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Natalia Lafourcade - De Todas Las Flores (2x12")
  • A1: Vine Solita
  • A2: De Todas Las Flores
  • A3: Pasan Los Días
  • B1: Llévame Viento
  • B2: El Lugar Correcto
  • B3: Pajarito Colibrí
  • C1: María La Curandera
  • C2: Caminar Bonito
  • C3: Mi Manera De Querer
  • D1: Muerte
  • D2: Canta La Arena
  • D3: Que Te Vaya Bonito Nicolás

With the release of De Todas las Flores, Natalia Lafourcade returned with an album of entirely original material for the first time in seven years.

Musically, De Todas las Flores, dives into a wide variety of Latin jazz and folk genres, such as bolero, cumbia, bossa nova, and samba. Lafourcade describes the album as her musical diary, exploring themes of heartbreak, loss, and grief. She drew inspiration from nature, particularly her home garden in Xalapa, Veracruz.

Lafourcade enlisted the help of her former neighbour, Adán Jodorowsky, for production. The musical touch came from musicians such as the guitarist Marc Ribot (Tom Waits, John Zorn) and the bassist Sebastian Steinberg (Soul Coughing, Eddie Vedder, Fiona Apple).

De Todas las Flores is available as a limited edition of 2000 individually numbered copies on transparent vinyl and includes an insert and printed inner sleeves.

vorbestellen29.05.2026

erscheint voraussichtlich am 29.05.2026

David Edren, H. Takahashi - Flow

The union of Antwerp synthesist David Edren and Tokyo minimalist Hiroki Takahashi is a fit so natural as to feel preordained. Both traffic in subtle shades of contemplative electronics, marked by patience, space, and poetic restraint. And both have rich histories of curation and collaboration – Edren in the duo Spirit & Form alongside Bent Von Bent, and Takahashi as proprietor of the Kankyō record shop, as well as one fourth of cosmic ambient quartet UNKNOWN ME. Mutual fans of one another’s work, they began sharing stems in the latter half of 2020, which slowly blossomed into a collection of multi-hued compositions inspired by notions of connectivity and impermanence, translated for east and west: Flow | 流れ.

Opener “Dusk Decorum | 黄昏 礼節” maps the mood of what’s to come, elegantly pirouetting and percolating through an expanding vista of looming stars and half-light horizons. Takahashi describes Edren’s arrangements as evoking “a strange feel, something we haven't heard much of before.” The sensation is one of “in-betweenness,” a restless current whispering beneath the beauty, like seasons seen in time-lapse footage: flickering but infinite, transience turned permanent. Takahashi’s signature sculpture garden tones plot spiral patterns over which Edren cascades dazzling pointillist synthesizer coloration. The pieces veer between delicate and dilated, micro and macro, their aperture forever softly in flux.

From the oscillating orchestral lullaby of “Stalactime | 鍾乳石時計” to the sweeping, sparkling dream sequence closer, “Shift Register | シフトレジスタ,” the album achieves the elusive goal of being more than the sum of its parts. This is music of rare air, elevated and amorphous, shimmering just out of reach. Though Edren and Takahashi have yet to cohabitate the same room in person (a fact that should be rectified soon by an astute festival booker), their palettes and poise are perfectly paired, twin fragilities woven into seven radiant and regenerative vibrational states. The cover design of a beatific, beaded leaf rippling on the surface of a hidden pond aptly captures the record’s muted majesty. Takahashi’s quiet pride is justified: “We are very happy with this time-consuming and carefully crafted work.”

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Stephen Vitiello with Brendan Canty and Hahn Rowe - Second

When you’re running a label, a demo occasionally comes across your desk that makes you reconsider everything you thought your label was all about. For Balmat, such was the case with this stunning album from Stephen Vitiello, Brendan Canty, and Hahn Rowe. It sounds like nothing we’ve released so far—and that very otherness opened up a whole new world of possibilities for us.

Fans of ambient, experimental electronic music, and sound art will be familiar with Vitiello, a New York native, long based in Virginia, who has collaborated with a cross-generational list of greats: Taylor Deupree, Steve Roden, Lawrence English, Tetsu Inoue, Nam June Paik, Ryuichi Sakamoto, Pauline Oliveros, and many more. On labels like 12k, Room40, and Sub Rosa, he has explored a wide range of minimalism, microsound, lowercase, ambient, improv, and other styles. But this album is something different. It may begin in ambient-adjacent territory, but it quickly veers off, and it just keeps zigzagging, taking on elements of krautrock, post-punk, dub, and the groove-heavy interplay of groups like Natural Information Society and 75 Dollar Bill.

This stylistic turn is thanks in large part to Vitiello’s choice of collaborators. “We’re coming from three different schools,” Vitiello says: “sound art, art rock, and punk rock.”

Active since the early 1980s, Rowe—a violinist, guitarist, and producer/engineer—has played with, or manned the boards for, a frankly jaw-dropping list of musicians: Herbie Hancock, Gil Scott-Heron, the Last Poets, Roy Ayers, John Zorn, Glenn Branca, Swans, Live Skull, Brian Eno, David Byrne, Anohni, R.E.M., Yoko Ono, and many more. But he might be most closely associated with Hugo Largo, a one-of-a-kind New York quartet—two basses, vocals, and Rowe’s violin—that in the late 1980s helped lay the groundwork for what would eventually become known as post-rock.

Canty, of course, is the legendary drummer of Fugazi, the visionary DC post-hardcore group, as well as Rites of Spring before them, and, currently, the Messthetics, a Dischord-signed instrumental trio with guitarist Anthony Pirog and Fugazi bassist Joe Lally.

Vitiello’s trio first collaborated on First, a 17-minute piece released on the Longform Editions label in 2023. Second picks up where the freeform drift of First left off, channeling the trio’s exploratory energies into more intentionally structured tracks and—in a real first for Balmat—some almost shockingly muscular grooves. “Sometimes my projects are more conceptually driven,” Vitiello says, “but I think this was more musically geared. I just wanted to open up the references and bring in an incredible drummer, bring in some melodies, and I’m sort of the center.” But his collaborators, he stresses, are “vastly creative in making anything I might suggest better.”

Like its predecessor, Second took shape in phases, shifting between improvisation and collage. Vitiello laid down the skeleton of the music at home, sketching out initial ideas on Rhodes keyboard and acoustic and electric guitar; he then fed the parts through samplers and his modular system, recording 10- or 20-minute jams. Once he had edited them into more structured forms, he hit the studio with Canty, who added not just drums but also bass and piano; finally, Vitiello took the results of those sessions to Rowe, who played violin, viola, electric bass, and 12-string acoustic and bowed electric guitar, and assisted in some of the final structuring and mixdown.

A few more surprises along the way: Reanimator’s Don Godwin, the studio engineer where Vitiello recorded with Canty, contributed what he calls “resonant dustpan”; and none other than Animal Collective’s Geologist, who just happened to be in the studio that day, sits in on hurdy gurdy on “Mrphgtrs1,” the album’s gorgeous, stunningly atmospheric drone closer. “I love these chance encounters,” Vitiello says. “Somebody I admire, a group I admire—that was an unexpected gift.”

An unexpected gift is a great way of describing Second as a whole: three veteran musicians venturing outside their usual zones and finding a new collaborative language together. The results can’t be neatly slotted into any given genre; they belong not to any given category, but to the spirit of conversation itself.

Auf Lager

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Mary Halvorson - Cloudward LP

Mary Halvorson

Cloudward LP

12inch0075597902334
Nonesuch
28.01.2025

‘One of the finest jazz guitarists of her generation, Halvorson is possessed of a questing, restless spirit.’ – Jazzwise

‘With an album of string quartet music as strong as this one, she is worthy of as much renown in the classical field as she holds in the jazz community.’ – New York Times

‘One of America’s finest guitarists. Halvorson’s musicianship is open-minded, demanding and richly engaging.’ – Uncut

Nonesuch Records releases Cloudward by Brooklyn-based guitarist, composer, and MacArthur fellow Mary Halvorson on January 19. The album features eight new compositions by Halvorson, performed with her sextet Amaryllis, the improvisatory band that performed on her critically praised 2022 albums Amaryllis and Belladonna comprising Halvorson, Patricia Brennan (vibraphone), Nick Dunston (bass), Tomas Fujiwara (drums), Jacob Garchik (trombone), and Adam O’Farrill (trumpet). Labelmate Laurie Anderson also is featured on the album track ‘Incarnadine’. Halvorson and Amaryllis will tour internationally following the release of the new album, including January dates in Europe, as well as at the Big Ears Festival as part of Nonesuch’s 60th anniversary celebration.

Halvorson says, “All of the music on Amaryllis was written in 2020, during the thick of the pandemic, in one of the more bizarre time periods I’ve experienced in my life. While composing for Amaryllis, I expanded upon certain musical concepts I’d developed in my life up until that point—the ones that felt fruitful—and left others behind, hitting the reset button and attempting to build from scratch. Two years later, after the release of the first album, I was still writing music for Amaryllis.

“All the music on Cloudward was written in 2022, mostly in the fall and winter, when things started moving forward. Life felt like a creaky machine starting up again,” she continues. “Air travel, however chaotic, had resumed, and we were once again cloudward. Performances and tours and recordings were happening after a long hiatus and with a renewed sense of gratitude. This band, for me, was quite simply working, both musically and personally, and the main thing I felt while writing the music was optimism.”

The Guardian said Halvorson’s 2022 double release “shows how far this single-minded original has come, and affords a glimpse of how far she may go. Both sessions confirm how years of jaggedly lyrical solo and ensemble improvising and a quirkily subversive affection for mainstream music have now nurtured a composer of unpredictable but warmly expressive character… These are new landmarks in Halvorson’s already inimitable discography.” Pitchfork said, “Amaryllis and Belladonna are distinct statements; one could hear either album on its own without a sense that something is missing. But they are most powerful when taken together, like a landscape and its reflection in rippling water.”

Halvorson has released a series of critically acclaimed albums, from Dragon’s Head (2008), her trio debut featuring bassist John Hébert and drummer Ches Smith, expanding to a quintet with trumpeter Jonathan Finlayson and alto saxophonist Jon Irabagon on Saturn Sings (2010) and Bending Bridges (2012), a septet with tenor saxophonist Ingrid Laubrock and trombonist Jacob Garchik on Illusionary Sea (2014), and finally an octet with pedal steel guitarist Susan Alcorn on Away With You (2016). She also released the solo recording Meltframe (2015), and most recently debuted Code Girl (2018, 2020), a new ensemble featuring vocalist Amirtha Kidambi (singing Halvorson’s own lyrics), trumpeter Adam O’Farrill, saxophonist and vocalist María Grand, bassist Michael Formanek, and drummer Tomas Fujiwara.

One of New York City’s most in-demand guitarists, over the past decade Halvorson has worked with such diverse musicians as Tim Berne, Anthony Braxton, Taylor Ho Bynum, John Dieterich, Trevor Dunn, Bill Frisell, Ingrid Laubrock, Jason Moran, Joe Morris, Tom Rainey, Jessica Pavone, Tomeka Reid, Marc Ribot, and John Zorn. She is also part of several collaborative projects, most notably the longstanding trio Thumbscrew with Michael Formanek on bass and Tomas Fujiwara on drums.

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Awen Ensemble - Cadair Idris LP

Awen Ensemble

Cadair Idris LP

12inchNSLP0058
New Soil
05.11.2024

"Cadair Idris is one of the Southernly peaks of Eryri (Snowdonia). It sits magnificently at the head of the Tal-y-Llyn pass, and above Dolgellau to the North, with its craggy slopes rising above the tree-line towards the mystical clouds that so o�ften shroud its summit. This mountain is rich with mythology and legend; meaning 'Chair of Idris', it takes its name from the mythical giant king 'Idris Gawr' who was once said to sit atop the mountain and marvel at the heavens. The lake found at the centre of the seat is said to be bottomless, and the surrounding slopes to be the hunting grounds of the Welsh king of the underworld, Gwyn ap Nudd and his Cŵn Annwn. But one of the most intriguing legends owes its existence to the great bardic heritage of Wales. This legend comes as a warning to any wandering soul that might find themselves upon the mountain's slopes at night, for anyone that spends the night on the mountain will come down either a madman or a poet.’"

Cadair Idris by Awen Ensemble, released 12 April 2024, includes the following tracks: "UNSETTLED", "IONAWR", "IF I FALL", "UPON LEAVING THE DREAM" and more.

This version of Cadair Idris comes as a 1xLP.

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KOOL KEITH + SCORN + SUBMERGED - DISTORTION

KOOL KEITH is the most legendary trailblazer of hip hop music. With characters spanning from Dr. Octagon to Tashan Dorsett to Black Elvis to Dr. Dooom, Keith is always delivering realness, spectacles in word and sound, and creating new worlds with his many auras. SCORN is the electronic beat project of acclaimed exNapalm Death drummer Mick Harris, the Dark Lord of ambient dub. Mick Harris' prolific ventures across numerous projects include Painkiller (with John Zorn and Bill Laswell), Quoit, Lull, Monrella, and many more. SUBMERGED is the King of Underground Drum n Bass DJs, having pioneered the scene for the hard sound from Astana to Sao Paulo to Kiev to Brooklyn. He is the founder of Galactic Enterprise that is Ohm Resistance. DISTORTION is a collaborative single with some of the 100% certified dopest Kool Keith verses. He is tuned into his co-authors, dropping lines about "Power sources, Mediterranean bosses", going "52 states, European, Worldwide", discussing "more power to explore", and knowing how to "stick my hand out the speaker and reach y'all". A massive energy liftoff occurs as Keith joins his multiverse with that of the Ohm Resistance artists. Mick Harris' instantly recognizable bludgeoning beat carries the weight, as he trades off bass blast duties with the organic overdriven bassline of Submerged. A warning shot fired in advance of Scorn's album, "The Only Place", this single adds the missing element to Scorn that brings out the richness and flavor of Mick Harris behind the mixing desk. "I'm so happy to be working with a great voice - I could do more of, it adds another dynamic to Scorn." says Harris. Submerged explains his usual streak of unusual luck - "I had a bassline I had written and wanted to send to Mick Harris for Scorn. When the opportunity came to work with Kool Keith, Mick made his beat, and my riff fit exactly - so we coordinated the forces to put this record together". With Kool Keith being one of the most-named influences by many of the Ohm Resistance artists, his arrival to the label couldn't have come at a better time - a integrated circuit across 4 dimensions, connecting 3 legendary musicians around the globe. Mixed by MJ Harris in the Lad's Old Room B14; Vocals by Kool Keith Recorded at Studio G Brooklyn; Engineered by Tony Maimone, Assisted by Ross Colombo; Bass Guitar by Submerged at Blue Site I, Saaremaa; Mastered by Daniele Antezza for Dadub Mastering Studio; Artwork by Sagana Squale, Layout by MachineÖ

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CASTLE RAT - THE BESTIARY

CASTLE RAT

THE BESTIARY

Pict-VinylBFRLPMH44
BLUES FUNERAL
17.04.2026

Eines der besten Metal-Alben des Jahres 2025 wird 2026 als exklusive Metal Hammer Picture Disc geehrt. Klasse Artwork, einmal "The Rat Queen" aka Band-Chefin Riley Pinkerton, einmal die gesamte Band plus Logos und Tracklist. Das Fantasy-Mittelalter-Metal-Phänomen CASTLE RAT präsentiert sein zweites Album! Castle Rat ist die NY Fantasy-Heavy-Metal-Band, die von der Rat Queen angeführt wird, welche die Mission verfolgt, ihr Refugium gegen diejenigen zu verteidigen, die es zerstören wollen. Ihr zur Seite stehen The Count, The Plague Doctor und The All-Seeing Druid. Gemeinsam stellen sie sich mit Heavy Magie dem unerbittlichen Zorn ihrer Erzfeindin - dem Tod in Form von The Rat Reaperess. The Bestiary ist ein riffgeladenes Kompendium mystischer Kreaturen und vorwarnender Erzählungen aus einer vergessenen Welt. Es erzählt 13 allegorische Geschichten von mythischen Bestien und dem Zauberer, der sie beschwört, und verwebt kraftvolle Heavy-Hymnen und dunkle Verzückungen zu einer betörenden und unvergesslichen Heavy-Metal-Odyssee. Als ob Grace Slick mit Black Sabbath ca. 1200 A.D. auf einem Kiss-Konzert Liebe macht. Aufgenommen von Randall Dunn (Sunn O))), Wolves in the Throne Room, Björk) und gemischt von Jonathan Nuñez (Torche, Restless Spirit), bietet das Album episches Heavy-Gemetzel und doomy Hard Rock. Hervorgegangen aus New Yorks abscheulichem, kreaturenverseuchtem Untergrund, schlugen die Fantasy-Heavy-Metaller zunächst mit ihren Live-Auftritten und später mit ihrem Debütalbum "Into The Realm" im Jahr 2024 große Wellen. Seit ihrer Gründung im Jahr 2019 haben CASTLE RAT ein lebendiges Labyrinth aus Erzählungen und Mythen geschaffen, welches sie nun rund um die Welt führt. Die MH Picture Disc kommt in durchsichtiger, halbfester PVC-Hülle mit Lasche (semi-rigid transparent PVC sleeve with flap), ansonsten auch noch auf CD (aufklappbares Digipak), MC (mit gefaltetem Inlay) und auf LP (farbiges Vinyl, inklusive ausklappbarem Lyrics-Insert)!

vorbestellen17.04.2026

erscheint voraussichtlich am 17.04.2026

CASTLE RAT - THE BESTIARY

CASTLE RAT

THE BESTIARY

Pict-VinylBFRLPZ44
BLUES FUNERAL
17.04.2026

Eines der besten Metal-Alben des Jahres 2025 erhält eine hochwertige Zoetrope Vinylversion. Ein farbenfroh animiertes, detailreiches Sammlerstück für Musikliebhaber. Das Fantasy-Mittelalter-Metal-Phänomen CASTLE RAT präsentiert sein zweites Album! Castle Rat ist die NY Fantasy-Heavy-Metal-Band, die von der Rat Queen angeführt wird, welche die Mission verfolgt, ihr Refugium gegen diejenigen zu verteidigen, die es zerstören wollen. Ihr zur Seite stehen The Count, The Plague Doctor und The All-Seeing Druid. Gemeinsam stellen sie sich mit Heavy Magie dem unerbittlichen Zorn ihrer Erzfeindin - dem Tod in Form von The Rat Reaperess. The Bestiary ist ein riffgeladenes Kompendium mystischer Kreaturen und vorwarnender Erzählungen aus einer vergessenen Welt. Es erzählt 13 allegorische Geschichten von mythischen Bestien und dem Zauberer, der sie beschwört, und verwebt kraftvolle Heavy-Hymnen und dunkle Verzückungen zu einer betörenden und unvergesslichen Heavy-Metal-Odyssee. Als ob Grace Slick mit Black Sabbath ca. 1200 A.D. auf einem Kiss-Konzert Liebe macht. Aufgenommen von Randall Dunn (Sunn O))), Wolves in the Throne Room, Björk) und gemischt von Jonathan Nuñez (Torche, Restless Spirit), bietet das Album episches Heavy-Gemetzel und doomy Hard Rock. Hervorgegangen aus New Yorks abscheulichem, kreaturenverseuchtem Untergrund, schlugen die Fantasy-Heavy-Metaller zunächst mit ihren Live-Auftritten und später mit ihrem Debütalbum "Into The Realm" im Jahr 2024 große Wellen. Seit ihrer Gründung im Jahr 2019 haben CASTLE RAT ein lebendiges Labyrinth aus Erzählungen und Mythen geschaffen, welches sie nun rund um die Welt führt. Zoetrope-Vinyl kommt in durchsichtiger, halbfester PVC-Hülle mit Lasche (semi-rigid transparent PVC sleeve with flap),auch noch auf CD (aufklappbares Digipak), MC (mit gefaltetem Inlay) und auf LP (farbiges Vinyl, inklusive ausklappbarem Lyrics-Insert) erhältlich.

vorbestellen17.04.2026

erscheint voraussichtlich am 17.04.2026

Shūdan Sokai - Live At 八王子 Alone

First time reissue of JP free jazz rarity, pre-Seikatsu Kōjyō Iinkai group.

The single album self-released by the quartet Shūdan Sokai in 1977 is one of the most vital documents of mid-seventies Japanese free jazz, documenting Tokyo’s free scene at the precise moment when it began to shift to a handful of tiny venues on the western fringes of the city. In Free Jazz in Japan, Teruto Soejima identifies the extant venue Aketa no Mise in Nishi-Ogikubo as the pioneer of this decamping from the centre: a cramped basement beneath a rice shop, seating just 20 people. Musician-run, operated on a shoestring, these spaces offered a vital site for community, creativity, and a small measure of financial independence — “even though it was in a basement, in spirit it was a loft.”

Among the most active of the new venues was Alone in Hachiōji, nearly an hour from Shinjuku, in a district shaped by universities, lower rents, and a thriving counterculture. Originally opened in 1973 as a jazu kissa, Alone was unusually spacious and equipped with a stage, grand piano, and drum kit. Around 1974, Junji Mori and Yasuhiro Sakakibara began working there, booking free jazz players on weekends and establishing the venue as a crucial hub. Mori recalls early appearances by figures including Kazutoki Umezu, Toshinori Kondo, and others who would define the scene.

In early 1976, Umezu and pianist Yoriyuki Harada — recently returned from New York’s loft jazz environment, where they had played with musicians such as David Murray and William Parker — formed Shūdan Sokai with Mori and drummer Takashi Kikuchi. The name, meaning “mass evacuation,” pointed to their self-chosen exile in Hachiōji. With Alone as their home base, the quartet developed a music characterized by an infectious sense of enjoyment and a willingness to integrate free jazz with elements of song structure. Harada switched between piano and bass; the group experimented with rap-like vocal pieces, jabbering nursery rhymes over bass rhythms.

They returned to Alone on December 24 to record Sono zen’ya (Eve), releasing it on their own Des Chonboo Records, partially funded by advertisements from local businesses printed on the rear cover. The closing “Ballad for Seshiru,” dedicated to Harada’s newborn son, unfolds over a delicate piano melody that moves into emphatic chords as intertwining alto lines rise and spiral.

Alone closed in September 1977, and Shūdan Sokai soon dissolved, later morphing into the expanded Seikatsu Kōjyō Iinkai Orchestra. What remains is a recording rooted in a specific place and moment: a fiercely independent scene sustained by small rooms, close listening, and collective commitment.

nicht am Lager

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Marion Brown - Awofofora

First time reissue of JP / US free jazz rarity.

The 1970s were Marion Brown’s most searching decade, a period during which he sought to move beyond the free jazz of the previous era and find more personal approaches to structuring improvisation and composition. After leaving New York for Europe in 1967, Brown began reshaping his music into what he described as “a more deliberate kind of music that had more structure to it,” pacing it so that moods and modes could develop over time. Albums such as In Sommerhausen, Afternoon of a Georgia Faun, Geechee Recollections, and Sweet Earth Flying trace this evolution: rhythmic structures moved to the foreground, harmony receded, and composition became a matter of orchestrating interlocking rhythmic parts as one would polyphonic lines.

Released in 1976, Awofofora is an overlooked but crucial entry in that sequence. At the time, its use of funk and reggae beats, electric guitars, and grooves drawn from contemporary Black popular music led some to misread it as a jazz-rock detour. In retrospect, it is entirely consistent with Brown’s methodology. As he admired in the Art Ensemble of Chicago, the stimulus comes from within the community. Here Brown filters Afro-Caribbean rhythms and funk through his own sensibility, abstracting their structural qualities rather than adopting surface style.

“La Placita,” making its first recorded appearance, layers distinct rhythmic phrases in a manner reminiscent of African drum ensembles, over which Brown and trumpeter Ambrose Jackson spin extended improvisations. The standard “Flamingo” is reshaped through diasporic rhythm and lyrical soloing, while “Pepi’s Tempo” and “Mangoes” harness crisp funk and reggae grooves to generate what Brown called a “manifestation of community” through collective improvisation. Even the overdubbed solo feature “And Then They Danced” reflects his structural thinking, ingeniously re-voicing a duet composition for two alto saxophones performed by one player.

This was the only recording by a short-lived band that briefly polarized audiences during festival appearances in 1976. Yet Brown consistently sought unity across change: different sounds, same principles — rhythm as structure, melody as architecture, collective improvisation, and above all, the primacy of tone. Awofofora stands not as a departure, but as a vivid synthesis of the elements he had been refining since the late 1960s, its grooves and golden alto lines conveying a sound drawn, in his words, “from life and from the world of experience.”

vorbestellen10.04.2026

erscheint voraussichtlich am 10.04.2026

Jegong - Gomi Kuzu Can LP

Jegong

Gomi Kuzu Can LP

12inchPELVC317
Pelagic Records
27.03.2026

JeGong, known for their immersive, rhythm-driven explorations of Krautrock and experimental sound design, now take an exhilarating leap into brighter, nostalgically stranger territory. `Gomi Kuzu Can` is an electrifying journey through Kraut, Post- and Experimental Rock, delivered with the analog warmth of the '70s. Across eleven meticulously crafted tracks, JeGong embrace their roots while fearlessly expanding into neon-lit, beat-driven worlds where kinetic rhythms meet playful sonic futurism. It is music built for movement, contemplation, and the ecstatic strangeness of possibility. Their approach borrows the endurance and patience of minimalism, but they subvert minimalism's austerity with grit, distortion, and physicality. The result is music that feels alive in motion: constantly shifting, tightening, unfurling, and mutating even when its core pulse remains unbroken. "We wanted to create a `70s sound as the recording foundation - a sonic aesthetic that sets a mood through warm tape saturation. Like a kind of memory box where you can store recollections, for example from childhood, when you would spend hours by yourself watching TV and listening to the radio, often both at the same time." (JeGong) `Gomi Kuzu Can`, is hand-built, lovingly assembled from circuitry, intuition, and raw creative impulse. This tactile quality is precisely what makes the album's danceability so impactful. In blending organic rhythm with retro-electronic brightness, they've created a sound that is both familiar and refreshingly new. In the end, JeGong's sound is less a genre and more a landscape: rugged, hypnotic, austere, and strangely spiritual. It is music built on the bones of rhythm and the electricity of repetition, crafted with the precision of engineers and the instincts of explorers. FOR FANS OF Neu!, Cluster, Tangerine Dream, Swans, Mogwai, Sonic Youth, John Zorn The single colour edition comes as Glass Clear vinyl!

vorbestellen27.03.2026

erscheint voraussichtlich am 27.03.2026

Taupe - waxing | waning

Taupe

waxing | waning

12inchMIN75LP
Minority Records
06.03.2026
  • 1: Lemonade Tycoon
  • 2: Anti-Bird-Spike-Bird-Nest
  • 3: Interlude (Stride)
  • 4: Allcapsallbold
  • 5: Pet Boss

Taupe’s latest album release, waxing | waning delivers jazz experimentalism, ‘skronk’, avant-rock, and electronics, by the Glasgow-based trio, due out via Minority Records. Across its seven tracks, waxing | waning captures Taupe’s approach – bold and boundary pushing – shaped by a fresh shift in the band’s dynamic and compositional approach.

Taupe’s waxing | waning, co-composed and realised by its players in a studio that was once an undertaker’s premises in Glasgow, is an absolutely affirmative album, an act of cultural defiance in desperate times.

Comprising Mike Parr-Burman (guitar, bass guitar, electronics), Jamie Stockbridge (alto and baritone saxophones) and Alex Palmer (drum kit, percussion), Taupe work up a storm of skronk, free jazz and harmolodic frenzy whose closest relations include Zu, Melt Banana and John Zorn. However, waxing | waning is from its opening, stuttering blasts, an exercise in seeking out and claiming new territory, finding unique and novel permutations in which jazz, rock, electronics interbreed at breakneck pace. Here is a group determined to say and do things they don’t get to say and do elsewhere in their musical lives.

‘Lemonade Tycoon’ hits the ground skronking. It’s cubistic jazz, cumulative in its impact, avoiding the white lines of the conventional freeway, bridling, bustling, coming at you from all angles – a three way conversation of astonishing rapidity, fast track, telepathic communication – everyone from James Chance to Albert Ayler coming at you at once, before morphing in to a spidery scrawl of electronics and furious percussion. ‘Anti-Bird-Spike BirdNest’s‘ title somehow sums up the sort of mental images evoked by the music – its sheer creative disobedience, as if being chased in vain, like a delivery rider evading capture by ICE agents -– shapeshifting, assuming different shades, sprouting metal quills and, in its midsection, seeming almost to swallow itself alive, before regurgitating itself in a sublime mess.

‘Interlude (Stride)’ is not exactly ambient, more a horizontal enmeshment of percussion, drones, reverberant noise, electronics, a sonic mulch. ‘allcapsallbold' reminds of early Aksak Maboul, in its playfulness, a haywire series of short phrases, subject to mechanical interference, a complex weave of irregular rhythms, increasingly eloquent sax phraseology and caustic guitars, which land heavier and heavier. ‘Pet Boss' is the new jazz equivalent of a highly evolved, mature conversation among brilliant equals, sharp, empathetic, complementary, rising to a collective, joyful noise. On the title track, electronics descend like a shower of bright particles, intensifying in their luminosity, whitening the skies, as sax and drums kick up a tempestuous, spontaneously sculpted noise that summons the ghosts of the great free jazz players, before a dark calm descends slowly. Finally, ‘Turn Push Kick’, a burgeoning chatterstorm of electronics, before the group kicks in, at angles to one another, led by abrasive guitars, reminiscent of Sunn O))) in their ritualistic concussion, riffing, digging deep amid squealing sax and piledriving percussion.

vorbestellen06.03.2026

erscheint voraussichtlich am 06.03.2026

Coscradh - Carving The Causeway To The Otherworld LP
  • Five Fifths Awaken
  • Carving The Causeway To The Otherworld
  • Adhradh Dé Ghoac
  • Caesar's Revelation (Hibernia L. Vi V. Xiv Ad Xvi Et Xxiv)
  • The Calling
  • Scythe Of Saturn
  • Badhah's Shadows
  • Opening The Gates To Styx, Nix, Kerberos And Hydra

Wie ein schwarzer Wind, der aus längst verstummten Mooren aufsteigt, legt die irische Band Coscradh ihr zweites Album „Carving the Causeway to the Otherworld“ vor, das mit furchterregender Zauberei die Moorwege der Toten freilegt. Aus tief verwurzelter Traditionen und alter Mystik lässt das Album die sechstausend Jahre alten Eichenpfade wiederauferstehen, die von kriegführenden Stämmen unter dem kalten Blick der Druiden angelegt wurden, um in das Reich jenseits des Lebens zu gelangen, und beschwört diese verschwundenen Mühen mit der Erinnerung an die Gewalt selbst herauf. Coscradh kanalisiert den Druiden als Astronomen und Kriegsseher und ruft Mars als den Gott an, dessen rotes Licht Opfer fordert, und offenbart gälische Krieger, die sich zu Gefäßen aushöhlen und die Wut von Goac in sich eindringen lassen, um sie für den Kampf zu verschlingen. Gitarren flammen auf - brennend wie Meteore, die den Horizont durchschneiden - und lassen Riffs los, die mit der Kraft der Vorfahren durchdrungen sind. Der glühende perkussive Ansturm kracht wie Hufe auf tote Erde, während die wilde Grausamkeit der Band wie ein in den Himmel geschleuderter Kriegsschrei ausbricht, gekrönt von ruinöser Pracht. Coscradh bewohnt diesen Bereich zwischen den Welten vollständig und haucht ihrem Werk die Wut und spirituelle Kraft eines Volkes ein, das Wahrheiten in Land, Himmel und Grab gemeißelt hat. Als eine Verbindung aus druidischer Wissenschaft und Blut, ritueller Aggression und sprachlicher Wiederauferstehung zwingt „Carving the Causeway to the Otherworld“ zu einer himmlischen Abrechnung, bei der das Schicksal selbst auf den Altar geworfen wird. Wie Götter, die das Firmament bereisen, fällt Coscradhs kalte, grausame Ausstrahlung auf alle, die sie hören. Das Album ist eine kosmische Hinrichtung, die vergangene Dammwege, Kriegsgötter, Steinidole und sternengeborene Kräfte, die die Druiden zu nutzen suchten, miteinander verbindet. Eine Vision des Nachthimmels als lebendige Festungsmauer der Omen für diejenigen, die auf die alten zornigen Geister hören wollen.

vorbestellen20.02.2026

erscheint voraussichtlich am 20.02.2026

CASTLE RAT - THE BESTIARY

CASTLE RAT

THE BESTIARY

12inchBFRLPP44
BLUES FUNERAL
20.02.2026

Zweite Vinyl-Nachpressung auf red, black and white 3-way color merge vinyl (Phoenix II Edition). Das Fantasy-Mittelalter-Metal-Phänomen CASTLE RAT präsentiert sein zweites Album! Castle Rat ist die NY Fantasy-Heavy-Metal-Band, die von der Rat Queen angeführt wird, welche die Mission verfolgt, ihr Refugium gegen diejenigen zu verteidigen, die es zerstören wollen. Ihr zur Seite stehen The Count, The Plague Doctor und The All-Seeing Druid. Gemeinsam stellen sie sich mit Heavy Magie dem unerbittlichen Zorn ihrer Erzfeindin - dem Tod in Form von The Rat Reaperess. The Bestiary ist ein riffgeladenes Kompendium mystischer Kreaturen und vorwarnender Erzählungen aus einer vergessenen Welt. Es erzählt 13 allegorische Geschichten von mythischen Bestien und dem Zauberer, der sie beschwört, und verwebt kraftvolle Heavy-Hymnen und dunkle Verzückungen zu einer betörenden und unvergesslichen Heavy-Metal-Odyssee. Als ob Grace Slick mit Black Sabbath ca. 1200 A.D. auf einem Kiss-Konzert Liebe macht. Aufgenommen von Randall Dunn (Sunn O))), Wolves in the Throne Room, Björk) und gemischt von Jonathan Nuñez (Torche, Restless Spirit), bietet das Album episches Heavy-Gemetzel und doomy Hard Rock. Hervorgegangen aus New Yorks abscheulichem, kreaturenverseuchtem Untergrund, schlugen die Fantasy-Heavy-Metaller zunächst mit ihren Live-Auftritten und später mit ihrem Debütalbum "Into The Realm" im Jahr 2024 große Wellen. Seit ihrer Gründung im Jahr 2019 haben CASTLE RAT ein lebendiges Labyrinth aus Erzählungen und Mythen geschaffen, welches sie nun rund um die Welt führt. The Bestiary auf CD (aufklappbares Digipak), MC (mit gefaltetem Inlay) und auf LP (farbiges Vinyl, inklusive ausklappbarem Lyrics-Insert)!

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erscheint voraussichtlich am 20.02.2026

Natural Information Society - Perseverance Flow

Announcing Perseverance Flow, the latest album from acclaimed Chicago-based ensemble Natural Information Society (NIS), release date 2024-10-24. After a trilogy of double LPs by expanded manifestations of the band that began in 2018 with Mandatory Reality & continued through Since Time Is Gravity (a Pitchfork Best Jazz & Experimental Album of the Year selection & Mojo’s #1 Underground Album of 2023), NIS returns to its core formation of Lisa Alvarado on harmonium, Mikel Patrick Avery on drums, Jason Stein on bass clarinet, & composer/multi-instrumentalist Joshua Abrams on guimbri for one continuous 37 minute composition across a single LP. As the rocket boosters on spaceship earth sputter closer to burnout, lower your stylus into a soundfield that grows stronger the deeper you travel into it; a dose of the medicine many of us look to music to deliver awaits you inside.

One of the deep contemplations of this natural information (thanks Bill Callahan) is the wide range of source materials Abrams draws from over the band’s more than 15 year history: Ideas from minimalism, modal jazz & traditional musics are regularly reimagined in these compositions. The 2021 double LP descension (Out of Our Constrictions), with guest soloist Evan Parker, reflected aspects of Abrams’ love of party music, Chicago house, & John Coltrane. *But even veteran travelers with the NIS best brace themselves for the Perseverance Flow.

Speaking to the history & the inspirations behind the album, Abrams offers: “We played the piece for a year in concert before the recording. At Electrical (Audio Studios, Chicago) we went in at 11 & were done in time to pick our kids up from school.” Abrams continues: "In a reference world, I imagine Perseverance Flow like a live extended realization of a Jaylib lost instrumental as remixed by Kevin Shields. Or vice versa. I also think it has sympathies to some of the more rhythmically intricate dance musics out of Chicago & Lisbon.”

The core NIS ensemble heard on Perseverance Flow always address Abrams’ writing with the discipline of orchestra musicians & the creativity of improvisers. But this time around, instead of inviting living legend status musicians Evan or William Parker or Ari Brown as honored guests to solo freely over the composed materials, Abrams’ invited guest collaborator was the medium of the recording studio itself. Situated at the board with engineer Greg Norman, Abrams pushed post production techniques found only sporadically on earlier NIS records deep into the heart of the music, distorting & reshaping instruments to subtly &, at times, aggressively mutate timbre & texture, color & time.

Refracting the band’s signature mesmerizing chains of overlapping rhythmic patterns through the sonic funhouse of dub makes Perseverance Flow the most formally experimental NIS album to date. Now a soundworld fully unique to itself is listening to itself, consoling & humoring itself, & consoling & humoring you. A destruction myth & a creation myth of a soundworld together at once —”energetically nutritious” (October 2025 Issue 500 The Wire) supernatural information society.

“Perseverance Flow is skipping rope in slo-mo. A dance of co-operation to rally guts & humors & keep marching through pouring tears” (Abrams).

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Backengrillen - Backengrillen LP
 
2
auch erhältlich

Yellow Vinyl


“The GRILL will fucking rule things…” – Backengrillen’s debut album out in January "Backengrillen's music is a paean to chaos and destruction. The basic idea is to take a death/doom metal, or noiserock riff and play it until it loses meaning and then break it apart like a ravenous cat would a tiny forest mouse. It's filled to the brim with the self-hatred endemic to the province of Västerbotten from whence the member’s hail. The record was written on a Thursday during their first ever rehearsal, performed live on a Friday and recorded on a Saturday, so what you're hearing is raw, stupid, gut instinct music played by seasoned purveyors of hardcore punk, metal, free jazz, noise et cetera. Record no 2 is in the making, less stupid, more ugly. Stay tuned and fuck the pigs." - Backengrillen, November 2025 Backengrillen is a new ensemble with their roots in HC, punk, noise and free Jazz. All members from Umeå, with roots in the original version of Refused – and one with starting points in the jazz-rock ensemble Nirvana (1980). With a solid and yet varied background in the creativities of Refused, TEXT, INVSN, Fire Orchestra, The International Noise Conspiracy, The End, Serpent, The Thing, Final Exit and other classic jazz combos we will now start our journey of 4 colliding locomotives, creating a new form of beauty and energy. Antifascist, antiracists free form death – jazz – in the memory of Lars Lystedt – Backengrillen arrives with new perspectives on jazz. And punk. In-your-face HC jazz inspired by The Cramps, Little Richard, Albert Ayler, Polly Bradfield, Entombed, John Zorn, Misfits, Stooges, Lars Gullin, Can and much more. Backengrillen’s self-titled debut album is out on January 23rd, 2026 on vinyl, CD, and digitally on Bandcamp via Svart Records. Backengrillen Dennis Lyxzén – vocal and effects Mats Gustafsson – saxophones, flutes and live electronics Magnus Flagge – bass David Sandström – drums and electronics

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Backengrillen - Backengrillen LP

Backengrillen

Backengrillen LP

12inchSVART349LPB1
Svart Records
23.01.2026
 
2
auch erhältlich

Black Vinyl


“The GRILL will fucking rule things…” – Backengrillen’s debut album out in January "Backengrillen's music is a paean to chaos and destruction. The basic idea is to take a death/doom metal, or noiserock riff and play it until it loses meaning and then break it apart like a ravenous cat would a tiny forest mouse. It's filled to the brim with the self-hatred endemic to the province of Västerbotten from whence the member’s hail. The record was written on a Thursday during their first ever rehearsal, performed live on a Friday and recorded on a Saturday, so what you're hearing is raw, stupid, gut instinct music played by seasoned purveyors of hardcore punk, metal, free jazz, noise et cetera. Record no 2 is in the making, less stupid, more ugly. Stay tuned and fuck the pigs." - Backengrillen, November 2025 Backengrillen is a new ensemble with their roots in HC, punk, noise and free Jazz. All members from Umeå, with roots in the original version of Refused – and one with starting points in the jazz-rock ensemble Nirvana (1980). With a solid and yet varied background in the creativities of Refused, TEXT, INVSN, Fire Orchestra, The International Noise Conspiracy, The End, Serpent, The Thing, Final Exit and other classic jazz combos we will now start our journey of 4 colliding locomotives, creating a new form of beauty and energy. Antifascist, antiracists free form death – jazz – in the memory of Lars Lystedt – Backengrillen arrives with new perspectives on jazz. And punk. In-your-face HC jazz inspired by The Cramps, Little Richard, Albert Ayler, Polly Bradfield, Entombed, John Zorn, Misfits, Stooges, Lars Gullin, Can and much more. Backengrillen’s self-titled debut album is out on January 23rd, 2026 on vinyl, CD, and digitally on Bandcamp via Svart Records. Backengrillen Dennis Lyxzén – vocal and effects Mats Gustafsson – saxophones, flutes and live electronics Magnus Flagge – bass David Sandström – drums and electronics

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Dunn with Lords and Lady Kevin - Last Days At Hot Slit LP
  • Despair
  • Devil Woman
  • Hell Better
  • Hiq82
  • Humanity One
  • Last Days At Hot Slit
  • Lazarus
  • Monday
  • Shape
  • Sweet Jesus
  • Indifference

This is the third release by Trevor Dunn (Mr Bungle, Fantomas, Trio Convulsant, various with John Zorn) and Kevin Rutmanis (Tomahawk, Melvins, Cows, Hepa/Titus) On this outing Trevor joins Lords and Lady Kevin (duo of Kevin Rutmanis and drummer/artist Gina Skwoz) for a full length LP "Last Days at Hot Slit"

Songs are loosely based on assorted gospel, blues and jazz songs, some original, some covers. Included is a re-working of Mingus "Devil Woman". The trio based the pieces on improvisations that were then arranged and used to build free standing songs. A multitude of instruments were exploited by all those involved, to create a sizzling blend of aural delicacies. The album title is from a collection by writer Andrea Dworkin, often sited as the Celine of feminism. Less outre perhaps than their previous recordings, these songs hover somewhere between soundtrack- like excursions, to jazz/ blues mutations to a demented "rock" sounding affair. Something for everybody, or perhaps, nobody! Uniting former and current members of Tomahawk, Last Days At Hot Slit marks a powerful reunion between Rutmanis and Dunn. The record took shape gradually, born from Rutmanis's raw, unconventional bass recordings. "I sent Trevor a phone recording of some hideous bass racket and asked if he wanted to add anything," Rutmanis shares. "What he sent back was something like delicious fresh cherries with ice and banana slices." The pair's combined creativity gave rise to a new, immersive soundscape, while their collaborative piece, Crackpot Whorehead, set the tone for the current formation of Lords and Lady Kevin."

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CASTLE RAT - THE BESTIARY

CASTLE RAT

THE BESTIARY

12inchBFRLPM44
BLUES FUNERAL
31.10.2025

Das Fantasy-Mittelalter-Metal-Phänomen CASTLE RAT präsentiert sein zweites Album! Castle Rat ist die NY Fantasy-Heavy-Metal-Band, die von der Rat Queen angeführt wird, welche die Mission verfolgt, ihr Refugium gegen diejenigen zu verteidigen, die es zerstören wollen. Ihr zur Seite stehen The Count, The Plague Doctor und The All-Seeing Druid. Gemeinsam stellen sie sich mit Heavy Magie dem unerbittlichen Zorn ihrer Erzfeindin - dem Tod in Form von The Rat Reaperess. Das zweite Album The Bestiary ist ein riffgeladenes Kompendium mystischer Kreaturen und vorwarnender Erzählungen aus einer vergessenen Welt. Es erzählt 13 allegorische Geschichten von mythischen Bestien und dem Zauberer, der sie beschwört, und verwebt kraftvolle Heavy-Hymnen und dunkle Verzückungen zu einer betörenden und unvergesslichen Heavy-Metal-Odyssee. Als ob Grace Slick mit Black Sabbath um ca. 1200 A.D. auf einem KISS-Konzert rumachen würde. Aufgenommen von Randall Dunn (Sunn O))), Wolves in the Throne Room, Björk) und gemischt von Jonathan Nuñez (Torche, Restless Spirit), bietet das Album fesselnde Tracks zwischen epischem Heavy-Gemetzel und doomy Hard Rock. The Rat Queen kommentiert das Album wie folgt: "The Bestiary' ist ein konzeptionelles Buch der Bestien, das von mystischen Kreaturen aus einer vergessenen Welt erzählt. Die letzten verbliebenen Seelen jeder dieser Kreaturen wurden von `The Wizard' gesammelt und aufbewahrt. Die Geschichten der einzelnen Bestien und des Zauberers selbst werden mit der Kraft traditioneller Heavy-Metal-Songs und Hard Rock-Magie verwoben." Hervorgegangen aus New Yorks abscheulichem, kreaturenverseuchtem Untergrund, schlugen die Fantasy-Heavy-Metaller zunächst mit ihren Live-Auftritten und später mit ihrem Debütalbum "Into The Realm" im Jahr 2024 große Wellen. Seit ihrer Gründung im Jahr 2019 haben CASTLE RAT ein lebendiges Labyrinth aus Erzählungen und Mythen geschaffen, welches sie nun rund um die Welt führt. The Bestiary auf CD (aufklappbares Digipak), MC (mit gefaltetem Inlay) und auf LP (farbiges Vinyl, inklusive ausklappbarem Lyrics-Insert)!

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erscheint voraussichtlich am 31.10.2025

CYPRIEN GAILLARD - RETINAL RIVALRY

Cyprien Gaillard

RETINAL RIVALRY

Pict-VinylPANLP157
PAN RECORDS
31.10.2025
  • Retinal Rivalry

Retinal Rivalry ist der Soundtrack zu Cyprien Gaillards neuem stereoskopischen Film Retinal Rivalry (2024). ,Es ist eine faszinierende Reise durch die deutsche Stadtlandschaft und ihre vielschichtige historische und soziale Bedeutung. Aufbauend auf seiner früheren Erforschung der skulpturalen Qualitäten dreidimensionaler bewegter Bilder geht das Werk über die Grenzen der Leinwand hinaus. Durch die Ausschöpfung des vollen Potenzials modernster Technologie bietet Gaillard eine erweiterte, geschärfte und tief bewegende neue Sicht auf die Welt um uns herum. Retinal Rivalry ist nach dem Phänomen der visuellen Wahrnehmung benannt, das auftritt, wenn das Gehirn zwei widersprüchliche Bilder gleichzeitig empfängt. Anstatt zu einem 3D-Bild zu verschmelzen, wechselt das neuronale System zwischen der Priorisierung des einen Bildes und der Unterdrückung des anderen, was beim Betrachter Verwirrung und Unbehagen hervorruft. Gaillards Film setzt sich mit diesen Komplexitäten der visuellen Verarbeitung und den Grenzen der Technologie auseinander und sammelt visuelle Informationen durch außergewöhnliche, oft augenzwinkernde Aufnahmen, die das Innere und das Äußere, das Eingeschlossene und das Verstreute sowie das Natürliche und das Gebaute miteinander verflechten. Seine Kamera nimmt ungewöhnliche Blickwinkel ein, wechselt von sanften Luftperspektiven zu einem niedrigen Blickwinkel aus der Perspektive eines Nagetiers, zu schwindelerregenden Ein- und Ausblendungen auf der knolligen Nase einer Skulptur oder zu einer langen Einstellung eines Zuges, der durch eine Landschaft fährt, und zieht uns in eine vielschichtige Erfahrung hinein, die zwischen einem schlechten Trip und unerwarteter Schönheit, die Trost spendet, schwankt. In ,Retinal Rivalry" deuten verschiedene Treppen, Spiralen und Aufzüge auf einen Zustand des ständigen Auf- und Abstiegs hin und betonen das Wechselspiel zwischen Distanz und Nähe, abgrundtiefer Tiefe und lebendiger skulpturaler Darstellung. Der Film pulsiert rhythmisch mit Bildern, die anschwellen und sich zusammenziehen, sich aufblähen und entleeren. Er manipuliert das Gefühl der Zuschauer für Tiefe, Maßstab und Textur und lässt vertraute Materialien und Orte unheimlich erscheinen, wobei er die inhärenten Ungenauigkeiten und Verzerrungen der Darstellung hervorhebt. ,Retinal Rivalry" zeichnet die gewöhnliche Welt in großartigen Details auf und versucht dabei, unter die Oberfläche der Dinge zu blicken. Der Film ist eine Darstellung von Raum und Zeit, die Darstellungsweisen destabilisiert und eine neue Hyper-Vision-Version der Realität bietet. Mit 120 Bildern pro Sekunde aufgenommen und mit derselben Geschwindigkeit projiziert - fünfmal so schnell wie im Kino üblich - fängt Gaillard mehr ein, als das menschliche Auge natürlich wahrnehmen kann. Die Filmmusik greift auf verschiedene klangliche Elemente zurück und unterstreicht so die Erforschung von Dissonanz und Synchronität. Indonesische Instrumentalmusik wird überarbeitet und mit Feldaufnahmen von rumpelnden schweren Maschinen und seltsam melodischem Würgen kombiniert. Der Soundtrack enthält auch die ersten Zeilen aus Werner Herzogs Aguirre, der Zorn Gottes (1972) sowie die dazugehörige Ouvertüre der deutschen Band Popol Vuh. Die Klanglandschaft von Retinal Rivalry steht im Kontrast zu den Bildern - was wir sehen, steht oft im Widerspruch zu dem, was wir hören. Nur in einem Abschnitt verschmelzen Ton und Bild: Ein gebrochenes Bein betätigt das Pedal einer interaktiven Orgel, um ein Stück von Johann Sebastian Bach zu spielen, das immer wieder ins Stocken gerät.

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erscheint voraussichtlich am 31.10.2025

CASTLE RAT - THE BESTIARY (TAPE)

CASTLE RAT

THE BESTIARY (TAPE)

CassetteBFRMC44
BLUES FUNERAL
29.10.2025

Das Fantasy-Mittelalter-Metal-Phänomen CASTLE RAT präsentiert sein zweites Album! Castle Rat ist die NY Fantasy-Heavy-Metal-Band, die von der Rat Queen angeführt wird, welche die Mission verfolgt, ihr Refugium gegen diejenigen zu verteidigen, die es zerstören wollen. Ihr zur Seite stehen The Count, The Plague Doctor und The All-Seeing Druid. Gemeinsam stellen sie sich mit Heavy Magie dem unerbittlichen Zorn ihrer Erzfeindin - dem Tod in Form von The Rat Reaperess. Das zweite Album The Bestiary ist ein riffgeladenes Kompendium mystischer Kreaturen und vorwarnender Erzählungen aus einer vergessenen Welt. Es erzählt 13 allegorische Geschichten von mythischen Bestien und dem Zauberer, der sie beschwört, und verwebt kraftvolle Heavy-Hymnen und dunkle Verzückungen zu einer betörenden und unvergesslichen Heavy-Metal-Odyssee. Als ob Grace Slick mit Black Sabbath um ca. 1200 A.D. auf einem KISS-Konzert rumachen würde. Aufgenommen von Randall Dunn (Sunn O))), Wolves in the Throne Room, Björk) und gemischt von Jonathan Nuñez (Torche, Restless Spirit), bietet das Album fesselnde Tracks zwischen epischem Heavy-Gemetzel und doomy Hard Rock. The Rat Queen kommentiert das Album wie folgt: "The Bestiary' ist ein konzeptionelles Buch der Bestien, das von mystischen Kreaturen aus einer vergessenen Welt erzählt. Die letzten verbliebenen Seelen jeder dieser Kreaturen wurden von `The Wizard' gesammelt und aufbewahrt. Die Geschichten der einzelnen Bestien und des Zauberers selbst werden mit der Kraft traditioneller Heavy-Metal-Songs und Hard Rock-Magie verwoben." Hervorgegangen aus New Yorks abscheulichem, kreaturenverseuchtem Untergrund, schlugen die Fantasy-Heavy-Metaller zunächst mit ihren Live-Auftritten und später mit ihrem Debütalbum "Into The Realm" im Jahr 2024 große Wellen. Seit ihrer Gründung im Jahr 2019 haben CASTLE RAT ein lebendiges Labyrinth aus Erzählungen und Mythen geschaffen, welches sie nun rund um die Welt führt. The Bestiary auf CD (aufklappbares Digipak), MC (mit gefaltetem Inlay) und auf LP (farbiges Vinyl, inklusive ausklappbarem Lyrics-Insert)!

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CASTLE RAT - THE BESTIARY

CASTLE RAT

THE BESTIARY

12inchBFRLPC44
BLUES FUNERAL
19.09.2025

Das Fantasy-Mittelalter-Metal-Phänomen CASTLE RAT präsentiert sein zweites Album! Castle Rat ist die NY Fantasy-Heavy-Metal-Band, die von der Rat Queen angeführt wird, welche die Mission verfolgt, ihr Refugium gegen diejenigen zu verteidigen, die es zerstören wollen. Ihr zur Seite stehen The Count, The Plague Doctor und The All-Seeing Druid. Gemeinsam stellen sie sich mit Heavy Magie dem unerbittlichen Zorn ihrer Erzfeindin - dem Tod in Form von The Rat Reaperess. Das zweite Album The Bestiary ist ein riffgeladenes Kompendium mystischer Kreaturen und vorwarnender Erzählungen aus einer vergessenen Welt. Es erzählt 13 allegorische Geschichten von mythischen Bestien und dem Zauberer, der sie beschwört, und verwebt kraftvolle Heavy-Hymnen und dunkle Verzückungen zu einer betörenden und unvergesslichen Heavy-Metal-Odyssee. Als ob Grace Slick mit Black Sabbath um ca. 1200 A.D. auf einem KISS-Konzert rumachen würde. Aufgenommen von Randall Dunn (Sunn O))), Wolves in the Throne Room, Björk) und gemischt von Jonathan Nuñez (Torche, Restless Spirit), bietet das Album fesselnde Tracks zwischen epischem Heavy-Gemetzel und doomy Hard Rock. The Rat Queen kommentiert das Album wie folgt: "The Bestiary' ist ein konzeptionelles Buch der Bestien, das von mystischen Kreaturen aus einer vergessenen Welt erzählt. Die letzten verbliebenen Seelen jeder dieser Kreaturen wurden von `The Wizard' gesammelt und aufbewahrt. Die Geschichten der einzelnen Bestien und des Zauberers selbst werden mit der Kraft traditioneller Heavy-Metal-Songs und Hard Rock-Magie verwoben." Hervorgegangen aus New Yorks abscheulichem, kreaturenverseuchtem Untergrund, schlugen die Fantasy-Heavy-Metaller zunächst mit ihren Live-Auftritten und später mit ihrem Debütalbum "Into The Realm" im Jahr 2024 große Wellen. Seit ihrer Gründung im Jahr 2019 haben CASTLE RAT ein lebendiges Labyrinth aus Erzählungen und Mythen geschaffen, welches sie nun rund um die Welt führt. The Bestiary auf CD (aufklappbares Digipak), MC (mit gefaltetem Inlay) und auf LP (farbiges Vinyl, inklusive ausklappbarem Lyrics-Insert)!

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erscheint voraussichtlich am 19.09.2025

DEATH BY HORSE - LIMINAL STATE
  • Running In Circles
  • I Can Feel Later
  • Blood On My Hands
  • Sleep Is For The Poor
  • Nightcrawler
  • The Freaks
  • Revolucion De Las Vacas
  • It's Alright
  • Wake Up
  • Take A Look (It's Not Me, It's You)
  • Damaged One
  • Reap What You Sow

Die HC-geneigten Punkrocker aus Schweden melden sich mit ihrem dritten Album zurück! "Liminal State" kann als Schwellenzustand beschrieben werden - der Übergang zwischen zwei verschiedenen Phasen, Orten oder Realitäten. Ein Dazwischen, in dem man nicht mehr der Mensch ist, der man einmal war, aber auch noch nicht der, der man werden wird. Genau in diesem Zustand befinden sich die Mitglieder von Death By Horse - oder sie haben ihn seit ihrem letzten Album "Reality Hits Hard" (2019) durchlebt. Dieses Album ist kein Hilferuf - es ist ein Schrei direkt ins Gesicht! Es ist ein Weg, die emotionale Achterbahnfahrt der letzten Jahre zu verarbeiten. Death By Horse stürzt sich kopfüber in diesen Sturm voller existenziellem Zorn, dem Kampf gegen toxische Muster, dem Tod von Familienmitgliedern und dem Tragen einer Maske aus falschem Selbstvertrauen, um Selbstzweifel und Selbsthass zu verbergen. Das ist Punkrock mit einer melodischen Hardcore-Kante - schnell, gnadenlos und mit Texten voller Widersprüche, unbequemer Wahrheiten, Ironie und der brutalen Selbstreflexion, für die Death By Horse bekannt ist. Keine geschönte Fassade, kein Filter - nur rohe, raue Energie und eine Ehrlichkeit, die weh tut. Gleichzeitig ist "Liminal State" eine Erinnerung daran, dass das alles nur eine Fahrt ist - nicht mehr und nicht weniger. Also: Genieß jede verdammte Sekunde davon! Wenn du dich jemals wie ein Freak, ein Geist oder wie eine Granate kurz vorm Explodieren gefühlt hast - willkommen zu Hause! Klassisch schwarze oder farbige Splatter Vinyl-LP, CD kommt im schmalen Cardboard.

vorbestellen19.09.2025

erscheint voraussichtlich am 19.09.2025

DEATH BY HORSE - LIMINAL STATE

DEATH BY HORSE

LIMINAL STATE

12inchSBLPC261
Sunny Bastards
19.09.2025

Die HC-geneigten Punkrocker aus Schweden melden sich mit ihrem dritten Album zurück! "Liminal State" kann als Schwellenzustand beschrieben werden - der Übergang zwischen zwei verschiedenen Phasen, Orten oder Realitäten. Ein Dazwischen, in dem man nicht mehr der Mensch ist, der man einmal war, aber auch noch nicht der, der man werden wird. Genau in diesem Zustand befinden sich die Mitglieder von Death By Horse - oder sie haben ihn seit ihrem letzten Album "Reality Hits Hard" (2019) durchlebt. Dieses Album ist kein Hilferuf - es ist ein Schrei direkt ins Gesicht! Es ist ein Weg, die emotionale Achterbahnfahrt der letzten Jahre zu verarbeiten. Death By Horse stürzt sich kopfüber in diesen Sturm voller existenziellem Zorn, dem Kampf gegen toxische Muster, dem Tod von Familienmitgliedern und dem Tragen einer Maske aus falschem Selbstvertrauen, um Selbstzweifel und Selbsthass zu verbergen. Das ist Punkrock mit einer melodischen Hardcore-Kante - schnell, gnadenlos und mit Texten voller Widersprüche, unbequemer Wahrheiten, Ironie und der brutalen Selbstreflexion, für die Death By Horse bekannt ist. Keine geschönte Fassade, kein Filter - nur rohe, raue Energie und eine Ehrlichkeit, die weh tut. Gleichzeitig ist "Liminal State" eine Erinnerung daran, dass das alles nur eine Fahrt ist - nicht mehr und nicht weniger. Also: Genieß jede verdammte Sekunde davon! Wenn du dich jemals wie ein Freak, ein Geist oder wie eine Granate kurz vorm Explodieren gefühlt hast - willkommen zu Hause! Klassisch schwarze oder farbige Splatter Vinyl-LP, CD kommt im schmalen Cardboard.

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erscheint voraussichtlich am 19.09.2025

RONG KONG KOMA - SMILE

Rong Kong Koma

SMILE

12inchRR403
Rookie Records
12.09.2025
  • Smile
  • Full Moon Party
  • The Zirkel Vom Life
  • Robocop
  • Almost Paradise
  • Pille Palle
  • Raus Und Wieder Rein
  • Immer Is Was
  • Vip
  • Von Vögeln Und Shrimps
  • Zehn Jahre Tango
  • Links Versifft
  • Da Lebt Irgendwas Drin

Mit "Smile" liefern Rong Kong Koma ihr drittes Album, und es ist ihr kompromisslosestes. Wo die Vorgänger noch verspielte Umwege nahmen, geht es jetzt direkt durch die Wand. Der Sound ist rau, kantig und voll auf die Fresse. Mit mehr Schmutz als Glanz. Die Band stampft mal wie ein zorniges Metronom, schaltet dann in Reggaeton-Grooves oder fällt in sich zusammen, wenn sich plötzlich eine zerbrechliche Ballade in den Raum stellt. Was glauben die eigentlich, wer sie sind? Die Produktion ist trocken und aggressiv, das Songwriting unberechenbar und bissig. Auch textlich bleibt es unbequem: Absurder Humor trifft auf präzise Alltagsbeobachtungen und wütende Spitzen gegen den Rechtsruck, toxische Männlichkeit und die gepflegte Lethargie der Mitte. "Smile" ist keine einfache Platte. Aber eine zwingende. Zwischen Punk, Indie und einer gesunden Portion Wahnsinn, der große Gefühle kennt, aber keine Pose braucht.

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erscheint voraussichtlich am 12.09.2025

Isaiah Collier, William Hooker, William Parker - The Ancients LP 2x12"

The debut recording by The Ancients, the intergenerational coalition of Isaiah Collier, William Hooker, & William Parker formed by parker to play concerts in conjunction with the milford graves mind body deal exhibition at the institute of contemporary art los angeles & now a working group. across x2LPs of side-length long-form improvised sets recorded at 2220 arts & archives in LA & the chapel in San Francisco, The Ancients bring the free jazz trio languages first explored by the Cecil Taylor Unit & Ornette Coleman’s -Golden Circle- band (expanded upon in later eras by Sam Rivers' Trio & Parker’s collective trios with Charles Gayle/Graves & Peter Brötzmann/Hamid Drake) into their own unique & scintillating realms of expression.

As we tumble further into the throes of history’s tides, people of hope & creativity rely on the works of our great artists to lift our spirits & focus our resolve. -ascension- was recorded less than a year after the passage of the civil rights act & four months after the assassination of Malcolm X. -journey in satchidananda- was recorded the month reagan was re-elected governor of California. M’boom made its debut recording weeks after the watergate scandal broke & a couple months after the wounded knee occupation ended. The music of the ancients builds on these great musical legacies. it resounds with the pride of survival & the joys of making & sharing music. It delivers to us hope & balm. something real in you, real in history, & real in the music is shared, right on time.

When Eremite records commenced operations during the 1990s free jazz resurgence, heavyweight freedom-seeking tenor saxophonists such as Fred Anderson, Peter Brötzmann, Charles Gayle, Kidd Jordan, & David S. Ware were at the height of their powers. Isaiah Collier’s tenor playing in the ancients is bracing testimony that the wellspring lives on. to hear the young chicago firebrand blowing freely with veteran improvisers in an entirely open-form group music is a revelatory study of his vast talent, personal voice, & the intensity of his expression —as well as a bold complement to his composition-based albums as a bandleader (including -the almighty-, a new york times' best albums of 2024 selection).

I've admired drummer William hooker since first encountering his music in a hartford ct city park, early ‘90s (on a double bill with Jerry González & Fort Apache Band). From the man himself right off the bandstand i bought his even-then rare 1st recording, the 1976 self-released x2LP opus -is eternal life- (reissued 2019 by superior viaduct). An imposing force on his instrument & an intrepid DIY cat, Hooker’s been exuberantly swinging in&out of free time for 50+ years. informed by the innovations of Sunny Murray & Tony Williams yet entirely himself, there is no other term for it than “pure hooker.” at age 78, with the ancients & everywhere else, THE HOOK is in peak form.

With a discography approaching 600 entries & 50+ years working across the musical maps, including in the history-defining bands of Don Cherry, Cecil Taylor, Bill Dixon, Peter Brötzmann, in his own wondrous ensembles from small group to orchestra to opera, a bastion of compassionate leadership & a poetic champion of his musical community, in tireless service to what he rather egolessly refers to as “the tone world”, multi-instrumentalist, improviser & composer william parker is a living hero of the grassroots & the black mystery musics, not to mention one of the great bassists in the history of jazz. To quote George Clinton, conquering the stumbling blocks comes easier when the conqueror is in tune with the infinite.

Live to 2-track concert recordings by Bryce Gonzales, Highland Dynamics. Mastered by Joe Lizzi, Queens, NY.

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Jean-Marie Mercimek - Dans Le Camion De Marguerite Duras

The road is a wrinkled timeline. Uncanny flatness conceals unfolding textures, transparent layers and open tabs. The truck cuts the landscape, tracing the road with a line of mad logic that composites time, space, thought. On “Le Camion de Marguerite Duras,” French duo Jean-Marie Mercimek have returned with a road movie for the blind. Composed and recorded by Marion Molle and Ronan Riou over six years across France and Belgium, this unlikely distillation of microtonal MIDI composition, French B.O., and post-punk chansons brazenly expands the duos’ penchant for lowkey narrative spectacle.

Across “Le Camion,” sounds form a theatrical screen. Our ears are the curtains drawn wide and listening with a look that pans across the shot. No title cards, they cut straight to action. The truck is a camera, zooming and framing the tracks as scenes. Songwriting and sound design blur in a tangle of delicate economy. The balance of mutant music-boxes and dewy miniatures recalls otherworldly hits from Gareth Williams’ Flaming Tunes, Residents, and catchier corners of the Lovely Music catalog. Strange, sure, but this flick is never quite a cartoon. Molle and Riou’s vocals dilate into a cast of very human characters. Voices sing borrowed texts like untrained actors (playing themselves, in fact) stepping into the frame once before disappearing forever. And when they’re gone, you miss them. But here in the truck, it all comes back again under the cyclic spell of repose in perpetual motion. Turn up the radio and appuyez sur le champignon. - Turner Williams Jr.

vorbestellen13.06.2025

erscheint voraussichtlich am 13.06.2025

Ches Smith - Clone Row

I must admit to being a sucker for two-guitar bands. Ok, Hendrix pulled off a trio. But I don’t care what anybody says: The Yardbirds were a better band than anything that came out of them (Ok, maybe not Zep. But Cream?).

Maybe the reason I go back so far in my references is that, within the two-guitar band format, original new roles are difficult and rare. There’s the classic (socially problematic and often boring) “rhythm/lead” solution. There’s the JB’s or Nile Rodgers’ chicken pickin’ vs comping solution (which avoids chordal clashes by relegating one of the guitars to the role of single-note percussion instrument). There’s Ornette’s Prime Time division between Bern Nix’s rolled-off “jazz” tone and Charles Ellerbee’s trebly wah. Almost everything else is a variation on one of these.


In Ches Smith’s record Clone Row, each piece is built around a different concept for guitar interaction. The delightful and gifted weirdness of Mary Halvorson’s playing is counterpointed, contrasted, unisoned with, played off, juxtaposed (that is to say, enters every relationship possible) with Liberty Ellman’s equally amazing sound palette, chops, and imagination. This definitely ain’t your father’s guitar band.
The overall vibe of the record—despite Halvorson’s occasional noise outbursts or Ellman’s distorted guitar lines (see Mixed Fridge) is neither punk/funk, nor Zorn-ish metal—and certainly not the looser parameters of Ornette’s improvised harmolodics. Smith’s vibraphone playing, Halvorson’s guitar tone (whammy pedal squiggles aside), the brilliant electronics, and (most of all) the compositions themselves are somehow strangely West Coast cool. It’s as if I’m hearing a Jim Hall concert in which one of us did a lot of mushrooms, or (dare I write this?) some post-punk post-Dave Brubeck post-trip-hop experiment with classical form.

This recording is, most of all, about Ches as composer. He’s picked up a lot on his long, strange trip of the last few decades. The Haitian funkiness of his work with We All Break is audible—but deeply buried, encoded in the polyrhythms (check out Heart Breakthrough). His long-running side musician collaborations with John Zorn and Tim Berne are also evident but sublimated here into something new.

Not that improvising is absent. Check out the compelling collective statements in Sustained Nightmare and Ready Beat. Check out the brilliant interplay and bass soloing on Abrade With Me (a Weather Report for the age of extreme weather?) Nick Dunston is my favorite bassist of the new generation, and he plays brilliantly throughout. And Ches’ drumming here has all the groove, energy, and incredible range that have kept him in demand from Saturday night Vodou services to jazz and new music recording sessions (…the thinking man’s rock barbarian?).
The sus chords in Abrade With Me do build, for a moment, towards a fusion type of climax...but just at the moment I was gritting my teeth in anticipated defense against some horrible synth solo, the drums drop out, and we’re transported to the ambient lounge at the rave, and we suddenly understand we’re in the hands of a composer with the power to transport us just about anywhere.
So, this is a composer’s record most of all; a composer’s record performed by musicians who happen to be great improvisers. Ches Smith builds here on his reputation as a gifted new voice with an important vision, while showcasing some of the most creative musicians of our time.

vorbestellen06.06.2025

erscheint voraussichtlich am 06.06.2025

Purple Trap - The Stone

Purple Trap

The Stone

12inchKR109
Karlrecords
25.04.2025
  • 01: The Stone, Part I (Live)
  • 02: The Stone, Part Ii (Live)
  • 03: The Stone, Part Iii (Live)
  • 04: The Stone, Part Iv (Live)
  • 05: The Stone, Part V (Live)
  • 06: The Stone, Part Vii (Live)

PURPLE TRAP, the powerful trio of KEIJI HAINO (voice, guitar), BILL LASWELL on bass and RASHIED ALI (drums), recorded live on stage at The Stone.


Recorded in december 2005, this furious live album by what can easily be called a super group remained unreleased till in 2023 BILL LASWELL made it accessible in a rough-mixed digital version for his bandcamp subscribers program exclusively. For this vinyl version, the music has been newly mixed by DIRK DRESSELHAUS (SchneiderTM) and mastered / cut by RUY MARINÉ at Dubplates & Mastering Berlin.


PURPLE TRAP, the trio of LASWELL / HAINO / ALI, reunited for this one-off gig as part of a 5-day-HAINO-festival at John Zorn's venue "The Stone", seven years after its only album Decided ... Already The Motionless Heart Of Tranquility, Tangling The Prayer Called "I" had been recorded (released on Tzadik in 1999).
The six untitled tracks (+ one as digital bonus) deliver what can be expected from such musical masters:
RASHIED ALI, iconic free jazz drummer who played with JOHN and ALICE COLTRANE, PHAROAH SANDERS, SONNY ROLLINS, JAMES BLOOD ULMER and countless more, is all drums, from quiet tiny sounds to high-energy rhythm patterns.
KEIJI HAINO, one of the most prolific artists of the Japanese experimental / noise scene for almost 50 years now, switches between truculent guitar splatters and full-on psychedelic outbursts.
BILL LASWELL, who as producer and musician created a massive body of work in fiields as diverse as ambient, world music, funk, jazz (and often hybrids of these), has proven his mastery in improvisation in projects like MASSACRE, PAINKILLER or (early) MATERIAL and provides the low-end grounding with his signicature bass sound, or adds effect-laden ornaments to the whole.
An overdue addition to a very small body of work by a clearly under-documented supergroup!

Credits:
KEIJI HAINO: voice, guitar BILL LASWELL: bass RASHIED ALI: drums

Recorded at The Stone, New York, december 15th, 2005. Edited by James Dellatacoma at Orange Music, West Orange, NJ. Mixed by Dirk Dresselhaus at the Zone, Berlin. Mastered & cut by Ruy Mariné at D&M, Berlin.

Layout & design by kaidoh. Cover photography by Jasmin Bär.

vorbestellen25.04.2025

erscheint voraussichtlich am 25.04.2025

Jef Mertens - Orchid Alto

Belgian musician and filmmaker Jef Mertens has been an active force in the experimental music and film scene for nearly two decades. Known for his documentaries on artists like Sonic Youth and Borbetomagus, as well as his work with the now-defunct Dadaist Tapes label, Mertens continues to push the boundaries of sound exploration. His previous solo works include NO MATHEMATICS, released on KRAAK/Feeding Tube Records.

With Orchid Alto, Mertens dedicates himself to the taishogoto, a Japanese stringed instrument that became a new focal point in his sonic explorations. Initially drawn to its unique tonal qualities, he approached the instrument with an open-ended curiosity, using it as a means to reshape his musical language. The transition to taishogoto marked a shift away from guitar-based compositions, offering a fresh perspective on texture and resonance. Through these explorations, Orchid Alto serves as a blueprint for new sonic possibilities.

A bold and immersive sonic journey, Orchid Alto merges traditional resonance with modern experimentalism, further shaping Mertens' artistic voice—one influenced by artists like Michael Flowers, Turner Williams Jr., and Bill Nace.

vorbestellen25.04.2025

erscheint voraussichtlich am 25.04.2025

Venamoris - To Cross Or To Burn (LP)
  • A1: Stay With Me
  • A2: In The Shadows
  • A3: Truth
  • A4: Stain Of Pain
  • A5: Spiderweb
  • B1: Burnt Paper
  • B2: Holding On To Nothing
  • B3: Animal Magnetism
  • B4: Numb

Das zweite gefühlvolle Dark Pop Album des legendären Schlagzeugers Dave Lombardo und der Singer-Songwriterin Paula Lombardo.

Die Beziehung von Dave und Paula Lombardo ist wie geschaffen für eine romantische Komödie. Man stelle sich vor: Der Mann, der die Messlatte für Heavy-Metal-Schlagzeuger höher gelegt hat, hat ein Rendezvous mit einer schönen Frau, deren musikalischer Hintergrund darin besteht, dass sie in Las Vegas als Backgroundsängerin für bekannte Bands gearbeitet hat und in Nashville als Singer/Songwriterin Fuß fassen wollte. Zum Glück für die Welt hat sich ihr musikalischer Bund in Venamoris manifestiert, deren Ipecac-Debüt To Cross Or To Burn (erscheint am 28. Februar) weit davon entfernt ist, vorgefasste Meinungen zu zerstören, während es fesselnde neue Möglichkeiten aufbaut.

Natürlich sind die Qualitäten des unermüdlichen Dave Lombardo als Weltklasse-Schlagzeuger bekannt. Aber während er die Blaupause entwarf, die das Thrash-Metal-Schlagzeugspiel definieren sollte, hat er seine Finesse auch auf Solo-Schlagzeug (Rites Of Percussion von 2023, ebenfalls auf Ipecac), Hip-Hop und klassische Musik angewandt, und er hat grenzüberschreitende Aufnahmen und Auftritte mit jedem gemacht, von John Zorns Ensembles bis zu den Punk-Ikonen Misfits und Mr. Bungle. To Cross... ist ein weiterer Meilenstein in seiner bewegten Karriere, in der er seine klanglichen Fähigkeiten um Gitarre, Bass und bemerkenswerte Produktionstechniken erweitert hat. „Das einzige, was mit den vielen Schlagzeugen, die wir zu Hause haben, mithalten kann, sind die vielen Gitarren, die Dave hat“, sagt Paula lachend. „Also spielt er auf diesem Album ziemlich viel Gitarre.“

Paula ist eine wahrhaft dynamische musikalische Kraft mit beeindruckenden stimmlichen Fähigkeiten, Geschick am Klavier und am Synthesizer und einem ausgeprägten Gespür für verführerische Texte, Melodien und Arrangements. Mit 18 war sie Backgroundsängerin in der Enklave des Entertainers Wayne Newton in Las Vegas, wo sie lernte, mit dem Druck umzugehen, wenn man mehrere Auftritte an einem Abend hat und jeden Tag Perfektion verlangt wird. Sie verließ Vegas und ging nach Nashville, um ihre Musikkarriere fortzusetzen, aber, wie sie selbst sagt, „es war einfach nicht das Richtige“.

Der Name Venamoris leitet sich vom lateinischen vena amoris („Liebesader“, die angeblich vom linken Ringfinger zum Herzen verläuft) ab. Die erste öffentliche Aufnahme von Venamoris war „The Gift“, ein Weihnachtslied, das die Lombardos auf Bandcamp veröffentlichten. Kurz darauf erschien ihr Debütalbum "Drown In Emotion", das sich durch Paulas Singer-Songwriter-Vibe auszeichnet, als wäre es 1975 zwischen den Deep Cuts von Carole Kings "Tapestry" und "Heart's Dog And Butterfly" aus dem FM-Radio gezupft worden.

Unter den Special Guests auf dem Album::
Kontrabass - Trevor Dunn von Mr. Bungle (Stay with Me)
Bass - Ra Diaz von Korn (Stain of Pain)
Gitarre - Alex Skolnick von Testament (Stain of Pain, Burnt Paper)
Gitarre - Gary Holt von Slayer (Animal Magnetism)

vorbestellen28.02.2025

erscheint voraussichtlich am 28.02.2025

Turbostaat - Alter Zorn LP

Das achte Album der Punkrock-Gruppe Turbostaat: Wo sonst Möwen und Wattenmeer waren, sind jetzt Tauben und Beton

Junger Punk steht breit lächelnd in kahler Raumecke vor zerschlissener Tonbandmaschine; kurzgeschorene, blondierte Haare, schnittige Sonnenbrille mit dünnen Metallbügeln, angejahrte Lederjacke über buntem Flanellhemd; Trainspotting-Ästhetik. Beschriebenes Foto ist gewiss kein typisches Albumcover-Motiv - und doch ziert es das Cover vom neuen, achten Studioalbum der Husumer, Hamburger, Berliner Band Turbostaat. Der Mann im Zentrum des angegilbten Schnappschusses? Turbostaat-Stammproduzent und Toningenieur Moses Schneider in seinen späten Zwanzigern; oder in seinen frühen Dreißigern - jedenfalls in einem Lebensabschnitt vor Kamillentee und Hochglanz-Equipment. Dreck, Wut, Tatendrang, Aufbruchsstimmung, rotziger Pessimismus, unverhohlen grantiger Punk-Geist - das sind die Parallelen zwischen jenem Foto und der Platte, die es bebildert. Sie hört mit Fug und Recht auf den Namen 'Alter Zorn', klingt mehr nach Stunde null als nach Spätwerk-LP und probt - anstatt friedfertig zu umarmen - den unsanft aufrüttelnden Würgegriff.

Okay, geschenkt: Friedfertig umarmt haben Turbostaat ihre Hörer*innen auf musikalischer Ebene Zeit ihres Bestehens ohnehin nie. Da war immer mehr Understatement und nordfriesische Nüchternheit als Charmeoffensive oder Frohmut, immer mehr Sehnsucht als Wohlbehagen, immer mehr Krach, wirre Worte und bärbeißige Mine zum bösen Spiel als gut gelaunter Humbug. Turbostaat-Musik, das ist Punkrock, dem Wattenmeer-Nebel in den Lungen hängt - seitdem sich die Band 1999 in der schleswig-holsteinischen Provinz formiert hat und auch ein Vierteljahrhundert später.

Wo sonst Möwen, Wattenmeer-Nebel und graue Weiten waren, verdecken nun Taubenschwärme, endzeitlich versmogte Betonburgen und eine gottverdammte Bismarck-Statue, die dem Szeneviertel ihren metergroßen Arsch entgegenstreckt, die Sicht auf alles Schöne. 'Alter Zorn' blickt auf die »Affenstraße«, auf verwahrloste Eckkneipen, in der sich düstere Schatten stapeln, auf »Ruinen zwischen Glas und Stahl«, auf Metropolen voll »greller Sommerkotze« und Spiegelscherben, die immer enger werden - und nur selten starr auf’s offene Meer. Was den schwammigen Protagonist*innen des Turbostaat-Universums dennoch geblieben ist, ist die bohrende Einsamkeit - dieses wütend-resignierte Gefühl, es nicht zustandezubringen, »hier mitzumarschieren«. 'Alter Zorn' zeichnet eine Dystopie - eine Welt zwischen Novembergicht und Hitzestau, in der sich tote Schwäne im Graben stapeln, Panzer rollen, die Luft knapp wird, Obdachlose die Straße umarmen, alle alles mit Karte bezahlen, in Ledersitzen zittern, die Laune im Arsch und überhaupt »wirklich Sense« ist.

vorbestellen17.01.2025

erscheint voraussichtlich am 17.01.2025

Turbostaat - Alter Zorn (MC)

Das achte Album der Punkrock-Gruppe Turbostaat: Wo sonst Möwen und Wattenmeer waren, sind jetzt Tauben und Beton

Junger Punk steht breit lächelnd in kahler Raumecke vor zerschlissener Tonbandmaschine; kurzgeschorene, blondierte Haare, schnittige Sonnenbrille mit dünnen Metallbügeln, angejahrte Lederjacke über buntem Flanellhemd; Trainspotting-Ästhetik. Beschriebenes Foto ist gewiss kein typisches Albumcover-Motiv - und doch ziert es das Cover vom neuen, achten Studioalbum der Husumer, Hamburger, Berliner Band Turbostaat. Der Mann im Zentrum des angegilbten Schnappschusses? Turbostaat-Stammproduzent und Toningenieur Moses Schneider in seinen späten Zwanzigern; oder in seinen frühen Dreißigern - jedenfalls in einem Lebensabschnitt vor Kamillentee und Hochglanz-Equipment. Dreck, Wut, Tatendrang, Aufbruchsstimmung, rotziger Pessimismus, unverhohlen grantiger Punk-Geist - das sind die Parallelen zwischen jenem Foto und der Platte, die es bebildert. Sie hört mit Fug und Recht auf den Namen 'Alter Zorn', klingt mehr nach Stunde null als nach Spätwerk-LP und probt - anstatt friedfertig zu umarmen - den unsanft aufrüttelnden Würgegriff.

Okay, geschenkt: Friedfertig umarmt haben Turbostaat ihre Hörer*innen auf musikalischer Ebene Zeit ihres Bestehens ohnehin nie. Da war immer mehr Understatement und nordfriesische Nüchternheit als Charmeoffensive oder Frohmut, immer mehr Sehnsucht als Wohlbehagen, immer mehr Krach, wirre Worte und bärbeißige Mine zum bösen Spiel als gut gelaunter Humbug. Turbostaat-Musik, das ist Punkrock, dem Wattenmeer-Nebel in den Lungen hängt - seitdem sich die Band 1999 in der schleswig-holsteinischen Provinz formiert hat und auch ein Vierteljahrhundert später.

Wo sonst Möwen, Wattenmeer-Nebel und graue Weiten waren, verdecken nun Taubenschwärme, endzeitlich versmogte Betonburgen und eine gottverdammte Bismarck-Statue, die dem Szeneviertel ihren metergroßen Arsch entgegenstreckt, die Sicht auf alles Schöne. 'Alter Zorn' blickt auf die »Affenstraße«, auf verwahrloste Eckkneipen, in der sich düstere Schatten stapeln, auf »Ruinen zwischen Glas und Stahl«, auf Metropolen voll »greller Sommerkotze« und Spiegelscherben, die immer enger werden - und nur selten starr auf’s offene Meer. Was den schwammigen Protagonist*innen des Turbostaat-Universums dennoch geblieben ist, ist die bohrende Einsamkeit - dieses wütend-resignierte Gefühl, es nicht zustandezubringen, »hier mitzumarschieren«. 'Alter Zorn' zeichnet eine Dystopie - eine Welt zwischen Novembergicht und Hitzestau, in der sich tote Schwäne im Graben stapeln, Panzer rollen, die Luft knapp wird, Obdachlose die Straße umarmen, alle alles mit Karte bezahlen, in Ledersitzen zittern, die Laune im Arsch und überhaupt »wirklich Sense« ist.

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erscheint voraussichtlich am 17.01.2025

Turbostaat - Alter Zorn (Col. LP)

Das achte Album der Punkrock-Gruppe Turbostaat: Wo sonst Möwen und Wattenmeer waren, sind jetzt Tauben und Beton

Junger Punk steht breit lächelnd in kahler Raumecke vor zerschlissener Tonbandmaschine; kurzgeschorene, blondierte Haare, schnittige Sonnenbrille mit dünnen Metallbügeln, angejahrte Lederjacke über buntem Flanellhemd; Trainspotting-Ästhetik. Beschriebenes Foto ist gewiss kein typisches Albumcover-Motiv - und doch ziert es das Cover vom neuen, achten Studioalbum der Husumer, Hamburger, Berliner Band Turbostaat. Der Mann im Zentrum des angegilbten Schnappschusses? Turbostaat-Stammproduzent und Toningenieur Moses Schneider in seinen späten Zwanzigern; oder in seinen frühen Dreißigern - jedenfalls in einem Lebensabschnitt vor Kamillentee und Hochglanz-Equipment. Dreck, Wut, Tatendrang, Aufbruchsstimmung, rotziger Pessimismus, unverhohlen grantiger Punk-Geist - das sind die Parallelen zwischen jenem Foto und der Platte, die es bebildert. Sie hört mit Fug und Recht auf den Namen 'Alter Zorn', klingt mehr nach Stunde null als nach Spätwerk-LP und probt - anstatt friedfertig zu umarmen - den unsanft aufrüttelnden Würgegriff.

Okay, geschenkt: Friedfertig umarmt haben Turbostaat ihre Hörer*innen auf musikalischer Ebene Zeit ihres Bestehens ohnehin nie. Da war immer mehr Understatement und nordfriesische Nüchternheit als Charmeoffensive oder Frohmut, immer mehr Sehnsucht als Wohlbehagen, immer mehr Krach, wirre Worte und bärbeißige Mine zum bösen Spiel als gut gelaunter Humbug. Turbostaat-Musik, das ist Punkrock, dem Wattenmeer-Nebel in den Lungen hängt - seitdem sich die Band 1999 in der schleswig-holsteinischen Provinz formiert hat und auch ein Vierteljahrhundert später.

Wo sonst Möwen, Wattenmeer-Nebel und graue Weiten waren, verdecken nun Taubenschwärme, endzeitlich versmogte Betonburgen und eine gottverdammte Bismarck-Statue, die dem Szeneviertel ihren metergroßen Arsch entgegenstreckt, die Sicht auf alles Schöne. 'Alter Zorn' blickt auf die »Affenstraße«, auf verwahrloste Eckkneipen, in der sich düstere Schatten stapeln, auf »Ruinen zwischen Glas und Stahl«, auf Metropolen voll »greller Sommerkotze« und Spiegelscherben, die immer enger werden - und nur selten starr auf’s offene Meer. Was den schwammigen Protagonist*innen des Turbostaat-Universums dennoch geblieben ist, ist die bohrende Einsamkeit - dieses wütend-resignierte Gefühl, es nicht zustandezubringen, »hier mitzumarschieren«. 'Alter Zorn' zeichnet eine Dystopie - eine Welt zwischen Novembergicht und Hitzestau, in der sich tote Schwäne im Graben stapeln, Panzer rollen, die Luft knapp wird, Obdachlose die Straße umarmen, alle alles mit Karte bezahlen, in Ledersitzen zittern, die Laune im Arsch und überhaupt »wirklich Sense« ist.

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erscheint voraussichtlich am 17.01.2025

Dunn with Lords and Lady Kevin - Last Days At Hot Slit LP
  • Despair
  • Devil Woman
  • Hell Better
  • Hiq82
  • Humanity One
  • Last Days At Hot Slit
  • Lazarus
  • Monday
  • Shape
  • Sweet Jesus
  • Indifference
auch erhältlich

Fluo Pink Vinyl


This is the third release by Trevor Dunn (Mr Bungle, Fantomas, Trio Convulsant, various with John Zorn) and Kevin Rutmanis (Tomahawk, Melvins, Cows, Hepa/Titus) On this outing Trevor joins Lords and Lady Kevin (duo of Kevin Rutmanis and drummer/artist Gina Skwoz) for a full length LP "Last Days at Hot Slit"

Songs are loosely based on assorted gospel, blues and jazz songs, some original, some covers. Included is a re-working of Mingus "Devil Woman". The trio based the pieces on improvisations that were then arranged and used to build free standing songs. A multitude of instruments were exploited by all those involved, to create a sizzling blend of aural delicacies. The album title is from a collection by writer Andrea Dworkin, often sited as the Celine of feminism. Less outre perhaps than their previous recordings, these songs hover somewhere between soundtrack- like excursions, to jazz/ blues mutations to a demented "rock" sounding affair. Something for everybody, or perhaps, nobody! Uniting former and current members of Tomahawk, Last Days At Hot Slit marks a powerful reunion between Rutmanis and Dunn. The record took shape gradually, born from Rutmanis's raw, unconventional bass recordings. "I sent Trevor a phone recording of some hideous bass racket and asked if he wanted to add anything," Rutmanis shares. "What he sent back was something like delicious fresh cherries with ice and banana slices." The pair's combined creativity gave rise to a new, immersive soundscape, while their collaborative piece, Crackpot Whorehead, set the tone for the current formation of Lords and Lady Kevin."

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erscheint voraussichtlich am 17.01.2025

Werner Durand, Amelia Cuni & Uli Hohmann - Clearing LP

In addition to the unique musical proposals and the large body of work that they have developed separately, Amelia Cuni and Werner Durand have been performing together as a duo as well as in collaborations (Tonaliens, Born of Six) for more than 20 years. Fusing her Indian Raga singing in the Dhrupad style with his minimalist and experimental approach, they have expanded the reach of their soundworlds as well as proposed new paths for contemporary music.In this occasion, Uli Hohmann joins them in a range of hand drums from the Middle East and North Africa, plus a dulcimer-sounding hammered guitar. Durand's various self-made wind instruments, soprano sax, and blown kalimba shine along with Cuni's astounding vocals, which are sometimes sung through a mirliton (a medieval type of kazoo). Clearing is the trio's first published recording.

Seconds of Thirst, recorded in one session at Uli´s studio in Bavaria in early 2014, is truly a conjuring where distinctive balances come to gather. A deep drone unfolds patiently in a hypnotic manner, comprised by Werner's characteristic PVC clarinets, a hammered guitar played by Hohmann, and subtle electronic tones. Above all, Amelia's singing voice, filtered through the mirliton, drifts buzzing along the gradually shifting harmonic waves, meandering through serpentine melodic lines and microtonality.

In the middle pieces, vocals turn into an ethereal multi-layered chorus, an exotic and astonishing instrument pulsing delicate and vaporously, like a gliding silk sail without a mast to bind it. Misty ambiances linger on as the soft atmosphere disperses the weight of undelivered syllables. Just intonation aligns the pan-ney's winds with vocal navigation. Foe to scattering, hurry, and affectation, Clearing's pace has lifted a fog translucent enough to reveal treetops calmly appearing, efficiently condensing damp into definite drops that fall drumming, forecasting what's yonder.

With a condensing sound going from Buddhist morning chants down to Indian festive traditional music, the title track, which closes the album, is the most vibrant of all, permeating a bit of commotion through buzzing drones and galloping percussion. Without disorder, yet without measure. Clearing is therefore this shuttle into the distance, this space that weaves, unites, and tenses the different cords that we are made up of.

When the clouds advance silently, gray, until they become dark in a few minutes, it means that the monsoon is coming. It reaches us without apparent noise, but then resounds in its images, leaving behind lightness, freshness, clarity, and a tremendous luminosity that comes from so far away: from the Himalayas, from so ancient, from Sanskrit, from a sound where the darkness and the divine, where the concrete and the landscape, where the rock and the humidity leave a mark that brings together and ties a sky loaded with new clouds.

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Noah Howard - Patterns

Noah Howard

Patterns

12inchZORN91
Aguirre Records
06.12.2024

Classic free jazz album reissued for the first time since the 70s. Old-style gatefold sleeve LP, with liner notes by Ed Hazell.

Noah Howard, an alto saxophonist and composer, was known for weaving intricate and innovative musical patterns, often likening his work to "sound paintings." His 1971 album Patterns, the first LP he self-produced on his Altsax label, stands as a testament to his experimental and spiritual approach to music. In interviews, Howard frequently used visual terms like "patterns" and "shapes" to describe his compositions, emphasizing the importance of melody and structure even in highly improvisational settings. For Howard, patterns and melodies were essential to guiding listeners through his explorations without alienating them, maintaining a balance between innovation and accessibility. Howard's quest for an original sound was deeply influenced by jazz greats like Charlie Parker, Ornette Coleman, and Jackie McLean. While he admired these legends, Howard avoided imitation, striving instead to develop his own distinct voice. His sound was unmistakably his own, and he felt a deep obligation to carry the jazz tradition forward through personal expression, not by mimicking others. His music was also rooted in spirituality, a legacy he traced to his upbringing in the Black Baptist Church. He believed jazz had always contained a spiritual essence, from Louis Armstrong to John Coltrane, and his work aimed to channel this cosmic, spiritual energy.

Patterns was recorded in the Netherlands during Howard's second stint in Europe, where he found a more open, less racially charged environment compared to the U.S. For the album, Howard collaborated with Dutch musicians such as Misha Mengelberg (piano), Han Bennink (drums), and Earl Freeman (bass). Despite the challenges faced by guitarist Jaap Schoonhoven, who felt out of place in the session, the album came together as a powerful mix of blues, jazz, and classical elements.

The music on Patterns is a high-energy fusion of American free jazz and Dutch improvisation. Howard's saxophone work alternates between leading with passionate, lyrical lines and blending into the collective improvisation. The album’s dynamic interplay, particularly between Mengelberg’s dissonant piano clusters and Bennink’s thunderous drumming, creates a vivid "sound painting" full of contrasting forms and colors. Patterns remains one of Howard’s most unique and celebrated recordings, showcasing his visionary approach to jazz.

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erscheint voraussichtlich am 06.12.2024

Nature’s Consort - Nature’s Consort

Obscure & outstanding free jazz album reissued for the first time since it’s original release in 1969. Old-style gatefold sleeve LP, with liner notes by Ed Hazell.

In the late 1960s, young jazz musician Bobby Naughton, a keyboardist and vibraphonist, faced significant challenges as he sought to record his first album. With major record labels and jazz clubs catering only to big names, Naughton and other creative musicians of his generation found themselves sidelined by the mainstream music industry. They turned to self-reliance and self-production, becoming part of a movement of independent musicians. Naughton’s debut album, Nature’s Consort, was a DIY effort in every sense—recorded on home equipment and featuring a hand-printed woodblock cover. The album was distributed independently at concerts and by mail, receiving little attention initially, but over the years it gained a reputation as a rare, sought-after artifact of the period.

Though recorded during an outdoor concert in Connecticut, Nature's Consort reflected the "loft jazz" scene in New York City. This avant-garde jazz movement centered around musicians who lived and played in loft spaces in lower Manhattan. Naughton commuted from his home in Southbury, Connecticut, to play with his bandmates Mark Whitecage, Mario Pavone, and Laurence Cook in New York's lofts. These musicians regularly performed at venues like Studio We, a key gathering spot for free-form jazz, where musicians could experiment and develop their sound, often with no audience present.

Naughton’s journey into jazz was a winding one. Originally from Boston, he played rockabilly and blues-rock before transitioning into free jazz. Inspired by avant-garde artists like Carla Bley and Paul Bley, Naughton sought to explore new forms of music that went beyond traditional jazz structures. His bandmates, Mark Whitecage and Mario Pavone, were both deeply affected by the death of John Coltrane in 1967, which prompted them to quit their day jobs, attend Coltrane’s funeral, and move to New York to pursue jazz full-time.

Nature’s Consort was a collective project, with band members sharing equally in any profits. However, Naughton was the driving force behind the group’s creative direction. He composed much of the original material and selected pieces by Ornette Coleman and Carla Bley for the band’s repertoire. Jazz critic Nat Hentoff praised the album for its “high-risk improvisation” and the musicians' ability to anticipate each other’s moves. Though Nature’s Consort received little press at the time, it has since been recognized as a significant early document of the loft jazz era, representing Naughton’s disciplined, improvisational approach to music.

vorbestellen06.12.2024

erscheint voraussichtlich am 06.12.2024

SCORN - THE ONLY PLACE LP 2x12"

Combining the signature soundscapes of Scorn with tartareous textures, the current album "The Only Place" reaches a psychedelic groove, based on what Harris calls "Pushing an original idea further" with his own shades of light and dark and celestial electricity of what SCORN is. These 10 tracks add elements unheard in Scorn since Evanescense and Gyral - ethereal ambiences and floating, near-melodic-but-not-quite moments, a signature of Harris' abilities to generate feelings in a lost world of his own creation. Mick Harris is one of the world's greatest compositional treasures. Starting his career as the energy dynamo behind the drum kit of the UK's Napalm Death, he made the term Blastbeat a household reference, wrote the band's music on his mother's one string guitar, and joined the Guinness Book of World Records for composing the world's shortest song. In the decades succeeding, he has re-inventedmusic several more times, from the wild abstract jazz of Painkiller with John Zorn and Bill Laswell, to the drowning ambience of his Lull project, all while continuing to build a world that he can truly call his own - the dark post-dub of SCORN. "Reaching 54 this year - this won't stop the challenge, driving me more so now than ever" - says Mick Harris, commenting on the recent phase in his creativity. The pandemic isolation and lockdown pushed the work of the maestro more than anything else could have. In 2021, his output is ever-increasing, releasing the newest collabs with Justin K. Broadrick and the single "Distortion", featuring one of the most outstanding voices of hip-hop - Kool Keith - his closest collaborator, Ohm Resistance founder - Submerged. Commenting on the release of "Distortion", Mick Harris said to mxdwn: "I enjoy collabs - they bring something different to the swim." Working on his own and collaborating with everyone from Sleaford Mods' James Williamson, on the previous SCORN release or with Kool Keith and Submerged on "Distortion", Mick Harris never had problems with putting energy into beats and sound landscapes, combining various surreal elements with three basic elements that always push Harris further, that are extremely crucial for both Mick Harris and SCORN as a project - frustration, anger and anxiety. 2024 vinyl version on orange coloured vinyl!

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DIE NERVEN - WIR WAREN HIER LP

"Wir waren hier" heißt das neue Studioalbum von der Gruppe Die Nerven. Es ist das sechste Album des Trios. Die neuen Songs haben Kevin Kuhn, Julian Knoth und Max Rieger in einer vierwöchigen Session in einem ehemaligen Sterne-Restaurant am Stuttgarter Schlossplatz mit Blick auf die Oper aufgenommen. Und so nah wie auf "Wir waren hier" sind Die Nerven noch auf keinem Studioalbum der Aura ihrer Live-Auftritte gekommen - der musikalischen Spontaneität ihres Zusammenspiels auf der Bühne, dem Stop-and-Go ihrer Improvisationen, der Lust an der gegenseitigen Überraschung, und schließlich: der kollektiven Entäußerung in die Katharsis. Ihre Musik ist immer noch zornig, laut, dramatisch, vielleicht könnte man auch sagen: nihilistisch. Aber es handelt sich um einen reiferen Nihilismus, als man ihn von den Nerven bislang kannte. In ihrer Musik fliegt man immer noch über Halden voll Schrott, über dürre Heiden, wüste Länder und öde Städte. Aber es schillern nun auch schöne Klangtupfer über der Szene wie von den letzten Sonnenstrahlen vor einer ewigen Nacht oder von einem bunt schillernden Ölfilm auf einer verdreckten See.

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erscheint voraussichtlich am 13.09.2024

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