Поиск:ein st ein

The Music Never Stopped ist eine gekürzte Ausgabe der kolossalen 60-Disc-Box von Grateful Dead mit vollständigen Live-Auftritten, die bei Konzerten zwischen 1969 und 1994 aufgenommen wurden, mit dem Titel Enjoying The Ride. Sie enthält mindestens einen Song aus jeder einzelnen Show, die in dem Set enthalten ist, darunter Auftritte an klassischen Veranstaltungsorten wie dem Madison Square Garden und dem Fillmore East.

Fünf Jahre nach ihrem gefeierten Album 'forevher' meldet sich die britische Sängerin Shura mit ihrem dritten Studioalbum 'I Got Too Sad For My Friends' zurück. Eine Mischung aus Kammerpop, 60er-Jahre-Folk und Lagerfeuer-Americana, die Shuras introspektives Songwriting in eine weite Landschaft ausdehnt - ruhiger als der gefühlvolle Schwung von 'forevher' und rustikaler als der grüblerische Synthie-Pop ihres Debüts 'Nothing’s Real' aus dem Jahr 2016.

Obwohl das Album Themen wie Isolation, Traurigkeit und Depression bearbeitet, klingt es aber alles andere als niedergeschlagen - Shuras kristallklarer Gesang trifft auf eine warme, erdige Produktion. Shura dazu ganz selbst-ironisch: „Auch wenn es nicht unbedingt eine maximalistische Platte ist, was den Sound angeht, war der Ansatz für mich, die Platte mit maximaler Freude aufzunehmen - was urkomisch ist, denn es geht darum, unglücklich zu sein!“

Angegangen wie eine „Old-School-Platte“, die eher eine Performance als eine Produktion einfängt, wurde ein Großteil des Albums live aufgenommen, wobei Keys, Bass, Gitarre und Schlagzeug in einem Rutsch aufgenommen wurden. Nur der Gesang wurde separat aufgenommen - mit Ausnahme des sanften Funk-Tracks Ringpull.

Der in Süd-London geborene und mittlerweile in Atlanta lebende Puma Blue - das Pseudonym von Jacob Allen - veröffentlicht sein Überraschungsalbum 'antichamber'. Es markiert eine klangliche Wende für Puma Blue, da er sich von der vollen Band abwendet und ganz auf obskure elektronische Texturen und akustische Instrumente setzt. Während sein bisheriges Material irgendwo zwischen Trip-Hop, Jazz und Electronica schwebte, hat 'antichamber' einen rohen und direkteren Ansatz beim Songwriting. Hauptsächlich getragen von der sanften Stimme Allens und akustischen Gitarren zeigt sich 'antichamber' verletzlich und von überwältigender Schönheit.

Kurz nachdem True North ihr Debut Album “Out Loud” veröffentlichten, haben sich die Bandmitglieder schon wieder im Studio zusammengefunden und in den folgenden Monaten an gleich mehreren Songs gearbeitet. Mit ihrem ersten veröffentlichten Album, ihrem ersten Record Deal in der Tasche und ihrer ersten Tour im Rücken, war die junge Band voller Energie, Inspiration und neuer Erfahrungen, die True North’s Sound auf ein moderneres, perfektioniertes Level brachten.

Gitarrist Joel Ferber hat auch bei diesem Album die Produktion übernommen, und mit der Zeit hat sich eine Sammlung ihrer besten Arbeiten ganz natürlich zu ihrem zweiten Studioalbum gefügt. Der Titel “Either Way, The Sun’s Exploding” spiegelt eine gewisse, erzwungene Apathie der Bandmitglieder wider, so wie sie in ihren neuen Songs tiefer in ernstere Themen, musikalisch wie

textlich, eintauchen. Diese umfassen Herzschmerz, Angst, Demut, Selbstreflektion und die immer präsente Jagd nach Wachstum.

True North verbinden Elemente des Alt-Rock, Emo und Pop-Punk und kreieren einen einzigartigen Sound, der modern klingt und gleichzeitig nostalgisch werden lässt. Voll von eingängigen Melodien und emotionsgeladenen Texten.

Obwohl ANTROPOMORPHIA für "Devoid of Light" insgesamt zweieinhalb Jahre im Studio verbrachten haben, verloren sie dabei nie ihre Vision aus den Augen: Nämlich eine Vielzahl von harten musikalischen Texturen, einschließlich fanatischer Aggression, misanthropischer und nihilistischer Texte mit dunklen Emotionen wie Wut, Verzweiflung und Schmerz zu dunklen und bedrückenden Klanglandschaften zu kombinieren. ANTROPOMORPHIA wurden 1990 im niederländischen Tilburg aus der Gruft gehoben. Als Pioniere ihres Genres wurden sie schnell zu einem Fundament der Death Metal Szene in den Niederlanden. Trotz gelegentlicher Unterbrechungen konnten ANTROPOMORPHIA ihren Status als Underground-Ikonen mit einer Reihe gefeierter Veröffentlichungen kontinuierlich festigen. Ihre kompromisslose Herangehensweise und der sich ständig erweiternde Malstrom musikalischer Texturen brachte einen stetig wachsenden Einfluss von Black Metal Elementen in die musikalische und visuelle DNA der Niederländer. Jetzt kehren ANTROPOMORPHIA mit "Devoid of Light" zurück und zeigen der Welt, dass sie immer noch danach dürsten, die Grenzen der Death Metal Szene zu überschreiten. Dreht die Regler auf 10 und lasst dieses monströse Album von der Leine!

Gerade erst hat Ole Luk mit seiner Hauptband Solbrud den renommierten Gaffa-Pris für das Metalalbum des Jahres abgeräumt und eine Nominierung für den nicht minder renomierten Nordic Musik Price erhalten.

2025 schüttelt der kreative Musiker mit seinem Soloprojekt Afsky ein Debütalbum aus dem Ärmel, das definitiv seine Spuren im Blackmetal hinterlassen wird. Luk setzt auf Bewährtes: Depressiv-raue Prügelparts reihen sich aneinander und erzeugen eine frostige Atmosphäre, aber er scheut auch nicht davor zurück, Melodie (wohl dosiert), Postrock, Doom und nordische Folkelemente einzubauen. Auch das ist nicht neu und wurde schon das eine oder andere Mal in diesem Genre praktiziert, aber Luk setzt es mit einer Entschlossenheit um, dass diese Parts nicht wie Fremdkörper, sondern als vollständig integrierte Teile der Songs wirken. Bemerkenswert ist der Gastauftritt von Amalie Bruun (Myrkur), die für den Song »Oh Månelose Nat« ihre Nyckelharpa sowie Gesang beisteuert.

High Roller Records, Wiederveröffentlichung 2025, magentafarbenes/schwarzes Vinyl, limitiert auf 250 Stück, 425gsm schweres Kartoncover mit 5mm Rücken, A5 Fotokarte, A4 Einleger, 8-seitiges Booklet, Poster.

Alle Tracks gemastert von Patrick W. Engel bei TEMPLE OF DISHARMONY im September 2022.
Schnitt durch SST Germany auf Neumann Maschinen für optimale Qualität auf allen Ebenen. Die ultimative audiophile Wiederveröffentlichung dieses französischen Metal-Klassikers!

BIIG TIME ist das Projekt des DMA's-Gitarristen Johnny Took und seines Bruders, PLANET-Sänger Matthew Took. Mit der neuen Single "Bigger Than Nothing" kündigt das Duo sein Debütalbum "200K" an, das auf viel beachtete Australien-Konzerte mit den Courteeners und Jamie Webster folgt. "Bigger Than Nothing" mit seinen durchgehenden Harmonien, verzerrten Gitarren und Lyrics voller augenzwinkernder Selbstironie ist der Nachfolger der 2020er Debütsingle "It's You", die als faszinierendes West-Coast-by-Garage-Rock-Statement aufhorchen liess. Mit 4 DMA's-Alben und einer weltweiten Fangemeinde ist Took kein Unbekannter auf internationalen Bühnen, während sein Bruder Matthew mit dem 2022er PLANET-Debütalbum "Information Overload" bereits Künstler wie Liam Gallagher supportete.

BIIG TIME ist das Projekt des DMA's-Gitarristen Johnny Took und seines Bruders, PLANET-Sänger Matthew Took. Mit der neuen Single "Bigger Than Nothing" kündigt das Duo sein Debütalbum "200K" an, das auf viel beachtete Australien-Konzerte mit den Courteeners und Jamie Webster folgt. "Bigger Than Nothing" mit seinen durchgehenden Harmonien, verzerrten Gitarren und Lyrics voller augenzwinkernder Selbstironie ist der Nachfolger der 2020er Debütsingle "It's You", die als faszinierendes West-Coast-by-Garage-Rock-Statement aufhorchen liess. Mit 4 DMA's-Alben und einer weltweiten Fangemeinde ist Took kein Unbekannter auf internationalen Bühnen, während sein Bruder Matthew mit dem 2022er PLANET-Debütalbum "Information Overload" bereits Künstler wie Liam Gallagher supportete.

Drei Jahre nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums "caroline" kommt jetzt ihr neues Album "caroline 2". Die Gruppe verbrachte 18 Monate mit verschiedenen Schreibsessions in Großbritannien, wobei die Aufnahmen hauptsächlich in den Big Jelly Studios in Ramsgate stattfanden. Produziert wurde das Album von Jasper Llewellyn, Casper Hughes, Mike O"Malley und Syd Kemp, gemischt von Jason Agel und gemastert von Heba Kadry. Das neue Album "caroline 2" beginnt mit einer lauten Gitarre, die den Sound und gleichsam die Marschroute für das neue Album vorgibt. Dabei gibt sich der Klangkosmos von caroline weiterhin als unergründlich. Voller euphorischer Tiefen und musikalischer Fallstricke, die einen zurück auf einen gemütlichen Soundteppich ziehen. Und dennoch klingt auch das neue unverkennbar nach der Band, die man nicht in Schubladen stecken kann. In gewisser Weise macht das zweite Album von caroline somit da weiter, wo sein Vorgänger aufgehört hat - das grandiose, selbstbetitelte Debüt von 2022 endete mit "Natural death", auf dem sie ebenfalls die Möglichkeiten von hypnotischen Gitarrenmustern erkundeten -, aber in vielen anderen Bereichen betreten sie Neuland. Das Ergebnis ist ein Album von außerordentlicher Tragweite, auf dem das Organische und das Künstliche, das Raue und das Schöne, das Ursprüngliche und das Verschwommene aufeinanderprallen und sich miteinander verbinden.

Remedy Entertainment und Laced Records präsentieren die wegweisende, unvergessliche Musik des preisgekrönten Videospiels 'Alan Wake 2' auf Vinyl.

Remedy und sein Creative Director Sam Lake sind wohl unübertroffen in ihrem Engagement für die Musik in ihren Spielen. Für den Soundtrack verfolgten sie vier kreative Hauptstränge: Der langjährige Mitarbeiter Petri Alanko (Alan Wake, Quantum Break, Control) kehrte als leitender Komponist zurück und lieferte einen bissigen und doch gefühlvollen dramatischen Horror-Score sowie die bei den Fans beliebte Hausmeister-Ballade „Yötön Yö“, gesungen von Martti Suosalo (Ahti).

Der Musikkünstler POE und Sam Lake haben sich zusammengetan, um vier Teile des spiralförmigen, melancholischen Epos „This Road“ zu schaffen, das das Ende von Wakes Reise durch den Dark Place darstellt.

Die Poets of the Fall schlüpften erneut in die Rolle der alten Götter von Asgard und schufen mehrere Prog-Opera, darunter das monumentale „Herald of Darkness“ mit dem Gesang von Matthew Porretta (Alan Wake) und David Harewood (Mr. Door).

Schließlich versammelte die Musikproduktionsfirma Fried Music in Zusammenarbeit mit Nordic Music Partners eine kleine Armee außergewöhnlicher Songwriter-Talente, um die vielseitigen, atmosphärischen und im Universum angesiedelten „Chapter Songs“ zu komponieren.

Nick Cave, neu in Berlin, dockt 1982 bei Die Haut an. Es entsteht ein furioses Album, das den Weg zu einer Musik ebnet, die Cave ab 1984 mit den Bad Seeds spielen wird. Lange war BURNIN" THE ICE nicht mehr zu haben. Jetzt erscheint die Platte neu auf Vinyl - und schließt nach vielen Jahren eine Lücke, die Cave-Komplettisten zur Verzweiflung trieb.

Die amerikanische Rockband Skid Row eroberte in den späten 80er Jahren die Musikszene und wurde zu einer führenden Kraft im Hard Rock- und Heavy Metal-Genre. Bekannt für ihre unbändige Energie, ihre melodischen Hooks und ihre unerbittliche Härte, feierten Skid Row mit Hits wie "18 and Life", "Youth Gone Wild" oder "I Remember You" weltweite Erfolge. Die Band wurde zum Synonym für den rebellischen Geist der späten 80er und frühen 90er Jahre, verkaufte weltweit Millionen von Alben und festigte ihren Platz in der Rockgeschichte. Im Jahr 2022 meldeten sich Skid Row mit ihrem mit Spannung erwarteten neuen Studioalbum "The Gang's All Here" zurück, das von Kritikern und Fans gleichermaßen als kraftvolles Revival ihres klassischen Sounds gefeiert wurde.
"Revolutions Per Minute", erstmals erschienen im Jahr 2006, stellt einen entscheidenden Moment in der Karriere der Band dar, da Skid Row aus ihrer Komfortzone heraustraten und neue Ideen und Einfl üsse in die Band einbrachten. Das Album präsentiert den sich weiterentwickelnden Stil der Band, der ihre charakteristische Härte mit einem moderneren, aƽressiveren Sound kombiniert. Die komplett remasterte Neuaufl age bietet den Fans die Möglichkeit, dieses klassische Album neu zu entdecken und seine nachhaltige Wirkung zu schätzen.

Über die letzten zwei Jahrzehnte hat sich Papa Roach als echter Trendsetter im Heavy-Genre etabliert: Sie wurden für zwei Grammys nominiert, tourten weltweit mit allen von Eminem bis Marilyn Manson und erschufen die Nu-Metal-Hymne »Last Resort«, die siebzehn Jahre nach Erscheinen noch immer auf Heavy Rotation in den Rock-Radios läuft.

Dennoch markiert das neunte Album der Band »Crooked Teeth« die Rückkehr zu ihren ursprünglichen – hungrigen – Wurzeln. Aufgenommen wurde das Album mit den aufstrebenden Produzenten Nicholas »RAS« Furlong und Colin Brittain in einem kleinen Studio in North Hollywood. Furlong und Brittain sind mit der Musik von Papa Roach aufgewachsen und haben die Band dazu inspiriert, sich auf einige der Tugenden zu besinnen, die sie an Papa Roach immer besonders gemocht hatten – allen voran die bemerkenswerte Rap-Technik von Frontmann Jacoby Shaddix.

Bryan Ferrys „As Time Goes By“ ist eine zeitlose Sammlung klassischer Songs aus den 1920er und 1930er
Jahren und präsentiert seine unverkennbare Eleganz und seinen anspruchsvollen Stil. Auf dem 1999 erschienenen Album interpretiert Ferry Jazzstandards und romantische Balladen neu, darunter „The Way You
Look Tonight“, „I’m in the Mood for Love“ und den legendären Titeltrack „As Time Goes By“. Mit üppiger
Orchestrierung und einem klassischen, filmischen Touch erweckt Ferry diese beliebten Songs meisterhaft
zu neuem Leben und zollt dem goldenen Zeitalter der Musik Tribut, während er ihnen gleichzeitig seine
ganz eigene Note verleiht.
Das Album erscheint zum ersten Mal seit 2010 wieder in limitierter Auflage auf honiggoldenem 1LP-Vinyl
und 1CD-Format. Bryan Ferry hat auch das aktualisierte Artwork für beide Formate gestaltet

*****INFOTEXT NUR ZUR INTERNEN VERWENDUNG. BITTE NICHT AUF DIE ONLINE-PORTALSEITEN
STELLEN****
JEREMIAS veröffentlichen ihr nun drittes Studioalbum ”trust”. Mit dem Song Meer, der #3 der Spotify Charts erreichte, ist bereits vor Release ein Hit auf dem Album. Auch live geht es erfolgreich weiter mit
einer ausverkauften Clubtour und ihrer bisher größten Tour im Herbst mit Locations wie Max-SchmelingHalle und Sporthalle.

Get Sunk ist eine Ode an das Unendliche. Es bringt mit dem Pinsel gestrichene, verschwommene Erinnerungen an die Oberfläche, die sich zu einem Haufen von Farben und Verbindungen anhäufen, der sich über
die Individualität hinaus in eine endlose Veränderung erstreckt. Unter Wasser bewegt sich alles in Zeitlupe,
und Matt Berninger sah seine kreative Stimme mit der Strömung entgleiten. Aber manchmal müssen wir
ertrinken, um uns daran zu erinnern, wie man atmet. Get Sunk ist das reinigende Einatmen. Es ist der
Anblick des wogenden Spiegelbilds im Wasser und die Erkenntnis, dass man nicht man selbst ist ohne
tausend andere: Eltern, Freunde, Geschwister, Ehepartner und Ex-Freunde, College-Mitbewohner, beste
Freunde aus der Kindheit, Cousins und Cousinen, sogar Fremde - all das macht den Geist des Erzählers von
Get Sunkaus. Berninger wollte herausfinden, warum er liebt, was er tut, und es ist der kollaborative Geist
des Albums und die lockere, sich entfaltende Haltung, die Berninger aufblicken und die Wärme in seinem
Gesicht spüren ließ. Wenn wir in uns selbst versinken, stellen wir oft fest, dass wir eigentlich mit anderen
schwimmen.

Wer glaubt, über die Diskografie des legendären Pianisten Sviatoslav Richter sei bereits alles gesagt, der
irrt. 60 Jahre lang schlummerten die Aufnahmen, die die Deutsche Grammophon 1965 bei den Festivals in
Tours und Luzern mitgeschnitten hatte, in den Archiven. Sie werden nun erstmals veröffentlicht, sorgfältig
restauriert von den renommierten Emil Berliner Studios. Wie viele Künstler hatte auch Richter das Gefühl,
im Konzert besser und freier zu spielen als im Studio. Diese ungeheuren Aufnahmen zeigen den Pianisten
auf dem Höhepunkt seines pianistischen Könnens. Und in der Tat erinnern sie an Van Cliburns Ausspruch:
„Das ist das gewaltigste Klavierspiel, das ich je gehört habe“. Richters Beethoven-Interpretationen sind
phänomenal. Die Deutungen der Sonaten Nr. 18, 27, 28 und 31 zeigen einen frappierenden, einen modernen
Ansatz, der kein Risiko scheut und den musikalischen Ausdruck in jeder Hinsicht auf die Spitze treibt. Die
Pianistin Elisabeth Leonskaja, eine Vertraute Richters, zeigte sich begeistert von der künstlerischen Freiheit,
der spieltechnischen Brillanz und der Liebe zur Musik, die sich in diesen Aufnahmen vermitteln. Das Album
ist digital, als CD und Doppel-LP erhältlich und enthält ein aktuelles Interview mit Elisabeth Leonskaja,
einen Essay von Jed Distler sowie editorische Anmerkungen von Markus Kettner. Zahlreiche, zum Teil
unveröffentlichte Fotos ergänzen die Edition.

Interplay ist ein Album des legendären Jazzpianisten Bill Evans aus dem Jahr 1963, das ursprünglich auf dem
Label Riverside erschien. An der Seite von Evans spielen Freddie Hubbard (Trompete), Jim Hall (Gitarre),
Percy Heath (Bass) und Philly Joe Jones (Schlagzeug). Diese Neuauflage des Albums erscheint als Teil
der Original Jazz Classics Series auf 180-Gramm-Vinyl, das bei RTI gepresst und von den Originalbändern
bei Cohearent Audio analog gemastert wurde, und mit einem Stoughton Tip-On Jacket.

Moon Beams wurde 1962 veröffentlicht und ist das erste Album des Bill Evans Trios mit Chuck Israel am
Bass nach dem Tod von Scott LaFaro. Mit den Titeln „Re: Person I Knew“ und „Very Early“ wird das
Trio aus Evans (Klavier) und Israel (Bass) durch Paul Motion (Schlagzeug) ergänzt. Diese Neuauflage
des Albums erscheint als Teil der Original Jazz Classics Series auf 180-Gramm-Vinyl, das bei RTI gepresst
wurde, mit analogem Mastering von den Originalbändern bei Cohearent Audio und einem Stoughton Tip-On
Jacket

»Resurrection Of The Graveless« ist eine Hommage an den Old School-Death Metal der frühen Neunziger Jahre. Das neue Album ist die bisher kompromisloseste Veröffentlichung der Band. Die Songs sind dazu bestimmt, mehr als nur Tracks zu sein – sie sind Hymnen. Aufforderungen an diejenigen, die ebenfalls miterleben, wie die Welt um sie herum zerbröckelt und brennt.

Mal Waldrons erste Hommage an Billie Holiday mit dem Titel »Left Alone« wurde 1959 aufgenommen, nur wenige Monate vor dem Tod der Sängerin

Archie Shepps oft düsteres Tenorsaxophon erinnert an die Textur von Holidays Stimme, ergänzt aber perfekt Waldrons üppiges Piano

Diese instrumentale Hommage an Billie Holiday ist eines der besten Alben, die ihr Andenken ehren

Keine 400 Songs später und nach etlichen Konzerten geht das Solo Projekt des 19 jährigen Ennio De Caro namens AIN'T UR ENN den nächsten Schritt.Das Album LANGUISH erscheint am 30. Mai 2025 auf Tomatenplatten. Aufgenommen wurde im heimischen Schlafzimmer in Luzern. Das Tonstudio heisst Garage Band. Die erste Trennung wird in Musik gegossen. Ennio De Caro schreibt die Songs, spielt alle Instrumente und singt. Die Drums sind programmiert. Die Emotion ist direkt. Krankhaft traurig, desillusioniert und überbordend energetische klingen die Lieder, die im Frühsommer erscheinen. Das Album heisst LANGUISH. Die Musik ist nicht einzuordnen - Herzzerreißender Bedroom-Pop trifft auf Japanese influenced Hyper-Indie-Pop-Rock. Y2K - Cybercore-Ästhetik trifft auf Emo. Rock and Roll trifft auf Autotune a la Julian Casablanca. Ist das dann Nintendo-Rock? Oder Alex G. auf Crack?

Get Sunk ist eine Ode an das Unendliche. Es bringt mit dem Pinsel gestrichene, verschwommene Erinnerungen an die Oberfläche, die sich zu einem Haufen von Farben und Verbindungen anhäufen, der sich über
die Individualität hinaus in eine endlose Veränderung erstreckt. Unter Wasser bewegt sich alles in Zeitlupe,
und Matt Berninger sah seine kreative Stimme mit der Strömung entgleiten. Aber manchmal müssen wir
ertrinken, um uns daran zu erinnern, wie man atmet. Get Sunk ist das reinigende Einatmen. Es ist der
Anblick des wogenden Spiegelbilds im Wasser und die Erkenntnis, dass man nicht man selbst ist ohne
tausend andere: Eltern, Freunde, Geschwister, Ehepartner und Ex-Freunde, College-Mitbewohner, beste
Freunde aus der Kindheit, Cousins und Cousinen, sogar Fremde - all das macht den Geist des Erzählers von
Get Sunkaus. Berninger wollte herausfinden, warum er liebt, was er tut, und es ist der kollaborative Geist
des Albums und die lockere, sich entfaltende Haltung, die Berninger aufblicken und die Wärme in seinem
Gesicht spüren ließ. Wenn wir in uns selbst versinken, stellen wir oft fest, dass wir eigentlich mit anderen
schwimmen.

Auf Festivalbühnen waren Cari Cari 2017 und 2018 nicht mehr wegzudenken. Und doch stehen die beiden erst am Anfang. Das Album feiert diesen mit dem prototypischen Titel »Summer Sun« – und gibt damit die Schlagrichtung vor. »Anaana« versammelt die Unmenge an Eindrücken aus vielen Reisekilometern, Nächten und Abenteuern in einem glühend heißen Druckkochtopf; unterhaltsam, schnell und abwechslungsreich.

Eine gewisse Liebe zu den Welten von Ennio Morricone und Quentin Tarantino ist nicht von der Hand zu weisen – und damit auch der Hang des Duos, mutig entlang eines schmalen Grats zu tänzeln: Cari Cari vermengen zahlreiche Popkulturzitate und weltmusikalische Einflüsse mit einer Prise Ironie und viel Charme. So dürfen sich zwischen kessem 60s-Gitarrensound und tribal beats auch Maultrommeln und Didgeridoos tummeln, die SML auch auf der Bühne zur Begeisterung des Publikums immer wieder auspackt. Und so gelingt der Tanz dem Duo mit jener jugendlich-frischen Mühelosigkeit, die die beiden schon die genannten Bühnen im Sturm erobern ließ.

Auf dem abschließenden Volume der Serie »Exclusively For My Friends« setzt Oscar Peterson mit seinen Kollegen Sam Jones (b) und Bob Durham (dr) noch einmal sehr unterschiedliche Glanzpunkte. Das überschäumende, vorwärtstreibende Titelstück kann seine Wurzeln im Gospel nicht verleugnen, kontrastiert wird es mit der schlichten und doch so tiefsinnigen Ballade »Emily«. Mit der Jobim-Komposition »Quiet Nights« (im Original »Corcovado«) demonstriert das Trio, zu welchem Feingespür es bei der Adaption der Bossa Nova fähig ist.

Die ansonsten so träumerische Nummer wird hier mit rasant swingender Unbeschwertheit einer erstaunlichen Metamorphose unterzogen. Durch die Auswahl von »Sax No End« verbeugt sich Peterson vor dem europäischen Jazz: Die Komposition stammt vom belgischen Bigband-Leader Francy Boland und wird von Petersons mitreißendem, sehr muskulösem Spiel geradezu in Brand gesetzt. Zum Finale »When Lights Are Low« von Benny Carter: Über zehn Minuten gestaltet das Trio bedächtig und souverän diese versonnene Komposition, wobei Sam Jones mit seinen delikaten Begleitfiguren nochmals eine besondere Rolle zukommt.

Die Modern Folk-Künstlerin Jensen McRae hat das Veröffentlichungsdatum ihres mit Spannung erwarteten zweiten Albums „I Don't Know How But They Found Me!“ bekannt gegeben, das am 25. April über Dead Oceans erscheinen wird. Zusammen mit der Ankündigung hat sie auch ihre neueste Single und das Video „Praying For Your Downfall“ veröffentlicht, ein Meisterwerk der Offenheit, das Witz und Charme verbindet, während McRae darüber nachdenkt, wie sie den Drang nach Rache an jemandem, der ihr das Herz gebrochen hat, loslassen kann.



Jensen McRae - Praying For Your Downfall (Official Video)



Vor dem Hintergrund von Herzschmerz, Selbstfindung und der Komplexität der Liebe ist „I Don't Know How But They Found Me!“ eine mutige Entwicklung für die junge Künstlerin. Das elf Titel umfassende Album, das in North Carolina mit Brad Cook (Waxahatchee, Bon Iver) aufgenommen wurde und an dem Nathan Stocker (Hippo Campus), Matthew McCaughan (Bon Iver) und ihr Bruder Holden McRae mitgewirkt haben, ist eine lebendige Sammlung von Songs, die von messerscharfen Texten und zeitlosen Pop-Melodien getragen werden. McRaes Stimme ist so vielseitig wie ihr Songwriting - mal flüsternd und strukturiert, dann wieder klar und hell. Es ist eine Stimme, die sowohl den Herzschmerz des Verlassenwerdens als auch die Stärke des Verlassens verkörpert.



Von Anfang an haben sich die Fans in Jensen McRae verliebt, für ihre scharfsinnigen, aufrüttelnden und klarsichtigen Songs. Ihr Songwriting ist verletzlich, ja, aber es ist auch stark, weil es sich nicht zurückhält. „I Don't Know How But They Found Me!“ zeigt McRaes Entwicklung von einer vielversprechenden jungen Künstlerin zu einer echten Songwriterin und Star. „Die tiefgreifendsten Entscheidungen meines Lebens“, sagt McRae, “haben sich oft wie Dinge angefühlt, die ich getan habe, bevor ich dazu bereit war, und in die ich hineinwachsen musste.“ „I Don't Know How But They Found Me!“ handelt davon, was folgt, wenn man dem widerstanden hat, von dem man dachte, dass es einen vernichten würde. Es geht darum, seine Grenzen kennenzulernen und zu erfahren, wozu man fähig ist. „Ich verband mich mit dem Gedanken, dass ich leicht unter dem Gewicht dessen, was mir widerfahren ist, hätte zusammenbrechen können, aber ich tat es nicht. Ich wusste es nicht einmal“, sagt sie, ‚aber ich war die ganze Zeit kugelsicher“. Jensen McRae ist in L.A. geboren und aufgewachsen und hat fast ihr ganzes Leben lang Musik studiert und gemacht. In der High School nahm sie am Grammy Camp teil und schloss ihr Studium an der USC Thornton School of Music mit einem Abschluss in Popular Music ab. McRaes Debütalbum „Are You Happy Now?“ schrieb sie größtenteils im Alter von 21 Jahren und war der erste Schritt zum Aufbau einer treuen Fangemeinde. „Are You Happy Now?“ navigiert die Identität von ihren tiefsten Grundlagen - dem Leben als junge, gemischtrassige schwarze und jüdische Frau - bis hin zu ihren persönlichsten Überlegungen - vertraue ich dir, vertraue ich mir selbst. McRaes Vertrauen in sich selbst hat sich mehrfach bestätigt, zuletzt und vielleicht am bekanntesten in Form des Songs „Massachusetts“. McRae postete eine Solo-Strophe und einen Refrain, kaum mehr als ein Stück eines Demos, und es fing Feuer im Internet. Covers, Duette und eine Lawine neuer Fans folgten, und McRae krönte den Moment mit einer fertigen Version und einer sommerlangen Tournee als Support von Noah Kahan. „I Don't Know How But They Found Me!“ nimmt McRaes mittlerweile beachtliche Fähigkeiten auf und macht sie massentauglich. „Savannah“ ist ein Song für alle, die schon lange dabei sind. Der pulsierende, an Country angelehnte Song erinnert sofort an das Beste von Phoebe Bridgers, wobei McRae in einem akrobatischen Flüsterton über einer federleichten akustischen Gitarre singt. Wenn „Savannah“ sein Crescendo erreicht, wird klar, dass McRae eine Künstlerin mit einer ganz eigenen Kraft ist, wenn sich Klavier und Gitarre überlagern und McRae eine Reihe bissiger Anklagen mit Schärfe und Überzeugung vorträgt: "You swore you'd raise our kids to end up just like you / well you're a false prophet / and that's a goddamn promise." Währenddessen ist „Let Me Be Wrong“ eine echte Hymne, eine beschwingte Ode an die Ablehnung von Perfektionismus. Wiederum auf einem einfachen Gesang und einer Akustikgitarre aufbauend, steigert sich „Let Me Be Wrong“ Schritt für Schritt in seinem Trotz; die Gitarren schichten sich, das Schlagzeug nimmt das Tempo auf, und McRae macht Platz für die Fehler aller. Wenn McRae knurrt „fuck those girls got everything“, ist das ein Schlag voller Kraft und Verletzlichkeit, der darum bettelt, unisono so laut wie möglich gebrüllt zu werden. Der ungewöhnliche Titel ihres zweiten Albums? Er stammt aus einer Zeile in McRaes Lieblingsfilm „Zurück in die Zukunft“. Ein Hauptdarsteller überlebt einen Kugelhagel, und dieses Bild hat McRae sehr beeindruckt. „Ich habe mich mit dem Gedanken angefreundet, dass ich leicht unter dem Gewicht dessen, was mir passiert ist, hätte zusammenbrechen können, aber das habe ich nicht. Ich wusste es nicht einmal“, sagt McRae, “aber ich war die ganze Zeit über kugelsicher.“

Der 1999 veröffentlichte Soundtrack zu Eyes Wide Shut enthält eine einzigartige Trackliste mit Hits wie „Baby Did a Bad Bad Thing“ von Chris Isaak sowie Originalkompositionen von Jocelyn Pook, die den unheimlichen und spannungsgeladenen Ton des Films perfekt ergänzen. Ein herausragendes Stück, „Masked Ball“, wurde wegen seiner eindringlichen, atmosphärischen Qualitäten zur Ikone. Das Album wurde für einen Grammy Award in der Kategorie „Best Score Soundtrack for Visual Media“ nominiert, was die Anerkennung der Kritiker unterstreicht.

Over the decades, the image of Kompakt as a pirate ship has taken root in our minds, braving the dangers of the seven seas of the music market. Sometimes it glides with a tailwind through calm waters, sometimes it has to survive violent storms. When we set sail in 1993, we never would have dreamt that our journey would still be going on after more than three decades and with 500 releases to date.

In our fast-paced business, the 500 mark is rarely reached, so we want to celebrate it with a lavish 5LP box set. In a democratic process, we have selected 50 pearls from the thousands of tracks released over the last 33 1/3 years and pressed them onto 5 brightly coloured vinyls. Alongside many Kompakt evergreens, there are also some real rarities from the early ‘Kompakt Sound of Cologne’, which have been lovingly remastered here to shine in new splendour.

The box also contains a 144-page book that tells the story of Kompakt from 1993 to today with detailed texts and images. In addition to the manifold musical and graphic achievements of Kompakt, the multidisciplinary links to the visual arts are also highlighted here.

The Bonus Picture Disc opens with the symbolic tolling of 500 bass drums, followed by 50 locked grooves from the 5 Kompakt founders, looping into infinity at 133 1/3 BPM, and the ‘33 1/3 Years Loop Opera’ – in which the loops are combined into one track that, in its reduced essence, is more than the sum of its individual parts. The magic of groovy loop minimalism and the ‘art of omission’ are once again brought to the proverbial point.

On 23 May 2025, the big KOMPAKT 500 art exhibition will open at the venerable Kölnischer Kunstverein to coincide with the release. The entire visual cosmos of Kompakt will be shown here in an unprecedented way on three floors, with the participation of many renowned artists. Of course, there will also be dancing and partying at the vernissage party, with DJ sets and live shows by the Kompakt Allstars.

The last one turns off the bass drum.


Im Laufe der Jahrzehnte hat sich in unseren Köpfen das Bild von Kompakt als Piratenschiff festgesetzt, das den Gefahren der sieben Weltmeere des Musikmarktes trotzt. Mal gleitet es mit Rückenwind durch ruhige Gewässer, mal muss es heftige Stürme überstehen. Als wir 1993 die Segel setzten, hätten wir uns nicht träumen lassen, dass unsere Reise nach über drei Jahrzehnten und mittlerweile 500 Veröffentlichungen immer noch andauert.

Die 500 ist in unserem schnelllebigen Geschäft eine selten erreichte Katalognummer und soll daher mit einer üppigen 5LP-Box gebührend gefeiert werden. In einem demokratischen Prozess haben wir aus den tausenden Tracks der letzten 33 1/3 Jahre 50 Perlen ausgewählt und auf 5 knallbunte Vinyls gepresst. Neben vielen Kompakt-Evergreens finden sich auch einige echte Raritäten des frühen “Kompakt Sound of Cologne”, die hier liebevoll remastered in neuem Glanz erstrahlen.

Die Box enthält außerdem ein 144-seitiges Buch, das mit ausführlichen Texten und Bildern die Kompakt-Geschichte von 1993 bis heute erzählt. Neben den mannigfaltigen musikalischen und grafischen Errungenschaften von Kompakt werden hier auch die multidisziplinären Vernetzungen zur bildenden Kunst beleuchtet.

Die Bonus Picture Disc wird mit einem symbolischen Glockenschlag von 500 Bassdrums eröffnet, gefolgt von 50 Endlosrillen der 5 Kompakt-Gründer, die sich bei 133 1/3 BPM in die Unendlichkeit schleifen sowie der “33 1/3 Years Loop Opera”, in der die Loops zu einem Track zusammengefügt werden, der in seiner reduzierten Essenz mehr ist als die Summe seiner Einzelteile. Die Magie des groovenden Loop-Minimalismus und die “Kunst des Weglassens” werden einmal mehr auf den sprichwörtlichen Punkt gebracht.

Am 23. Mai 2025 eröffnet parallel zum Release die große KOMPAKT 500 Kunstausstellung im ehrwürdigen Kölnischen Kunstverein. Der gesamte visuelle Kosmos von Kompakt wird hier unter Beteiligung vieler namhafter Künstler*Innen in nie gesehener Form auf drei Etagen gezeigt. Selbstverständlich darf zur Vernissagenparty auch getanzt und gefeiert werden zu DJ Sets und Liveshows der Kompakt Allstars.

Der Letzte macht die Bassdrum aus.

Nach seinen Megaerfolgen der letzten Jahre mit der erfolgreichsten Radiosingle 2021 „Save Your Tears“ (Platin) und dem erfolgreichsten Song 2020 „Blinding Lights“ (3x Platin) beginnt The Weeknd nun sein
nächstes Kapitel.
Dieses kündigte der Superstar bereits im Herbst 2021 mit “The Dawn Is Coming” auf seinen Social-MediaKanälen an und bestätigte die Gerüchte für ein neues Album dann an Neujahr. Der erste Vorgeschmack auf sein neues Album erfolgte mit der Single „Take My Breath“. Diese stieg direkt in die Top 20 der deutschen Charts ein und erreichte Platz 2 der Airplay Charts.

Sein letztes Studioalbum „After Hours“, welches u.a. die Erfolgshits „Blinding Lights“, „Save Your Tears“ und „After Hours“ enthält belegte Platz 5 der Albumcharts. Seine anderen Alben „Beauty Behind The Madness” (2015) und “Starboy” (2016) sind in Deutschland beide mit Gold ausgezeichnet. Sein neues Album „Dawn FM“ erscheint nun am 07.01.2022 digital und enthält Feature-Artists wie Jim Carrey, Tyler The Creator und Lil Wayne.

Am 28.01.2022 erscheint es auch auf CD und wird ab dem 29.04.2022 auch als Vinyl erhältlich sein.

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von den Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing), wattierte Innenhülle, Gatefold Sleeve

Ein Klassiker des Vocal Jazz! ”All Or Nothing At All” - was für ein passender Titel! Denn für Billie Holiday, deren Karriere sich im Sinkflug befand, ging es in gewisser Weise wirklich um alles oder nichts. Es war das letzte Album, das Norman Granz von der Sängerin auf seinem Label Verve veröffentlichte. Entstanden waren die Aufnahmen im August 1956 und Januar 1957 bei denselben Sessions wie die Holiday-Klassiker ”Body And Soul” und ”Songs For Distingué Lovers” und übertreffen diese nach Ansicht heutiger Kritiker sogar.

Mit „Room On The Porch“ präsentieren Taj Mahal & Keb’ Mo’ den lang ersehnten Nachfolger ihres mit einem GRAMMY ausgezeichneten Erfolgsalbums „TajMo“ aus 2017!

Die außergewöhnliche Kollaboration vereint zwei der besten noch lebenden Blues-Musiker – mit je 11 GRAMMYs sind beide zweifellos wahre Ikonen des Genres.

Den Auftakt der Albumkampagne bildet der Titeltrack „Room On The Porch“ mit der gefeierten Sängerin Ruby Amanfu. Die aus Ghana stammende und in Nashville aufgewachsene Singer-Songwriterin hat bereits für Alicia Keys, Brandi Carlile und H.E.R. geschrieben und war zwei Jahre lang Teil der Band von Jack White. Mit „Room On The Porch“ knüpfen Taj Mahal & Keb’ Mo’ nahtlos an ihren bisherigen Erfolg an und liefern ein weiteres musikalisches Highlight für Blues-Fans weltweit.

BED ist eine neue in Berlin gegründete Band, im Kern ein queeres Musikprojekt mit einem Sound, der in Shoegaze, Dream Pop und Post Punk verwurzelt ist. BED's Texte sind traurig und sexuell, während sie Fäden von Verletzlichkeit und Begehren verweben und so ein Werk schaffen, das den normativen kreativen Ausdruck in Frage stellt. Dies zeigt sich auch in den Vocals, die absichtlich geschlechtsneutral sind und eine fließende Identität darstellen. In den Kompositionen von "everything hurts", dem Debütalbum der Band, eineComing-of-age Story, in der es ein Gefühl geht, ein bestimmtes Alter im Leben zu erreichen, eine zweite Jungfräulichkeit in ihrer musikalischen Praxis zu verlieren, Unschuld zurückzugewinnen und die Wunden des Erwachsenenlebens zu pflegen. Es gibt narrative Aspekte, die HörerInnen fesseln, Interludes, die ein Geheimnis flüstern und der Erzählung des Albums Tiefe verleihen. "everything hurts" ist ein zartes und doch raues, lautes und gleichzeitig dramatisches Werk, das einem sensiblen Publikum gehört - jemanden, der auf der Suche nach tief empfundenen Melodien und autobiografischen Geständnissen ist, gepaart mit post-produzierten vocals und druckvollen elektronischen Beats.

Der Kölner Multiinstrumentalist Roman Biewer, besser bekannt als Disso!ver, legt mit "Die völlige Abwesenheit von Punk" sein zweites Studioalbum vor. Biewer bedient sich stets verschiedenster Einflüsse und zitiert in seiner Musik Einflüsse aus den Genres Krautrock bzw. Neokraut, Indierock, Hamburger Schule und New Wave. "Die völlige Abwesenheit von Punk" entstand zwischen den Jahren 2020 und 2024. Abgesehen von Schlagzeugspuren, die Jan Philipp Janzen, bekannt von Die Sterne, Urlaub in Polen, Von Spar und Dumbo Tracks, eingespielt hat, und dem Hauptgesang in "Die Antinatale", der von Tobias Ortmanns von Komplizen Der Spielregeln stammt, hat Biewer wieder alles arrangiert, alle übrigen Instrumente aufgenommen, gesungen und die Songs vorproduziert. Info-Text: deutsch / englisch (Kurz und knackig Interesse für das Produkt wecken! Max. 10-15 Zeilen! Keine Bio! Bitte als unformatierten Fließtext!)Der Kölner Multiinstrumentalist Roman Biewer, besser bekannt als Disso!ver, legt mit "Die völlige Abwesenheit von Punk" sein zweites Studioalbum vor. Biewer bedient sich stets verschiedenster Einflüsse und zitiert in seiner Musik Einflüsse aus den Genres Krautrock bzw. Neokraut, Indierock, Hamburger Schule und New Wave. "Die völlige Abwesenheit von Punk" entstand zwischen den Jahren 2020 und 2024. Abgesehen von Schlagzeugspuren, die Jan Philipp Janzen, bekannt von Die Sterne, Urlaub in Polen, Von Spar und Dumbo Tracks, eingespielt hat, und dem Hauptgesang in "Die Antinatale", der von Tobias Ortmanns von Komplizen Der Spielregeln stammt, hat Biewer wieder alles arrangiert, alle übrigen Instrumente aufgenommen, gesungen und die Songs vorproduziert. //

Das selbstbetitelte Debütalbum der kanadisch-amerikanische Singer-Songwriterin Martha Wainwright als 20th Anniversary Edition! Das Album wird bestimmt durch die Intensität und Vielseitigkeit ihrer Stimme und einer Mischung aus introspektiven Texten und emotionaler Instrumentierung. Ihre Songs verbinden poetische Texte mit einer Mischung aus Folk, Rock und Alternative-Einflüssen und erzählen Geschichten von Liebe, Verlust und persönlicher Stärke.

Vier ehemalige Mitglieder der heiß geliebten, aber leider aufgelösten finnischen Band GHOST BRIGADE kamen Ende 2020 in ihrer Heimatstadt Jyväskylä zu einem Gespräch zusammen. Das Gespräch entwickelte sich bald in eine unerwartete Richtung, die am Ende zur Geburt von CERESIAN VALOT führte. Mit mehreren Songwritern und zwei Sängern, die auf Finnisch singen, war Gitarrist und Hauptsongwriter Wille Naukkarinen voller Zuversicht, dass sich der Musikstil der neuen Band von ganz allein in eine neue Richtung entwickeln würde. Die Zeit gab ihm Recht. Der Sound des Debütalbums "Uumen" ("Tiefen") entpuppt sich als sehr dynamisch, vielschichtig und mit einer breiten Palette von Klängen und Ideen. Stilistisch verschmilzt das Album unter anderem Alternative, Rock, Progressive und verschiedene Metal-Genres. Die in finnischer Sprache geschriebenen Texte auf "Uumen" kreisen um das Thema "Unsicherheit". Obwohl das Album oft düster und melancholisch wirkt, sind die Texte keineswegs apokalyptisch, sondern sie bieten auch Hoffnung und ein Licht am Ende des Tunnels an - auch wenn das nicht unbedingt hell erstrahlt. Da die Finnen in ihren Reihen Songwriter, Grafiker, Produzenten, Mixing & Recording Engineers und sogar einen Mastering Engineer haben, ist es kaum verwunderlich, dass die Band einen ausgeprägten DIY-Ethos pflegt. Mit "Uumen" brechen CERESIAN VALOT zu einer aufregend neuen musikalischen Reise auf, die etwas Altes, etwas Neues, etwas Geborgtes, etwas Dunkles und ein goldenes Talent für Songwriting mit sich führt: Wer "Uumen" mit offenen Ohren hört, wird mit subtiler Schönheit belohnt.

Kommt als LP + Flexi 7" auf limitiertem "Yellow and White Splatter on Crystal Fuchsia" Vinyl. Eine frische, kreative Neuinterpretation des Artworks des klassischen Albums anlässlich des 20-jährigen Jubiläums und einer 2025er Welttournee, die in den USA beginnt und sich über Südamerika, Europa, Asien und Australien ausbreitet. Die limitierte Deluxe-Gatefold-Vinyl-Edition verkörpert den DIY-Geist des Albums mit abziehbaren Gecko-Stickern für die eigene Kreativität, eine Bonus-Flexi 7" mit der Originalaufnahme von "Heavy Metal", und atemberaubende Splatter-Vinylscheiben in einem raffinierten Redesign, als Hommage an eine der einflussreichsten Indie-Rock-Platten aller Zeiten. Alec Ounsworth hat einige der erbaulichsten und feierlichsten Songs dieses Jahrtausends geschrieben und auf einem Album von beständiger Exzellenz versammelt, das bis heute zu Recht dafür gelobt wird, dass es die Regeln dafür, was es bedeutet, ein unabhängiger Künstler zu sein, neu auslotete. Eine berauschende Mischung aus unkonventionellem Pop und melodischem, überschwänglichem Indierock, enthielt das Album eine Reihe klassischer New-Wave-Referenzen für eine neue Generation von Musikfans. Der raue, verwahrloste Sound der Platte war ein wesentlicher Bestandteil ihres Reizes; die Zeit hat diesen Charme nur noch verstärkt.

Sie maschen's noch einmal. THE SOUND OF MONEY mit "Two: Rhyme On". Die Band aus dem Münchner Pop-Underground - genauer: mit Albert Pöschl, direkt aus dem Kern des faszinierenden Echokammer Labels, Claudia Kaiser, ex-Moulinettes, mit der aparten Stimme, die an eine Münchener Nico ohne den Drogen BS erinnert und Martin Lickleder, der für Wortakrobatik, Referenzspielereien und flotte Discostreicher berüchtigt ist - mit der Weiterführung ihres spielerischen, nicht minder faszinierenden Konzeptes: An Anagrammatical Exorcism of the 70s. Sie nahmen die Titel ihrer 12 Lieblingsalben aus den 70ern als DNA - und schüttelten die Buchstaben kräftig durch! Heraus kamen 12 neue Titel, für neue Songs. Im Jahr 2017, auf ihrem Album MORE? WHY NOT! haben sie das Gleiche mit den 60ern gemacht. Jetzt toppen sie den Spaß sogar noch. Kurz zurückgespult, 2017: Pu?nktlich zum 50-ja?hrigen Jubila?um des Summer of Love 1967 pra?sentieren The Sound of Money 2017 ihre Konzeptplatte "More? WHY NOT! - AN ANAGRAMMATIC EXORCISM OF THE 60S". Dazu stellen sie die Titel von 12 ihrer Lieblingsplatten aus diesem Pop-Ur-Jahrzehnt zu Anagrammen um - und schwuppdiwupp hatten sie 12 Titel fu?r ganz neue Songs: Aus "Pet Sounds" wurde "Nude Spots", aus "Piper At the Gates of Dawn" wurde "Tiger T - Death Happens to a Few", aus Bobbie Gentry's "The Delta Sweete" wurde "Let's Eat The Weed",... 2025: Geradezu u?berpu?nktlich vor dem 50-ja?hrigen Punk-Jubila?um sind sie wieder zur Stelle: Am 23.5. wird, wieder über das Hamburger BB*ISLAND Label "TWO: RHYME ON - AN ANAGRAMMATIC EXORCISM OF THE 70s" erscheinen - mit Anagrammen von David Bowie bis Chic, von Nico bis Slits, von Bob Marley bis Kraftwerk. Beispiel? Aus "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" wird "Dr. Dr. Themefart, Frustrating Himself, Posed as Gay Old Nazi SS".Exodus von Bob Marley wird zu Sex Duo. (Die beiden songs sind schon mal als Singles / videos veröffentlicht ) Und wie die Titel-Buchstaben haben sich auch Musik und Text zu einem schillernden, grotesken Kaleidoskop klassischer 70s-Popstile zurechtgeschu?ttelt: Landwirtschafts-P-Funk, Finanzcasino-Gospel- Disco, Anti-Pogo-Postpunk, zweifelnder Heimcomputer-Dub-Jazz, der gesamte Bowie in dreinhalb Minuten ru?ckwa?rts ... Nicht nur Live eine Wilde-Maus-Fahrt des Pop-Glam in Mu?nchner Underground-Allstar-Besetzung: CLAUDIA KAISER: Gitarre, Bass, Gesang ALBERT PO?SCHL: Bass, Gitarre, Gesang MARTIN LICKLEDER: Geige, Mundharmonika, Gesang TOM WU: Schlagzeug FRANZISKA ERDLE: Percussion SVENJA PFEIFER: Keyboards, Gesang

Bea Elmy Martin hat sich schnell zu einer der überzeugendsten Stimmen des britischen Alternative-Pop entwickelt, die Musik, bildende Kunst und Performance nahtlos miteinander verbindet und seit ihrer Debütsingle "Blue Escape" 2021 viel Kritikerlob erntet. Zwei Jahre lang arbeitete sie gemeinsam mit ihrem Partner Dominick J Goldsmith akribisch an dem Debütalbum "Under The Yew", einem intimen, atmosphärischen Statement künstlerischer Integrität. Ihre Bühnenpräsenz ist ebenso beeindruckend, ob auf der Rabbit-Hole-Bühne in Glastonbury oder als Begleitung von HÆLOS als Vorgruppe von Depeche Mode auf europaweiter Stadiontour. Beas Debüt-LP erscheint als Zweiteiler, Vol.1 kommt im Mai im umfangreichen Gatefold mit Platz für Vol.2, das sechs Monate später folgt.

– „Bea verbindet Soul-Elemente mit zeitgenössischem Pop zu einem Hybrid-Mix, der einen sofort in süße Ekstase versetzt.“ – Wonderland Magazine

– „Die Art und Weise, wie sie die Energie um ihren ruhigen Gesang herum aufbaut, zeugt von wahrem Verständnis und Talent.“ – Jack Saunders, BBC Radio 1

Holding Onto Strings Better Left to Fray wurde ursprünglich am 17. Mai 2011 als fünftes Studioalbum von Seether veröffentlicht und erhielt später in den USA Goldstatus. Produziert von Brendan O’Brien, der für seine Arbeit mit Pearl Jam, Stone Temple Pilots und Bruce Springsteen bekannt ist, debütierte das Album auf Platz 2 der Billboard 200 in den USA und erreichte sowohl die Spitze der Alternative Albums als auch der Hard Rock Albums Charts. Die mit Mehrfach-Platin ausgezeichnete Leadsingle Country Song wurde ein großer Hit und erreichte Platz 1 der US-Rock-Song-Charts und Platz 12 der Alternative-SongCharts. Zusätzlich zu Country Song wurden Titel wie Tonight, Here and Now und No Resolution als Singles veröffentlicht. Das Album wird oft als ein entscheidender Moment in der Karriere von Seether angesehen, da es ihre Fähigkeit zur Innovation unter Beweis stellte, während sie gleichzeitig ihrem typischen Sound treu blieben. Angetrieben von vier Hit-Singles findet das Album weiterhin großen Anklang bei den Fans und hat bis heute über 360 Millionen Streams weltweit erreicht. Dies ist das erste Mal, dass das Album auf Vinyl veröffentlicht wird.