dank ihrer Erfolge füllten sie große Stadien und teilten die Bühne mit so monumentalen Acts wie AC/DC und den Rolling Stones. Die BBC bezeichnete sie als „Naturgewalt“, und der Rolling Stone kürte ihr Album 'Veni Vidi Vicious' zu einem der 100 besten Alben des Jahrzehnts. Mit Millionen verkaufter Alben, Platin-Auszeichnungen und zahlreichen Preisen - Grammys, MTV Awards, NME Awards - gelten sie als Titanen der Musikwelt. Oder wie Joe Strummer es gesagt hat: The Hives haben den Rock ’n’ Roll gerettet!

Zwei Plattenspieler und ein Mikrofon. In der Klarheit dieser einfachen Schlussformel liegt eine Wahrheit - eine Wahrheit, die zugleich erahnen lässt, wie groß die Möglichkeiten innerhalb dieser Grenzen sind. Manchmal muss man daran erinnert werden.I Guess U Had To Be There, das neue Album des New Yorker Rappers ELUCID und des erfahrenen Produzenten Sebb Bash, ist genau so ein Fall. So frisch, als wäre es morgen entstanden - und doch kann man darauf wetten, dass man es auch 1989 hätte auflegen können und sofort alle Köpfe mitgenickt hätten.Es gibt Momente in der Musik, in denen Meister ihres Fachs sich auf dem Höhepunkt ihrer jeweiligen Schaffenskraft begegnen - Alben wie Madvillainy, Liquid Swords, Dr. Octagonecologyst oder Hell Hath No Fury -, bei denen das Ergebnis mehr ist als die Summe seiner Teile. ELUCID und Sebb Bash bewegen sich auf I Guess U Had To Be There genau in dieser berauschenden, scheinbar mühelosen Sphäre.Alles wirkt zugleich vertraut und bahnbrechend. Die Beats verschieben und wenden sich unter ELUCIDs Füßen, doch er balanciert sie wie auf einem Drahtseil - seine Performance so beweglich wie die einer Bergziege, Produzent und Rapper in perfekter Synchronität. Einige leuchtende Stars haben unvergessliche Gastauftritte: billy woods, Breezly Brewin, Estee Nack und Shabaka Hutchings. Doch im Kern ist dies eine Zwei-Mann-Show, und das Duo hält den Fokus genau dort, wo er hingehört.I Guess U Had To Be There ist ein fesselndes, konventionssprengendes Hörerlebnis und ein neuer Höhepunkt im Schaffen zweier der besten Künstler dieses Genres.

Ora Cogans Musik ist wie Alchemie: teils Instinkt, teils Ritual und immer aus den Ecken entstanden, wo das Leben am intensivsten ist. ,Hard Hearted Woman", ihr Debüt bei Sacred Bones, ist wie ein Zauber für alle, die in einer immer härter werdenden Welt wild bleiben wollen. Mit einer Mischung aus eindringlichem Folk, Psych Rock und einem Hauch von Country schafft Cogan eine Welt, in der Katharsis üppig, geheimnisvoll und lebenswichtig ist. Geschrieben im ,Twin Peaks"-ähnlichen Nanaimo, British Columbia, entstand ,Hard Hearted Woman" aus einer Mischung aus kalten Wasserbädern, langen Schwimmrunden im Fluss, nächtlichen Gesprächen mit Freunden über Kunst und Politik und langen Autofahrten durch die ländliche Landschaft von Lillooet, um ihre Patin zu besuchen. Sie nahm das Album mit ihrer geliebten Band und Gästen aus der Country- und Experimentalmusikszene zusammen mit David Parry (Loving) im Dream Club in Victoria, British Columbia, sowie in ihrem Studio in Nanaimo und aus der Ferne mit Tom Deis auf. Das Ergebnis ist ein Album, das wie etwas aus Rauch und Meerwasser geglänzt ist - intim, schimmernd und ebenso von Witz wie von Trauer geprägt. Es ist eine wirbelnde, juwelenfarbene Ode an alle Engel und Dämonen. Das Album beginnt mit ,Honey", einem langsam aufblühenden, brennenden Song, der auf warmen Streichern und lockeren, treibenden Percussions aufgebaut ist. Cogans Stimme ist ruhig, rauchig und tröstlich und richtet sich an die ,hartgesottene Frau", die das Album prägt. Der Song, der als Reaktion auf die Anti-Trans-Gesetzgebung geschrieben wurde, strahlt Widerstandsfähigkeit aus, ohne jemals seine Zärtlichkeit zu verlieren. ,The Smoke" steigt auf einem hypnotischen Rhythmus empor, der an JJ Cale erinnert, während er die Form auseinanderzieht. Es ist ein Groove für die Endzeit, in dem Congas, Shaker, geknackte Gitarren und geisterhaft verwitterte Texturen aufeinanderprallen, während Cogan die dunkleren Ecken unserer gemeinsamen Menschlichkeit durchforstet. In ,Division" hallt ihre Stimme durch eine karge, hallende Landschaft. Der Song baut sich auf wie eine Leuchtrakete in der Nacht, ein Plädoyer gegen die betäubende Grausamkeit, die heutzutage zur Routine geworden ist. ,Hard Hearted Woman" ist ein Werk der Hingabe an das Geheimnisvolle, an die Gemeinschaft, an die seltsame Kraft, in einer zerbrochenen Welt Kunst zu schaffen. ,Das ist der wichtigste Teil, die Magie", sagt Cogan. Trotz seines Titels geht es in Hard Hearted Woman nicht darum, sich zu verschließen, sondern um Härte als Widerstandsfähigkeit. Es ist die Hülle, die wir uns zulegen, damit unser menschlichstes, zerbrechlichstes Selbst überleben kann. Es ist ein Album für alle, die versuchen, offen zu bleiben, auch wenn die Welt das unmöglich erscheinen lässt.

ARCHIVE veröffentlichen am 27. Februar 2026 ihr 13. Studioalbum Glass Minds über ihr eigenes Label Dangervisit / PIAS. Nach dem monumentalen Triple-Album Call to Arms & Angels (2022), das europaweit Top-10-Erfolge feierte und in einem triumphalen Konzert in der Pariser Accor Arena mündete, kehrt die Band mit einem Werk zurück, das intime Tiefe und epische Weite meisterhaft verbindet.

Musikalisch schlägt Glass Minds eine Brücke zwischen minimalistisch-introspektiven Klangwelten und treibenden, genreübergreifenden Arrangements – von hypnotischem Electro-Pop (Wake Up Strange) über motorische Gitarren-Power (Look At Us) bis hin zu tiefen Ambient-Atmosphären. Ergänzt wird das Album durch starke Gäste: Rapper Jimmy Collins verleiht „Heads Are Gonna Roll“ eine schneidende Intensität, während Lisa Mottram auf Songs wie „Glass Minds“ oder „The Love The Light“ ihre hypnotische Stimme einbringt.

Glass Minds markiert eine neue Schaffensphase in den drei Jahrzehnten von Archive. Von der Melancholie eines „So Far From Losing You“ bis hin zur Euphorie von „Shine Out Power“ demonstriert das Kollektiv seine ungebrochene Innovationskraft. Begleitend startet im Frühjahr 2026 eine große Europatournee mit Konzerten u. a. in Amsterdam, Paris, Hamburg und London.

„Twio“ hieß das fünfte Studioalbum des US-amerikanischen Tenorsaxofonisten Walter Smith III, das im
Februar 2018 bei Whirlwind Recordings veröffentlicht wurde. Der Titel war eine spielerische Wortschöpfung
aus „Trio“ und „Two“. Downbeat schrieb damals: „‘Twio‘ präsentiert den großartigen Tenorsaxophonisten in einem kompakten Trio-Setting. Sein Ton und seine Melodik sind umwerfend, gepaart mit reichem,
packendem Ideenreichtum“.
Für sein drittes Blue-Note-Album greift der Musiker jetzt das Konzept wieder auf und präsentiert mit
„Twio Vol. 2“ ein äußerst gelungenes Album mit klassischen Jazzstücken voll swingender Spielfreude. Das
Album besticht durch eine neue, wechselnde Besetzung mit Bassist Joe Sanders und Schlagzeuger Kendrick
Scott sowie Gastauftritten der Jazzlegenden Ron Carter am Bass und Branford Marsalis am Tenorsaxofon.

Nach einer fünfjährigen Schaffenspause veröffentlichte eine der dienstältesten Punkbands Deutschlands 2010 ihr achtes Album. Der passende Titel: "Gib acht!". Es entstand mit Gastmusikern von den Skatoons, Cultus Ferrox, Directors Cut und dem Pianisten Peter Stoppok. Das Repertoire reicht von dynamischen, treibenden Punkrock-Songs über Ska- und Folkanleihen bis hin zur Ballade "Ich bin"s", die an frühe Lindenberg-Lieder erinnert. Mit "Danke" hat man sogar einen echten Popsong, und für "Mama, hol den Hammer" wurde ein kultiger Uraltschlager entstaubt. Textlich geht es wieder quer durch sämtliche Lebensbereiche: mal kritisch, mal nachdenklich, dann wieder kämpferisch oder einfach nur am alltäglichen Wahnsinn orientiert. Zehn Jahr nach der Erstveröffentlichung kommt nun das Jubiläums-Tape für alle Sammler und Kassettenliebhaber.

Vom Wall Street Journal als "eine der faszinierendsten Sängerinnen der modernen Musik" beschrieben, hat die in New York geborene und in Tamil Nadu aufgewachsene Sängerin und Multi-Instrumentalistin GANAVYA Details zu ihrem neuen Album "Daughter of a Temple" veröffentlicht, das am 15. November 2024 erscheinen soll. Das Album folgt auf ihren Auftritt bei SAULTs umjubeltem Live-Debüt 2023 in London, bei dem, laut The Guardian, ihre "Stimme eine zarte emotionale Kraft hatte, die selbst Stoiker zu weinenden Wracks machen konnte." Für "Daughter of a Temple" lud ganavya über 30 Künstler*innen verschiedener Disziplinen zu einer rituellen Zusammenkunft nach Houston ein. Dementsprechend sind auf dem entstandenen Album zahlreiche Mitwirkende zu hören, darunter renommierte Musiker*innen wie esperanza spalding, Vijay Iyer, Shabaka Hutchings, Immanuel Wilkins und Peter Sellars. Die Ergebnisse, eine innovative und zutiefst bewegende Mischung aus spirituellem Jazz und südasiatischer geistlicher Musik, wurden zunächst von Ryan Renteria aufgenommen und dann 2024 von Nils Frahm im LEITER Studio in Berlin weiter bearbeitet und abgemischt. ganavya ist die Autorin und Sängerin des ersten tamilischen Textes, der mit einem Latin Grammy ausgezeichnet wurde, sie war Sängerin in Vijay Iyers Ritual Quartet und Solosängerin auf dem von Quincy Jones produzierten "Tocororo", das Platz 1 der Jazz-Charts erreichte. Ihr letztes Album, "like the sky I"ve been too quiet", hat sie mit Shabaka Hutchings aufgenommen und versammelt Gäste wie Floating Points, Tom Herbert, Carlos Niño und Leafcutter John.

Als das Oscar Peterson Trio im August 1964 mit Trompeter und Flügelhornist Clark Terry ins Studio
ging, um dieses Album aufzunehmen, spielte es bereits seit fünf Jahren zusammen. Die drei Musiker
funktionierten wie eine perfekt geölte Swing-Maschine. Großzügig überließ Peterson seinem Gaststar viel
Raum, um als Solist auf seinen Hörnern zu glänzen. Beim Publikum kamen insbesondere die beiden spaßigen Blues-Nummern ”Mumbles” und ”Incoherent Blues” gut an, in denen sich Clark Terry erstmals als
nuscheliger Scat-Sänger präsentierte.

Das vierte Album und Sub Pop-Debüt von Lala Lala, alias Lillie West, ist ein kraftvoller, warmer und mit Ohrwürmern gespickter Indie-Pop-Kracher für Fans von Jay Som, Porches, Dehd, Angel Olsen und Alex G. Lillie West hat ihre Musik immer aus dem Bedürfnis heraus gemacht, ständig in Bewegung zu sein. Als sie aber kürzlich den Wunsch verspürte, sich niederzulassen, hat sie gemerkt, dass Beständigkeit Kreativität fördern kann. Diese Entwicklung ist der Antrieb für einen Großteil ihres neuen Albums "Heaven 2". Viele Jahre lang lebte West in Chicago, wo sie Lala Lala als Teil der Indie-Szene der Stadt etablierte und mehrere Alben auf Hardly Art veröffentlichte. Diese Alben, "The Lamb" und "I Want the Door to Open", waren kraftvolle Statements einer neugierigen Künstlerin: eingängige Gitarren-Pop-Songs über das Feststecken in den Höhen und Tiefen des Lebens, den Kampf, nüchtern zu bleiben, die Stadt zu verlassen, sein Leben in die Luft zu jagen. West verließ Chicago, um nach mehr zu suchen, und schrieb dabei ihr neues Album "Heaven 2". Auf ihrer Reise landete sie in New Mexico, wo sie in Taos fernab der Zivilisation lebte. "Es war sehr herausfordernd, eiskalt und voller giftiger Tiere. Aber es ist immer noch der schönste und magischste Ort, an dem ich je gewesen bin, und ich träume ständig davon", sagt West. Anschließend zog sie nach Island, wo sie zwei Jahre lang mit Unterbrechungen lebte, wobei sie die Unterbrechungen in London verbrachte, wo sie aufgewachsen war. Schließlich kam sie nach Reykjavik, wo sie sich in der Musikszene einlebte und ein Instrumentalalbum ("If I Were A Real Man I Would Be Able To Break The Neck Of A Suffering Bird") veröffentlichte, bevor sie nach Los Angeles ging, wo sie sich verliebte und sich niederließ. L.A. ist ein guter Ort zum Leben, schon allein deshalb, weil, wie West sagt: "Wo auch immer du hingehst, dort bist du. Ich wünschte, es gäbe eine coolere Art, das auszudrücken." Zum Glück gibt es die: Dieses Thema, überall Schönheit und Erfüllung zu finden, zieht sich durch "Heaven 2". In ,Even Mountains Erode" singt West: , "There are symbols and signs, you're missing your life". West ermutigt sich selbst und uns, langsamer zu werden. Innezuhalten und den Duft der Blumen zu genießen. West hat das Album zusammen mit Melina Duterte von Jay Som produziert, die mit ihrer kraftvollen Stimme einen starken Kontrast zu Wests warmem, rundem Gesang bildet. Die Beziehung zwischen den beiden war telepathisch, und das Ergebnis ist ein mutiges und selbstbewusstes Album. Duterte und West spielten fast alle Instrumente des Albums selbst, mit ein paar wichtigen Gästen wie Sen Morimoto am Saxophon im Eröffnungstrack "Car Anymore" und einer Bridge, die Aaron Maine von Porches für den Titeltrack ,Heaven 2" geschrieben hat. Bei "Catharsis" geht es nicht nur um den Schmerz, sondern auch um die Befreiung, die man erlebt, wenn man sich davon befreit. Und so gibt es auch Momente kühner Freude auf dem Album. "Arrow", das Samples der französischen Electro-Pop-Band La Femme enthält, ist schnell, und seine Schnelligkeit und Freude fühlen sich an, als würde man auf etwas zulaufen und nicht davonlaufen. "None of this was supposed to happen", singt West. Aber es ist passiert. "Es ist so eine grundlegende spirituelle Sache", sagt West, ,Widerstand ist die Wurzel allen Leidens, und ich dachte, ich könnte den Verlauf meines Lebens bestimmen." Natürlich konnte sie das, wie alle anderen auch, nicht. Wohin man auch geht, man ist immer da.

Auch wenn die NWOBHM zum Zeitpunkt der Veröffentlichung von Elixirs »The Son Of Odin«, im Juli 1986, bereits Geschichte war, zählt das Album zu den besten Alben der Bewegung. Mit einer neuen Fassung ihrer hoch gelobten Single ‘Treachery (Ride Like The Wind)’, viele Jahre nach der ursprünglichen 7“, wurde »The Son Of Odin« vom englischen Terrorizer-Magazin als eines der Top 20 Power-Metal-Alben gekürt, während es das Sweden Rock im April 2010 als „Album-Klassiker des Monats“ auswählte. Elixir starteten 1983 in London. Die fünf Musiker nannten seinerzeit das erste Album von MSG sowie »British Steel« von Judas Priest sowie neuere Bands wie Mercyful Fate und Queensryche als ihre Haupteinflüsse. 1985 erschien die Debüt-Single ‘Treachery (Ride Like The Wind)’, die im Kerrang! von keinem Geringeren als Ronnie James Dio in einem Gastbeitrag abgesegnet wurde, was die Band anspornte, ihr erstes Album in Angriff zu nehmen. Das Resultat war »The Son Of Odin«, aufgenommen im Januar 1986 im The Lodge Studio von The Enid und sechs Monate später abgemischt. Nahezu überall folgten überschwängliche Kritiken, nicht zuletzt im Metal Forces, wo Dave Constable zu Protokoll gab: „Eine selbstfinanzierte LP, die so manche Veröffentlichung eines Major-Labels in den Schatten stellt.“ Constable resümierte: „Ich höre mir lieber »The Son Of Odin« an, als die hundertste Version von »Turbo« oder »Somewhere In Time«.“ Die 40th Anniversary Edition dieses unsterblichen NWOBHM-Klassikers beinhalt zusätzlich zum regulären Album die vollständige Session, von der die ‘Treachery (Ride Like The Wind)’-Single stammt, genauso wie das vorangegangene Demo und die BBC Friday Rock Show Session. Zudem erzählen aktuelle Interviews mit Gitarrist Phil Denton und Manager Seymour Mincer erzählen die Geschichte des Albums.

Das experimentelle Berliner Trio ZAHN kehrt mit seinem bislang elektrisierendsten Werk zurück. Eine üppige Fusion aus Schwere, Elektronik und halluzinatorischen Farben. Monolithische Grooves treffen auf synthetischen Schimmer. PURPUR strahlt Spannung und Gefahr aus und pulsiert mit Tiefe und Dichte. Bekannt für ihren intensiven, treibenden Sound, der den unerbittlichen Marsch einer Welt am Abgrund widerspiegelt, vertieft das Trio ZAHN - Chris Breuer, Nic Stockmann und Felix Gebhard - seine klangliche Erkundung mit einem Album, das gleichzeitig elektronischer und rockiger ist als seine gefeierten Vorgänger. Purpur orientiert sich am lebhaften Cover des Albums - einer Explosion aus Trauben und Beeren, die seinen üppigen, farbenfrohen Sound widerspiegelt. Das Album verbindet kraftvolle Genres zu etwas Frischem und Elektrisierendem: schwere Fundamente treffen auf reichhaltige elektronische Texturen und schaffen Schichten aus Farbe, Komplexität und einem Hauch von halluzinatorischer Süße. Erneut in Gyhum mit dem Toningenieur Peter Voigtmann (ex-The Ocean, Death By Gong, Heads.) aufgenommen, tritt Purpur in die Fußstapfen der bisherigen Werke der Band, markiert aber auch einen mutigen Sprung nach vorne. Gastbeiträge von Fabian Bremer (Radare, AUA) und Kjetil Nernes (Årabrot) vertiefen das Gefühl der Unruhe und Faszination des Albums, während Magnus Lindberg (Cult of Luna) mit seinem Mix und Mastering dem Album die Tiefe eines unterirdischen Pulses verleiht - knackig, schwer und lebendig mit mikroskopischen Details. Während ,Adria" eine lebhafte Flucht durch Krautrock, Dark Jazz, Noise Rock und Post-Punk bot, zieht ,Purpur" die Zuhörer in eine dichtere, komplexere und eng verwobene Klanglandschaft. Das dritte Album der Band ist ein berauschender Wirbel aus synthetischem Puls und physischer Schwere - ein Album, das sich eher wie fermentiert als wie komponiert anfühlt.

Blue Curacao Vinyl. Das experimentelle Berliner Trio ZAHN kehrt mit seinem bislang elektrisierendsten Werk zurück. Eine üppige Fusion aus Schwere, Elektronik und halluzinatorischen Farben. Monolithische Grooves treffen auf synthetischen Schimmer. PURPUR strahlt Spannung und Gefahr aus und pulsiert mit Tiefe und Dichte. Bekannt für ihren intensiven, treibenden Sound, der den unerbittlichen Marsch einer Welt am Abgrund widerspiegelt, vertieft das Trio ZAHN - Chris Breuer, Nic Stockmann und Felix Gebhard - seine klangliche Erkundung mit einem Album, das gleichzeitig elektronischer und rockiger ist als seine gefeierten Vorgänger. Purpur orientiert sich am lebhaften Cover des Albums - einer Explosion aus Trauben und Beeren, die seinen üppigen, farbenfrohen Sound widerspiegelt. Das Album verbindet kraftvolle Genres zu etwas Frischem und Elektrisierendem: schwere Fundamente treffen auf reichhaltige elektronische Texturen und schaffen Schichten aus Farbe, Komplexität und einem Hauch von halluzinatorischer Süße. Erneut in Gyhum mit dem Toningenieur Peter Voigtmann (ex-The Ocean, Death By Gong, Heads.) aufgenommen, tritt Purpur in die Fußstapfen der bisherigen Werke der Band, markiert aber auch einen mutigen Sprung nach vorne. Gastbeiträge von Fabian Bremer (Radare, AUA) und Kjetil Nernes (Årabrot) vertiefen das Gefühl der Unruhe und Faszination des Albums, während Magnus Lindberg (Cult of Luna) mit seinem Mix und Mastering dem Album die Tiefe eines unterirdischen Pulses verleiht - knackig, schwer und lebendig mit mikroskopischen Details. Während ,Adria" eine lebhafte Flucht durch Krautrock, Dark Jazz, Noise Rock und Post-Punk bot, zieht ,Purpur" die Zuhörer in eine dichtere, komplexere und eng verwobene Klanglandschaft. Das dritte Album der Band ist ein berauschender Wirbel aus synthetischem Puls und physischer Schwere - ein Album, das sich eher wie fermentiert als wie komponiert anfühlt.

10" EP + DIY Fanzine Schwedens enthusiastischste Katastrophentouristen, The Sensitives, sind zurück mit einer neuen 10" EP, Ride It Like You Stole It - fünf Songs und eine Mischung aus Punkrock, Ska, Rock'n'Roll und Folk, die einen Optimismus versprühen, den man nur bekommt, wenn man zu viele Tourneen überlebt hat. Auf jedem der Tracks sind Gastmusiker*innen zu hören, welche die Band irgendwo auf ihrem langen, chaotischen Weg getroffen haben. Diese Freund*innen aus verschiedenen Szenen und Ländern verwandeln die EP in eine laute Feier der Gemeinschaft, der Zusammenarbeit und der Magie, sich gegenseitig zu helfen, anstatt so zu tun, als hätte man alles im Griff. Die EP kommt zusammen mit einem von der Band erstellten Fanzine, welches Songtexte, Akkorde und Geschichten aus dem DIY Alltag der Band enthält. So geht es um lange Nächte, gerissenen Saiten und immer wieder um kaputte Transporter. Trotz des Chaos ist es eine unmissverständliche Liebeserklärung an das Selbermachen. Aufgenommen, gemischt und gemastert wurde die EP von der Band zusammen mit ihrem Tour-Tontechniker Mattias. Das Fanzine wurde von Johanna gestaltet, die schon seit Ewigkeiten mit The Sensitives auf Tour ist - sie verkauft Merchandise, spielt und singt auf der Bühne und im Studio, macht Fotos und Videos und tausend andere Dinge. Ihr wisst schon... DIY: Wenn etwas zu tun ist, hat es wahrscheinlich schon jemand mit Klebeband und Kaffee erledigt....

Am 20. Februar 2026 erscheint GLENs viertes Studioalbum - ein fünf Tracks umfassendes, instrumentales Statement aus noisegetriebener Energie und eklektischer, frei formulierter Experimentierlust. Benannt nach dem ersten Satz aus George Orwells 1984, entfaltet sich das Album als hypnotische Kraft strukturierter Chaoszustände: viszeral, im besten Sinne verstörend und mit absoluter Überzeugung vorgetragen.Das grenzüberschreitende Quartett aus Berlin - bekannt für seine intensive Verbindung aus Art Rock, Post-Rock und freier Improvisation - erweitert seine klassische Besetzung aus zwei Gitarren (Wilhelm Stegmeier, Eleni Ampelakiotou), Bass (Roland Feinäugle) und Schlagzeug (Achim Faerber) um Gastmusiker*innen und ein erweitertes Instrumentarium, das von Clavinet bis Synthesizer reicht. So entstehen immersive, dichte und langsam brennende Klangarchitekturen.Geprägt von Wiederholung, Spannung und ständiger Transformation bewegen sich die transluzenten Soundlandschaften zwischen explosiver Energie, struktureller Präzision und freiem Fluss der Improvisation. Körperlich, atmosphärisch und kompromisslos oszilliert GLEN zwischen Minimalismus und Eruption. Roh und zugleich bewusst kontrolliert - ein gelenktes Chaos, angetrieben von Reibung, Wiederkehr und gradueller Metamorphose.

Der Spoken-Word-Künstler Dan Whitlam, eine der überzeugendsten neuen Stimmen aus GB, balanciert auf der 14-Track-Odysee "Strangers (Again)", seinem Debütalbum, gefühlvolle, klavierbetonte Momente und gebrochene Beats mit seiner charakteristischen Mischung aus lyrischer Ehrlichkeit und melodischem Feingefühl. So entsteht ein intimer wie auch weitläufiger Sound. Mit Gastfeatures von Raphaella, Tamzene, Saphire & Jordan Akampa fängt die LP die Dualität seiner Arbeit ein, wenn poetisches Geschichtenerzählen mit zukunftsweisender Produktion kontrastiert. Jeder Track reflektiert Verbindung und Distanz und verwebt Momente emotionaler Tiefe und Entspannung. Im Okt./Nov. 2025 startet(e) Whitlam seine bisher größte Headliner-Tour, mit ausverkauften Konzerten in Köln & Berlin, die ein intensives Erlebnis verspricht, wenn Grenzen zwischen Poesie, Soul und zeitgenössischer Musik verschwimmen. Der Londoner feiert Millionen TikTok- & Instagram-Aufrufe und wird von Künstlern wie Fred Again & Arlo Parks sowie Modemarken wie Hermes & YSL unterstützt.
















[o] B8. Interlude - 3 Lives [vinyl exclusive]

Der Spoken-Word-Künstler Dan Whitlam, eine der überzeugendsten neuen Stimmen aus GB, balanciert auf der 14-Track-Odysee "Strangers (Again)", seinem Debütalbum, gefühlvolle, klavierbetonte Momente und gebrochene Beats mit seiner charakteristischen Mischung aus lyrischer Ehrlichkeit und melodischem Feingefühl. So entsteht ein intimer wie auch weitläufiger Sound. Mit Gastfeatures von Raphaella, Tamzene, Saphire & Jordan Akampa fängt die LP die Dualität seiner Arbeit ein, wenn poetisches Geschichtenerzählen mit zukunftsweisender Produktion kontrastiert. Jeder Track reflektiert Verbindung und Distanz und verwebt Momente emotionaler Tiefe und Entspannung. Im Okt./Nov. 2025 startet(e) Whitlam seine bisher größte Headliner-Tour, mit ausverkauften Konzerten in Köln & Berlin, die ein intensives Erlebnis verspricht, wenn Grenzen zwischen Poesie, Soul und zeitgenössischer Musik verschwimmen. Der Londoner feiert Millionen TikTok- & Instagram-Aufrufe und wird von Künstlern wie Fred Again & Arlo Parks sowie Modemarken wie Hermes & YSL unterstützt.
















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"What If" ist das neue Album von MAIIJA - eine eindringliche Auseinandersetzung mit Verletzlichkeit, Mut und den Emotionen, die uns verbinden. Marilies Jagschs Stimme bewegt sich zwischen Stärke und Zerbrechlichkeit und steht im Zentrum eines Sounds, der elektronische und organische Elemente fein miteinander verwebt.
Persönliche Erfahrungen, geprägt vom Leben mit Endometriose, treffen auf die Unsicherheiten unserer Zeit. Produziert von Peter Paul Aufreiter mit Gernot Scheithauer, Lukas Lauermann und Gästen wie The Zew, Oskar Mayböck und Paul Szelegowitz, ist ein Album entstanden, das berührt, tröstet und verbindet.
"What If" erinnert daran: Was auch kommt, wir sind nicht allein.

EN

"What If" is the new album by MAIIJA - a powerful exploration of vulnerability, courage, and the emotions that connect us. At its heart is Marilies Jagsch's voice, moving between strength and fragility, framed by a sound that blends electronic and organic elements.
Personal experiences shaped by living with endometriosis meet the uncertainties of our time. Produced by Peter Paul Aufreiter with Gernot Scheithauer, Lukas Lauermann, and guests including The Zew, Oskar Mayböck, and Paul Szelegowitz, the album is both moving and comforting.
"What If" is a reminder: whatever comes next, we are in this together.

Epic Anime ist eine außergewöhnliche Sammlung neuer, offiziell von den originalen Studios und Verlagen autorisierter Orchesterarrangements einiger der bekanntesten Anime-Titel. Das Album der NDR Radiophilharmonie unter der Leitung von Dirigent Michael England erscheint als 2×180g-Vinyl in "Oxblood"-Färbung und auf CD. Das Album entstand in Koproduktion mit dem Norddeutschen Rundfunk.
Auf Epic Anime findet sich eine hochkarätige Auswahl an Gast-Solist*Innen, darunter die Geiger*innen Esther Abrami, Andrea Cicalese und Niklas Liepe, die Cellistinnen Mariko Muranaka und Raphaela Gromes, Akkordeonist Martynas sowie die Pianisten Tim Allhoff und Louis Philippson. Auf ausgewählten Titeln ist der Chor Pop-Up zu hören, als auch eine Rockband bestehend aus einigen der besten Sessionmusiker*Innen.
Das Album präsentiert neue sinfonische Interpretationen populärer Anime-Themen aus Demon Slayer, Neon Genesis Evangelion, Naruto, JoJo's Bizarre Adventure, Bleach, Kikis Delivery Service, Spirited Away und weiteren Produktionen. Sämtliche Arrangements und Aufnahmen entstanden mit ausdrücklicher Zustimmung der jeweiligen Rechteinhaber und gewährleisten damit höchste Authentizität. Das Album würdigt die vielfältige musikalische Tradition des Anime-Genres und verleiht den Originalwerken eine eindrucksvoll cineastische Dimension.
Epic Anime richtet sich an Anime-Fans, Soundtrack-Enthusiasten und Liebhaber orchestraler Musik gleichermaßen.

Mit „Filin“ legt Saxofonistin Melissa Aldana ein Balladenalbum mit Liedern aus der kubanischen Musiktradition vor, interpretiert im Quartett mit dem legendären Pianisten Gonzalo Rubalcaba, Bassist Peter
Washington und Schlagzeuger Kush Abadey sowie Gastsängerin Cécile McLorin Salvant.
Seit ihren Anfängen hegt die in Chile geborene Aldana den Wunsch, ein Balladenalbum aufzunehmen.
Nach ihrem GRAMMY-nominierten Blue Note-Debüt „12 Stars“ (2022) und dem Nachfolgealbum „Echoes
Of The Inner Prophet“ (2024), zwei von der Kritik begeistert aufgenommenen spirituellen Modern-JazzWerken, geht sie mit ihrem dritten Blue-Note-Album ihr Traumprojekt jetzt auf ungewöhnliche Weise an.
Pianist Gonzalo Rubalcaba, schlug vor, sie solle die Filin-Musik seiner Heimat interpretieren, kunstvoll
arrangierte romantische Lieder, die zwischen den späten 1940er und frühen 1960er Jahren ihre Blütezeit
erlebten. Das Ergebnis ist ein sinnliches Jazz-Werk der Spitzenklasse.

ince its opening in spring 2021, JUBG, a still young Cologne gallery for contemporary art, has specialized in the broad field of artists and collaborations working along artistic interfaces, especially those between visual art and experimental and/or electronic music. For example, JUBG has already hosted exhibitions by Markus Oehlen, Kim Gordon, Wolfgang Voigt, Matthias and Aksel "Superpitcher" Schaufler, Sven-Åke Johansson, and Emil Schult. Albert Oehlen, who is a kind of mentor and supporter of the gallery, was also a guest at Albertusstraße this summer, where he presented the exhibition D-I-E ORPHEUSMASCHINE together with Michael Wertmüller, Thomas Stammer and the poet Rainald Goetz.

It is only logical that the gallery now expands its sphere of activity to include its own label, on which music appears that comes from similar contexts as the artists listed above already suggest.

As catalog number 1, JUBG is now releasing the official soundtrack to "The Painter" from 2021. The film, German title "Der Maler", is a mixture of feature film and documentary and a collaboration between German director Oliver Hirschbiegel, best known for his Oscar-nominated film "Downfall", and Albert Oehlen, with whom Hirschbiegel has a long friendship, as they both once studied together at the Hochschule der Bildenden Künste in Hamburg.

The docu-fiction shows Oehlen struggling with a painting and pondering the meaning of his work. Oehlen is played by German actor and musician Ben Becker, accompanied by the off-screen voice of Charlotte Rampling. In the film, Becker makes a painting that Oehlen himself creates step by step behind the camera, while the actor improvises the process in front of the camera.

The wonderful music for this film comes from no less than two outstanding personalities whose individual biographies and musical signatures could hardly be better suited to this project. On the A-side it is Gudrun Gut, icon not only of the German electronic music scene since at least the 90's, singer, composer, DJ, label owner (Monika Enterprise) and of course founding member of the legendary 80's New Wave band Malaria. On the B-side it’s the world famous and award winning US avant-garde trumpeter and improvisational musician Nathan "Nate" Wooley, who has played with Fred Frith and John Zorn among others.

Gudrun Gut's tracks bear such beautiful titles as "Bewegung", "Küste" or "Weinen" and she once again pulls out all the stops of her great skills and decades of experience as a producer of the most diverse electronic music genres. These are unusual and much more experimental musical paintings that she creates here than on her recent solo works. Edgy, angular, raw and unpolished, yet always elegant and clever, she subverts the male artist madness depicted extensively in the film in her own unique way.

Nathan Wooley answers with the instrument he has been familiar with since childhood, the trumpet, with which he is able to create a ravishingly virtuosic noise. His pieces are more like sketches, often only 90 seconds or a few minutes long, but in all their abstractness underpin the narrative of the film almost perfectly.

A limited edition of 20 copies in total, painted and signed by Ben Becker, can be purchased directly through JUBG.

JUBG, eine noch junge Kölner Galerie für zeitgenössische Kunst, hat sich seit ihrer Eröffnung im Frühjahr 2021 auf das weite Feld von Künstler:innen und Kollaborationen spezialisiert, die entlang künstlerischer Schnittstellen tätig sind, insbesondere an denen zwischen bildender Kunst und experimenteller und/oder elektronischer Musik. So hat JUBG bereits Ausstellungen von Markus Oehlen, Kim Gordon, Wolfgang Voigt, Matthias und Aksel "Superpitcher" Schaufler, Sven-Åke Johansson und Emil Schult gezeigt. Auch Albert Oehlen, der eine Art Mentor und stiller Unterstützer der Galerie ist, war im Sommer dieses Jahres zu Gast in der Albertusstraße, wo er zusammen mit Michael Wertmüller, Thomas Stammer und dem Dichter Rainald Goetz die Ausstellung D•I•E ORPHEUSMASCHINE präsentierte.

Es ist nur logisch und folgerichtig, dass die Galerie ihren Wirkungskreis nun um ein eigenes Label erweitert, auf dem Musik erscheint, die aus ähnlichen Zusammenhängen und Sphären stammt, wie es die oben aufgezählten Künstler:innen bereits vermuten lassen.

Als Katalog-Nummer 1 veröffentlicht JUBG nun den offiziellen Soundtrack zu "The Painter" aus dem Jahr 2021. Der Film, deutscher Titel “Der Maler”, ist eine Mischung aus Spiel- und Dokumentarfilm und eine Zusammenarbeit zwischen dem deutschen Regisseur Oliver Hirschbiegel, vor allem bekannt für seinen Oscar-nominierten Film "Der Untergang", und Albert Oehlen, mit dem Hirschbiegel eine lange Freundschaft verbindet, studierten sie doch beide zusammen einst an der Hochschule der Bildenden Künste in Hamburg.

Die Doku-Fiktion zeigt Oehlen, wie er mit einem Gemälde kämpft und über die Bedeutung seines Werks nachdenkt. Oehlen wird vom deutschen Schauspieler und Musiker Ben Becker gespielt und von der Stimme von Charlotte Rampling aus dem Off begleitet. Im Film erstellt Becker ein Gemälde, das Oehlen selbst hinter der Kamera Schritt für Schritt anfertigt, während der Schauspieler den Prozess wiederum vor der Kamera improvisiert.

Die wunderbare Musik zu diesem Film kommt von gleich zwei herausragenden Persönlichkeiten, die mit ihren individuellen Biographien und musikalischen Handschriften kaum besser zu diesem Projekt passen könnten. Auf der A-Seite ist dies Gudrun Gut, Ikone nicht nur der deutschen elektronischen Musikszene seit mindestens den 90er Jahren, Sängerin, Komponistin, DJ, Label-Betreiberin (Monika Enterprise) und natürlich Gründungsmitglied der legendären 80er Jahre New Wave-Band Malaria, auf der B-Seite der weltberühmte und Preisgekrönte US-amerikanische Avantgarde-Trompeter und Improvisationsmusiker Nathan “Nate” Wooley, der u.a. mit Fred Frith und John Zorn zusammengespielt hat.

Gudrun Gut’s Tracks tragen so schöne Titeln wie “Bewegung”, “Küste” oder “Weinen” und sie zieht hier einmal alle Register ihres großen Könnens und ihrer jahrzehntelangen Erfahrung als Produzentin der verschiedensten elektronischen Musikspielarten. Es sind ungewöhnliche und sehr viel experimentellere musikalische Gemälde, die sie hier entwirft als auf ihren jüngsten Solo-Werken. Kantig, eckig, roh und ungeschliffen und dabei immer elegant und schlau, unterläuft sie den im Film ausgiebig dargestellten männlichen Künstlerwahnsinn auf ihre ganz eigene Art und Weise.

Nathan Wooley antwortet mit dem ihm seit Kindesbeinen vertrauten Instrument, der Trompete, mit der er in der Lage ist, einen hinreißend virtuosen Lärm zu erzeugen. Seine Stücke sind eher Skizzen, oft nur 90 Sekunden oder ein paar wenige Minuten lang, die in all ihrer Abstraktheit das Narrativ des Films nahezu perfekt untermalen.

Eine auf insgesamt 20 Exemplare limitierte Edition, bemalt und signiert von Ben Becker, ist direkt über die JUBG zu erwerben.

Half-Speed Remaster des 2012er Albums

Anlässlich des 40-jährigen Jubiläums des Albumklassikers "Thick As A Brick" erscheint am 30. März 2012 eine Fortsetzung zum Originalalbum mit dem Titel "Thick As A Brick 2".

1972 hatte Ian Anderson mit dem Jethro-Tull-Album "Thick As A Brick" einen Klassiker des Progressive Rock aufgenommen. Im Mittelpunkt der Songtexte stand die fiktive kindliche Hauptfigur Gerald Bostock. Das Album avancierte zum Spitzenreiter in den Billboard Charts und zu einem beachtlichen Erfolg in etlichen anderen Ländern.

Vierzig Jahre später: Was würde Gerald Bostock, der nun 50 Jahre alt wäre, heutzutage machen? Wie wäre es ihm in all der Zeit ergangen? Der "zweite" Teil des Albumklassikers zieht die unterschiedlichsten Möglichkeiten in Betracht, was aus dem frühreifen Schuljungen Gerald Bostock hätte werden können, welche Wege er hätte einschlagen können. In den diversen Songs nimmt die Hauptfigur verschiedene Alter Egos an, um die Vielzahl der möglichen Wendungen zu verdeutlichen, die Schicksal und Zufall in einem Leben bereit halten. So illustrieren die Songs nicht nur Geralds Leben, sondern auch die Entwicklungen unserer eigenen Biographien, die nicht selten durch zufällige Begegnungen und Eingriffe völlig neue Wendungen annehmen, auch wenn sie manchmal zunächst noch ganz nichtig und unbedeutend erscheinen.

Ian Anderson über sein neues Album: "Wenn unsere Generation auf ihr Leben zurückblickt, überkommt sie sicherlich gelegentlich dieser 'Was wäre wenn'-Moment. Wären wir, wie Gerald, statt dem, was wir sind, vielleicht Prediger, Soldat, Penner, Geschäftsinhaber oder Finanztycoon geworden? Und all jene, die der Generation des Internet und der sozialen Netzwerke angehören, mögen darüber sinnieren, was mit den unzähligen Möglichkeiten ist, die sich bei jeder Gelegenheit anzubieten scheinen."

Im Rahmen dieser Veröffentlichung wird Ian Anderson erstmals seit 1972 "Thick As A Brick" gemeinsam mit seinen Bandkollegen John O'Hara (Keyboards), David Goodier (Bass), Florian Opahle (Gitarre) und Scott Hammond (Schlagzeug) - sowie einigen musikalischen Gästen - in kompletter Länge live spielen. Zudem präsentieren Ian Anderson und seine Band im zweiten Teil der Show auch die Fortsetzung des Albumklassikers live.

Das fünfte Album der Newcastler Riffzauberer Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs (aka PIGSx7) ist geprägt von kalkulierter Aggression und selbstzerfrleichenden Texten. Zu den verblüffenden Boni gehören verspielte Synthesizer-Arbeiten und der Auftritt eines Hip-Hop-Masters. Mit seinem Titel, der Absurdität und Ernsthaftigkeit einander gegenüberstellt, ist dies Death Hilarious. Während Land Of Sleeper von 2023 als immersives Kopfhörer-Erlebnis konzipiert war, strebten Pigs dieses Mal nach etwas direkterem, böseren. ,Wir wollten, dass es ein Schlag ins Gesicht ist", grinst Produzent und Gitarrist Sam Grant. Dieses Ziel kam zum Teil dadurch zustande, dass die Band in den letzten Jahren sooooo viele Gigs gespielt hat. Die Band fühlte sich gut geölt und reif dafür, den Zuhörern zu Hause die Art von Prügel zu verpassen, die ihr Publikum von der Bühne aus erhält. Death Hilarious bietet einige Überraschungen, vor allem der Track 'Glib Tongued', bei dem El-P von Run The Jewels als Gastmusiker mitwirkt. Als Bassist John-Michael Hedley unwissentlich das schrieb, was seine Bandkollegen als ihr Äquivalent zu einer Hip-Hop-Nummer betrachteten, setzten die Pigs ihre Ziele hoch an und sicherten sich einen fulminanten Beitrag von einem der größten Rapper der Welt. Das soll nicht heißen, dass Pigs zum Nu-Metal übergegangen sind. Death Hilarious ist eine abwechslungsreiches, straffes Album, das sich zwischen sabbathianischem Doom, grotesk minimalistischem Noise Rock und zyklischen Post-Metal-Fortissimos bewegt. Auch die Pigs treiben sich selbst weiter an. Unpassende Synthesizer-Soli tauchen dort auf, wo normalerweise Gitarren-Histrionik Platz hätte. Klaviertracks lauern im Mix und verleihen dem Klangstrudeln eine fast unterschwellige Tiefe. Stitches" ist wie Motörhead, die versuchen, Glamrock mit einem beschwipsten Keyboarder zu spielen. Und dann ist da noch das 100-Meilen-Tempo des Cosmic-Thrash-Openers ,Blockage". Verzerrte Licks fliegen aus den Verstärkern von Grant und Lead-Gitarrist Adam Ian Sykes, während die Rhythmusgruppe dahinter brutzelt. Mit all dieser Power, die durch die Adern fließt, wird Death Hilarious mit Leichtigkeit eines der besten Rockalben des Jahres 2025 sein... und das ist kein Witz!

Sassy 009 ist das wandelbare Projekt der in Oslo ansässigen Produzentin, Songwriterin und Sängerin Sunniva Lindgård. Dreamer+ ist ein Album, das Lindgård seit Jahren in Gedanken mit sich trägt: ein konzeptgetriebenes Werk, zusammengesetzt aus fast vier Jahren Studioarbeit – und ein ambitionierter Versuch, die volle Kontrolle über ihre Kunst auszuüben.
Gelenkt von frisch verzerrten Vocals und Elementen aus Grunge, Shoegaze, 90er-Beatronica und schimmerndem Hyperpop ist das Album zugleich ein Protokoll der Selbstentdeckung und Selbstaufgabe, durchzogen von Gastbeiträgen von Blood Orange, BEA1991 und Yunè Pinku.
Dreamer+ ist im Kern ein fiktionales Werk, ein düsteres Märchen, in dem Träume und Emotionen durch eine Landschaft von Gestaltwandlerfiguren, dunklen Kräften und moralischen Verantwortungen verarbeitet werden. Auf eine Mission in eine verlassene Stadt geschickt, wird Lindgård zur eigenen Hauptfigur, hineingestoßen in eine „magische, aber verzerrte traumähnliche Welt“ nach einer fatalen Begegnung: „Ihre Liebe zu Jakov ist absurd eng mit seinem Sterben verwoben; kein Weg könnte sie davon fortführen."

„Deadline Season“ ist das Debütalbum von Lucy Liebe. Einigen könnte sie bereits als Gründungsmitglied von Bokoya sowie durch Konzerte mit douniah und Gianni Brezzo bekannt sein. Lucy ist Multiinstrumentalistin: Sie spielt Schlagzeug, Keys, Flöte, Trompete, Gitarre und Bass – und singt. Unterstützung erhält Lucy zudem von Sänger*innen AKA Kelzz, Coco Elane, garrrog, Giaa, Laíz und Rosa Landers sowie Trompeter Pachakuti.

Das Album entstand nach Lucys Umzug von Köln nach Berlin. „Ich war neu in der Stadt und wusste, dass ich nicht einfach weitermachen wollte wie zuvor", erinnert sie sich. „Also wurde ich sehr aktiv: habe Leute angeschrieben, Ordner mit Beats verschickt, Kontakte geknüpft. Parallel bewarb ich mich bei verschiedenen queeren Organisationen auf Forschungsstellen – ohne Erfolg. Was aber klappte, war eine Albumförderung. Und ich hatte ohnehin schon viel Material in Arbeit. Die meisten Songs sind während Sessions von Grund auf entstanden, mit Gästen, mit denen ich mich einfach treffen und gemeinsam etwas Neues schaffen wollte."

Musikalisch bewegt sich Deadline Season in viele Richtungen, bleibt dabei aber immer punktgenau und zu 100 Prozent Lucy Liebe. „Ich nenne es gerne Alternative R&B – vielleicht die 2025er-Version von Neo-Soul? Meine Jazz-Einflüsse sind auf jeden Fall noch da."