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Ageless Summoning wurde inspiriert durch den Death Metal der Steve Tucker-Ära von Morbid Angel, und der Dissonanz von Immolation. Während die Bewunderung für die US-amerikanischen Meister unbestreitbar ist, zeigen Ageless Summoning ein atemberaubendes Maß an Originalität in ihrer Herangehensweise an das Subgenre.

An incredible 45 of Latin disco – recorded in Peru during the late 70s by funk pioneers Black Sugar, and right up there with the best from New York and LA of that era! It’s taken over four decades 'Baila' to become a winner spin at international events in the soul and disco scenes, a sought-after collector's item and, above all, the dancefloor hit that should have always been. First time reissue. Black Sugar is a Peruvian band, considered a pioneer group in Latin America in mixing funk influences with rock and Latin rhythms. In 1976, following their gig at Coliseo Amauta in Lima, opening the night for the legendary Spanish band Barrabás, they started to show a growing interest in disco music, resulting in some line up changes with members leaving the project due to their lack of interest in the new sound and new ones joining in. Word is that Sono Radio, home to a bunch of local Tamla MoTown releases for the Peruvian market, thought that Black Sugar's prestige, and their credibility in the new orientation towards disco sound, would benefit from seeing their new single pressed with the labels of the famous record company from Detroit. And so it was. Under certain lights and shadows, ‘Baila’ was finally released in Peru only in 1978, sporting the same look as the releases of the likes of Marvin Gaye, Diana Ross, Commodores or Thelma Houston. A clever marketing ploy that however failed in boosting the sales of the single…Only a few original copies have survived to this day, of either the first and the second edition from 1979 released on the US label Libra, and reached the collectors market. It’s now, over four decades later, when the interest on this recording has gone stronger and ‘Baila’ is getting regular spins at international soul/disco scene events, having become a very sought-after collectors item and, on top of that, the dance floor anthem that should have always been. The stunning piano arrangements of the intro, the outstanding brass sections —faithfully copied from the disco recordings coming from the States—, a very catchy chorus… ‘Baila’ has all the necessary ingredients to become an addictive invitation to join the dance floor. On the B side, a cover version of Barry White’s hit ‘Sha La La (Means I Love You)’ —as appeared on the original issue of this record— shows what the interest of the band was at the time. First time reissue. TRACKLIST Side A Baila Side B Sha La La (Means I Love You)

"The Queen Is Not Dead" ist kein "durchschnittliches" SPIRITUAL FRONT Album, aber welche Veröffentlichung der Suicide Pop Band aus Italien ist das schon? Das achte Studioalbum der Römer ist vielmehr "eine Hommage an die legendären, wundervollen Hymnen von Morrissey und Johnny Marr", wie Simone Salvatori schreibt. Der Bandgründer und Frontmann von SPIRITUAL FRONT bezeichnet THE SMITHS als eine der wichtigsten musikalischen Inspirationen für jedes Mitglied der Band. Die Italiener nahmen das Album mit dem erklärten Ziel auf, eine respektvolle Hommage zu erschaffen, ohne dass dabei ein Klon entstehen sollte. Bei den fünfzehn Coversongs, die für viele Musikfreunde heilig sind, blieben die Römer den Originalaufnahmen zwar treu, sie führen die Songs jedoch näher an die Klangwelt von SPIRITUAL FRONT heran - beispielsweise indem sie klassische Instrumente hinzufügen. Zu Salvatori und seinen Bandkollegen, dem Gitarristen Francesco Conte und Andrea Freda am Schlagzeug, gesellen sich der Bassist Daniele Raggi, ein Streichsextett und ein Bläser sowie eine Fülle von Beiträgen befreundeter Musiker: Darunter befinden sich die Sängerin Durga McBroom (PINK FLOYD, BLUE PEARL), Riccardo Galati, Filippo Marcheggiani (BANCO DEL MUTUO SOCCORSO), Michal Stepien (MGLA), Jairo Zavala (CALEXICO), King Dude, Traci Danielle (MY LIFE WITH THE THRILL KILL KULT), Riccardo Spilli (IL BALLETTO DI BRONZO) und Sasha Boole (ME AND THAT MAN). SPIRITUAL FRONT wurden 1999 als Soloprojekt von Salvatori gegründet und haben seitdem zahlreiche Alben, Singles, EPs und Kollaborationen veröffentlicht. Die Italiener beschreiben ihren Sound als "eingängige Balladen für herzzerreißende nihilistische Jugendliche". Textlich beschäftigen sich SPIRITUAL FRONT mit Themen wie der Suche nach einer eigenen Identität, Sexualität, harte Realitäten und wütende Trennungen, die oft von triefendem Sarkasmus, Nihilismus sowie einem beißenden Sinn für Humor eingefärbt sind. Darüber hinaus haben die Italiener mit namhaften Künstlern wie LYDIA LUNCH, ORDO ROSARIUS EQUILIBRIO und vielen anderen zusammengearbeitet sowie an den Soundtracks der Fernsehserie "Las Vegas", des Kinofilms "Saw 2" und an weiteren Independent-Filmen, Theaterproduktionen und modernem Ballett mitgewirkt. SPIRITUAL FRONT zollen THE SMITHS, die für die Italiener zufällig den Soundtrack ihres Lebens komponiert haben mit "The Queen Is Not Dead" ihren aufrichtigen Tribut.

Die Autofenster sind heruntergelassen, die Luft ist warm, und die Möglichkeiten sind grenzenlos. Auf Cut Worms, dem neuen, selbstbetitelten Album des aus Brooklyn stammenden Max Clarke, setzt der Singer-Songwriter und Musiker seine Erkundung dessen fort, was er "Pop-Essentialismus" nennt. Indem er die goldenen Hits vergangener Tage für einen zeitlosen Doppel-A-Seiten-Sound ausgräbt, betrachtet er uralte Fragen durch eine moderne Linse. Hier lässt er das legendäre Studio und die gefragten Produzenten hinter sich und arbeitet mit einer Reihe von begabten Freunden und Kollaborateuren zusammen, um seinen eigenen Ansatz zu finden. Das Ergebnis ist eine kompakte Sammlung von Tagtraum-Hymnen, die zwischen den hoffnungsvollen Anfängen des Sommers und dem flüchtigen Ende der Saison angesiedelt sind. Anstatt das gesamte Album in einem Stück in einem Studio aufzunehmen, variierte Clarke seine Methoden. Drei der Songs wurden von Anfang bis Ende in seinem gemeinsamen Proberaum aufgenommen. "Don't Fade Out" und Living Inside" wurden in Brooklyn von Brian und Michael D'Addario von den Lemon Twigs aufgenommen, die bei diesen beiden Stücken auch Klavier bzw. Bass spielten. Weitere grundlegende Aufnahmen wurden von Rick Spataro (von der Indie-Folk-Band Florist) in seinem Studio Onlyness Analog im Hudson Valley gemacht, mit Beiträgen der langjährigen Live-Band Cut Worms - Keyboarder John Andrews, Bassist Keven Louis Lareau und Schlagzeuger Noah Bond (der bei allen drei Sessions mitwirkte). Die neun Songs sind von einem jugendlichen Geist durchdrungen. Die mit Nelken geschmückte Schulball-Serenade "I'll Never Make It", die sternenklare Verliebtheit von "Is it Magic?", das erste Herbstlaub auf der Busfahrt zur Schule in "Living Inside" - sie alle beschwören einen Ort der Wärme und Sicherheit. Erklärungen wie "Don't Fade Out", "Let's Go Out On The Town" und "Use Your Love" stellen hohe Anforderungen an das Leben, um es zu verändern, bitten aber gleichzeitig darum, das zu bewahren, was uns als Menschen ausmacht. Clarke ringt mit einem Paradoxon: Die Freuden der Erfahrung können nicht ohne den Verlust der Unschuld gewonnen werden.

Die Autofenster sind heruntergelassen, die Luft ist warm, und die Möglichkeiten sind grenzenlos. Auf Cut Worms, dem neuen, selbstbetitelten Album des aus Brooklyn stammenden Max Clarke, setzt der Singer-Songwriter und Musiker seine Erkundung dessen fort, was er "Pop-Essentialismus" nennt. Indem er die goldenen Hits vergangener Tage für einen zeitlosen Doppel-A-Seiten-Sound ausgräbt, betrachtet er uralte Fragen durch eine moderne Linse. Hier lässt er das legendäre Studio und die gefragten Produzenten hinter sich und arbeitet mit einer Reihe von begabten Freunden und Kollaborateuren zusammen, um seinen eigenen Ansatz zu finden. Das Ergebnis ist eine kompakte Sammlung von Tagtraum-Hymnen, die zwischen den hoffnungsvollen Anfängen des Sommers und dem flüchtigen Ende der Saison angesiedelt sind. Anstatt das gesamte Album in einem Stück in einem Studio aufzunehmen, variierte Clarke seine Methoden. Drei der Songs wurden von Anfang bis Ende in seinem gemeinsamen Proberaum aufgenommen. "Don't Fade Out" und Living Inside" wurden in Brooklyn von Brian und Michael D'Addario von den Lemon Twigs aufgenommen, die bei diesen beiden Stücken auch Klavier bzw. Bass spielten. Weitere grundlegende Aufnahmen wurden von Rick Spataro (von der Indie-Folk-Band Florist) in seinem Studio Onlyness Analog im Hudson Valley gemacht, mit Beiträgen der langjährigen Live-Band Cut Worms - Keyboarder John Andrews, Bassist Keven Louis Lareau und Schlagzeuger Noah Bond (der bei allen drei Sessions mitwirkte). Die neun Songs sind von einem jugendlichen Geist durchdrungen. Die mit Nelken geschmückte Schulball-Serenade "I'll Never Make It", die sternenklare Verliebtheit von "Is it Magic?", das erste Herbstlaub auf der Busfahrt zur Schule in "Living Inside" - sie alle beschwören einen Ort der Wärme und Sicherheit. Erklärungen wie "Don't Fade Out", "Let's Go Out On The Town" und "Use Your Love" stellen hohe Anforderungen an das Leben, um es zu verändern, bitten aber gleichzeitig darum, das zu bewahren, was uns als Menschen ausmacht. Clarke ringt mit einem Paradoxon: Die Freuden der Erfahrung können nicht ohne den Verlust der Unschuld gewonnen werden.

Die Autofenster sind heruntergelassen, die Luft ist warm, und die Möglichkeiten sind grenzenlos. Auf Cut Worms, dem neuen, selbstbetitelten Album des aus Brooklyn stammenden Max Clarke, setzt der Singer-Songwriter und Musiker seine Erkundung dessen fort, was er "Pop-Essentialismus" nennt. Indem er die goldenen Hits vergangener Tage für einen zeitlosen Doppel-A-Seiten-Sound ausgräbt, betrachtet er uralte Fragen durch eine moderne Linse. Hier lässt er das legendäre Studio und die gefragten Produzenten hinter sich und arbeitet mit einer Reihe von begabten Freunden und Kollaborateuren zusammen, um seinen eigenen Ansatz zu finden. Das Ergebnis ist eine kompakte Sammlung von Tagtraum-Hymnen, die zwischen den hoffnungsvollen Anfängen des Sommers und dem flüchtigen Ende der Saison angesiedelt sind. Anstatt das gesamte Album in einem Stück in einem Studio aufzunehmen, variierte Clarke seine Methoden. Drei der Songs wurden von Anfang bis Ende in seinem gemeinsamen Proberaum aufgenommen. "Don't Fade Out" und Living Inside" wurden in Brooklyn von Brian und Michael D'Addario von den Lemon Twigs aufgenommen, die bei diesen beiden Stücken auch Klavier bzw. Bass spielten. Weitere grundlegende Aufnahmen wurden von Rick Spataro (von der Indie-Folk-Band Florist) in seinem Studio Onlyness Analog im Hudson Valley gemacht, mit Beiträgen der langjährigen Live-Band Cut Worms - Keyboarder John Andrews, Bassist Keven Louis Lareau und Schlagzeuger Noah Bond (der bei allen drei Sessions mitwirkte). Die neun Songs sind von einem jugendlichen Geist durchdrungen. Die mit Nelken geschmückte Schulball-Serenade "I'll Never Make It", die sternenklare Verliebtheit von "Is it Magic?", das erste Herbstlaub auf der Busfahrt zur Schule in "Living Inside" - sie alle beschwören einen Ort der Wärme und Sicherheit. Erklärungen wie "Don't Fade Out", "Let's Go Out On The Town" und "Use Your Love" stellen hohe Anforderungen an das Leben, um es zu verändern, bitten aber gleichzeitig darum, das zu bewahren, was uns als Menschen ausmacht. Clarke ringt mit einem Paradoxon: Die Freuden der Erfahrung können nicht ohne den Verlust der Unschuld gewonnen werden.

SOMNURI hält sich nicht an der Oberfläche fest. Der Heavy Metal der Band stapft von Genre zu Genre mit der Inbrunst und dem Selbstvertrauen einer Band, die bereit ist, die Schwellen zu allem Wahrnehmbaren und Möglichen zu überschreiten. Die Band, bestehend aus Lead-Gitarrist und Sänger Justin Sherrell, Schlagzeuger Phil SanGiancomo und Bassist Mike G, hat sich die Aufmerksamkeit von Magazinen wie Revolver Magazine, BrooklynVegan, MetalSucks, MetalHammer und anderen verdient und ihr neuestes Werk ist ein wahrer Beweis für die unersättliche Arbeitsmoral der Band, die sie als einen der aufregendsten aufstrebenden Acts des Heavy Metal zementiert.

Aufgenommen in den Gojira Silver Cord Studios, abgemischt von Justin Mantooth in den Westend Studios und gemastert von Brad Boatright bei Audiosiege Mastering, bewegt sich die Band auf „Desiderium“ nahtlos durch eine Vielzahl von Tempi und Klängen und gibt einigen ausgetretenen Pfaden neue Wege vor. Songs wie „Paramnesia“ kommen wie eine schlammige Abrissbirne daher und erinnern in ihren stärksten Momenten an Eyehategod und Crowbar. Anstelle von Moshparts zieht sich die Band zurück und lässt Sherrell ein paar cleane Vocals einstreuen, bevor sie wieder voll angreift. Sherrells Stimme ist wahnsinnig vielseitig und kann sowohl gefühlvolle cleane Vocals als auch grimmige Schreie liefern. Sie ist der perfekte Kontrast zu den Instrumenten der Band, die ein Band zwischen Sludge, Grunge, Psych-Rock und mehr weben.

Jerry Jeff Walker was an American country music and folk singer-songwriter. He was a leading figure in the progressive country and outlaw country music movement, best known for having written the 1968 song "Mr. Bojangles". The late '60s and early '70s were an interesting time during which a number of enduring singer-songwriter albums were released, and this album is a prime example.

Originally released in 1969, Five Years Gone is a forward-looking album rooted in late-'60s folk and folk-rock rather than popular country. The poetic, yet sometimes inscrutable, lyrics owe more to Bob Dylan than any Nashville tradition. For this album, Jerry Jeff Walker was joined by some Nashville heavyweights, including Weldon Myrick, Hargus "Pig" Robbins, and Charlie McCoy.

Five Years Gone is available as a limited edition of 750 individually numbered copies on gold coloured vinyl, including a 4-page booklet.

ENG 'Behavioural Sink Delirium' is the new studio album from MADMADMAD. Powered by their wild live parties and rooted in the sounds of mutant disco, post-punk and experimental electronics, the London-based trio's third LP is due out July 21 via Bad Vibrations. Arriving following 2019's 'Proper Music' and 2020's 'More More More', 'Behavioural Sink Delirium' was recorded and produced by Eddie Stevens (Zero7, Moloko, Róisín Murphy) in his Fulham studio. "We locked ourselves away for ten days and recorded 30 hours of music, all played live in one room, and only edited to create arrangements", MADMADMAD recall. The result of those sessions is nine unhinged techno-dystopian freak-outs that mark the trio out as a truly singular group. 'Behavioural Sink Delirium' takes its name and inspiration from the 1968-70 'Universe 25' experiment by American ethologist John B. Calhoun, looking at the behavioural effects of population growth in a 'rodent utopia'. During the studies, a perfect space was built for a colony of 3,000 mice to thrive in, with constant food and water supplies, cosy apartments and no outside threats or predators. Starting with 4 females and 4 males, the population grew rapidly before capping at a number of 2,200. At this point, a living nightmare ensued, filled with antisocial and violent mice as the utopic conditions began to collapse. The mice formed violent cliques and social hierarchies, cannibalism started becoming common practice and the population started plummeting to eventual extinction. Calhoun coined this tipping-point the "behavioural sink" effect, and it's this state of societal breakdown that the trio tap into on the record. "You can easily see the link with our species in terms of overpopulation, but also with the Internet medium or 'metaverse' and its overproduction of data, causing tremendous societal, mental and environmental shifts. What was supposed to cater for most of our needs has also turned on us. Delirium kinda states the air of it all, and the folly of the music." Pressing Info: 180g red vinyl, standard sleeve, printed inner-sleeve, download card included!

Archaic Vaults is pleased to present the first vinyl album for the label, cataloguing ten tracks from ten artists spanning the globe. This curation brings together a multiplicity of genres within the label’s ongoing thematic output - durational ambience, field recordings, oversaturated improvisations and spatialised synthetic loops among them. A diverse cohort of familiar and new collaborators alike.

Covet is fronted by Yvette Young who is revered by guitarists around the world for her mastery of the innovative two-handed tapping technique. Yvette says of the album - "I'd like to be honest - this album process was one of the most challenging ever, and none of the reasons for that was related to the actual music. There was a moment where it felt like it might not come out ever...but I think having patience and faith does pay off. I named this record "catharsis" because the word to me feels like a triumphant exodus. No matter the dire circumstances, music is one of those things that I’ve always needed to create to survive (in all senses of the word), and time and time again, I turn to guitar and songwriting as my outlet to uplift and feel like I have control over something in this chaotic universe. The overall theme of the album is escapism and fantasy, which also feels fitting because in a lot of ways, we use music and art to escape our anxiety, our pain, and our sometimes oppressive realities...to travel to universes that we so badly wished existed. Music is so powerful for this reason because it can be so transformative- it uplifts and empathizes with you without needing to say a single word. With this music, I wanted to tell a concise but dense story that goes many places- not necessarily all joyful. I have been working on it down to the last minute, and in less than 30 minutes, I'd like to take you to all the magical places I’ve been and show you all the highs and lows that I've had the privilege of experiencing during the last 2 years of creating this body of work."

Second album from Elias Mazian.

While his debut album Vrij Van Dromen hinted at the work of a bedroom producer, Elias Mazian never was the person to hide. After becoming a resident DJ at the now gone club Trouw ten years ago, he spent many nights playing records at clubs, and today he is as visible during the day as selector and host on FM radio. With this follow-up record he does one more step out of obscurity: moving from low to high fidelity, into more sincerity.

The songs on Alleen Bij Mij comfortably sit next to the songs he shares with friends on Private Hearts, Mazian's radio show dedicated to pop melodies. Like classic sixties records, the LP clocks just above thirty minutes, while also sharing their harmonic approach. Additional influences can be traced back to seventies krautrock, Dutch disco dub from the eighties and the storytelling of mid-2000's Dutch rap. Channeling these sounds into his own after hour tales, Elias Mazian created the perfect album for late bike rides and night trains alike.

Seconded by his good friend and multi-instrumentalist Anton Pieete and the all-knowing engineer Eelco Bakker, the album is produced and mixed for Mazian's melodies to shine. Combining observations from daily life with the big themes of pop music, this mixture results in eight songs ready for radio play.

Companion piece to O Morto's album »Dans la Gorge d'un Monstre«. The diaristic approach goes deeper where field recordings and fragments of memory take center stage , O Morto expands his LP masterpiece to a very direct and free-flowing tape. Also based on a number of field recordings taken during a life-changing trip to Morocco that felt like a fever dream, ‘Iffrits Habitent‘ is the perfect companion piece with a more impressionistic and unadulterated account of the same travel that could well be this side of the mirror. Then again, maybe he never made it from the other side. Who’s to know?

Detroit's Rebecca Goldberg, aka 313 Acid Queen, releases 5 techno bangers incl. Mark Broom remix on Phoq U.

Phoq U Phonogrammen, the rebellious U-TRAX sublabel, returns after 26 years with its eight release, produced and manufactured in Detroit. Detroit native Rebecca Goldberg, who has previously released music and performed live under her 313 Acid Queen alias, will present her brand new People Mover EP at the Detroit Movement festival, on May 26, 2023.

The EP features 5 dancefloor fillers, including the Detroit-style remix by Mark Broom of the opening track Automated. The EP is inspired by transportation, industry and travel, as well as the city of Detroit of course, paying homage to the original minimal techno music and the evolution of technology and industry.

All tracks are live jams, recorded in one take on all hardware instruments. Rebecca tries to do as little post-work as possible, with just a little bit of final arrangement. Her work often incorporates field recorded sounds, and for this EP she used samples recorded while riding on the Detroit People Mover itself, the elevated automated light rail system in downtown Detroit. Goldberg started a sound walk group called Detroit Frequency and the recordings were taken on during the first event last summer.

The EP kicks off with the fast-paced Automated, that echoes the hypnotic minimal techno sound of Robert Hood. Mark Broom added an extra dose of 909 funk in his Mark Broom remix, which provides the track with even more pumping rhythms and making it sound even more 'classic Detroit'.

The B-side opens with Elevated, that features industrial-ish DPM sounds on a bed of pure acid, as if Goldberg wants us to remember why she is named the 313 Acid Queen.
Staying On meanwhile, puts a repeating DPM announcer's voice central stage, making it a fascinating piece of minimal techno. The closing track Linear Motion creates a dark atmosphere, with eerie, down-pitched DPM sounds that makes this a spooky techno trip that we believe many people will love.

Boris und Uniform mögen wie ein seltsames Gespann gewirkt haben, als sie sich 2019 für eine US-Tournee zusammentaten. Sicher, beide Bands nutzen die Kraft großer, explosiver Riffs, aber Boris' Rock-Heldentum, lysergische Ausbreitung und monolithischer Sludge beschwören eine andere Energie herauf als Uniforms mechanisierte Bombardements und rasende Angriffe. Als Boris jedoch Uniform einlud, als Teil ihrer Zugabe eine neu gestaltete Version ihres Klassikers „Akuma no Uta“ zu spielen, war die Chemie zwischen den Künstlern offensichtlich. Die Idee eines gemeinsamen Albums kam auf, und die Bands verbrachten das nächste Jahr damit, Songideen und Aufnahmen in ihren Heimstudios auszutauschen, bis Boris und Uniform ein Album hatten, das die furchtlose Erforschung und ungezügelte Kraft ihrer Live-Auftritte einfing. Sacred Bones Records ist stolz darauf, das gemeinsame Album Bright New Disease von Boris & Uniform zu präsentieren.

Bright New Disease beginnt mit der ersten Single „You're the Beginning“, einem wilden Thrash-Banger aus dem Boris-Lager. Von dort aus setzt das Album seinen unerbittlichen Angriff mit „Weaponized Grief“ fort, einem fiebrigen Mashup aus japanischem D-Beat und Boredoms' absichtlich unpassenden Klangtexturen. Es gibt keinen Moment, um die Trümmer zu sichten, bevor die Bands mit „No“ beginnen, einer bewussten Anspielung auf die japanische Hardcore-Hommage von Boris' 2020er Album NO. Entspannung kommt schließlich mit der eisigen Verstärkeranbetung von „The Look is a Flame", einem Song aus Boris' Feder, der Licht und Erlösung statt Düsternis und Grausamkeit beschwören soll. Verstärkt durch die kosmische Synthesizerarbeit von Randall Dunn und den ächzenden Bass von Steve Moore behält der Song das bedrohliche Timbre des Albums bei und deutet gleichzeitig die Möglichkeit der Erlösung an. Die Klangpalette des Albums wird in der zweiten Hälfte von Bright New Disease noch breiter, wie z. B. beim herausragenden Stück „Narcotic Shadow“. Mit Berdans modularen Synthesizer-Arpeggios, Boris' von Dark Wave/New Romantic inspiriertem Gesang und Greenbergs verzerrten Studiomanipulationen bietet der Song einen schäbigen und schwermütigen Kontrapunkt zu der ungezügelten Wut der ersten Hälfte des Albums. In ähnlicher Weise ist „A Man From the Earth“ weniger auf Katharsis als vielmehr auf eine düstere, tiefrote Interpretation von David Bowies Glam-Jahren fixiert. Aber diese Abweichungen dienen nur dazu, den Albumabschluss und die zweite Single „Not Surprised“ noch düsterer, qualvoller und erschütternder zu machen.

Shapes of Rhythm is proud to present the self-titled debut LP of Turkish psychedelic pop from MLDVA & Çınar Timur. This record is a celebration of the classic music and culture typically of the 70s and 80s, but which also leans into western jazz funk and soul jazz moments. If you're into the Turkish music legends of the 70s and 80s such as Barış Manço and more recently Altın Gün or Derya Yıldırım & Grup Şimşek, you've come to the right place.

MLDVA were formed in Krakow, Poland in 2013 as a DJ and production outfit. Under the influence of Greek and Turkish folk and psych-rock music they began to transform into a band, taking up instruments including the Saz which is one of the most recognisable trademarks of the Turkish sound. Two years later in 2015 they invited Turkish instrumentalist Çınar Timur to join them and this completes the line up on their debut. This electric album is packed with excellently-recorded expansive tracks which are full of energy, psychedelic deep grooves, hard-hitting breakbeats and everything else you'd expect with classic Turkish sounds.

The instrumental double-header of Neşat Erkaş' Zülüf Dökülmüş Yüze, moving into the time-honoured traditional Kozan Dağıis the perfect opening track. The introduction is an overture of sorts with two minutes of Çınar Timur's pondering guitar. This tees up the record perfectly before heading into a break-beat driven workout with the band matching Çınar's evocative and energetic riffing. The result is a tight sound and a heavy groove that sets the tone for what's to come.

With the band unveiled, Sarı Çizmeli Mehmet Ağa, written by Barış Manço (a legend in Turkish popular music), hits a relaxed, deeper and more psychedelic groove, dominated by Wojciech Długosz's dreamy Rhodes piano, set against choppy wah-wah guitar licks that characterize that classic electric Turkish pop sound. We're introduced to Ulaş Çıbuk's vocals for the first time, telling the historic tale of a charitable village lord Mehmet Ağa from 19c Anatolia known for his generosity. He shared his fortune with people inneed and as a result, died penniless. This track also features the unique sound of Çınar's Mictrotonal electric guitar.

Bir Adım Öte is MLDVA & Çınar Timur's magnificent mellow moment, marking the halfway point in their debut. The group shows that it's not all about the frenetic in a nod to western Soul-Jazz constructs. They showcase restraint, emotion and that joy in repetition of a wonderful guitar refrain. Not content with holding this down, Wojciech Długosz's Rhodes solo steps into a world that's US-influenced Soul jazzand is a lesson in reduction and feeling. Çınar Timur then takes a solo turn, keeping it western-influenced with an on the spot improvisation. When the three minutes of solos are over, we're brought back out of thedream and towards the East again.

Adımız Miskindir Bizim kicks off like a hip hop/funk crossover tune, until the chord changes muscle in, to remind you where you are in the world. As with other tracks on the debut, the tune is marked by recurring motifs, this time from Çınar's microtonal electric guitar. We've more solo Rhodes action, thist ime busier and more urgent. The lyrics–originally written by Yunus Emre – criticizevalues such as holding grudges that destroy ideas of love, friendship and peace among people which causes hostility. Adımız Miskindir Bizim concludes with an uplifting vocal vamp which switches it up unlike any of thetracks on the LP.

In Fesupanallah– made most popular by Erkin Koray – Ulaş Çıbuk sings about the simple subject ofbeing patient with never ending problems in life, and trying to find a solution for them. This cut takes a rhythmical side-step to the rest of the album. The kick drum maps out a solid four-four, but the vocals and guitar lines move around it to impose Fesupanallah as being the record's most traditionally Turkish-sounding cut.

The album's closing track Ölüm Allah'ın Emri (another Manço classic) was recorded live in the band's more familiar surroundings of Krakow's Cheder Cafe during 2020's Jewish Culture Festival. The lyrics tell the tale of someone who has accepted death but cannot accept the separation that comes with it. We open with a dreamy, psychedelic mood before progressing into a heavy-riffing rock feeling with probing synths. Ulaş delivers his vocals over the top of a stripped back, shuffling groove. As the track progresses towards a frenetic conclusion, drummer Szymon Piotrowski cuts loose, combining with Grzegorz Dąbek's synth lines.

MLDVA & Çınar Timur's debut LP is not the sound of a band starting out. Taking time to hone their craft and let influences across the global spectrum of music mature, this is the result of years of jamming, gigging and collaborating. Now, after prestigious festival appearances and their place on Saz Power – an essential modern Turkish music compilation – they're making a lasting contribution to a rich, time-honored culture. MLDVA & Çınar Timur releases Friday 30 June 2023 on limited edition vinyl LP and digital download/streaming services on Shapes of Rhythm. Global distribution by Kudos Records.

On the new album, Days Like Now, Bennett takes direct inspiration from the music of Wales.

The songs draw heavily on acoustic folk sounds and melodies. During the pandemic Huw sat and wrote a lot of material just with his bass and acoustic guitars and that low key atmosphere is very present throughout the new record.

Drums are lo-fi and fuzzy, and the palette of sounds draws from many folk cultures around the world, but this time round has a distinctly Welsh influence.

Wisdom Teeth co-founder K-LONE returns with his second full length project, ‘Swells’: a kaleidoscopic and expansive record that looks to deep house, synthpop, leftfield R&B and beyond for a spellbinding masterwork of melodic electronica.

His debut LP ‘Cape Cira’ became the accidental soundtrack of the long strange summer of 2020 - its lush marimbas, hazy atmos and synthesised bird calls providing the ideal soundtrack for some much needed collective escapism. The record was widely deemed one of 2020’s standout electronic LPs, gaining glowing reviews in Pitchfork, DJ Mag, Mixmag and Resident Advisor, and ranking highly in end of year lists by Crack Magazine.

Approaching its follow up, the Brighton-based producer felt a fresh perspective was needed. Originally landing on the name ‘Swells’ as a secret pen-name to write the record under, the intention was to keep the project as separate as possible from ‘Cape Cira’ to avoid settling into familiar territories - but as the record took shape it became clear that it made perfect sense amongst his already diverse discography.

Like ‘Cape Cira’, there is a distinct and intentionally limited sound palette at play on ‘Swells’. Looping vocal cuts, rich cluster chords and undulating arpeggios sit front and centre here - as does the lo-fi plonk of of the CR78 drum machine. But while the record clearly takes influence from a range of vintage sound sources, its overall aesthetic is unmistakably contemporary. Sounds are not artificially degraded nor obscured under washes of sampled tape hiss. Rather, everything is processed with a gloss, hi-fidelity sheen. The record’s rhythms are bright, dry and snappy, and its melodies are processed with a neon poppy glow.

The producer’s unabashed love of contemporary pop music is most obviously exemplified by the appearance of British singer-songwriter Eliza Rose. The pair met for a session at a North London studio back in 2021, and the now Brit Award-nominated singer’s warm, emotive vocal takes became an immediate source of inspiration early in the record’s conception. As such, Rose’s voice is heard in various states of manipulation throughout its duration - initially as reduced and looped phrases, and then finally in full form on ‘With U’: a low-lit, dubbed-out slice of leftfield R&B that beckons comparisons with Tirzah, Little Dragon and even Erykah Badu.

Elsewhere, there are references to G-Funk (‘Oddball’), Autonomic drum and bass (‘Shimmer’), hip-house (‘Love Is’) and even Metronomy-era electro pop (‘Love Me A Little’).

As always, the true magic of K-LONE’s artistry is to present complex, subtle and original ideas in ways that feel familiar and immediate. Melodies are introduced as effortless earworms, only to be twisted out of shape into strange and unusual formulations. Looping rhythms unspool into washes of hazy, dubbed-out ambience before rebuilding themselves. Refined and endlessly creative, ‘Swells’ marks a captivating next step for a producer and record label that have both reliably positioned themselves at the very forefront of contemporary electronic music.

Five years after the release of ‘Luyando’, Zimbabwe’s most celebrated music export returns with their long-awaited follow-up album ‘Tusona: Tracings in the Sand’. The six musicians from Victoria Falls are refining their unique sound: infectious Afro grooves deeply connected to Zimbabwe’s cultural DNA. ‘Tusana’ is their most danceable album to date, a DIY production recorded in Zimbabwe. It features horns by Ghanaian highlife outfit Santrofi.

Every Sunday, there is a gathering in the sweltering heat on grounds of an old local beer hall in the Chinotimba township in Mosi-o-Tunya (Victoria Falls). Entertainment is provided by various traditional groups including the Luvale Makisi masquerade. It is a day full of singing, drumming, dancing and storytelling. Mokoomba’s lead vocalist Mathias Muzaza can often be found here singing with a voice both soaring and vulnerable. In the course of the afternoon the other band members - guitarist Trustworth Samende, bass player Abundance Mutori, keyboard player Phathisani Moyo, percussionist Miti Mugande and drummer Ndaba Coster Moyo - often join in with singing. The drum driven song “Bakalubale” featured on their new album invites you to this gathering.

Mokoomba recorded ‘Tusona: Tracings in the Sand’, the follow-up album to ‘Luyando’ (2017, Outhere), in Zimbabwe during the pandemic. Instead of working with outside producers like Manou Gallo or Steve Dyer as they have in the past, this album was entirely recorded in a DIY fashion by Mokoomba. The collective from Zimbabwe put in all the experiences made over the previous years and have forged their music into a unique Zimbabwean sound. On popular demand from their fans in Zimbabwe they have even re-recorded three songs from their last more acoustic album ‘Luyando’ turning them into dancehall bangers (featured on the CD and digital versions of the album). In short, this album is more Mokoomba than any of the ones before.

On the album Mokoomba are singing about love, loss, courage in a changing society. The first single “Nzara Hapana” means “no money” in Shona. The song talks about a man who wants to ensure the future of his wife and family and is trying to protect them against the greed of his relatives. The danceable up-tempo song “Nyansola” praises the goddess of harvest and asks her for rain. “Makisi” is sung in Luvale. It celebrates the beauty of the initiation ceremony for which the whole community comes together. “Manina” is a song about losing a loved one. It was written during the pandemic and features the young singer Ulethu from Harare. Mokoomba sing in many different local languages. Their songs are in Tonga, Luvale, Shona, Nyanja and even Lingala used in “Makolo” when they team up with Congolese singer Desolo B. (The album also features horns by Nobert Wonkyi Arthur (trumpet), Bernard Gyamfi (trombone) and Emmanuel Arthur (sax) from Ghanaian highlife outfit Santrofi.)

The title of the album is a nod towards their immense respect for tradition. ‘Tusona’ refers to an ancient system of signs and symbols, drawn in the sand and used for instruction during initiation ceremonies by the Luvale in Southern Africa. Another important part of the Mukanda initiation ceremony is the incredible Makisi masquerade. Since 2008 the Makisi dances are on the UNESCO list of intangible heritage. The Makisi are masked characters, representing the spirit of deceased ancestors. During the yearly initiation ceremony the Makisi return to the living world to teach the young children to become responsible adults among the Lubale people of Southern Africa. In the last decade the interest - especially among the young people – has faded and the Makisi dances have nearly died out.

“Our inspiration comes from these gatherings”, Trustworth Samende explains, “from listening to and playing pure traditional music with everyone in the township. We then add influences from music that we listened to in our homes growing up and the sounds we experience travelling around the world.” It is the connection with the cultures around them that gives Mokoomba’s music its spiritual power. When you hear Mathias Muzaza singing and you watch closely, you will see the music carrying him away to a different sphere, a place where he is singing with the ancestors. Only a split second later though Trust Samende’s sparkling guitar riffs kick in, blending Congolese influences from neighbouring Kasai with Zamrock and Mbira inspired Chimurenga music, making you want to hit the dancefloor. It is this unique blend of local musical styles with contemporary dance music that is at the heart of Mokoomba’s music. The strong reference to tradition is also reflected in the cover illustration by young Zimbabwean visual artist Lomedy Mhako.

It has been nearly 10 years since this young energetic band from Zimbabwe has exploded onto the international music scene. Since then they have shared their music with fans all over the world: Mokoomba have performed in over 40 countries, rocking audiences in places like Roskilde festival (Denmark), WOMAD festival (UK), Sziget festival (Hungary), SXSW (USA), Apollo Theatre (New York) to name but a few.

Like anywhere in the world Africa’s musical output has become more and more producer based. Mokoomba are the living proof that Africa’s great guitar band heritage is well alive and ready to set any dancefloor on fire. Most important though is that deep below the surface of Mokoomba’s sound - flowing like the Zambezi River - you can still hear the heartbeat and the rhythm of a community connected by its music. Like ‘Tusona’, it is a source of rejuvenation, resilience and strength in these changing times. May the tracings in the sand not fade.

In 1983 there came a sound from the depths of the Brazilian rainforest that was primal, ground-breaking, and completely ahead of its time. The roaring of amplifiers and the beating of drums was the sound of Max and Iggor Cavalera creating their debut cult-classics 'MORBID VISIONS' and 'BESTIAL DEVASTATION', and now it seems that after many years, the Cavalera brothers will be returning to their raw upstarts with a full re-recording of these beloved yet obscure albums.
When 'MORBID VISIONS' and 'BESTIAL DEVASTATION" were first spawned it was done in ramshackle conditions in Belo Horizonte, where the duo grew up. Max and Iggor were 14 and 13 years old during the original recording, and they had all the tenacity and energy of a pack of wild dogs. Only, their sound was not quite refined at that time, their adolescence bled through on those early records. It is well known that Max's guitars were completely out of tune on those sessions, and Iggor's drums often swung around tempos crazily. There's an air of youth and passion that could only be achieved by two teenagers that wanted to shock the world. Four decades later and it is plain to see that they certainly did gather the world's attention.
Despite the production being rough around the edges and the band still carving out their direction, there was a noticeable level of craftsmanship to the song structures and a clear indication that given their desire to thrash like maniacs, these kids from Brazil were going to tear the place up night after night. These albums still hold a dark, mystic and at times eerie quality to them that many have come to love over the years. For some, the music does not have to be delivered with perfect technical precision, the spastic live delivery is something to be cherished, and even with their guitars out of tune, they played like the gates of hell were opening. The crossroads of a shamanistic spiritual summoning at a back-alley metal show in downtown Belo Horizonte.
It is a task of heavy magnitude to try and cross the gap between the accomplished artists that they are today to the scrappy boys that they were when they first wrote these songs, but the duo have executed the performances flawlessly. The perfect bridge between the unbridled energy of the original sessions and the high-quality sound of a 21st century production. It is truly astounding to hear Max once again growl like a monster during "Troops Of Doom" and riff at insane speeds through "War" and "Crucifixion". Iggor's barbaric drumming on "Anti-Christ" is like the galloping hooves of a death-rider. Accompanied by bassist Igor Amadeus Cavalera (HEALING MAGIC, GO AHEAD AND DIE) and lead guitarist Daniel Gonzales (POSSESSED, GRUESOME) the quartet is a force to be reckoned with.
How this re-recording attained such a familiar tenacity is almost a mystery, like some spell that brought these albums back from the grave. Within the first few beats you can hear that the Cavalera’s have lost no momentum, attacking the songs at maximum speed and ferocity. In fact, it seems that the brothers have only empowered their connection through music over the decades. You can feel the spark that those two create, a dynamic sound rich with subtleties and ear-grabbing hooks. As Iggor counts in each song with his drumsticks, and Max's guitar feedbacks loudly as he approaches the microphone, there is palpable apprehension. It is apparent that when these two icons get together to play, they are going to electrify the room with their presence.
Few have had the incredible careers that Max and Iggor have achieved through their music. Even fewer had faith in the young boys that wrote 'MORBID VISIONS' and "BESTIAL DEVASTATION' all those years ago. Yet here they still stand ripping through their earliest works with decades of experience under their belts. For them, it is a breath of fresh air to finally give these songs the desired production that they deserve. They both feel that the fans also deserve a fresh look at these albums, a chance to appreciate them in a completely new light.
From start to finish 'MORBID VISIONS" and "BESTIAL DEVASTATION" are a torrential whirlwind of riffs, beats, and screams. A blast from the past that is sure to take every last listener back to the raucous live shows of the eighties.
Mysterious clouds form above an old cathedral, the summoning of dark magic is upon us, and the troops of doom march forth to announce the arrival of 'CAVALERA'!

R&B, funk and soul icons Kool & The Gang are returning with a new album release – People Just Wanna Have Fun is out July 14, 2023 on Astana Music Inc. With six decades of hits, the internationally celebrated group continues to tour the world and recently performed on Good Morning America. The band is led by founding members Robert “Kool” Bell (bassist) and George “Funky” Brown (keyboardist, drummer & producer of this album), whose book Too Hot: Kool & the Gang & Me will be released on July 11, 2023. Continuing to release music that makes the good times better and the bad times more bearable, this collection will be the band’s 34th studio album, featuring some of the last studio work by founding horn players, Kool’s brother Ronald “Khalis” Bell and Dennis “D.T.” Thomas, who passed in 2020 and 2021. Lead vocals on the album also include Sha Sha Jones, Shawn McQuiller, Lavell Evans, Dominique Karan, Rick Marcel and Walt Anderson, plus rappers Ami Miller & Ole’. Both Bell and Brown view People Just Wanna Have Fun as a summation of their long career, during which they sold 70 million albums worldwide with hit singles like “Celebration,” “Ladies Night,” “Get Down on It,” “Hollywood Swinging” & beyond. Since their start in 1964, the group has amassed two Grammy Awards, seven American Music Awards, a BET Soul Train Lifetime Achievement Award and star on the Hollywood Walk of Fame. Kool’s bass guitar is even featured in the Smithsonian Museum of African American History and Culture in Washington, DC. From Newark to Nairobi, Kool & the Gang have performed continuously longer than any R&B group in history and are the most sampled R&B band of all time, including by Madonna, Jay-Z, Beastie Boys, Janet Jackson, Cypress Hill and P. Diddy.

Rocksteady took Over Orange Street, Jamaica around 1966, the same time that an extreme heatwave hit the Jamaican island. Some say the previous jerky Ska Rhythms proved too strenuous of an activity to partake in, during the all night Sound System sessions .So it proved a winning formula to slow the beat down to a more leisurely pace.

Whatever the reasons were this two year period that ran until 1968, would see some of the power escape from the big three producers, Clement ‘Coxone’ Dodd, Prince Buster and Duke Reid, who up until this period had ruled the airwaves .It was time to make room for a new wave of up and coming producers that also had something to offer the people. Such names as Joel Gibson ( Joe Gibbs ), Sonia Pottinger, Derrick Harriott and most prolific of them all Mr Bunny Lee.

These new names would unleash some fine music in what would be a short lived chapter in the ever changing and moving beat that is reggae’s history. We have compiled some of the biggest hits from the Rocksteady period, alongside some lesser known cuts we believe deserve to be re-evaluated. Rocksteady was an inspirational and somewhat over looked sound that provided us with some outstanding music. So sit back and enjoy some Rocksteady straight from the dances of Jamaica.

Bonded over the struggles of the pandemic and a mutual love for Motown, Soul and Afrobeat, Denmark"s renowned outlet for jazz, April Records proudly presents "Moko Jumbie", the debut by it"s latest outfit "A Plane To Catch". The vibrant Danish jazz scene came to a crashing halt along with the rest of the world in early 2020, and a tight-knit community of up-and-coming musicians were thrust into a void, robbed of the largest part of their livelihood and joy, live performance. Gathering in a graffiti-smudged artist"s space in an old industrial facility in Copenhagen"s outskirts, they created a space for themselves to improvise in a funky, groove-based setting. What came out was an expression of longing for all that was lost during the pandemic - a musical antidote to the loss of fun, joy, community, movement, travel and youthful abandon that the pandemic had temporarily put a halt to. Exploring the rich exchange between West African musical traditions and Western funk and soul, this is music meant for dancing, transporting the listener to dance floors both real and imagined. Featuring warm, raw production the record creates a real sense of energy and intimacy, as if the listener is in a dark club with an electric jam band. Through the eight compositions the quintet joyfully navigates familiar harmonic clichés from 70"s soul tunes, a variety of infectious toe-tapping grooves, playful improvisations and melodic duo horn arranging. Explorations of darker tonalites popularied be Ethio-Jazz legend Mulatu Astatke provide a welcome departure through harmonic contrast and propulsive polyrhythmic groove. The title "Moko Jumbie" derives from a mythical character in Afro-Caribbean folklore. During carnival season masked Moko Jumbies can be seen dancing on stilts in colorful garments, towering over the crowds. Part gods, part healers, part ghosts, and most importantly: moving expressions of freedom and the perfect mascot for this celebratory album.

2023 Repress

Les Disques de culte are back with a new exploration of the original soundtracks of the golden age of French X-rated films, the cult movie La Femme-objet, which has never been released before (neither on LP or any other format). A tribute to pleasure, composed by Jean-Claude Nachon, who at the dawn of the eighties was using without any restrains all the arsenal of the pioneers of the "electro-porn" to enhance the prodigious performance of Marilyn Jess. Languorous and effective beats, between psychedelic reggae, synth-pop and electro-orgasmics take-offs, gathered in this intimate selection to listen alone or accompanied…
Fully restored the audio tracks from original material. Inside, in a gatefold, you'll find a copy of a rare vintage italian X-rated comics (translated in english) starring Marilyn Jess and la Cicciolina, so that you can get busy with your hands while listening to your LP.

Lendas is the Brazilian guitarist Fabiano do Nascimento’s fifth album for Now-Again Records. Like his previous albums Prelúdio and Ykytu, Lendas features do Nascimento’s compositions, this time with orchestral arrangements by Vittor Santos and also special participation by Arthur Verocai. Vittor Santos is a composer, arranger, trombonist and music producer from Rio de Janeiro, who has worked in Brazilian music for over thirty years. Do Nascimento and Santos met in Rio in 2017 during the recording of Do Nascimento’s hero, and 70s and 80s Brasilian guitar catalyst Carioca Freitas album Aquarelas. The two bonded over a mutual appreciation for Do Nascimento’s uncle Lúcio and the Bossa Nova star Leny Andrade, both of whom largely influenced Do Nascimento’s musical foundation. In Santos, Do Nascimento found an arranger who was sensitive enough in his orchestrations that he could create an orchestral dialogue between stacks of strings and Do Nascimento’s plaintive plucking. It was only natural to invite the highest regarded, now legendary, 1970s Brasilian arranger, Arthur Verocai, to contribute. Verocai, who had worked with Do Nascimento on his forays in Los Angeles, was pleased to participate. In this way, the circle of old and new, so crucial in Do Nascimento’s work, comes together and flows outwards. “Lendas” translates from Portuguese as "legends,” but the literal translation itself doesn’t describe this album. With Lendas, Do Nascimento recalls memories from places that no longer exist; from fever dreams in the Amazon; from parts of the world we might never see or engage, but can imagine through music. Fabiano Do Nascimento’s Brazilian guitar meets a full orchestra arranged by Vittor Santos and with special participation by Arthur Verocai and his string quartet. Lush yet lively, standing alongside Jorge Ben’s work with Verocai, and Tom Jobim and Baden Powell’s work with Vinicius de Moraes..

Anfang 2021 standen die Bandmitglieder von Lankum hoch über Dublin, den Winden der irischen Ostküste zugewandt, mit einem wundervollen Blick auf die Stadt, in der sie über 10 Jahre lang gemeinsam Musik gemacht hatten und dennoch spürten sie ein Gefühl der Unverbundenheit. Sie hatten die Stadt noch nie aus diesem Blickwinkel betrachtet, da sie immer fest in ihr verwurzelt waren und die Schönheit von Dublin immer aus dem Blickwinkel ihres Alltags sahen. Der kleine Perspektivwechsel half der Band bei den Aufnahmen in den Hellfire-Studios, wo sie nach der langen Stille der Pandemie begierig mit den Aufnahmen zu ihrem vierten Studioalbum "False Lankum" begannen. Wer jemals bei einem Lankum-Gig war, kennt die Energie, die diese Band erzeugen kann. Der unverwechselbare Drone-Sound, der sich durch ihre Arbeit zieht, wie bei ihren bekanntesten Stücken "The Wild Rover" (von "The Livelong Day", 2019) und "What Will We Do When We Have No Money" ("Between the Earth and Sky", 2017) hat die Kraft, einem den Boden unter den Füssen wegzuziehen und erzeugt dabei einen einmaligen Klang. "The Livelong Day" war das Album, mit dem Lankum aus der Schublade der "irisch traditionellen" oder "Folk"-Musik herausbrachen. Es ebnete ihnen den Weg zu medialem wie kommerziellem Erfolg, der ihnen 2019 den RTE Choice Music Prize einbrachte und dazu führte, dass sich ihre Shows in der traditionsreichen Konzerthalle Vicar Street in Dublin in nur 20 Minuten ausverkauften. Die neue Musik bringt auch neue Stimmen und so ist es das erste Mal, dass Cormac Dermody einen kompletten Song auf einem Lankum-Album singt. In Kombination mit seiner besonderen Tonlage erzeugt er eine poetische Kraft, die den Sound von Lankum bereichert. Mit "False Lankum" bewegt sich die Bands ins Unbekannte, ein Album getrieben von der wilden und oftmals seltsamen Schönheit des Schmerzes und der Freude, von Himmel und Hölle. Es ist gleichermaßen ein Album der Widersprüche und des Einklangs und sicherlich eine der spannendsten Produktionen, die in letzter Zeit aus Irland kamen. Nur wer mutig wagt, wird Herzen gewinnen - "False Lankum" ist der Schlüssel dazu.

Die 2004 in York gegründete Band Deitus erschafft klanglichen Terror und setzt dem Black Metal keine Grenzen oder Kompromisse. Die Band hat bis heute zwei hochgelobte Studioalben veröffentlicht ('Acta Non Verba' - 2016 & 'Via Dolorosa' - 2018). Die Kernbesetzung der Band ist seit ihrer Gründung eine stabile 3-köpfige Besetzung geblieben, die sich von Künstlern wie Dissection, Slayer, GG Allin, Fields of the Nephilim und Bathory inspirieren lässt.

Deitus sind berüchtigt für ihre blutgetränkten, rasenden und gewalttätigen Liveshows in Großbritannien, Europa, den Vereinigten Staaten und Mexiko. Sie wurden hoch gelobt, weil sie ein unvorhersehbares und gefährliches Element zurück in die Live-Szene gebracht haben und neben angesehenen Bands wie Mayhem, Shining, Hellhammer und Rotting Christ spielen durften.

Die Band hat vor kurzem ihr drittes Album 'Irreversible' fertiggestellt, das 2023 über Candlelight Records veröffentlicht wird und die düstere und bösartige Kunst von Deitus einem noch breiteren Publikum zugänglich machen wird. 'Irreversible' wird Deitus als Meister ihres Fachs festigen. Die neue Ära von Deitus hat begonnen.

Walter “JUNIE” Morrison was a former member of the OHIO PLAYERS and responsible for writing and arranging their early 1970s hit singles “Pain”, “Pleasure”, “Ecstasy” and most notably, the group’s first Billboard R&B Number One “Funky Worm”. In 1978 he joined George Clinton’s Funk Mob PARLIAMENT FUNKADELIC and, as their musical director, played a key role during the creation of the hit albums “One Nation Under A Groove”, “Motor Booty Affair”, “Gloryhallastoopid” and their R&B Number Ones, “One Nation Under A Groove” and "(Not Just) Knee Deep". In between acts he released three solo albums for Westbound Records that showcased his unique take on the funk. “The Funky Worm – Live at Dooley’s 1976” is a one of kind live recording from his mid-70s Westbound solo period that was only recently discovered.

Regrooved Records is proud to present the very first live album of funk icon JUNIE MORRISON.

DONNA SUMMER gained prominence during the 1970s disco
era, propelled by her incessant and creative driving force
behind the genre’s global popularity, rightly earning the title
“Queen Of Disco” and becoming one of the most
successful recording artists of the entire decade, now
having sold more than 130 Million records worldwide

Donna’s ‘80s close-out album was 1989’s ‘ANOTHER PLACE AND TIME’, which paired her with multi-hit making,
multi-million-selling UK producers Stock Aitken Waterman. The album is widely regarded as the best album they
produced, and which was heavily featured in the recent two-part TV documentary Stock Aitken Waterman:
Legends of Pop.
• The album’s lead single ‘This Time I Know It’s For Real’ was an uplifting, club floorfiller and radio-friendly hit,
peaking at #3 in the UK (#7 on the US Billboard Hot 100), giving Donna her highest charting solo single for more
than a decade.
• Four further singles were released from the album including the two Top 20 hits, ‘I Don’t Wanna Get Hurt’ and
‘Love’s About To Change My Heart’, giving Donna back-to-back UK Top 10 hits for the first time since 1977, as
well as remixed versions of ‘When Love Takes Over You’ and ‘Breakaway’.
• This special Picture Disc edition has a zoetrope effect on Side 2 that incorporates elements from the ‘This Time I
Know It’s For Real’ promo video and which gives a continuous dancing effect. It is best experienced using a
smartphone running a third party stroboscope app.

Supermodels ist eine Platte, in der man sich selbst wiedererkennen kann, egal wie alt man ist oder wo man steht. Clauds fesselndes und ergreifendes zweites Album ist ein selbstbewusstes Tagebuch über das Quecksilber des Lebens und der Liebe in den frühen 20ern, ob es nun die Selbstzweifel sind, die sich durch die Songs schleichen, oder der Ort des Kompromisses, den sie zu finden versuchen. Es ist eine exakte Karte der emotionalen und logistischen Wechselfälle, denen sie in ihren frühen 20ern begegnet sind. Risse in Romanzen und Freundschaften, der Druck der Plattenkarriere, die Verluste des Erwachsenwerdens: Jeder dieser 13 Songs ist ein weiterer artikulierter Tagebucheintrag, der ohne Rücksicht auf das Genre und mit der Achterbahn der Gefühle zusammengefügt wurde, die jedem Stück eine so spezifische Schwere verleiht. Für Claud sind dies vertraute Themen, die zum Teil das gleiche Terrain abdecken wie Super Monster von 2021. Aber die Ideen haben ein neues Selbstvertrauen, das sich in Strukturen und Hooks ausdrückt, die nicht zweideutig sind, wenn sie sich von stirnrunzelndem Folk über ungestümen Pop bis hin zu verdrehten Klavierkuriositäten bewegen. Während Supermodels größtenteils im Schlafzimmer ihrer Kindheit entstanden ist, wurde dieses Album an einem eigenen Ort aufgenommen und von einem Team von Vertrauten und Mitarbeitern zu prächtigen Produktionen ausgebaut. Supermodels hat seinen Namen aus dem Albumsong „Screwdriver“. „You caught me looking at photographs of supermodels“, singen sie, wobei sich ihre Stimme langsam über die elegische Zeile erhebt, die auf dem kaputten Klavier geschrieben wurde. "Trying not to cry when I look back at myself". Es ist ein erschütternder Moment, eine Erinnerung daran, wie wir alle daran arbeiten, uns nicht mehr als minderwertig und nicht gleichwertig zu sehen, um ein Dutzend verschiedener Unsicherheiten zu überwinden, die wir in den tiefsten Nischen unserer Fassade zu speichern versuchen. Aber Claud verbirgt bei Supermodels nichts. Es sind Kerne der Verzweiflung, der Erlösung und letztlich der Einsicht, die uns daran erinnern, dass wir weder die Ersten noch die Letzten sind, die sich diesem Blues stellen und weitermachen.

Supermodels ist eine Platte, in der man sich selbst wiedererkennen kann, egal wie alt man ist oder wo man steht. Clauds fesselndes und ergreifendes zweites Album ist ein selbstbewusstes Tagebuch über das Quecksilber des Lebens und der Liebe in den frühen 20ern, ob es nun die Selbstzweifel sind, die sich durch die Songs schleichen, oder der Ort des Kompromisses, den sie zu finden versuchen. Es ist eine exakte Karte der emotionalen und logistischen Wechselfälle, denen sie in ihren frühen 20ern begegnet sind. Risse in Romanzen und Freundschaften, der Druck der Plattenkarriere, die Verluste des Erwachsenwerdens: Jeder dieser 13 Songs ist ein weiterer artikulierter Tagebucheintrag, der ohne Rücksicht auf das Genre und mit der Achterbahn der Gefühle zusammengefügt wurde, die jedem Stück eine so spezifische Schwere verleiht. Für Claud sind dies vertraute Themen, die zum Teil das gleiche Terrain abdecken wie Super Monster von 2021. Aber die Ideen haben ein neues Selbstvertrauen, das sich in Strukturen und Hooks ausdrückt, die nicht zweideutig sind, wenn sie sich von stirnrunzelndem Folk über ungestümen Pop bis hin zu verdrehten Klavierkuriositäten bewegen. Während Supermodels größtenteils im Schlafzimmer ihrer Kindheit entstanden ist, wurde dieses Album an einem eigenen Ort aufgenommen und von einem Team von Vertrauten und Mitarbeitern zu prächtigen Produktionen ausgebaut. Supermodels hat seinen Namen aus dem Albumsong „Screwdriver“. „You caught me looking at photographs of supermodels“, singen sie, wobei sich ihre Stimme langsam über die elegische Zeile erhebt, die auf dem kaputten Klavier geschrieben wurde. "Trying not to cry when I look back at myself". Es ist ein erschütternder Moment, eine Erinnerung daran, wie wir alle daran arbeiten, uns nicht mehr als minderwertig und nicht gleichwertig zu sehen, um ein Dutzend verschiedener Unsicherheiten zu überwinden, die wir in den tiefsten Nischen unserer Fassade zu speichern versuchen. Aber Claud verbirgt bei Supermodels nichts. Es sind Kerne der Verzweiflung, der Erlösung und letztlich der Einsicht, die uns daran erinnern, dass wir weder die Ersten noch die Letzten sind, die sich diesem Blues stellen und weitermachen.

Supermodels ist eine Platte, in der man sich selbst wiedererkennen kann, egal wie alt man ist oder wo man steht. Clauds fesselndes und ergreifendes zweites Album ist ein selbstbewusstes Tagebuch über das Quecksilber des Lebens und der Liebe in den frühen 20ern, ob es nun die Selbstzweifel sind, die sich durch die Songs schleichen, oder der Ort des Kompromisses, den sie zu finden versuchen. Es ist eine exakte Karte der emotionalen und logistischen Wechselfälle, denen sie in ihren frühen 20ern begegnet sind. Risse in Romanzen und Freundschaften, der Druck der Plattenkarriere, die Verluste des Erwachsenwerdens: Jeder dieser 13 Songs ist ein weiterer artikulierter Tagebucheintrag, der ohne Rücksicht auf das Genre und mit der Achterbahn der Gefühle zusammengefügt wurde, die jedem Stück eine so spezifische Schwere verleiht. Für Claud sind dies vertraute Themen, die zum Teil das gleiche Terrain abdecken wie Super Monster von 2021. Aber die Ideen haben ein neues Selbstvertrauen, das sich in Strukturen und Hooks ausdrückt, die nicht zweideutig sind, wenn sie sich von stirnrunzelndem Folk über ungestümen Pop bis hin zu verdrehten Klavierkuriositäten bewegen. Während Supermodels größtenteils im Schlafzimmer ihrer Kindheit entstanden ist, wurde dieses Album an einem eigenen Ort aufgenommen und von einem Team von Vertrauten und Mitarbeitern zu prächtigen Produktionen ausgebaut. Supermodels hat seinen Namen aus dem Albumsong „Screwdriver“. „You caught me looking at photographs of supermodels“, singen sie, wobei sich ihre Stimme langsam über die elegische Zeile erhebt, die auf dem kaputten Klavier geschrieben wurde. "Trying not to cry when I look back at myself". Es ist ein erschütternder Moment, eine Erinnerung daran, wie wir alle daran arbeiten, uns nicht mehr als minderwertig und nicht gleichwertig zu sehen, um ein Dutzend verschiedener Unsicherheiten zu überwinden, die wir in den tiefsten Nischen unserer Fassade zu speichern versuchen. Aber Claud verbirgt bei Supermodels nichts. Es sind Kerne der Verzweiflung, der Erlösung und letztlich der Einsicht, die uns daran erinnern, dass wir weder die Ersten noch die Letzten sind, die sich diesem Blues stellen und weitermachen.

Als SOUNDGARDEN gegen Ende des 20. Jahrhunderts ins Rampenlicht traten, war die Band aus Seattle ebenso authentisch, heavy wie völlig unbeeindruckt von allem, was damals als angesagt und cool galt. Ihr kraftvoller Sound, erhabene Melodien und punkige Attitüde ließen die Amerikaner zu idealen Vorreitern des Grunge werden. Als diese Welle abflaute, gelang es SOUNGARDEN durch überragende Musikalität und intelligentes Songwriting die Ära des Grunge zu überdauern und sich auch international an der Spitze zu halten. Ihr ikonisches Album "Superunknown" war nicht nur ihr kommerziell erfolgreichstes Werk, das SOUNGARDEN weltweit zu Megastars werden ließ, sondern es enthält auch die eingängigsten, bedeutendsten und härtesten Songs, die diese Band je geschrieben hat. Auf "Superunknown Redux" spielt eine handverlesene Auswahl der lauteste, coolsten und vielseitigsten Bands der heutigen Rock- und Metal-Szene alle fünfzehn Tracks dieses bahnbrechenden SOUNDGARDEN-Albums in fesselnden eigenen Interpretationen neu ein. Wie bei den Redux-Alben üblich, erscheint auch parallel zu "Superunknown Redux" ein Begleitalbum unter dem Titel "Best of Soundgarden". Dieses enthält weitere 15 von diversen Interpreten neu aufgenommene Klassiker aus dem umfangreichen Repertoire der Grunge-Götter. Die Magnetic Eye Redux- Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMMY HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS und AC/DCs "Back in Black" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt. Mit "Superunknown Redux" zollen Magnetic Eye Records und zahlreiche musikalische Freunde der Legende aus Seattle den gebührenden Respekt und laden mit faszinierenden neuen SOUNDGARDEN-Interpretationen zum siebten Streifzug ins Redux-Territorium ein.

Als SOUNDGARDEN gegen Ende des 20. Jahrhunderts ins Rampenlicht traten, war die Band aus Seattle ebenso authentisch, heavy wie völlig unbeeindruckt von allem, was damals als angesagt und cool galt. Ihr kraftvoller Sound, erhabene Melodien und punkige Attitüde ließen die Amerikaner zu idealen Vorreitern des Grunge werden. Als diese Welle abflaute, gelang es SOUNGARDEN durch überragende Musikalität und intelligentes Songwriting die Ära des Grunge zu überdauern und sich auch international an der Spitze zu halten. Ihr ikonisches Album "Superunknown" war nicht nur ihr kommerziell erfolgreichstes Werk, das SOUNGARDEN weltweit zu Megastars werden ließ, sondern es enthält auch die eingängigsten, bedeutendsten und härtesten Songs, die diese Band je geschrieben hat. Auf "Superunknown Redux" spielt eine handverlesene Auswahl der lauteste, coolsten und vielseitigsten Bands der heutigen Rock- und Metal-Szene alle fünfzehn Tracks dieses bahnbrechenden SOUNDGARDEN-Albums in fesselnden eigenen Interpretationen neu ein. Wie bei den Redux-Alben üblich, erscheint auch parallel zu "Superunknown Redux" ein Begleitalbum unter dem Titel "Best of Soundgarden". Dieses enthält weitere 15 von diversen Interpreten neu aufgenommene Klassiker aus dem umfangreichen Repertoire der Grunge-Götter. Die Magnetic Eye Redux- Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMMY HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS und AC/DCs "Back in Black" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt. Mit "Superunknown Redux" zollen Magnetic Eye Records und zahlreiche musikalische Freunde der Legende aus Seattle den gebührenden Respekt und laden mit faszinierenden neuen SOUNDGARDEN-Interpretationen zum siebten Streifzug ins Redux-Territorium ein.

"Best of Soundgarden Redux" ist das bereits traditionelle Begleitalbum zu den Werken der Redux-Reihe. Es ergänzt "Superunknown Redux" mit 15 weiteren Coverversionen klassischer Titel aus dem umfangreichen Repertoire der Grunge-Götter, die von ebenso vielen spannenden Interpreten aufgenommen wurden.
Als SOUNDGARDEN gegen Ende des 20. Jahrhunderts ins Rampenlicht traten, war die Band aus Seattle ebenso authentisch, heavy wie völlig unbeeindruckt von allem, was damals als angesagt und cool galt. Ihr kraftvoller Sound, erhabene Melodien und punkige Attitüde ließen die Amerikaner zu idealen Vorreitern des Grunge werden. Als diese Welle abflaute, gelang es SOUNDGARDEN durch überragende Musikalität und intelligentes Songwriting die Ära des Grunge zu überdauern und sich auch international an der Spitze zu halten.
Ihr ikonisches Album "Superunknown" war nicht nur das kommerziell erfolgreichste Werk, welches SOUNDGARDEN weltweit zu Megastars werden ließ, sondern es enthält auch die eingängigsten, bedeutendsten und härtesten Songs, die diese Band je geschrieben hat.
Auf "Superunknown Redux" spielt eine handverlesene Auswahl der lautesten, coolsten und vielseitigsten Bands der heutigen Rock- und Metal-Szene alle fünfzehn Tracks dieses bahnbrechenden SOUNDGARDEN-Albums in fesselnden eigenen Interpretationen neu ein.
Die Magnetic Eye Redux- Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMMY HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS und AC/DCs "Back in Black" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt.
Mit weiteren SOUNDGARDEN-Klassikern des Begleitalbums "Best of Soundgarden Redux" vergrößern Magnetic Eye Records gemeinsam mit fünfzehn Freunden das enorme Vergnügen von "Superunknown Redux", welches dem ikonischen Album der Legenden aus Seattle den gebührenden Tribut zollt.

"Best of Soundgarden Redux" ist das bereits traditionelle Begleitalbum zu den Werken der Redux-Reihe. Es ergänzt "Superunknown Redux" mit 15 weiteren Coverversionen klassischer Titel aus dem umfangreichen Repertoire der Grunge-Götter, die von ebenso vielen spannenden Interpreten aufgenommen wurden.
Als SOUNDGARDEN gegen Ende des 20. Jahrhunderts ins Rampenlicht traten, war die Band aus Seattle ebenso authentisch, heavy wie völlig unbeeindruckt von allem, was damals als angesagt und cool galt. Ihr kraftvoller Sound, erhabene Melodien und punkige Attitüde ließen die Amerikaner zu idealen Vorreitern des Grunge werden. Als diese Welle abflaute, gelang es SOUNDGARDEN durch überragende Musikalität und intelligentes Songwriting die Ära des Grunge zu überdauern und sich auch international an der Spitze zu halten.
Ihr ikonisches Album "Superunknown" war nicht nur das kommerziell erfolgreichste Werk, welches SOUNDGARDEN weltweit zu Megastars werden ließ, sondern es enthält auch die eingängigsten, bedeutendsten und härtesten Songs, die diese Band je geschrieben hat.
Auf "Superunknown Redux" spielt eine handverlesene Auswahl der lautesten, coolsten und vielseitigsten Bands der heutigen Rock- und Metal-Szene alle fünfzehn Tracks dieses bahnbrechenden SOUNDGARDEN-Albums in fesselnden eigenen Interpretationen neu ein.
Die Magnetic Eye Redux- Reihe lässt ausgewählte Künstler handverlesene klassische Alben aus der Geschichte des Rock und Metal komplett neu interpretieren und respektvoll in das neue Jahrtausend übertragen. Bisher hat das Label solche Meilensteine wie PINK FLOYDs "The Wall", HELMETs "Meantime", BLACK SABBATHs "Vol. 4", JIMMY HENDRIX' "Electric Ladyland", "Dirt" von ALICE IN CHAINS und AC/DCs "Back in Black" in Redux-Versionen veröffentlicht. Unter vielen anderen haben sich solch herausragende Künstler wie MATT PIKE, PALLBEARER, THE MELVINS, ALL THEM WITCHES, KHEMMIS, ASG, ZAKK WYLDE, MARK LANEGAN, SCOTT REEDER an diversen Redux-Projekten beteiligt.
Mit weiteren SOUNDGARDEN-Klassikern des Begleitalbums "Best of Soundgarden Redux" vergrößern Magnetic Eye Records gemeinsam mit fünfzehn Freunden das enorme Vergnügen von "Superunknown Redux", welches dem ikonischen Album der Legenden aus Seattle den gebührenden Tribut zollt.

In the late 70s/early 80s, songwriter Wim van der Stelt composed an instrumental track that he later recorded during leftover studio time after a long recording session as a studio musician.

A special and strange piece of music that is difficult to name precisely in terms of style. You could think of it as a piece of soundtrack or library music, but it's not quite that either. It's just a beautifully written tune that hooks you as a listener. The melody sticks with – and grows on – you. He eventually sold the song for a flat fee and lost track of what had happened with it. In 1982 it was released as a 7” single on the Dutch record label "Friends Records".

For the A-side, the instrumental version was supplemented with English/French vocals and this version was entitled ‘Qui, Mon Amour’. Van der Stelt knew nothing about it until recently, and he has no idea who the singer is, who produced the vocal version or why the name Anoux was used. His original first recorded instrumental ended up on the B-side of this single and was titled 'The Unknown Song'. After the record was released, it failed to chart and was quickly forgotten. Until now! Regrooved is re-releasing the 7” with the original instrumental version as the a-side and the vocal on the back. Hopefully this great song with its melancholy melody now reaches the audience it deserves.
(The original release is credited under the name of the composer, his then-wife, B. Onderstal - for love reasons.)

From the trademark melancholy tone of Scandinavian Jazz, to cinematic synth textures and propulsive programmed drum machines, Danish quintet "Andorra" embodies the melting-pot spirit of jazz. Their sophomore album "Current", set to release March 23rd on April Records, brings a hard-hitting indie-rock-esque attitude to a sound which is bold, fresh, and full of twists. Jazz"s ability to evolve, grow, and remain relevant over the past century is arguably due to its capacity to transcend genre and classification. Andorra"s 2021 debut (conceived and recorded during covid) re-united five musicians who met at the Funen Music Conservatory in Denmark and work in a range of areas, from film music and orchestral, to large ensembles and chamber jazz. With their long-held desire to explore their creative potential together finally launched, "Currents" shows them diving deeper into their self described "modern vintage" sound. Distorted guitar riffs, modern effects processing, warm soaring trumpet melodies and deep grooves carry the listener through an exciting journey that pays homage to their roots whilst pushing confidently into the future. With a focus on lyrical melodies, the record features intricate compositions, open passages of ethereal texture, and virtuosic, interactive improvisations from all corners of the ensemble. Each member of the quintet is a highly active member of Denmark"s vibrant music scene; Mads La Cour is an award-winning horn player who runs his own band Almugi and plays in the DR Big Band; Morten Jorgensen plays with The White Album and Soren Huss; Nikolaj Bundvig has played for Alex Canasta and Blue Foundation; Simon Krebs has recorded with the likes of Tomasz Dabrowski; and Peter Kohlmetz Moller"s diverse back catalogue includes compositions for Den-mark Radio"s documentary department, and multiple theatre productions.

Exclusive 7" EP featuring 2 previously unreleased tracks, ltd. to 1.000 copies ww Both tracks were recorded during the 'No Trail and Other Unholy Paths' recording session in 2017. Dean Hurley (David Lynch's sound design assistant) mixed the songs. ,As much as we loved how the songs came out, they did not make the cut for the album because of their slightly more uplifting nature", says Evan Patterson aka JAYE JAYLE. ,The 'No Trail...' album was meant to carry brooding mood. 'Soline' and 'We Stormed' both have a similar theme to the forth coming album 'Don't Let Your Love Life Get You Down'. That similar theme is Love!" Evan Patterson created an ever-evolving solo project under the moniker of Jaye Jayle that explored the more abstract realms of the American singer-songwriter process.