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Seit der Gründung 2015 ist bei Movements einiges passiert – der Name ist Programm und somit führt das Post-Hardcore-Quartett seinen Sound auf ihrem dritten Album RUCKUS! einen an expansive und manchmal unerwartete Orte. Das von Will Yip (Circa Survive, Code Orange) produzierte Album vereint Post-Hardcoreund Punk-Einflüsse mit einer gesunden Portion Pop-Songwriting, um ein Album zu erschaffen, das sich über die Konventionen der Szene hinwegsetzt und etwas völlig Einzigartiges schafft. Um dies zu erreichen, begab sich die Band - bestehend aus Sänger Patrick Miranda, Gitarrist Ira George, Schlagzeuger Spencer York und Bassist Austin Cressey - dreimal in das Studio 4 von Yip in Conshohocken, Pennsylvania, um die Songs zu schreiben und aufzunehmen, die schließlich zu RUCKUS! wurden. ”Ich glaube wirklich nicht, dass es einen strafferen Prozess hätte geben können, und ich glaube nicht, dass wir jemals Musik geschrieben haben, die so gut ist wie das, was wir für diese Platte zusammengestellt haben”, erklärt Miranda. Vom verzerrten Grind von ”Lead Pipe” über den synkopischen Groove von ”Killing Time” bis hin zum Pop-Glanz von ”Tightrope” - auf RUCKUS! integriert die Band ganz unterschiedliche Einflüsse wie die Gorillaz und die Strokes in ihren Sound, um die Vorurteile der Leute über ihren Sound herauszufordern.

Seit der Gründung 2015 ist bei Movements einiges passiert – der Name ist Programm und somit führt das Post-Hardcore-Quartett seinen Sound auf ihrem dritten Album RUCKUS! einen an expansive und manchmal unerwartete Orte. Das von Will Yip (Circa Survive, Code Orange) produzierte Album vereint Post-Hardcoreund Punk-Einflüsse mit einer gesunden Portion Pop-Songwriting, um ein Album zu erschaffen, das sich über die Konventionen der Szene hinwegsetzt und etwas völlig Einzigartiges schafft. Um dies zu erreichen, begab sich die Band - bestehend aus Sänger Patrick Miranda, Gitarrist Ira George, Schlagzeuger Spencer York und Bassist Austin Cressey - dreimal in das Studio 4 von Yip in Conshohocken, Pennsylvania, um die Songs zu schreiben und aufzunehmen, die schließlich zu RUCKUS! wurden. ”Ich glaube wirklich nicht, dass es einen strafferen Prozess hätte geben können, und ich glaube nicht, dass wir jemals Musik geschrieben haben, die so gut ist wie das, was wir für diese Platte zusammengestellt haben”, erklärt Miranda. Vom verzerrten Grind von ”Lead Pipe” über den synkopischen Groove von ”Killing Time” bis hin zum Pop-Glanz von ”Tightrope” - auf RUCKUS! integriert die Band ganz unterschiedliche Einflüsse wie die Gorillaz und die Strokes in ihren Sound, um die Vorurteile der Leute über ihren Sound herauszufordern.

Andrew Hozier-Byrne, besser bekannt als HOZIER, veröffentlicht sein drittes Album ”Unreal Unearth”.

Die Hintergrundgeschichte von ”Unreal Unearth” ist vielschichtig, sowohl von italienischer Dichtkunst als auch griechischer Mythologie geprägt und verteilt sich über alle Albumtracks.

Mit mehr als 20 Mrd. Streams und 30 Mio. monatlichen Hörern ist der Ire einer der führenden Künstler des Genres Folk-Singer Songwriter in der Streaming Welt.

Sein Durchbruch gelang Hozier 2013, mit seiner kürzlich mit dem Diamond Award, für über 1 Millionen verkaufter Units, ausgezeichneten Hymne, „Take Me To Church“. Mit ihr stellte er seinen globalen Erfolg auf ein festes Fundament, es folgten Gold- und Platin-Auszeichnungen für seine ersten beiden Alben, eine GRAMMY-Nominierung, sowie diverse weitere Auszeichnungen.

Im Juli dieses Jahres war Hozier auf Europatour und wird im Dezember für zwei weitere Shows erneut nach Deutschland kommen.

Das Blue-Note-Debüt eines außergewöhnlichen Musikers zwischen Pop und Jazz! Seit seiner Debütsingle „Cold War“ (2018) kennt man Cautious Clay. Der Titel wurde mehr als 150 Millionen Mal gestreamt und von Taylor Swift auf ihrem Album „Lover“ gesampelt. Als Songwriter hat Cautious Clay mit Billie Eilish, John Mayer, John Legend, Khalid, Kavinsky, Melanie Martinez, Remi Wolf und anderen gearbeitet. 2021 legte Cautious Clay mit “Deadpan Love” sein erstes Album vor, das im Musikexpress als “ein aufregender Tanz zwischen R’n’B und Indie Songwritertum” beschrieben wurde. Mit seinem zweiten Album „Karpeh“ setzt der in Cleveland, Ohio, geborene, in New York lebende Sänger, Songwriter, Produzent und Multiinstrumentalist zu seinem nächsten großen Karriereschritt an - die Zusammenarbeit mit dem Jazzlabel Blue Note Records! Mit einem Mix aus R&B, Hip-Hop, Leftfield-Indie-Pop und Jazz-Elementen hat sich Cautious Clay bislang einen Namen für poetische und emotional ehrliche Musik gemacht, auf Blue-Note-Records und in Zusammenarbeit mit Label-Größen wie Immanuel Wilkins und Ambrose Akinmusire fügt er seiner Musik jetzt eine weitere Dimension hinzu.

Die Viking Metal Giganten SKÁLMÖD auf den Spuren der nordischen Mythologie Mit Ýdalir blicken die Viking Metal Größen SKÁLMÖD auf die Veröffentlichung ihres sechsten Studioalbums, das am 18. August 2023 via Napalm Records erscheint. Ihr erstes Studioalbum seit fünf Jahren ist von dem nordischen Gedicht Grímnismál, einer berühmten Sage aus ihrer Heimat Island, inspiriert. Die Band begeistert nicht nur Fans bei Festivalauftritten wie auf dem Wacken Open Air, auch der isländische Präsident Guðni Th. Jóhannesson unterstützt die Band und ist sogar im Vorwort ihres offiziellen Buches The Saga Of Skálmöld (2021) verewigt. Basierend auf der nordischen Mythologie thematisiert „Skuld“ die Schwesternschaft des Nornen Trios, das über das Schicksals der Menschen entscheidet, was SKÁLMÖD mit düsteren Bass- und Gitarrenmelodien illustrieren. Mit Ýdalir liefert die Viking Metal Instanz SKÁLMÖLD auf ihrem neuen Album erneut mystische Momente, die sie auf diesjährigen Festivalauftritten wie dem Wacken oder dem Summer Breeze unter Beweis stellen werden.

Gegründet von Sänger Jake E (ex-AMARANTHE) und Gitarrist Jesper Strömblad (ex-IN FLAMES), hat sich CYHRA von einer Band, die an die früheren Projekte des Duos erinnert, zu einer ganz eigenen Identität entwickelt.

Mit der Ergänzung von Lead-Gitarrist Euge Valovirta (ex-SHINING) und Schlagzeuger Alex Landenburg (KAMELOT) hat die Gruppe zwei von der Kritik gefeierte Alben veröffentlicht: “Letters To Myself“ (Spinefarm) aus dem Jahr 2017 und “No Halos In Hell“ (Nuclear Blast) aus dem Jahr 2019 - ein Album, das von Rock TV (Japan) als "Bestes Album des Jahres 2019" ausgezeichnet und vom Power Play Magazine (UK) mit einer perfekten 10/10 bewertet wurde!

Und jetzt, im Jahr 2023, ist die Band mit dem kürzlich hinzugekommenen Gitarristen Marcus Sunesson (ex-THE CROWN / ENGEL) bereit, sich mit ihrem dritten und bisher stärksten Album „The Vertigo Trigger“ zurückzumelden.

Sänger Jake E.: "Ich denke, dass wir einen fantastischen Nachfolger für die ersten beiden Alben gemacht haben. Gleichzeitig haben wir es auch geschafft, das Songwriting zu modernisieren. Ich kann euch versichern, dass kein CYHRA-Fan enttäuscht sein wird!“

Weltpremiere eines bislang unbekannten Ella-Konzertes, aufgenommen mit dem Hollywood Bowl Pops Orchestra im August 1958!
Die berühmten Songbook-Alben von Ella Fitzgerald sind Evergreens des Jazzgesangs, die in regelmäßigen Neuauflagen und inzwischen auch digital immer wieder alte und neue Fans finden. Ellas mitreißende
Interpretationen der besten Songs von ikonischen Komponisten wie Irving Berlin, Rodgers & Hart, Cole
Porter und natürlich George & Ira Gershwin sind bis heute unübertroffen. Dass Ella Fitzgerald Ende der
1950er Jahre ihr Irving Berlin Songbook zusammen mit dem großartigen Arrangeur und Orchesterleiter
Paul Weston auch live aufgeführt hat, war längst in Vergessenheit geraten.
Jetzt wurde in der Privatsammlung von Ellas Manager Norman Granz ein Stereo-Mitschnitt dieses ganz
besonderen Abends entdeckt und von Produzent und Toningenieur Gregg Field bestmöglich digital aufbereitet. Auf LP, CD und digital laden Ella Fitzgerald, Paul Weston und das fabelhafte Hollywood Bowl Pops
Orchestra jetzt zum live aufgeführten Irving Berlin Songbook ein, ein Abend voller Swing, sentimentaler
Balladen, unsterblicher Ohrwürmer und Jazzgesang der Weltklasse

Am 3. Juni erscheint, passend zum 10-jährigen Jubiläum, „Sinners Never Sleep (10th Anniversary)“ von You Me At Six zum ersten Mal auf Vinyl und mit viel Bonusmaterial!

Das Album erreichte Platz 3 der UK-Charts und hat sich in Großbritannien über 182.000-mal verkauft. Zu den Formaten gehören eine Coloured 3LP mit dem Standardalbum, dem 2012 erschienenen Album ”The Final Night Of Sin At Wembley Arena” (noch nie auf Vinyl erschienen) und eine 3LP mit unveröffentlichtem Material. Außerdem wird das Standardalbum mit 12 Tracks als 1LP und als 3CD veröffentlicht.

Am 3. Juni erscheint, passend zum 10-jährigen Jubiläum, „Sinners Never Sleep (10th Anniversary)“ von You Me At Six zum ersten Mal auf Vinyl und mit viel Bonusmaterial!

Das Album erreichte Platz 3 der UK-Charts und hat sich in Großbritannien über 182.000-mal verkauft. Zu den Formaten gehören eine Coloured 3LP mit dem Standardalbum, dem 2012 erschienenen Album ”The Final Night Of Sin At Wembley Arena” (noch nie auf Vinyl erschienen) und eine 3LP mit unveröffentlichtem Material. Außerdem wird das Standardalbum mit 12 Tracks als 1LP und als 3CD veröffentlicht.

„Eine blühende Solokarriere aufgebaut auf einfallsreicher Programmgestaltung und einem sondierenden Interpretationsstil“,
sagt die New York Times über Daniel Hope. Auf seinem neuen Album erkundet der Stargeiger die Diversität amerikanischer Musik in atemberaubenden neuen Bearbeitungen von Werken aus
Klassik und Jazz, die von George Gershwin, Aaron Copland, Leonard Bernstein, Kurt Weill, Florence Price, Duke Ellington, Sam Cooke und Samuel A. Ward stammen.

Begleitet wird Hope vom Zürcher Kammerorchester und von großartigen Gastmusiker*innen, u.a. Soul-Sängerin Joy Denalane und renommierten Jazzpianisten Marcus Roberts. Als künstlerischer Leiter des New Century Chamber Orchestra in San Francisco hat Hope einen engen Bezug zur amerikanischen Kulturlandschaft und dies wird nun auf seinem Album „America“ durch vielfältige und faszinierende Werke musikalisch erlebbar.

„In jüngster Zeit gibt es eine starke Bewegung mit dem Ziel, afro-amerikanische Komponisten wiederzubeleben und neu zu
entdecken, etwa Florence Price oder William Grant Still. Es gibt noch viele andere Komponisten, deren Geschichten erst heute erzählt werden‘“, sagt Hope.

Markus Roberts fügt hinzu: „Amerikanische Musik verkörpert das amerikanische Leben: Flexibilität und die Fähigkeit, kontinuierlich etwas zu erschaffen und neu zu gestalten“. Hope und Roberts sind über die Jahre oft zusammen aufgetreten; mit dieser Aufnahme
faszinieren sie einmal mehr durch einen exzellent musizierten Dialog zwischen Jazz und Klassik.

Vom Sinn in der Musik – Joep Beving präsentiert sein neues Soloklavieralbum Hermetism
“Eine leise Revolte gegen den Wahnsinn”
Joep Beving
Auf der Suche nach Schönheit erkundet Joep Beving antike Philosophie und seine Liebe zu Paris
Joep Beving, Himmelsstürmer in der Welt des Streamings zeitgenössischer Klassik, kehrt mit Hermetism
solo ans Klavier zurück. Das vierte Album des niederländischen Komponisten und Pianisten erscheint am
8. April 2022 bei Deutsche Grammophon. Antike Philosophie inspirierte Beving in seiner Aufnahme: »Ich
hoffe, dass die Musik tröstet und Gemeinschaft stiftet«, sagt er, denn obwohl Beving aus einem Gefühl der
Melancholie schöpft, möchte er Hoffnung wecken mit den zwölf Stücken, die er hier auf seinem geliebten
Schimmel-Klavier spielt.
Nach dem viralen Erfolg seines Debüts im Jahr 2015 erscheint Beving heute längst als Nummer eins auf
Streamingplattformen. Über eine halbe Milliarde Mal wurden seine Stücke bislang gestreamt und weltweit
sind auch seine Konzerte ausverkauft. Mit Hermetism versucht er den Hörer auf einer tiefen Ebene zu
erreichen. »In all dem Wahnsinn der letzten Zeit war das Album das, wohin ich zurückgekehrt bin«, sagt
er. »So ist Hermetism auch meine eigene Medizin gegen die Pandemie.«

Gerade erst Grammy-nominiert als “Best New Artist” haben Tank And The Bangas ihr drittes Studioalbum aufgenommen. Zu dem vor R&B-, Hip-Hop-, Jazz-, Funk- und Soul-Grooves aus allen Nähten platzenden
Album luden sie diesmal Gäste wie Questlove, Lalah Hathaway, Big Freedia, Jacob Collier, Trombone Shorty, Jamison Ross und Wayne Brady ein.

Die in New Orleans ansässige Band mit der energiegeladenen Frontfrau Tarriona “Tank” Ball wurde 2017 durch den NPR Tiny Desk Contest auf YouTube berühmt (sensationelle 12,5 Millionen Aufrufe). „Red Balloon“ entstand jetzt in Folge der pandemiebedingten Unterbrechung des anstrengenden Tour-Pensums der Band. Die Pause gab den Musikern Raum zum Atmen und die Chance für ein kreatives Kräftesammeln. Das Werk zeigt die Band auf einem neuen künstlerischen Level, produziert wurde es von der Band selbst
und aufgenommen in New Orleans und Los Angeles.

Singer/Songwriter, Country, R&B und Bigband-Swing bringt Lyle Lovett auf seinem neuen Album ganz selbstverständlich unter einen Cowboy-Hut. In seiner langen Karriere als Musiker und Schauspieler hat er sich eh noch nie über Genre-Grenzen Gedanken gemacht. Auf seinem ersten Album seit über 10 Jahren, seinem Debüt bei Verve Records, mischt er Balladen aus eigener Feder mit swingenden Big-Band-Nummern, darunter bekannte Standards wie „Straighten Up And Fly Right“ und „Cookin‘ At The Continental“. Kein Wunder, dass Lovett in den USA längst als „national Treasure“ gilt. Seine musikalische Karriere begann er als Songwriter. 1986 veröffentlichte er sein Debütalbum, 1989 gewann er einen Grammy für die „Best Male Country Vocal Performance“. Hierzulande schaffte er es in alle Medien, als er 1993 die Schauspielerin Julia Roberts heiratete. Lovett hat bis heute auch in zwölf TV- und Kinofilmen gespielt, unter anderem in vier Filmen von Regisseur Robert Altman.

Die Grammy-nominierte amerikanische Schauspielerin, Sängerin und Songwriterin erregte mit ihrem mit Platin ausgezeichneten Debütalbum „So Real“ erstmals 1999 Aufmerksamkeit. Es folgten Hauptrollen in Film + TV und eine Reihe weiterer äußerst erfolgreicher Pop-Alben. Für die Hauptrolle in der gefeierten TV-Serie ”This Is Us” erhielt sie Emmy- und Golden Globe-Nominierungen.

Vom Teenager ist Mandy Moore zur erfolgreichen erwachsenen Künstlerin gereift. Noch immer lässt sich prächtig streiten: ist sie eine singende Schauspielerin oder eine schauspielernde Sängerin? Fakt ist: Moores achtes Studioalbum „In Real Life“ ist erneut ein gelungenes, erwachsenes Pop/Rock-Werk und ein weiterer
künstlerischer Schritt für die inzwischen 37-jährige, die einst mit Teenage-Pop-Hits berühmt wurde.

Die britischen Alleskönner ”easy life” melden sich, nach einer kurzen Schaffenspause, mit Ihrem zweiten und brandneuen Studioalbum ”MAYBE IN ANOTHER LIFE” zurück. Die Songs setzen einen neuen Maßstab in der bereits erfolgsgeprägten Karriere der Leicester Band und bieten den Fans einen ausgewogenen Mix aus Melancholie und Feel-Good-Songs.

Auch die, von den Fans geschätzte, hedonistische Attitüde der ”easy life-Jungs” ist im neuen Album wiederzufinden. Dieses Mal allerdings gepaart mit einer zutiefst ehrlichen, aber auch messerscharfen Re-
flexion des Alltags in Großbritannien.

Eine weltenübergreifende Kollaboration zwischen Kevin Abstract (BROOKHAMPTON) und dem ”easy life”-Quintett lieferte schließlich den Grundbaustein für ”MAYBE IN ANOTHER LIFE”. Der Albumtitel
beschreibt eine sehnsüchtige und unerwiderte Liebeserfahrung zwischen Schüler und Lehrer: ”maybe in another life, we could try to roll the dice, and get it right”.

Die britischen Alleskönner ”easy life” melden sich, nach einer kurzen Schaffenspause, mit Ihrem zweiten und brandneuen Studioalbum ”MAYBE IN ANOTHER LIFE” zurück. Die Songs setzen einen neuen Maßstab in der bereits erfolgsgeprägten Karriere der Leicester Band und bieten den Fans einen ausgewogenen Mix aus Melancholie und Feel-Good-Songs.

Auch die, von den Fans geschätzte, hedonistische Attitüde der ”easy life-Jungs” ist im neuen Album wiederzufinden. Dieses Mal allerdings gepaart mit einer zutiefst ehrlichen, aber auch messerscharfen Re-
flexion des Alltags in Großbritannien.

Eine weltenübergreifende Kollaboration zwischen Kevin Abstract (BROOKHAMPTON) und dem ”easy life”-Quintett lieferte schließlich den Grundbaustein für ”MAYBE IN ANOTHER LIFE”. Der Albumtitel
beschreibt eine sehnsüchtige und unerwiderte Liebeserfahrung zwischen Schüler und Lehrer: ”maybe in another life, we could try to roll the dice, and get it right”.

Die britischen Alleskönner ”easy life” melden sich, nach einer kurzen Schaffenspause, mit Ihrem zweiten und brandneuen Studioalbum ”MAYBE IN ANOTHER LIFE” zurück. Die Songs setzen einen neuen Maßstab in der bereits erfolgsgeprägten Karriere der Leicester Band und bieten den Fans einen ausgewogenen Mix aus Melancholie und Feel-Good-Songs.

Auch die, von den Fans geschätzte, hedonistische Attitüde der ”easy life-Jungs” ist im neuen Album wiederzufinden. Dieses Mal allerdings gepaart mit einer zutiefst ehrlichen, aber auch messerscharfen Re-
flexion des Alltags in Großbritannien.

Eine weltenübergreifende Kollaboration zwischen Kevin Abstract (BROOKHAMPTON) und dem ”easy life”-Quintett lieferte schließlich den Grundbaustein für ”MAYBE IN ANOTHER LIFE”. Der Albumtitel
beschreibt eine sehnsüchtige und unerwiderte Liebeserfahrung zwischen Schüler und Lehrer: ”maybe in another life, we could try to roll the dice, and get it right”.

Eine aufregende Entdeckung für alle Fans der irischen Musikgiganten The Chieftains: zwei amerikanische Livemitschnitte der Band erstmals auf 2-CD und LP, aufgenommen in San Francisco im Boarding House
am 1. Oktober 1973 und der Great American Music Hall am 5. Mai 1976.

Die 2-CD-Variante beinhaltet als Bonusmaterial das letzte Interview mit Paddy Moloney vor seinem Tod im Jahr 2021 und eine Einschätzung der irischen Wurzeln in der Bluegrass-Musik von Jerry Garcia (The
Grateful Dead).

Ausstattung 2-CD: Hardcover-Digipak mit 36-seitigem Booklet mit ausführlichen Linernotes der Owsley Stanley Foundation und von Bluegrass-Legende Ricky Skaggs

Ein halbes Jahrhundert, oder in anderen Worten: 50 Jahre. So lang ist es bereits her, dass Udo Lindenberg das legendäre Panikorchester gründete. Am 13. August 1973 wurde dieser Zusammenschluss offiziell gemacht, seither war es wie ein unzertrennliches Bündnis, und auch wenn die Besetzung der Band stets einige Veränderungen mitmachte, sollte es doch als solches bis zuletzt bestehenbleiben. 1983, im selben Jahr, in dem auch Odyssee erschien, fand auch das legendäre Konzert im CCH (Congress Center Hamburg) statt, vor welchem die Besucher wohl nicht ahnen konnten, dass sie Teil eines weiteren ikonischen Releases werden sollten. Denn das am 19. März 1983 stattfindende Konzert wurde live aufgezeichnet und erschien im selben Jahr noch unter dem Namen Lindstärke 10 als offizielles Livealbum. Im Januar 1990 konnte Lindenberg mit dem neuen Panikorchester im Zuge der politischen Wende erstmals auch auf Tournee durch die ehemalige DDR gehen, wobei das Konzert in Leipzig ebenfalls aufgezeichnet und als das Livealbum Live in Leipzig ausproduziert und veröffentlicht wurde. Zeitsprung ins heutige Jahr 2023: Zum großen 50-jährigen Jubiläum des Panikorchesters erscheinen nun nicht nur diese beiden Livemitschnitte, sondern gemeinsam mit dem kaum weniger legendären Livealbum LIVE ’96, welches die bis heute anhaltende Reunion des originalen Panikorchesters dokumentiert und 1997 ebenfalls über Polydor erschien, und nun erstmals auf Vinyl verfügbar sein wird. Limitiert auf 2.000 Stück und nummeriert!

Auf ihrem zweiten Album für Deutsche Grammophon widmet sich Mari Samuelsen den Werken von 13 Komponistinnen. Einige Stücke wurden für sie geschrieben, andere neu bearbeitet, darunter Musik von Hildegard von Bingen, Beyoncé, Hildur Gudnaðóttir und Anna Meredith

Unerschrocken ist die Mischung aus dynamischer und origineller Musik auf Mari Samuelsens neuester Aufnahme für Deutsche Grammophon; um Licht und Leben geht es der Geigerin. Entstanden ist das Album Lys, norwegisch für Licht. 13 Komponistinnen sind zu hören – von Hildegard von Bingen bis Hildur
Guðnadóttir –, eigens in Auftrag gegebene Werke ebenso wie neue Arrangements existierender Stücke. 14 Tracks, mal meditativ, mal animierend, über ein Phänomen, das wir zum Leben brauchen. Das abwechslungsreiche Programm der Norwegerin spielt mit zarten Nuancen des Lichts und entwirft so Musik voller Schattierungen in Ausdruck und Gefühl. Lys erscheint am 20. Mai 2022.

Fünf legendäre Charlie-Parker-Klassiker in einem luxuriösen LP-Set!

Würde man diese Alben als Original-LPs kaufen wollen, müsste man einen Kredit aufnehmen. Deshalb erscheinen die legendären Charlie-Parker-LPs jetzt als Special Collector’s Edition Box-Set! Fünf der größten (und meist-verkauften) Bebop-Alben aller Zeiten als Neuauflage im Original-10-inch-Format.

Neu gemastert von Alex Abrash bei AA Mastering, 180g- Vinylpressungen, originalgetreue Reproduktionen des Original Artworks von David Stone Martin. Im Schuber befindet sich auch ein 10x10-inch großes Buch mit neuen und exklusiven Linernotes von Ethan Iverson, einem neuen Aufsatz von Autor David Ritz und vollständigen Track-by-Track-Notizen.

Die Alben: „Charlie Parker With Strings“ (1950), “Bird & Diz” (1952), “Plays South Of The Border” (1952), “Charlie Parker With Strings Vol. 2” (1953), „Charlie Parker” (1954)

Auch musikalisch bricht man mit „Syberia: The World Before“ zu einem Abenteuer in andere Epochen
auf. So unterstreicht der originale Game Soundtrack durch seine Variation von bombastischen OrchesterInszenierungen bis hin zu intimen Solo-Piano Stücken den vielseitigen Charakter der Kult-Videospielreihe
Syberia. Komponiert vom EMMY-Gewinner Inon Zur in Begleitung der GRAMMY-nominierten Pianistin
Emily Bear, ist diese exklusive 2LP ein absolutes Sammlerstück. Sie enthält eine blaue und eine braune
Vinyl-Platte, sowie Zeichnungen des Game-Designers Benoît Sokal.

What’s It Gonna Take? ist der Nachfolger von Van Morrisons Veröffentlichung aus dem Jahr 2021 - dem 28-Track-Doppelalbum Latest Record Project, Vol. 1 - und ist ein weiterer Beweis für die reiche kreative Ader, auf der sich einer der größten Künstler der Welt derzeit befindet.

What’s It Gonna Take? enthält fünfzehn neue Kompositionen von Van Morrison, die allesamt den unermüdlichen Drang des Künstlers widerspiegeln, Aufnahmen zu machen und live vor Publikum aufzutreten. Van Morrison ist eines der wahren Originale der Musik - absolut einzigartig und inspirierend mit einem Vermächtnis, das die letzten sieben Jahrzehnte umspannt. Der 1945 in Belfast geborene und von Blues, Country und Gospel inspirierte Musiker gründete 1964 die äußerst erfolgreiche R&B-Band Them, bevor er sich als Solokünstler in andere Gefilde begab. Als einer der produktivsten Plattenkünstler und fleißigsten Live-Performer seiner Zeit hat Van Morrison einen unvergleichlichen Katalog von Veröffentlichungen
geschaffen, der sich mühelos durch seine unzähligen Einflüsse bewegt, darunter visionäre Straßenpoesie, Jazz, Swing, Skiffle und keltische Wurzeln, und einige der beliebtesten Songs des 20. Jahrhunderts. Außerdem ist es ihm gelungen, sowohl auf der Bühne als auch im Studio eine Arbeitsmoral zu bewahren, die jüngere Künstler beschämen würde. What’s It Gonna Take? ist das 43. Studioalbum von Van Morrison.

What’s It Gonna Take? ist der Nachfolger von Van Morrisons Veröffentlichung aus dem Jahr 2021 - dem 28-Track-Doppelalbum Latest Record Project, Vol. 1 - und ist ein weiterer Beweis für die reiche kreative Ader, auf der sich einer der größten Künstler der Welt derzeit befindet.

What’s It Gonna Take? enthält fünfzehn neue Kompositionen von Van Morrison, die allesamt den unermüdlichen Drang des Künstlers widerspiegeln, Aufnahmen zu machen und live vor Publikum aufzutreten. Van Morrison ist eines der wahren Originale der Musik - absolut einzigartig und inspirierend mit einem Vermächtnis, das die letzten sieben Jahrzehnte umspannt. Der 1945 in Belfast geborene und von Blues, Country und Gospel inspirierte Musiker gründete 1964 die äußerst erfolgreiche R&B-Band Them, bevor er sich als Solokünstler in andere Gefilde begab. Als einer der produktivsten Plattenkünstler und fleißigsten Live-Performer seiner Zeit hat Van Morrison einen unvergleichlichen Katalog von Veröffentlichungen
geschaffen, der sich mühelos durch seine unzähligen Einflüsse bewegt, darunter visionäre Straßenpoesie, Jazz, Swing, Skiffle und keltische Wurzeln, und einige der beliebtesten Songs des 20. Jahrhunderts. Außerdem ist es ihm gelungen, sowohl auf der Bühne als auch im Studio eine Arbeitsmoral zu bewahren, die jüngere Künstler beschämen würde. What’s It Gonna Take? ist das 43. Studioalbum von Van Morrison.

Die gemeinsamen Alben und Auftritte des legendären Filmkomponisten John Williams und der Stargeigerin Anne-Sophie Mutter gehören zweifellos zu den Highlights der letzten Jahre. Dieses Album ist das neueste Ergebnis der langjährigen Freundschaft und Zusammenarbeit der weltweit gefeierten Künstler: Mutter spielt das Zweite Violinkonzert von John Williams, das der Komponist für sie geschrieben hat. Williams sagt über sein Violinkonzert: „Für mich geht es in diesem Stück vor allem um Anne-Sophie Mutter und
um die Violine als Meisterwerk der Geigenbaukunst. (…) letztlich wurde diese große Künstlerin selbst zu meiner Inspiration und Antriebskraft.“ Die vorliegende Aufnahme für die Deutsche Grammophon, mit dem Boston Symphony Orchestra unter der Leitung von Williams selbst, entstand kurz nach der Uraufführung
des Zweiten Violinkonzertes im Juli 2021 in Tanglewood. Der Boston Globe schrieb: „Selbst in dieser Uraufführung trug Mutter das Solo wie eine alte Freundin und formte jede Phrase mit Absicht und Elan.“
Dem lyrischen und sehr persönlichen Konzert folgen auf dem Album drei fantastische Zugaben: Beliebte Filmthemen von Williams, u.a. aus Star Wars und Indiana Jones, die er alle komplett neu für Anne-Sophie
Mutter arrangiert hat. In diversen Details des Violinkonzertes, aber auch in den schönen Filmmelodien, spiegelt sich die Ausdruckskraft von Mutters Spiel ebenso wie ihre virtuose Brillanz und die lyrische Wärme ihres Geigentons.

Mit dem Debütalbum „Old Time Feeling“ stellte sich 2020 die amerikanische Sängerin, Songschreiberin und Gitarristin S.G. Goodman vor. Goodman steht knietief in der Tradition des Southern Rock und verbindet ihn mit Country, Singer-Songwriter-Kultur und hier und da auch mal knackigem Rock and Roll. In ihren Texten legt die Künstlerin den Finger dahin wo es weh tut und in ihrer Musik flirtet sie des Öfteren so charmant mit Indie-Sounds, dass man sie keineswegs als konservativ oder „retro“ bezeichnen kann, auch
wenn sie musikalisch an klassische Vorbilder anknüpft. Der Rolling Stone legte sie beispielsweise allen Fans
von PJ Harvey ans Herz.

„Teeth Marks“ ist S.G. Goodmans zweites Album auf Verve Forecast, wie der Vorgänger wurde es produziert von Jim James von der Band My Morning Jacket. James über Goodman: „Ich denke, sie könnte
eine wichtige Rolle bei dem Heilungsprozess spielen, den wir unbedingt brauchen. Sie ist der lebende Beweis dafür, dass wir sein können, wer wir wollen, egal woher wir kommen.“

Junges Blut bei Verve Records!

Wenn man als 23-Jähriger eine derart gereifte Musikalität als Pianist, Schlagzeuger, Komponist, Arrangeur und Bandleader an den Tag legt wie der Amerikaner Julius Rodriguez, muss man sich wohl hin und wieder auch noch die Bezeichnung ”Wunderkind” gefallen lassen. Nach einigen digitalen Singles legt er jetzt sein weltweites Albumdebüt auf dem Verve-Label vor, ein kraftvolles, facettenreiches Werk, das den Hörer von der ersten Sekunde an zu packen vermag.

Wie in der heutigen Jazzszene üblich, integriert auch Rodriguez’ Musik ohne Scheuklappen Elemente aus Jazz, R&B, Hip-Hop und Pop. Als Sideman hat er bereits mit Wynton Marsalis, Wu Tang Clan, Meshell Ndegeocello u.a. gearbeitet. 2021 führte er mit seiner Herbie-Hancock-Coverversion „Actual Proof“ Spotifys „Best Jazz Songs of 2021“-Playlist an.

Mit seinem Debüt ”Let Sound Tell All” dürfte Julius Rodriguez’ Jazz-Karriere jetzt den Turbo einlegen.

Charles Lloyd, Ausnahme-Saxophonist, spiritueller Freigeist und musikalischer Visionär, ist seit mehr als
sechs Jahrzehnten fester Bestandteil der internationalen Jazzszene und mit 84 Jahren so kreativ und produktiv wie selten zuvor. Dieses Jahr veröffentlicht er auf Blue Note Records ein „Trio of Trios“, drei
eigenständige Alben in jeweils unterschiedlichen Trio-Besetzungen.
Den Anfang macht „Trios: Chapel“, aufgenommen mit Gitarrist Bill Frisell und Bassist Thomas Morgan. Das fantastische Zusammenspiel der drei Jazzgrößen macht gespannt auf die zweite Folge „Trios:
Ocean“ (erscheint im August) mit Gitarrist Anthony Wilson und Pianist Gerald Clayton, und die dritte und
finale Folge „Trios: Sacred Thread“ (erscheint im Oktober), mit Gitarrist Julian Lage und Schlagzeuger
Zakir Hussain.

Vom kultigen Live-Act in seiner Heimatstadt Kapstadt bis hin zu einem Album, das im Inland die Charts toppt – Jeremy Loops legt mit seinem musikalischen Werdegang eine Bilderbuch-Karriere hin. Als Tour Support von Twenty One Pilots gelang Jeremy Loop sein internationaler Durchbruch. Es folgte eine eigene ausverkaufte Headline-Show mit 30.000 Besuchern, die eine ebenso ausverkaufte Headline-Show in Londons zur Folge hatte. Es ist die Kombination aus verschiedenen Genres, die er stimmig in einanderfließen lässt
– moderne Folklore mit einer urbanen Note, die von sanften, mitreißenden Balladen bis hin zuhymnischen, arenafähigen Knallern reicht. Mit seinen Shows erobert und begeistert Jeremy sein Publikum – denn diese sind absolut nicht Genre-typisch! Statt langsamen und bedachten Shows erschafft er eine einmalige und energiegeladene Atmosphäre, die seine Fans mitreißt.Mit seiner Hit-Single„Down South“ aus seinem Debütalbum „Trading Change“ wurde Jeremy zu einem gefeierten Star in seinem Heimatland Südafrika. Sein zweites Album hingegen schaffte es weit über die Grenzen hinaus und begeisterte auch den Rest der Welt.Durch seine Kollaborationen, darunter mit Will Hicks (Ed Sheeran’s Perfect) und Jake Gosling (The
Libertines, Shawn Mendez), machte er sich einen hervorragenden Namen in der Musikszene. Jeremy Loops hat ein wahrhaftes Händchen für musikalische Meisterwerke.

Der britische Singer-Songwriter James Bay ist nicht zurück zu halten: Am 8. Juli veröffentlicht er sein lang-ersehntes drittes Studioalbum „Leap“ und springt voller Mut ins Kalte.

Mit ganzen zwölf Songs berührt er Herzen weltweit und macht seinem Gold-ausgezeichneten Debütalbum „Chaos and the Calm“ ehrwürdige Konkurrenz. Auch ihn rissen die letzten Jahre mit – persönliche Umstände, die Pandemie, Ängste, Selbstzweifel: Alles Gefühle, die er eigentlich nie so teilen wollte oder konnte waren auf einmal die neue Normalität. Mit „Leap“ wagt er jedoch nun den Absprung und verarbeitet das Geschehene mit motivierenden, hoffnungsvollen und von Liebe geprägten Songs.

Spätestens seit seinem Top 10-Hit „Hold Back The River“ ist James nicht mehr zu unterschätzen und zählt mehrere BRIT Award Auszeichnungen, GRAMMY Nominierungen, sowie den deutschen ECHO-Preis der Kategorie „Best International Newcomer“ zu seinen vielen musikalischen Erfolgen.

2022 setzt er den Hut wieder auf; James Bay ist zurück!

Mit “Solon Islandus” betritt der 23-jährige isländische Komponist Gabríel Ólafs nun die großen Musikbühnen dieser Welt. Sein Major-Debüt ist eine sehr persönliche Entdeckungsreise seiner kulturellen Heimat. Ein leises, minimalistisches Zusammenspiel aus Klavier, Ensemble und Chor.

Der Titel ist eine Hommage an den großen isländischen Dichter Davíð Stefánsson und eine musikalische Verbeugung vor dem künstlerischen Geist der Menschen seines Geburtslandes.
„Solon Islandus“ erscheint am 15. Juli über Decca Records US.

Knapp zwei Jahre nachdem Pearl Jam ihr Album „Gigaton“ veröffentlichten, erschien d iesen F ebruar das langersehnte dritte Studioalbum von Pearl Jam Frontmann Eddie Vedder: „Earthling“. Nun ist das Warten endlich vorbei - das Album erscheint jetzt endlich auch als schwarze Standard LP und Deluxe CD!

Neben dem Song „Long Way“ gibt auch „Brother The Cloud”, ein Tribut an den verstorbenen Chris Cornell von Soundgarden, emotionale und musikalische Einblicke in das Album, welches auf das 2011 erschienene ”Ukulele Songs” folgte. Die Produktion von „Earthling“ übernahm Andrew Watt, gemeinsam mit PJ-Tourmitglied Josh Klinghoffer, Bassist Pino Palladino, Multiinstrumentalist Glen Hansard und dem Red-Hot-Chili-Peppers-Schlagzeuger Chad Smith. Die Aufnahmen für das Album fanden in Watts Studio
in Beverly Hills statt.

Die aufstrebenden LA-Dynamiker Emotional Oranges etablieren sich mit der Veröffentlichung ihres neuen Projekts ”The Juicebox” an der Spitze des modernen R&B. Das Werk zeigt die großartigen Klänge, die A & V Millionen von Streams und breite Anerkennung auf der ganzen Welt eingebracht haben, und enthält eine breite Palette von Features, darunter Vince Staples, Channel Tres, Biig Piig, Becky G, Kiana Lede,
Chiiild, THEY. und YENDRY.

Das Album ist nun auf Vinyl erhältlich!

Am 9. September erscheint von der Band KISS der nächste Teil der beliebten offiziellen Off The SoundboardLive-Bootleg-Serie – „KISS - Off The Soundboard: Live In Des Moines 1977“.

Das Album wurde, während der bahnbrechenden und aufwendig produzierten KISS Alive II-Tour aufgenommen und bietet eine authentische und kraftvolle Performance klassischer KISS-Konzertklassiker wie ”Love Gun”, ”Rock And Roll All Nite”, ”Shout It Out Loud” und ”Beth”. KISS - Off The Soundboard: Live In
Des Moines 1977 fängt einen monumentalen Augenblick in der KISStory ein und ist eine Hommage an die legendäre Band, die den Rock ’n’ Roll-Fans das ultimative Live-KISS-Erlebnis bietet.

Klar, bei der 9. Sinfonie von Antonín Dvořák geht die Post ab, auch in dieser Aufnahme. Aber das ist ja wohl nicht alles! Die Streicher von András Keller können blühen wie Blumen auf der Wiese. Sie spielen nicht gleichförmig, sondern in einer wie angeborenen Natürlichkeit, als wäre es eine Kleinigkeit, dass 14 erste Geigen so homogen klingen und gleichzeitig so individuell wie eine einzelne. Auch bei den Bläsern zählt nicht die Hochleistung oder der Zeigefinger ("Schaut her, so ist das gemeint"), sondern die Empfindsamkeit und das Strömen der Musik, z. B. im Englischhornsolo des langsamen Satzes. Das Blech: keine Kraftmeierei, sondern satte oder auch zarte, immer einfühlsame Akkorde. - Die Tempi, die Übergänge, alles fließt organisch und lädt zum Mitgehen ein. Das ist die hohe Kunst des Legato, die manchem als altmodisch galt, in Wirklichkeit aber zeitlos schön ist. Eins der Vorbilder von András Keller heißt, wen wunderts, Wilhelm Furtwängler. Genau in dieser Haltung, bar jeglichen Imponiergehabens entführt uns anschließend der von vielen geliebte Cellist Miklós Perényi behutsam in die geheimnisvolle Zauberwelt des Rondo op. 68/5 und der Waldesstille op. 95. Drei slawische Tänze aus op. 46 runden das Programm ab.

Nach dem Albumvorgänger „Acoustic Space“ (2019) ist „Spells“ der zweite Teil der ungewöhnlichen MusikTrilogie „The Invisible Light“, mit der der legendäre Grammy- und Oscar-Gewinner T Bone Burnett in Zusammenarbeit mit Jay Bellerose und Keefus Ciancia eine Verschmelzung von Trance, elektronischer, Folk-, Tribal- und Weltmusik versucht. Die „The Invisible Light“-Alben beschäftigen sich mit der These, dass unsere Gesellschaft über ein Jahrhundert lang elektronischer Programmierung, einer sogenannten „Programmierpandemie“, unterworfen wurde, die dazu führt, dass wir unsere Fähigkeit verlieren, Fakten von Fiktion zu unterscheiden.
Der mehrfache Grammy- und Oscar-Gewinner Burnett ist Produzent, Musiker und Songwriter. Er hat mit Bob Dylan, Elvis Costello, Roy Orbison u.a. zusammengearbeitet. Für das Album „Raising Sand“ von
Robert Plant und Alison Krauss wurde er mit dem Grammy für das Album des Jahres ausgezeichnet. Als Komponist für Film & TV ist Burnett inzwischen ebenso bekannt, u.a. für “The Big Lebowski” und “The Hunger Games”.

Kombinat 100, the suspiciously band-like live act from northern shores, are set to unleash their eagerly awaited debut album ‚Wege Übers Land’ (ways across the land). Here, everything we know and love about these notorious dancefloor smashers reemerges from the studio, squeaky clean and freshly rinsed, polished and arranged. An irresistible retrospective of Kombinat 100’s countless live gigs, there is no other way this album could have come about: All of the four Mecklenburgers’ tracks have their origins on stage.

So don’t be surprised if you find yourself moshing along from beginning to end! Kombinat100’s eclectic mix and match of influences touches on more genres than you could possibly think of, from techno, house, dub and pop to jazz and beyond, interspersed with plenty of lovingly crafted moments of homemade bliss. And it is precisely those moments, when the boys reach for their acoustic sidekicks, from accordion and melodica to congas and hammond organ, that our hearts miss a beat. Unafraid to flaunt grand emotions, melancholic opener ‚Flieg kleine Taube’ (fly away, dove’) and the sun-drenched sounds of ‘Hanne Nüte’ meet their match in the rocking grooves of ‘Out Of My Space’. In-between, the boys invariably return to their gig-inspired dancefloor roots – ‘Woterfitz’, ‘Del Maritim’ and ‘Der Pomel’ are set to move your heart, feet and mind. So, finally: a breath of fresh, Open Air for your living room!


Kombinat 100, der bandverdächtige Liveact aus dem Norden, veröffentlicht nun mit "Wege übers Land" sein lang erwartetes Debüt- Album. Das, was bisher den Dancefloor zum Einstürzen brachte, bekommen wir nun sauber im Studio aufpoliert und arrangiert. Dabei handelt es sich um eine Retrospektive der unzähligen Live-Gigs der vier Jungs aus Mecklenburg. Ihre Tracks entstehen auf der Bühne, sind für die Bühne konzipiert. Deshalb muss es auch niemenaden verwundern, wenn man von Anfang bis Ende mitgeht. Kaum ein Genre wird ausgelassen, wenn Kombinat 100 seine Einflüsse aus Techno, House, Dub, Pop und Jazz reflektiert. Aber auch die heißgeliebten handgemachten musikalischen Augenblicke dürfen natürlich nicht fehlen. Denn genau dann, wenn sie ihre akustischen Instrumente, wie Akkordeon, Melodika, Conga`s und Hamond Orgel zum Einsatz bringen, schlägt unser Herz am höchsten. Diese Tracks stehen zu ihren großen Gefühlen, wie der melancholische Opener-Track "Flieg kleine weiße Taube" oder das sonnenverwöhnte Stück "Hanne Nüte". In der Mitte wirds dann mit "Out Of My Space" shufflig und rockig. Dominiert wird das Album jedoch durch die Tracks "Woterfitz", "Del Maritim" oder "Der Pomel", welche ganz klar für den großen Floor zugeschnittenen sind. Endlich: Kombinat 100 gibt uns ein Stück Open Air-Feeling für's Wohnzimmer!

Der OST der Superhelden-Verfilmung BLACK ADAM von 2022 in der Regie von Jaume Collet-Serra. Der musikalische und philosophische Ansatz des Filmkomponisten Lorne Balfe zu bestand darin, 'dem Publikum die Emotion und Dunkelheit der Hintergrundgeschichte der Hauptfiguren zu vermitteln und gleichzeitig die alten Themen und Vertrautheiten der DC-Comic-Welt zu verknüpfen und eine neue Klasse der Superhelden einzuführen.' Schwarzes 180g Triple-Vinyl.

Seine Stärke ist ein Songwriting das musikalisch wie poetisch kratzt und schabt: am amerikanischen Traum, an dessen Wirklichkeit und den Menschen die ihn bevölkern. Immer wieder wurde seine spröde Musik und einfühlsamen Texte mit denen von Leonard Cohen, Lou Reed und Bob Dylan verglichen und somit Gewicht verliehen. Zu großer Bekanntheit führte das nicht, Simon Joyner bleibt ein outsider mit seinem Loner-folk, aber für die, die ihn entdecken bietet er ein Kraft von rauher Schönheit. Conor Obers von Bright Eyes nennt Joyner, der seit 1990 seine dunklen Americana Songs veröffentlicht, einen entscheidenden Einfluß. Simon Joyner's neuestes Album gerät noch dunkler und eindringlicher. Sein Thema hier ist Isolation, und er übernimmt es gleich auch als Grundlage für seine Produktion Ihm war es wichtig, dass die beteiligten Musiker allesamt alleine waren um ihre jeweiligen Parts zu finden. Die Abgeschiedenheit der einzelnen Musiker auf Songs From A Stolen Guitar bietet somit weniger Spontaneität vieler früherer Arbeiten von Joyner, führt aber zu einer Art Silberstreifeneffekt: Joyners Songs, die hier sorgfältiger und vielleicht absichtsvoller produziert wurden als auf jedem seiner früheren Alben, kommen viel klarer durch und stellen sowohl seine schillernden Wortspiele als auch seine klare Vision in den Vordergrund. Ein Kritiker bringt einen Vergleich zu Neil Young und meinte "Wenn (sein 2012 Album) 'Ghosts' sein 'Tonight's the Night' war - zornig, nackt und bodenlos - dann könnte sich 'Songs From A Stolen Guitar' als sein Harvest erweisen." Songs From A Stolen Guitar wurde in verschiedenen Städten aufgenommen. Joyner nahm seinen Gesang und seine Gitarre live in Omaha auf; Bassist Wil Hendrix fügte seine Parts zu Hause in San Francisco hinzu, Michael Krassner nahm seine Gitarren- und Klavier-Overdubs zu Hause in Phoenix auf, und Schlagzeuger/Percussionist Ryan Jewell nahm in Colorado auf. Dieser musikalische Kettenbrief machte sich dann auf den Weg zurück nach Omaha, wo David Nance (Gitarren und Backing Vocals), Ben Brodin (Orgel und Vibraphon) und Megan Siebe (Bratsche und Backing Vocals) - getrennt voneinander - ihre jeweiligen Beiträge einspielten. Dieses Vorgehen zahlt sich aus. Die "virtuelle" Band spielt eine unterstützende, aber komplementäre Rolle und erzeugt immer das richtige Maß an Spannung, um diese emotionsgeladenen Geschichten zu begleiten und zu umhüllen. Das Zusammenspiel ist einfühlsam und kohärent, auch wenn es aus geografischer Entfernung und Abgeschiedenheit zusammengefügt wurde und oft wie Musik klingt, die durch den Nebel eines Herbstmorgens gefiltert wurde. Doch wenn es um Simon Joyner-Platten geht, zahlt man sein Ticket, um großartige Songs zu hören, und auch in dieser Kategorie enttäuscht Songs From A Stolen Guitar nicht. Eins der seltenen Alben, das nach dem klingt, worum es geht: die Kluft zwischen Einsamkeit und Alleinsein, die Grenzen zwischen Liebe und Hingabe, der Unterschied zwischen dem Tornado und dem, was er hinterlässt.