Search:eye d

Clear Vinyl. Mit ihrem Debüt The Empty Space Between A Seamount And Shock Headed Julia hinterließen The Black Cat's Eye 2023 ein bemerkenswertes Echo in der Szene - ein energetisches und atmosphärisches Werk, das Psychedelic- und Postrock-Elemente auf einzigartige Weise vereinte und schnell vergriffen war. Nun, zweieinhalb Jahre später, präsentiert das Frankfurter Quintett sein neues Album Decrypting Dreams Of Weird Animals And Strange Objects. Auch diesmal lotet die Band die Grenzbereiche zwischen Psychedelic-, Kraut- und Post-Rock aus. Die Musik oszilliert zwischen hypnotischem Drive, verträumten Gitarrenflächen und dynamischen Spannungsbögen. Das Album umfasst sechs Songs, deren Spannweite von fünf- bis zehnminütigen Klangreisen reicht. Neu ist, dass diesmal zwei Bandmitglieder Kompositionen beisteuerten: Neben Gitarrist und Bandgründer Christian Blaser stammt die Hälfte des Materials von Bassist Jens Cappel. Sein kraftvoller, direkter Stil ergänzt Blasers atmosphärischen Ansatz ideal. Blaser: ,Auf dem Debütalbum stammten alle Stücke von mir. Als Gründer der Band lag mein Fokus zunächst darauf, eine musikalische Vision und Richtung vorzugeben. Jens war zu diesem Zeitpunkt noch nicht so in die kreativen Prozesse eingebunden, obwohl er ein außerordentlich talentierter und umtriebiger Musiker ist. Er veröffentlicht regelmäßig großartige neue Musik auf den Bandcamp-Seiten seiner eigenen Projekte, zum Beispiel The Black Black Paint. Als es dann an das Schreiben neuer Songs für das zweite Album ging, brachte Jens einige wirklich tolle Demos mit ein." Stilistisch verbindet das Album, wie schon der Vorgänger, klassische 70er-Einflüsse mit zeitgenössischer Rockmusik - man hört Anklänge an Can, Motorpsycho, Neu!, Indie- und Stonerrock, aber auch an David Gilmours Gitarrenästhetik. Die Musik ist instrumental, einzig im finalen Stück ,The Magic Balloon" übernimmt Jens Cappel den Gesang. Ähnlich rätselhaft wie bei der ersten Platte klingt der Albumtitel: Decrypting Dreams Of Weird Animals And Strange Objects. Blaser erklärt: ,Der Titel ist inspiriert von einem faszinierenden Aspekt der US-amerikanischen TV-Serie Westworld. Dort werden humanoiden Robotern Gefühle und Träume einprogrammiert. Doch weil diese Androiden dadurch immer menschlicher werden, geraten sie außer Kontrolle - die Programmierer suchen daraufhin den Fehler in den von ihnen geschriebenen Quellcodes, analysieren die künstlichen Gefühle, Gedanken und Träume mithilfe ihrer Computerprogramme. Übertragen auf unsere Realität ist der Titel durchaus ironisch gemeint. Unsere moderne Technik vermittelt den Eindruck, wir könnten jeden Bereich unseres Lebens vollständig steuern. Selbstoptimierung und die Kapitalisierung des eigenen Ichs werden zum obersten Prinzip. Eine trügerische Illusion, denn wir sind nur winzige Teile eines größeren, für uns unergründlichen Ganzen. Vor diesem Hintergrund stellt sich die Frage: Was kann Kunst zu unserer Wahrnehmung der Welt beitragen? Welche Bedeutung hat es, sich mit musikalischen Mitteln auszudrücken? Durch Technik, Mathematik, Physik und reine Vernunft kommen wir dem Wunder des Lebens und dem Sinn unserer Existenz nicht wirklich näher. Was uns bleibt, ist das Ritual, die Beschwörung, die Ekstase. Musik, Tanz, Malerei, Geschichten - sie offenbaren für kurze Momente den wahren Kern des Lebens, richten unser Verhältnis dazu neu aus und verbinden uns mit dem Universum." Aufgenommen hat die Band wieder im Tonstudio Bieber in Offenbach am Main. Oli Rüger, Studiobetreiber und selbst Musiker, hat langjährige Erfahrung mit dem Aufnehmen von Gitarrenbands. Innerhalb von drei Tagen spielte die Band die Basic Tracks live ein, anschließend ergänzten sie diese durch Overdubs. Rüger war auch als Co-Produzent beteiligt. Cappel: ,Oli hat das richtige Händchen für die perfekte Balance zwischen rohen, heftigen und filigranen Sounds, ohne gleichzeitig den Blick für das große Ganze zu verlieren." Das Werk wurde final von Krautrock-Legende Eroc gemastert - eine passende Wahl für eine Band, die sich nicht nur als Erben der 70er sieht, sondern diese Tradition aktiv in die Gegenwart weiterdenkt. Das monochrome Cover-Artwork unterstreicht eindrucksvoll die dunkle Atmosphäre der Musik. Es verdeutlicht den konzeptionellen Ansatz der Band, Musik nicht nur als Klang, sondern als Raum, Konzept und visionäre Erzählform zu begreifen. Das Titelbild - eine scheinbar endlose Spirale, Symbol für DNA-Strukturen und Ewigkeit - wurde vom italienischen Grafiker Daniele Stochino entworfen. Die Innenseite des Gatefolds verbindet dieses Motiv mit einer Illustration des in Berlin lebenden Grafikers und Musikers Max Emil Hurlebaus. Durch farbige Akzente eröffnet sie kontrastreich neue Perspektiven.

Miles Kane, gefeierter englischer Rocker und Mitbegründer von The Last Shadow Puppets zusammen mit
Alex Turner von den Arctic Monkeys, veröffentlicht mit Sunlight In The Shadows sein erstes Easy Eye
Sound-Album in Zusammenarbeit mit dem GRAMMY-prämierten Produzenten Dan Auerbach (The Black
Keys). Das Album wurde gemeinsam mit Auerbach, Patrick Carney, Daniel Tashian und Pat McLaughlin geschrieben. Überlagert von üppigen, kreischenden Gitarren und vollgepackt mit Hooks, bewegt sich
das Album auf dem schmalen Grat zwischen rauem, energiegeladenem Rock und entspannten CrooningHymnen, alles mit einer Prise von Miles’ charakteristischer Tremolo-Gitarre und einer ganzen Menge Spaß.
Über die Entstehung von Sunlight In The Shadows sagt Miles: „Alle Wege, die ich in den letzten 20
Jahren gegangen bin, haben hierhergeführt“.

Mit Hallelujah! Don’t Let The Devil Fool Ya meldet sich Robert Finley mit voller Kraft zurück - mit einer
Stimme, die in den Juke Joints und ländlichen Kirchen von Nord-Louisiana geschmiedet wurde. Seine vierte
Veröffentlichung mit Dan Auerbachs Easy Eye Sound ist eine raue, aufrüttelnde Reise durch die Klänge,
die ihn geprägt haben, und kanalisiert tiefen Blues, Gospel und den Geist des Südens in einer Sammlung,
die ebenso zeitlos wie eindringlich ist. Finley ist jetzt über 70 und singt stärker als je zuvor. Seine Songs
stapfen, schweben und erheben sich - und beweisen einmal mehr, dass er eine der vitalsten Stimmen der
amerikanischen Roots-Musik von heute ist.

Why the Eye is an experimental masked quartet from Brussels that propels bodies into trance during its live performances. All instruments are DIY and played in real time, without loops or sequencers. Fans of The Residents, Société Étrange, Autechre, Boards Of Canada, The Meridian Brothers and Fulu Miziki could easily relate to their sound. On the recording of 'Inspirex', Damien Magnette who produced the album says, "The album is live music based on energy. It has a chaotic side. How do you convey the chaotic, wild, animal energy of live music on record? My point of view is that to achieve this energy, you have to do exactly the opposite in the studio. A lot of layering. Lots of overdubs that we can't do live. It's all these elements that give the album its wildness."

Das Album „Eye of the Storm“ der in Toronto lebenden kanadischen Singer-Songwriterin Georgia Harmer ist eine Übung in Verletzlichkeit, ein einfühlsamer Austausch zwischen ihrem früheren und ihrem zukünftigen Ich und ein tiefer Atemzug Leben, der die Adern ihrer Beziehungen im Laufe der Zeit erfüllt. Während ihr Debütalbum „Stay In Touch“ von Selbstreflexion und Wachstum handelte, liegt der Schwerpunkt von „Eye of the Storm“ auf der tieferen Frage der Selbstverwirklichung und des Selbstverständnisses. Es versucht, Fragen zu beantworten, was man mitnehmen, was man zurücklassen und was man weiterverfolgen sollte.

Goldfarbene Vinylplatte in Standardhülle mit bedrucktem Einleger und Papier-Innenhülle

Human Dynamics label debuts with a powerful vinyl collaboration EP from Uvall & Pierce.

The first-ever split EP from two close friends combines deep tribal grooves soaked in ritualistic textures and surgical low-end.
Four driving tracks have been crafted for different use-cases and moments, from warm-ups to peak-time and after-hours sessions.

Joint release embodies Human Dynamics' belief that the people and the sound are inseparably connected.

Are you ready for seconds? Feed LA are back once again with their sophomore full-length album, "More Feed’.

With each release, Feed LA lifts away from familiar forms, offering listeners both inventive improvisations and unexpected harmonic textures. Based in Berlin, the band weaves freely across experimental jazz, punchy funk, and low rock treadings. Sidestepping neat categories and market gridlines, the group leans into the joy of jazz music—rich in wandering detours and pivoting surprises. Feed LA's tracks unfurl before our ears, inviting listeners to the intricate conversations between players, where every murmur, pause, and sudden spark waits to be discovered.

They describe their style as "Free Pop”, a blend of jazz, funk, and pop instrumentation, with a touch of vocal accompaniment.

Get a second helping of Feed LA's unique musical sounds with their newest album, "More Feed,” now available on black vinyl LP and compact disc. Only on Mighty Eye Records!

Soundtrack work suits Thomas Dolby, who here turns in a variety of musical settings for a
computer animation video that include everything from moody electronic instrumentals and dance tracks to a ‘30s pop pastiche complete with horn section. Five of the nine tracks have vocals, two of which are contributed by Dr. Fiorella Terenzi. Dolby himself sings, raps. The Gate to the Mind’s Eye demonstrates Dolby’s continuing inventiveness.

Not quite as quirky as the Wireless album, not as moody as Flat Earth, not as wacky as Aliens Ate My Buick, but it has Dolby written all over it.

The Gate To The Mind’s Eye is for the first time available on vinyl as a limited edition of 750 individually numbered copies on silver coloured vinyl and contains an insert.

GAUPA, deren Name im Deutschen "Luchs" bedeutet, kehren mit abgespeckter Besetzung auf dem neuen Mini-Album "Fyr" zurück, wobei die Schweden damit zugleich auch ihr bislang fettestes und stärkstes Material servieren. Der Titel ist ein vielschichtiges Rätsel und Wortspiel in schwedischer Sprache: "Fyr" kann die Zahl "4" meinen und sich somit auf das Mini-Album als ihre vierte Veröffentlichung beziehen. Andere mögliche Bedeutungen sind "Leuchtturm", "Lichtzeichen" und "Feuer", die ihrerseits ebenfalls zur Musik und zur Lyrik passen würden. Der neue und von GAUPA bewusst dafür ausgewählte Tontechniker Karl Daniel Lidén hat den Tracks auf "Fyr" einen rauen, aggressiven Sound verpasst. Gleichzeitig bleiben auch die Kernelemente des musikalischen Ansatzes der Schweden präsent. Dazu zählen eine fesselnde Komplexität, spacige und trippige Strophen, die auf einem stetigen Strom von Psychedelik reiten, sowie Kaskaden harter Stoner-Riffs. Sängerin Emma Näslund hat sich zur Lyrik von "Fyr" durch Ursula K. Le Guins preisgekrönten Science Fiction Roman "Das Wort für Welt ist Welt" inspirieren lassen. Ihre Texte beschäftigen sich mit dem Konzept der Zeit und der Frage nach der Wirklichkeit, die sich in verschiedenen Variationen in allen Songs des Mini-Albums finden. Seit der Veröffentlichung ihrer selbstbetitelten EP im Jahr 2018 haben GAUPA der Stoner und Psychedelic Rock Szene neue Wege gebahnt und einen einzigartigen Kosmos geschaffen, der durch bezaubernden lyrischen Surrealismus und bewusstseinsverändernde Sounds definiert ist. Mit ihrem Debütalbum "Feberdröm" rückte die Band im Jahr 2020 durch ihre herausragende Mischung aus Progressive, Doom, Stoner Metal und Folk-Elementen, über welcher der mitreißende Gesang von Frontfrau Emma Näslund thront, ins internationale Rampenlicht. Der zweite Langspieler "Myriad" (2022) erreichte mit dem Track 'Exoskeleton' über eine Million Streams auf Spotify (der EP-Song 'Febersvan' steht mittlerweile bei über 4 Millionen). Obwohl GAUPA "Fyr" als "Patchwork" beschreiben, woran jedes Mitglied einen gleichwertigen Anteil hat, wirkt das Mini-Album insgesamt wie aus einem Guss, womit die Schweden die Messlatte für ihre zukünftigen Werke sehr hoch legen. Die physische Version von "Fyr" enthält einen zusätzlichen Bonustrack.

Next release in Rapid Eye Movement with REM4.2 is by VeRa. This release brings you four explosive tracks that blend techno, EBM, and electro breaks, showcasing VeRa's unique mix of dark, industrial vibes and high-energy rhythms. A true journey from start to finish.

Perfect for the dancefloor and beyond.

Als die selbstveröffentlichte und mit dem Bandnamen betitelte "Domkraft" EP im Jahr 2015 erschien, war sie für viele das erste Lebenszeichen der Schweden. Dass die 250 Originalexemplare schnell ausverkauft waren, zeugt von der großen Anziehungskraft des psychedelischen Doom-Kosmos mit seinen Fuzz-Riffs, den DOMKRAFT von Anfang an zu schaffen begannen. Dieser ist im Verlauf der letzten zehn Jahre mit vier Alben, zwei EPs und einer Live-Platte beständig weiter gewachsen. Obwohl DOMKRAFT mit jeder neuen Veröffentlichung ihrem musikalischen Kurs treu geblieben sind, hat sich das nordische Trio gleichzeitig konstant weiterentwickelt. DOMKRAFT sind hörbar gereift und haben ihr Songwriting auf allen Ebenen verfeinert. Dies macht ihr aktuelles Album "Sonic Moons" (2023) mehr als deutlich. Ihr Markenzeichen, die wuchtigen Doom-Hymnen, stehen noch immer im Vordergrund, jedoch sind eine leichte Verschiebung in Richtung Heavy Rock sowie zahlreiche kleine Verbesserungen und neue Nuancen hinzugekommen. Als schönes Jubiläumsgeschenk für ihre treue Fangemeinde legen DOMKRAFT endlich ihre gesuchte Debüt-EP neu auf, die obendrein mit zwei neuen Songs liebevoll zu einem kompletten Album aufgewertet wurde.

"In less than a ten-year span, Subsonic Eye have established a deep catalog across jangle- and indie-pop spectra. On their 2023 album All Around You, the Singaporean five-piece refined their signature snappy hooks with a renewed appreciation for the natural world’s entanglement with their urban milieu. Ever enraptured by nature and their surroundings, Subsonic Eye have dedicated much of their music to celebrations of their environment.

Their fifth album, Singapore Dreaming, centers their hometown through a more focused lens. Where All Around You comprised a space to sit with the complex feelings inspired by the intense world we inhabit, Singapore Dreaming is that intense world itself — Subsonic Eye’s interpretation of their high energy urban context refracted through straight-to-the-point, poppy, ergonomic songs tinged with tension that could explode at a moment’s notice.

Despite the newly honed vision, Singapore Dreaming still has all of Subsonic Eye’s signature elements: spellbinding walls of tone, hooky riffs, zippy rhythms, and punches in the perfect place — all led by singer Nur Wahidah’s dreamlike voice, whose vaporous and velvety character always makes the layers whole."

Diese Ausgabe des bereits traditionellen Begleitalbums zur Redux-Veröffentlichung strotzt nur so vor faszinierenden Künstlern und spannenden Kollaborationen, die allesamt den Punkgöttern RAMONES huldigen. Möglich wird diese kunterbunte Versammlung durch die kurzen Punk-Tracks der Amerikaner. Mit nur drei Akkorden und plakativen Texten revolutionieren die RAMONES im Jahr 1976 in Form ihres selbstbetitelten Debütalbums "Ramones" die zunehmend im Bombast erstarrende Rockszene mit dem rohen Energieausbruch des Punk. Die New Yorker beeinflussten über Jahrzehnte einige der bekanntesten Rock-, Punk- und Metal-Bands wie BLACK FLAG, NIRVANA, METALLICA, CIRCLE JERKS, WHITE ZOMBIE, PEARL JAM und GUNS N' ROSES - um nur einige zu nennen. MOTÖRHEAD haben den RAMONES sogar einen Song gewidmet. Die Band verkörperte den Punk-Underground, den sie beginnend im Jahr 1974 mit ins Leben gerufen hatten. Die Amerikaner blieben ihrem Sound und Stil über mehrere Dekaden treu, inspirierten Generationen von Musikern und erlangten ewige kulturelle Bedeutung, obwohl sie selbst kaum große kommerziellen Erfolg feiern durften. Die Redux-Serie von Magnetic Eye wurde als Hommage an klassische Alben aus der Musikgeschichte ins Leben gerufen. Zusammen mit "Ramones Redux" präsentieren wir auch das Begleitalbum "Best of Ramones Redux", das weitere Klassiker und Raritäten aus dem ebenso umfangreichen wie einzigartigen Katalog der US-Punk Legende enthält. Die Magnetic Eye Redux-Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMI HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS, AC/DCs "Back in Black", SOUNDGARDENs "Superunknown" und den JETHRO TULL-Klassiker "Aqualung" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt. Angeschnallt und zugestiegen bei Magnetic Eyes neunter Expedition ins Redux-Abenteuer, mit dem wir den legendären US-Punk Pionieren RAMONES die gebührende Ehre erweisen!

Diese Ausgabe des bereits traditionellen Begleitalbums zur Redux-Veröffentlichung strotzt nur so vor faszinierenden Künstlern und spannenden Kollaborationen, die allesamt den Punkgöttern RAMONES huldigen. Möglich wird diese kunterbunte Versammlung durch die kurzen Punk-Tracks der Amerikaner. Mit nur drei Akkorden und plakativen Texten revolutionieren die RAMONES im Jahr 1976 in Form ihres selbstbetitelten Debütalbums "Ramones" die zunehmend im Bombast erstarrende Rockszene mit dem rohen Energieausbruch des Punk. Die New Yorker beeinflussten über Jahrzehnte einige der bekanntesten Rock-, Punk- und Metal-Bands wie BLACK FLAG, NIRVANA, METALLICA, CIRCLE JERKS, WHITE ZOMBIE, PEARL JAM und GUNS N' ROSES - um nur einige zu nennen. MOTÖRHEAD haben den RAMONES sogar einen Song gewidmet. Die Band verkörperte den Punk-Underground, den sie beginnend im Jahr 1974 mit ins Leben gerufen hatten. Die Amerikaner blieben ihrem Sound und Stil über mehrere Dekaden treu, inspirierten Generationen von Musikern und erlangten ewige kulturelle Bedeutung, obwohl sie selbst kaum große kommerziellen Erfolg feiern durften. Die Redux-Serie von Magnetic Eye wurde als Hommage an klassische Alben aus der Musikgeschichte ins Leben gerufen. Zusammen mit "Ramones Redux" präsentieren wir auch das Begleitalbum "Best of Ramones Redux", das weitere Klassiker und Raritäten aus dem ebenso umfangreichen wie einzigartigen Katalog der US-Punk Legende enthält. Die Magnetic Eye Redux-Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMI HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS, AC/DCs "Back in Black", SOUNDGARDENs "Superunknown" und den JETHRO TULL-Klassiker "Aqualung" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt. Angeschnallt und zugestiegen bei Magnetic Eyes neunter Expedition ins Redux-Abenteuer, mit dem wir den legendären US-Punk Pionieren RAMONES die gebührende Ehre erweisen!

Mit nur drei Akkorden und plakativen Texten revolutionieren die RAMONES im Jahr 1976 in Form ihres selbstbetitelten Debütalbums "Ramones" die zunehmend im Bombast erstarrende Rockszene mit dem rohen Energieausbruch des Punk. Die New Yorker beeinflussten über Jahrzehnte einige der bekanntesten Rock-, Punk- und Metal-Bands wie BLACK FLAG, NIRVANA, METALLICA, CIRCLE JERKS, WHITE ZOMBIE, PEARL JAM und GUNS N' ROSES - um nur einige zu nennen. MOTÖRHEAD haben den RAMONES sogar einen Song gewidmet. Die Band verkörperte den Punk-Underground, den sie beginnend im Jahr 1974 mit ins Leben gerufen hatten. Die Amerikaner blieben ihrem Sound und Stil über mehrere Dekaden treu, inspirierten Generationen von Musiker und erlangten ewige kulturelle Bedeutung, obwohl sie selbst kaum große kommerziellen Erfolg feiern durften. Die Redux-Serie von Magnetic Eye wurde als Hommage an klassische Alben aus der Musikgeschichte ins Leben gerufen. Zusammen mit "Ramones Redux" präsentieren wir auch das Begleitalbum "Best of Ramones Redux", das weitere Klassiker und Raritäten aus dem ebenso umfangreichen wie einzigartigen Katalog der US-Punk Legende enthält. Die Magnetic Eye Redux-Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMI HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS, AC/DCs "Back in Black", SOUNDGARDENs "Superunknown" und den JETHRO TULL-Klassiker "Aqualung" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt. Angeschnallt und zugestiegen bei Magnetic Eyes neunter Expedition ins Redux-Abenteuer, mit dem wir den legendären US-Punk Pionieren RAMONES die gebührende Ehre erweisen!

Mit nur drei Akkorden und plakativen Texten revolutionieren die RAMONES im Jahr 1976 in Form ihres selbstbetitelten Debütalbums "Ramones" die zunehmend im Bombast erstarrende Rockszene mit dem rohen Energieausbruch des Punk. Die New Yorker beeinflussten über Jahrzehnte einige der bekanntesten Rock-, Punk- und Metal-Bands wie BLACK FLAG, NIRVANA, METALLICA, CIRCLE JERKS, WHITE ZOMBIE, PEARL JAM und GUNS N' ROSES - um nur einige zu nennen. MOTÖRHEAD haben den RAMONES sogar einen Song gewidmet. Die Band verkörperte den Punk-Underground, den sie beginnend im Jahr 1974 mit ins Leben gerufen hatten. Die Amerikaner blieben ihrem Sound und Stil über mehrere Dekaden treu, inspirierten Generationen von Musiker und erlangten ewige kulturelle Bedeutung, obwohl sie selbst kaum große kommerziellen Erfolg feiern durften. Die Redux-Serie von Magnetic Eye wurde als Hommage an klassische Alben aus der Musikgeschichte ins Leben gerufen. Zusammen mit "Ramones Redux" präsentieren wir auch das Begleitalbum "Best of Ramones Redux", das weitere Klassiker und Raritäten aus dem ebenso umfangreichen wie einzigartigen Katalog der US-Punk Legende enthält. Die Magnetic Eye Redux-Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMI HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS, AC/DCs "Back in Black", SOUNDGARDENs "Superunknown" und den JETHRO TULL-Klassiker "Aqualung" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt. Angeschnallt und zugestiegen bei Magnetic Eyes neunter Expedition ins Redux-Abenteuer, mit dem wir den legendären US-Punk Pionieren RAMONES die gebührende Ehre erweisen!

Die vierköpfige Band aus Columbus, Ohio in den Vereinigten Staaten ist seit langem für ihre kraftvolle Mischung aus treibenden Rhythmen, melodischem Gesang und eindringlichen Klanglandschaften bekannt. Mit "Get Well Soon" fügen sie dieser Liste noch packendes Songwriting hinzu. LO-PAN definieren ihren amerikanischen Hard Rock weiter und tiefer aus: Dieser mischt brutzelnden Hardrock mit Metal und einer satten Prise Grunge. LO-PAN haben sich in der pulsierenden Underground-Szene von Columbus, Ohio aufgrund ihrer geteilten Liebe zu Vintage Rock, Stoner Metal und modernem Heavy Metal zusammengefunden. Die vier Musiker eint außerdem die Leidenschaft zur Grenzüberschreitung. Es war kein Zufall, dass sie sich nach dem magischen Erzschurken aus dem Kultfilm "Big Trouble in Little China" benannten, denn die Band wollte filmisches Drama mit überlebensgroßer Energie verbinden. Von Anfang an zeichneten sich LO-PAN auch durch eine intensive Live-Präsenz und einen Sound aus, der klassischen Rock mit dem erdrückenden Gewicht von Stoner- und Doom-Einflüssen kombiniert. LO-PANs Debütalbum "Sasquanaut" aus dem Jahr 2009 brachte den sofortigen Durchbruch. Das zweite Album "Salvador" (2011) verfeinerte das Klangerlebnis und demonstrierte musikalische Reife. Im Jahr 2019 veröffentlichten LO-PAN "Subtle", das eine Weiterentwicklung ihres Sounds markierte. Die Band wagte das Risiko, mit einer introspektiven und atmosphärischen Herangehensweise neue emotionale Tiefen zu erkundete, was sich bei Kritikern und Fans gleichermaßen auszahlte. "Get Well Soon" läutet einen weiteren großen Sprung nach vorne für LO-PAN ein. Heavy, cool, eingängig und mit einer ausgeprägten emotionalen Kraft, die aus Erfahrung und Reife erwachsen ist, trägt "Get Well Soon" die Amerikaner sicherlich an neue Orte rund um den Globus.

As a founding member of Dublin experimental folk group Lankum, Ian Lynch explores submerged leylines of music and song. Forging a musical path that is all at once dark, mysterious and foreboding, but ultimately transcendental. His new solo project One Leg One Eye sees him taking a fresh approach to musical arrangement culminating in a sound that is more rooted in the raw aesthetics of second wave black metal than contemporary folk. The project was born across 2021, a period in which Lynch was able to enjoy the freedom of experimenting and exploring different paths of sound design without expectation or pressure. Seeking out interesting settings to record music and gather field recordings, there are several environments, external and interior, whose respective essence have seeped into the spirit of the music and come to represent Lynch’s artistic approach and development with this singular debut album, …And Take The Black Worm With Me. Rediscovered spaces in Dublin and the familiar enclave of his bedroom are intrinsic to the distinct and sometimes harrowing atmosphere conjured throughout the album’s five enveloping compositions. One particular location, an abandoned factory where his father worked when Ian was a child, provided a space of great inspiration and intrigue during this time. Lynch frequently visited the large abandoned warehouse and sang with his shruti box, contented in his solitude. ‘I’d Rather Be Tending My Sheep’, grew into existence from those initial sessions, eventually finding a home as an emotive centrepiece to the album. Reflecting on the overall recording of …And Take The Black Worm With Me, Lynch says, “Everything I was doing with these songs was all kind of new to me; experimenting with different sounds, textures and palettes and seeing what I could come up with by piecing it all together. I spent about a year making the album. I loved the whole process because it was basically just me in my bedroom recording everything. The experience of recording like this and having my own time to do it was amazing. I could focus on recording a specific element and happily spend all day working on that one part, doing it as many times as I wanted. At the end of the day if it didn’t feel right, I could just try it again the next day. When you’re on your own you can spend as much time as you want on particular parts until you feel that it’s absolutely perfect. I found that to be a really liberating experience. It was probably my favourite experience recording music.” The collection of songs (and their chronology) featured on …And Take The Black Worm With Me tell a story unique to Lynch’s experiences with anxiety and recognising his shadow self. Whilst the album became an outlet of personal expression for Lynch, the overarching themes and subsequent journey to confront one’s internal dichotomy of light and dark before accepting this inherent duality is universally shared. The eerie and often unsettling world contained within the album’s texturally dense opener ‘Glistening, She Emerges’, driven by the captivating drone of distorted uilleann pipes, immediately immerses the listener in this transportive work. It descends with a great heaviness, yet woven throughout the arrangement is a fascinating and indescribable entity that draws you further into this otherworldly dimension. This mood continues as the tracklist progresses and transitions into Lynch’s haunting realisation of ‘Bold and Undaunted Youth’ which further demonstrates a cinematic influence to Lynch’s compositional style. Sonically, Lynch effectively builds an impressively vast terrain with brilliantly murky lo-fi recording techniques and an unshakable curiosity to move beyond conventional structures and play with the timbre of the instruments available to him. From recording hurdy-gurdy or concertina to tape and experimenting with loops and effects pedals to stitching field recordings together, there’s an intimacy established between Lynch and his audience established through the simultaneously eerie and beautiful tones courting through …And Take The Black Worm With Me. This culminates in ‘Only the Diceys’, the extraordinary closing track in which we reach a place of resolution mapped into the album’s narrative structure. Mixed by longtime collaborator John ‘Spud’ Murphy in his Dublin-based Guerrilla Sounds Studio and mastered by Harvey Birrell …And Take The Black Worm With Me features contributions from Ruth Clinton (Landless) on church organ and vocals by Laurie Shanaman (Ails, Ludicra). Of Shanaman’s participation, in particular, which further illustrates the lo-fi and DIY ethos to the recording, Lynch says, “Laurie is my favourite black metal vocalist of all time and so I reached out to her hoping to have her involved in some way. She did, and she features on the opening track by providing some incredible screams. She recorded them into her phone and sent them over to me; what appears on the album is literally a phone recording of her screaming in her kitchen!” …And Take The Black Worm With Me continues Ian Lynch’s groundbreaking work with Lankum; recontextualising traditional forms and generating new spheres of music in his wake, confirming his status as one of the most interesting and innovative artists working in Ireland today.

And another! One Eye Witness rounds up 4 more acts to deliver the latest instalment of their V/A series, WITNESS07. The EP brings together names from across Europe: here fresh faces — the likes of Bristol’s JoeLy — rub shoulders with more established dancefloor exponents such as SameSame from Germany and Rome’s Christopher Ledger, all utilising the hypnotic tech house aesthetic championed by O.E.W.

Young Adults’ “It’s Only Temporary” kicks the EP into gear, a perky cut loaded with bounce. The The Hague duo employ a rubbery bassline and sound palette with plenty of boing, whilst working in a playful nod to a certain 1997 Loveparade anthem. Christopher Ledger gets classy on “Change That”, its slinky, steady break keeping hips in motion whilst tricky dubwise FX swirl across the stereo field. JoeLy slows things down and reigns it in with “Transitional”: beneath the filter sweeps, a seductive, sliding acid bassline is accompanied by augmented 303 action. As punchy as it is textural, the fittingly titled “Novel End” by SameSame seems draped in gauze — delicate drones wrap the drums in a soft cocoon, offering something a little more cerebral. WITNESS07: A tech house Tour de Europe, brought to you by Amsterdam’s all-seeing eye!

Dj Spinna’s very own Wonderwax record label is back with yet another soul-infused EP of trademark remixes from the man himself. This time around the Brooklyn producer unleashes for the first time on wax his brilliant vocal and dub versions of two tracks from critically acclaimed RnB duo King.

The 4 track EP includes the highly anticipated and unsurprisingly ace Galactic Soul remixes of “Mr Chameleon” plus the vocal and instrumental remixes of “Red Eye”, released digitally back in 2017 and never before on vinyl, showcasing once again Spinna’s amazing touch with downtempo beatdown jams.

The Velveteers bring a visceral energy to their explosive sophomore album, A Million Knives. The album is a blistering rock anthem infused with melodic indie songwriting. With GRAMMY Award-winning producer Dan Auerbach at the helm, the Boulder, CO trio encapsulates the raw, forceful, and profoundly heavy energy of their live performances and laser-focuses a spotlight on tightly crafted songs as they carve out their own distinctive niche. Driving The Velveteers is the commanding presence of frontwoman Demi Demitro, a no-bullshit, five-foot-something spitfire with thunderous guitar riffs and soaring vocals, backed by the incendiary duo of Baby Pottersmith and Johnny Fig on drums. The band's signature dual drum setup creates a thunderous foundation that propels their gritty, dynamic garage rock sound. On A Million Knives, this setup melds seamlessly with a more modern indie rock influence-the attitude of Wolf Alice, the colossal sound of Queens of the Stone Age, and the singular lyrical voice of Hole. The Velveteers have built a dedicated following through relentless touring and electrifying performances, sharing stages with renowned acts such as Smashing Pumpkins, The Black Keys, Greta Van Fleet, Guns N' Roses, and Des Rocs. With A Million Knives, The Velveteers offer a compelling testament to their rising stardom, a rock 'n' roll album as beautiful as it is terrifying.

Die schwedischen Heavy Rocker GREENLEAF haben mit ihrem neunten Album "The Head & The Habit" den vorläufigen Gipfel ihrer langen Evolution erklommen. Die musikalische Handschrift und Virtuosität von Gitarrist Tommi Holappa, seit mehr als 25 Jahren einer der Vorreiter und tragenden Säulen der europäischen Stoner Rock Szene, zeichnen sich deutlich ab. Die Gitarren werden perfekt ergänzt durch den gefühlvollen, intuitiven Sinn für Melodien und die charakterliche Tiefe, die der klassisch ausgebildete Sänger Arvid Hällagård dem Sound von GREENLEAF verleiht. Neben den erstklassigen Gesangslinien sowie den massiven Fuzz-Power-Riffs hat sich der Frontmann intensive Gedanken zu seinen Texten für "The Head & The Habit" gemacht, die weit über den Standard des oft klischeebeladenen Genres hinausreichen. Wie bereits der Albumtitel ("Der Kopf & Die Gewohnheit") andeutet, sind die neuen Songs als symbolische Kurzgeschichten angelegt, die sich um das Ringen mit Gefühlen bis zu psychischen Erkrankungen drehen. In Hällagårds Lyrik spiegeln sich seine Erfahrungen aus der Arbeit mit Menschen wider, die mit Sucht und anderen psychischen Problemen zu kämpfen haben. Die Heavy Rock Liebhaber GREENLEAF wurden ursprünglich als informelles Privatprojekt unter Freunden gegründet. Alle spielten bereits in anderen Bands, worunter sich so klangvolle Namen wie DOZER, LOWRIDER und DEMON CLEANER finden. Die Schweden suchten einfach nur nach einem Ventil für ihre gemeinsame Liebe zum Hard Rock und Proto-Metal der 70er Jahre, das frei von den Erwartungen und dem Druck ihrer Hauptbands sein sollte. Trotz der Absicht, GREENLEAF nur zum Vergnügen zu betreiben, führte die ungetrübte Freude beim Erschaffen eingängiger Songs dazu, dass ihr gesamtes Umfeld nach Aufnahmen von diesem Material verlangte. Dies führte schließlich zur Veröffentlichung einer selbstbetitelten Debüt-EP im Jahr 2000, der nur ein Jahr später das erste vollständige Album "Revolution Rock" folgte. Die Jahre mit wechselnden Besetzungen waren vorbei. GREENLEAFs stabiler Fokus wurde durch ihr fünftes Album "Trails & Passes" (2014) gekrönt, auf dem erstmals Arvid Hällagård als Sänger zu hören war. Dieser Meilenstein markierte den endgültigen Beginn einer neuen Phase der Band. Mit "The Head & The Habit" verbinden GREENLEAF nun das Bewusstsein für vergangene Triumphe mit reifem Handwerk. Die Schweden wissen, wie sie mehr als je zuvor stärker, härter und auf den Punkt rocken. GREENLEAF verschmelzen donnernde Riff-Magie, mitreißenden und mit Soul getränkten Gesang, frenetische Rhythmen und treibende Takt-Attacken zu einer ohrwurmverdächtigen, funkelnden Legierung von Hardrock-Hymnen!

Gifted & Blessed is back again, this time with his first full-length album as The Abstract Eye, bearing his soul through his arsenal of analogue and mostly vintage drum machines, synthesizers, and effects processors. You Can't Unsee Me consists of 8 pieces recorded live and in one take at different moments over the last 10 years. Throughout the album, AE exhibits simple-yet-complex sequencing and processing while emphasizing depth, warmth, and heart. Whether you're looking for music to dance to, music to relax and vibe to, or music to think deeply to, this has it all. One thing that's for sure about The Abstract Eye...once you've experienced what he brings to the world through his signature brand of electronic music, you simply can't unsee him.

Richer’s Castlevania EP dives into the shadowy side of 80’s synth music. dark , haunting vocals, and atmospheric melodies. Blending differents elements with a modern touch.

The latest from prolific producer and trumpeter Michael Leonhart (Steely Dan, Mark Ronson, El Michels Affair, Elvis Costello). The Leonhart Brass Band features members of Antibalas, the Dap-Kings & Red Baraat. The Leonhart Brass Band was conceived during the 2020 COVID-19 quarantine when trumpeter/composer/producer Michael Leonhart was unable to perform with his 18-piece orchestra at NYC's famous Jazz Standard. Leonhart began composing music for a small brass band that would be capable of playing outdoors without amplification. Building on the foundation of the classic brass bands (Dirty Dozen Brass and Rebirth Brass Band), Leonhart has infused elements of hip-hop and funk to create his own sound. The Leonhart Brass Band features members of Antibalas, the Dap-Kings & Red Baraat. "Jabbar" – Dedicated to and inspired by hooping legend Kareem Abdul Jabbar (aka Lew Alcindor), whose father was a transit police officer/jazz musician and whose mother worked as a department store price checker. In addition to Jabbar's storied career on the hardcourt, Jabbar grew up surrounded by jazz and has been a die-hard music fan his entire life, tragically losing his vast record collection in a 1983 fire that destroyed his LA home. Leonhart's tribute centers around an infectious bass riff in C minor, punctuated by brass stabs and solos by Leonhart on trumpet and Jason Marshall on the seldom-heard bass saxophone. "The Iceman" – The title is taken from basketball great George Gervin's famous nickname given to him during his years playing in both the ABA (American Basketball Association) and the NBA (National Basketball Association) for teams such as the Virginia Squires, San Antonio Spurs and Chicago Bulls. Legend has it the name came from Gervin's cool temperament on the court and his rare ability to play incredibly hard without breaking a sweat. "The Iceman" sees the Leonhart Brass Band horn section dividing into two groups as they play counterpoint melodies against one another. The tape echo effected bari sax solo is performed by Stuart Bogie