Suche:die liebe

Entdecke das neue Akustik-Album „Cape Forestier“ von Angus & Julia Stone, das am 10. Mai 2024 erscheint. Mit 12 frischen Tracks bietet das Geschwister-Duo aus Australien eine vielseitige Mischung aus sanften Melodien und packenden Texten. Das Album ist perfekt für alle, die die intime Atmosphäre und eindringliche Klanglandschaft lieben und schätzen.

Über das Album sagen die beiden: „Cape Forestier, unser neuestes Album, nimmt einen ganz besonderen Platz in unseren Herzen ein. Es ist ein Kapitel, in dem sich ständig entfaltenden Buch über unseren gemeinsamen Weg. Es erinnert stilistisch an unsere früheren Alben; es gibt eine echte akustische Rohheit im Sound. Aber das Songwriting und die Performances sind natürlich an die Menschen gebunden, die wir heute sind, mit all den Zweigen der Erfahrung, die darin hängen. Wir könnten nicht aufgeregter sein, diese Musik mit euch zu teilen. Es war eine unglaubliche Erfahrung, diese Songs gemeinsam zu schreiben und aufzunehmen."

Reissue im neuen Artwork zum 10-jährigen Jubiläum von Hannah Aldridges gefeiertem Debütalbum "Razor Wire" (2014), einer eindringlichen Erkundung von Liebe, Verlust und Rebellion. Aufgewachsen im Herzen von Alabama, ist Aldridges Musik eine Abrechnung mit der Erziehung im US-Süden und der Suche nach Identität. Mit ihrer düsteren wie melodischen Stimme erzählt sie Geschichten über Kampf und Selbstfindung. Aufgenommen im renommierten Welcome To 1979-Studio in Nashville, profitierte "Razor Wire" von der Zusammenarbeit angesehener Musiker und Produzenten wie Chris Mara, Brad Pemberton, Andrew Higley, The 400 Unit und Dylan Leblanc. Dieser Meilenstein markiert ein Jahrzehnt musikalischer Erforschung und Entwicklung und lädt die Hörer ein, die transformative Kraft von Aldridges Musik neu zu entdecken.

Nach den Riesenerfolgen ihres Debutalbums "Mamani" (2002) das viele als den Klassiker der "deutschen Soul Musik" betrachten und dem englischsprachigen Nachfolger
"Born & Raised" (2006) erscheint mit "Maureen" nun Joy Denalanes drittes Album. Nachdem die deutschsprachige Platte schon 2011 direkt in die Top 10 der Deutschen Charts einstieg, erscheint "Maureen" jetzt als zusätzliches Schmankerl in Englischer Sprache, mit einem exklusiven Bonus Track "Steppin' Up" sowie ein einzigartiges Duett mit U.S. R&B Sänger Bilal.
"MAUREEN", benannt nach Joys zweitem Vornamen, ist vor allem ein sehr persönliches Werk, auf dem "Deutschlands Queen of Soul" ihre unterschiedlichen Facetten auslebt, ungeschminkt, reflektiert und nahbar erforscht sie die "zwei Seelen, die in ihrer Brust wohnen" und verschafft ihnen mit dieser fantastischen Songsammlung zwischen Soul, Funk und Hip Hop-Beats Ausdruck und Nachdruck.
"Eine meiner Eigenschaften ist ‚Direktheit' ", sagt Joy Denalane. "Als Mensch und Künstler strebe ich nach der Wahrhaftigkeit, mir und anderen gegenüber." Joy Denalanes neues Album "MAUREEN" ist ein Manifest dieser Lebenseinstellung.

Entdecke das neue Akustik-Album »Cape Forestier« von Angus & Julia Stone. Mit 12 frischen Tracks bietet das Geschwister-Duo aus Australien eine vielseitige Mischung aus sanften Melodien und packenden Texten. Das Album ist perfekt für alle, die die intime Atmosphäre und eindringliche Klanglandschaft lieben und schätzen.

Über das Album sagen die beiden: »Cape Forestier, unser neuestes Album, nimmt einen ganz besonderen Platz in unseren Herzen ein. Es ist ein Kapitel, in dem sich ständig entfaltenden Buch über unseren gemeinsamen Weg. Es erinnert stilistisch an unsere früheren Alben; es gibt eine echte akustische Rohheit im Sound. Aber das Songwriting und die Performances sind natürlich an die Menschen gebunden, die wir heute sind, mit all den Zweigen der Erfahrung, die darin hängen. Wir könnten nicht aufgeregter sein, diese Musik mit euch zu teilen. Es war eine unglaubliche Erfahrung, diese Songs gemeinsam zu schreiben und aufzunehmen.»

"Look to the East, Look to the West", das neue Album von Camera Obscura, ist eine Offenbarung. Die von Tracyanne Campbell geleitete Band hat sich wieder mit dem Produzenten Jari Haapalainen zusammengetan und ein Album geschaffen, das daran erinnert, warum die langjährigen Fans sie seit Jahrzehnten heiß und innig lieben, und das gleichzeitig ihr bisher anspruchsvollstes Werk ist. Es ist auch das am härtesten umkämpfte Album in der Karriere von Camera Obscura. Nach dem Tod von Gründungsmitglied, Keyboarder und Freund Carey Lander im Jahr 2015 (an den der vorletzte Track "Sugar Almond" gerichtet ist), ging die Band in eine längere Pause. Sie blieben in Kontakt, aber ihr Status war ungewiss. Nachdem sie eingeladen worden waren, im Rahmen von Belle & Sebastians Kreuzfahrtfestival Boaty Weekender 2019 aufzutreten, kündigten sie ihre Rückkehr an. Donna Maciocia (Keyboards und Gesang) stieß bei diesen Shows zu den Gründungsmitgliedern Kenny McKeeve (Gitarre und Gesang), Gavin Dunbar (Bass) und Lee Thomson (Schlagzeug und Perkussion) und ist seitdem Songwriting-Partnerin von Campbell. Aufgenommen im selben Raum, in dem Queen "Bohemian Rhapsody" schrieb, fühlt sich "Look to the East, Look to the West" groß an, eine Breitwand-Neuinterpretation des Camera Obscura-Sounds, bei der die Band paradoxerweise zu den Grundlagen zurückkehrte - es gibt keine Streicher- oder Bläserarrangements, der Schwerpunkt liegt auf Klavier, Synthesizern, Hammond-Orgel und Drumcomputern, und, was vielleicht am auffälligsten ist, die Gruppe hat den Hallschleier fallen lassen, der ihre früheren Alben charakterisierte. Der Hauch von Country und Soul, der Camera Obscuras barocke Interpretation von Popmusik so bittersüß macht, war noch nie so offensichtlich - die Gitarren schimmern in die Ferne, die Tasten spuken, und Campbells Stimme sucht nach dem Herzen, reflektiert über Liebe, Verlust und den Lauf der Zeit. "Look to the East, Look to the West" ist Camera Obscura in seiner besten und eindrucksvollsten Form, ein Album, das den emotionalen Kern des Hörers völlig neu ordnet und ihn gleichzeitig traurig und beschwingt zurücklässt. Der Katalog von Camera Obscura ist voll von Liedern, die Menschen als lebensverändernd bezeichnen, Lieder, die sie ihr ganzes Leben lang begleiten werden. "Look to the East, Look to the West" hat 11 davon zu bieten.

Galaxy Vinyl-
blue + white vinyl pressed galaxy effect in a gatefold jacket with lyrics.

"Look to the East, Look to the West", das neue Album von Camera Obscura, ist eine Offenbarung. Die von Tracyanne Campbell geleitete Band hat sich wieder mit dem Produzenten Jari Haapalainen zusammengetan und ein Album geschaffen, das daran erinnert, warum die langjährigen Fans sie seit Jahrzehnten heiß und innig lieben, und das gleichzeitig ihr bisher anspruchsvollstes Werk ist. Es ist auch das am härtesten umkämpfte Album in der Karriere von Camera Obscura. Nach dem Tod von Gründungsmitglied, Keyboarder und Freund Carey Lander im Jahr 2015 (an den der vorletzte Track "Sugar Almond" gerichtet ist), ging die Band in eine längere Pause. Sie blieben in Kontakt, aber ihr Status war ungewiss. Nachdem sie eingeladen worden waren, im Rahmen von Belle & Sebastians Kreuzfahrtfestival Boaty Weekender 2019 aufzutreten, kündigten sie ihre Rückkehr an. Donna Maciocia (Keyboards und Gesang) stieß bei diesen Shows zu den Gründungsmitgliedern Kenny McKeeve (Gitarre und Gesang), Gavin Dunbar (Bass) und Lee Thomson (Schlagzeug und Perkussion) und ist seitdem Songwriting-Partnerin von Campbell. Aufgenommen im selben Raum, in dem Queen "Bohemian Rhapsody" schrieb, fühlt sich "Look to the East, Look to the West" groß an, eine Breitwand-Neuinterpretation des Camera Obscura-Sounds, bei der die Band paradoxerweise zu den Grundlagen zurückkehrte - es gibt keine Streicher- oder Bläserarrangements, der Schwerpunkt liegt auf Klavier, Synthesizern, Hammond-Orgel und Drumcomputern, und, was vielleicht am auffälligsten ist, die Gruppe hat den Hallschleier fallen lassen, der ihre früheren Alben charakterisierte. Der Hauch von Country und Soul, der Camera Obscuras barocke Interpretation von Popmusik so bittersüß macht, war noch nie so offensichtlich - die Gitarren schimmern in die Ferne, die Tasten spuken, und Campbells Stimme sucht nach dem Herzen, reflektiert über Liebe, Verlust und den Lauf der Zeit. "Look to the East, Look to the West" ist Camera Obscura in seiner besten und eindrucksvollsten Form, ein Album, das den emotionalen Kern des Hörers völlig neu ordnet und ihn gleichzeitig traurig und beschwingt zurücklässt. Der Katalog von Camera Obscura ist voll von Liedern, die Menschen als lebensverändernd bezeichnen, Lieder, die sie ihr ganzes Leben lang begleiten werden. "Look to the East, Look to the West" hat 11 davon zu bieten.

"A Dream Is All We Know" lässt die auf Nylonsaiten basierenden Arrangements von "Everything Harmony" hinter sich und kehrt zu dem Stil zurück, den die Brüder erstmals auf "Do Hollywood" vorstellten. "A Dream Is All We Know" verbindet die Theatralik und den Glam-Rock des Lennon-McCartney-Songbuchs mit zeitgenössischen Erzählungen, explosiven E-Gitarren-Riffs sowie den sonnigen Harmonien und ausgeklügelten Aufnahmetechniken der Wilson-Familie und bringt die Liebe zum Detail und die Fähigkeiten der Brüder als Multiinstrumentalisten zum Vorschein. Mit fast einem Jahrzehnt an Songwriting auf dem Buckel zeigt "A Dream Is All We Know" deutlich die Entwicklung der D'Addario-Brüder von rehäugigen Teenagern, die Musik machen wollten, die an ihre Helden erinnert, zu jungen Männern, die die Bühne mit PHOENIX, BLEACHERS, ARCTIC MONKEYS und ihrem musikalischen Helden TODD RUNDGREN teilten, von ELTON JOHN, THE ZOMBIES, GERARD WAY und IGGY POP gelobt wurden und sich zu visionären Songwritern und Arrangeuren entwickelten, deren Werk selbst eine Quelle der Inspiration für andere Künstler ist. "A Dream Is All We Know" wurde komplett mit historischem Equipment aufgenommen und von Brian und Michael selbst abgemischt und gemastert. Das Album zeigt THE LEMON TWIGS, wie sie nach Jahren der Perfektionierung ihres Handwerks mit einem neu entdeckten Sinn für Intuition spielen.

Der Schweizer Sänger, Musiker, Songwriter und Produzent Dino Brandão veröffentlicht sein lang erwartetes Debütalbum 'Self-Inclusion'!

Dino Brandão ist gefühlt schon seit Jahren präsent, hat längst nicht nur in der Schweiz umjubelte Konzerte gespielt.
Bis 2019 war er Sänger und Gitarrist der Band Frank Powers, 2020 kam die schweizerdeutsche Liebeserklärung 'Ich liebe dich' mit Faber und Sophie Hunger, und die Debüt-EP 'Bouncy Castle' hat inzwischen auch schon über zwei Jahre auf dem Buckel.
Aber wie heisst es so schön im vergnüglich klingenden, aber lyrisch tiefschürfenden Titeltrack der EP: 'Life’s a bouncy castle / Filled with tears and laughter'.
Das trifft im Falle von Dino Brandão umso mehr zu. Er hatte in den letzten Jahren, in denen er sein Solodebüt aufnehmen wollte, nicht nur mit der Pandemie zu kämpfen wie wir alle, sondern musste sich auch einer Multiple-Sklerose-Diagnose stellen und verbrachte einige Zeit in einer psychiatrischen Einrichtung.
Dass sein Debütalbum 'Self-Inclusion' nun mit einem Song namens 'Sweet Madness' beginnt und mit der Aussenseiter:innen-Hymne 'Loser' endet, die ebenfalls in einer solchen Klinik spielt, ist also kein Zufall.
Was hier jetzt nach einem ziemlichen Brocken klingt, musikalisch erstaunlicherweise aber dermassen leicht in die Füsse, die Hüfte, das Herz und dann eben auch in den Kopf geht, dass man Dino Brandão geradezu diabolische, oder vielleicht gar sirenen-artige Kräfte zu schreiben könnte.
Dino Brandão sagt selbst: 'Ich habe früh für mich entschieden, da ganz offen zu sein und alles, was mich umtreibt, zu erzählen. Vielleicht hilft es auch ein wenig, das zu entstigmatisieren. Ich hoffe nur, dass ich nicht immer auf diese Themen reduziert werde.'
Das dürfte sein tolles Debütalbum 'Self-Inclusion' zu vermeiden wissen.

Laufey ist eine in Los Angeles lebende Sängerin, Komponistin, Produzentin und Multiinstrumentalistin, deren Jazzsongs von junger Liebe und Selbstfindung handeln. Aufgewachsen zwischen Reykjavik und Washington, D.C. mit jährlichen Besuchen in Peking, wuchs die isländisch-chinesische Künstlerin mit Cello und Klavier auf und wurde süchtig nach den Jazzstandards von Ella Fitzgerald, nachdem sie die Plattensammlung ihres Vaters durchstöbert hatte. "Typical of Me" ist Laufeys Debüt-EP, die auch ihre Debüt-Single "Street by Street" enthält.

Bullion ist Nathan Jenkins, ein Produzent und Songwriter der elektronischen Musik, der Künstler, Genres und die britische Subkultur miteinander verbindet. Seine Credits reichen von Carly Rae Jepsen, Ben Howard, Nilüfer Yanya und Avalon Emersons Durchbruchsalbum „& The Charm“ bis zu Platten für Westerman und Joviale. Bullions gefeierte Solo-Veröffentlichungen sind bei Young, The Trilogy Tapes, Jagjaguwar und seinem eigenen Label DEEK Recordings erschienen. Es ist ein kreativer roter Faden, den Bullion auf seinem neuen Überraschungsalbum „Affection“ verknüpft - ein warmes, gelegentlich schräges und wunderschön umgesetztes Pop-Album. Bullions Musik war schon immer schwer zu fassen, aber absolut unverwechselbar - und auf „Affection“ ist es ein großes Vergnügen zu hören, wie dieser kompromisslose Ansatz zum Teil durch Weichheit verstärkt wird. Das Album fragt laut nach der Bedeutung von Intimität in der Beziehung zu anderen und zu sich selbst. Nathan wendet auf Bullions neuestem Album an, was er seinen Künstlerkollegen schon seit Jahren im Studio ans Herz legt: offen für Abenteuer zu sein. „Affection“ betritt einen emotional präsenteren, oft verspielten Raum, mit den Kollaborateuren Carly Rae Jepsen und Charlotte Adigéry, die Songs zieren, in denen Gefühle Vorrang vor festen Bedeutungen haben. „Rare“ zum Beispiel entstand während der Sessions für Jepsens jüngstes Album in Toronto: hohe Energie, die sich schüchtern gibt, um etwas "tief im Herzen" auszudrücken. „World_train“ ist ein exzentrischer und brillant schräger Blickwinkel auf Bullions Liebe zum Pop, der mit seiner Lokomotivkraft eine verlorene Vergangenheit inmitten der Unsicherheiten des Alltags heraufbeschwört. „I can hardly understand what it takes to be a real man'", singt Bullion. „…and nobody can“, bestätigt Adigéry. Dennoch, Verbindungen - verpasste, eingebildete oder immer noch mögliche - umhüllen einen Großteil von „Affection“, mit der Panda Bear Kollaboration „A City's Never“, die entstand, nachdem Noah und Nathan zur gleichen Zeit in Lissabon lebten, sich aber nie wirklich trafen. Für Bullion geht es bei der Bereitschaft, andere in seinen Songwriting-Prozess einzubeziehen, sowohl um die Öffnung der Welt des Albums als auch um die Verbesserung des Werks und der Person. Durch die Vermischung von Beobachtung und Introspektive entzieht sich der Avant-Pop von Affection jeder Kategorisierung. Die Texte des Albums sind ebenso unaufdringlich und hingebungsvoll wie neugierig auf alternative Möglichkeiten des Seins. Nathan hat seinen Sound gemeistert, aber das Leben - mit seinen Erwartungen, Widersprüchen, Impulsen und Sehnsüchten - bleibt unkontrollierbar. „Affection“ ist ein unaufdringlich kraftvolles Streben nach einer mitfühlenderen Form des Vertrauens.

Bullion ist Nathan Jenkins, ein Produzent und Songwriter der elektronischen Musik, der Künstler, Genres und die britische Subkultur miteinander verbindet. Seine Credits reichen von Carly Rae Jepsen, Ben Howard, Nilüfer Yanya und Avalon Emersons Durchbruchsalbum „& The Charm“ bis zu Platten für Westerman und Joviale. Bullions gefeierte Solo-Veröffentlichungen sind bei Young, The Trilogy Tapes, Jagjaguwar und seinem eigenen Label DEEK Recordings erschienen. Es ist ein kreativer roter Faden, den Bullion auf seinem neuen Überraschungsalbum „Affection“ verknüpft - ein warmes, gelegentlich schräges und wunderschön umgesetztes Pop-Album. Bullions Musik war schon immer schwer zu fassen, aber absolut unverwechselbar - und auf „Affection“ ist es ein großes Vergnügen zu hören, wie dieser kompromisslose Ansatz zum Teil durch Weichheit verstärkt wird. Das Album fragt laut nach der Bedeutung von Intimität in der Beziehung zu anderen und zu sich selbst. Nathan wendet auf Bullions neuestem Album an, was er seinen Künstlerkollegen schon seit Jahren im Studio ans Herz legt: offen für Abenteuer zu sein. „Affection“ betritt einen emotional präsenteren, oft verspielten Raum, mit den Kollaborateuren Carly Rae Jepsen und Charlotte Adigéry, die Songs zieren, in denen Gefühle Vorrang vor festen Bedeutungen haben. „Rare“ zum Beispiel entstand während der Sessions für Jepsens jüngstes Album in Toronto: hohe Energie, die sich schüchtern gibt, um etwas "tief im Herzen" auszudrücken. „World_train“ ist ein exzentrischer und brillant schräger Blickwinkel auf Bullions Liebe zum Pop, der mit seiner Lokomotivkraft eine verlorene Vergangenheit inmitten der Unsicherheiten des Alltags heraufbeschwört. „I can hardly understand what it takes to be a real man'", singt Bullion. „…and nobody can“, bestätigt Adigéry. Dennoch, Verbindungen - verpasste, eingebildete oder immer noch mögliche - umhüllen einen Großteil von „Affection“, mit der Panda Bear Kollaboration „A City's Never“, die entstand, nachdem Noah und Nathan zur gleichen Zeit in Lissabon lebten, sich aber nie wirklich trafen. Für Bullion geht es bei der Bereitschaft, andere in seinen Songwriting-Prozess einzubeziehen, sowohl um die Öffnung der Welt des Albums als auch um die Verbesserung des Werks und der Person. Durch die Vermischung von Beobachtung und Introspektive entzieht sich der Avant-Pop von Affection jeder Kategorisierung. Die Texte des Albums sind ebenso unaufdringlich und hingebungsvoll wie neugierig auf alternative Möglichkeiten des Seins. Nathan hat seinen Sound gemeistert, aber das Leben - mit seinen Erwartungen, Widersprüchen, Impulsen und Sehnsüchten - bleibt unkontrollierbar. „Affection“ ist ein unaufdringlich kraftvolles Streben nach einer mitfühlenderen Form des Vertrauens.

Like A Motorcycle ist ein Ansturm von bombastischen Queers und einem sehr geduldigen Mann. Die vierköpfige, von einander abhängige Familie, behandelt emotionsgeladene Themen, die hinter einem Schild aus rotziger Gereiztheit versteckt sind. Like A Motorcycle könnten dich verprügeln, würden dir aber lieber ein Abendessen zubereiten. Like A Motorcycle sind Kanadas scharfkantige Lieblinge. Like A Motorcycle sind die Freunde, um die du nie gebeten hast. Das 11-Song-Album zeigt eine unbestreitbare Entwicklung der Band, sowohl in Bezug auf ihre Musikalität als auch auf ihre Fähigkeit, ihre Wahrheit und Erfahrung in Bezug auf emotionale Eingeständnisse, die zu gleichen Teilen herzzerreißend und ermächtigend sind, zu ehren. Ohne sich selbst zu ernst zu nehmen, unterhalten die vier sich selbst und alle um sie herum.

"Disneyland After Dark" ist das neue Soloalbum von König Boris, Mitglied des aufgelösten HipHop-Trios Fettes Brot. Die musikalische Richtung weist ins Party-England der frühen 90er, frei interpretiert mit ganz modernen Einflüssen. Elektronische Rave-Sounds, mächtige Beats, melancholische Klangwände, düstere Harmonien und dicke Bretter. Darüber erzählt König Boris König Boris alltägliche Stadtgeschichten, mal von weiter weg betrachtet, mal tief in den Mikrokosmos hineingezoomt. Mal gerappt, mal gesungen, aber häufig auch stimmlich ganz wandlungsfähig in der Spoken-Word-Tradition. "Disneyland After Dark" ist eine mitfühlende Liebeserklärung an alle Menschen da draußen. Alle werden mit der gleichen Empathie behandelt, alle sind wichtig im Stadtbild. Die Worte geben ihnen eine Stimme, der Sound gibt ihnen eine Form. Das macht die Größ dieser Platte aus.

Falcos legendäres zweites Album" Junge Roemer" aus dem Jahr 1984 feiert eine Wiedergeburt mit der Veröffentlichung einer Deluxe Edition, die den Fans einen noch tieferen Einblick in das kühle und elegante Flair des Albums bietet, das den Zeitgeist der 80er Jahre perfekt einfängt. Remastered wurde das Album von Robert Ponger, der es 1984 auch produziert hatte. Die Deluxe Edition von Junge Roemer bietet nicht nur das ikonische Album selbst, sondern auch eine Fülle von Bonusmaterial, das Fans begeistern wird.

Das neue Flamingods-Album 'Head Of Pomegranate' wurde vom Grammy-gekrönten Produzenten Ben H. Allen (Animal Collective, Deerhunter, M.I.A.) aufgenommen. Die Londoner Band kreiert seit über einem Jahrzehnt unverwechselbare, genreübergreifende Musik. Das Durchdringen von Genres wie Psychedelia, New Wave, Electronica und Punk – oft innerhalb desselben Songs – ist ihre Spezialität, ebenso wie das Talent, Einflüsse aus dem einzigartigen kulturellen Erbe und die Liebe zum UK Rock'n Roll der 70er Jahre zu vermischen. Opener und erste Single 'Dreams (On The Strip)' geben mit stimmungsvollen Synths, düsteren Drum-Machines und dem euphorischen Refrain den Ton vor. Es ist eine neue Ära für die Band und sie möchte, dass wir dies von Anfang an wissen.

Das neue Flamingods-Album 'Head Of Pomegranate' wurde vom Grammy-gekrönten Produzenten Ben H. Allen (Animal Collective, Deerhunter, M.I.A.) aufgenommen. Die Londoner Band kreiert seit über einem Jahrzehnt unverwechselbare, genreübergreifende Musik. Das Durchdringen von Genres wie Psychedelia, New Wave, Electronica und Punk – oft innerhalb desselben Songs – ist ihre Spezialität, ebenso wie das Talent, Einflüsse aus dem einzigartigen kulturellen Erbe und die Liebe zum UK Rock'n Roll der 70er Jahre zu vermischen. Opener und erste Single 'Dreams (On The Strip)' geben mit stimmungsvollen Synths, düsteren Drum-Machines und dem euphorischen Refrain den Ton vor. Es ist eine neue Ära für die Band und sie möchte, dass wir dies von Anfang an wissen.

DERRYs Debut-EP, Horrorpunk/Punkrock, 6 Songs auf einseitig bespieltem transparent-orangefarbenden 12"-Vinyl über Loikaemies Fettfleck Records-Label! Eine Mischung aus düsteren Klängen, treibenden Beats, einer verspielten Bassline und eingängigen Melodien ohne viel Schnickschnack, gespickt mit Ami-Skate-Punk der 90er Jahre - das lässt den Soundtrack ihrer Jugend schon erahnen. Thematisch hat sich die Band den Werken von Stephen King zugewandt. Remember The Curfew befasst sich dabei exklusiv mit der Stephen-King-Novelle ,IT" (zu Deutsch ,ES") und dem darin personalisierten Horror durch den Clown Pennywise und dessen zahlreicher Fassetten, aber auch wichtigen Themen wie der ersten Liebe, Freundschaft und Verlust. Mit Remember The Curfew geben die fünf Hessen der Horrorpunk-Band DERRY ihr Debüt auf Fettfleck Records. Nach dem im Sommer 2023 erschienenen ersten Demo-Song "The Kids Of Derry" kommt nun die Debut-EP. Inklusive rerecorded "The Kids Of Derry" sowie der Single "His Voice" und Fokustrack "Remember The Curfew" plus drei weiteren Songs, Erhältlich als 12" Vinyl-Auflage (einseitig bespielt) in limitiertem Trasparent Orange, CD sowie EP Digital!

Nach drei EPs und ausverkauften UK-Tourneen kündigt Lynks das Debütalbum 'ABOMINATION' an, das über Heavenly erscheint. Auf dem Album nimmt uns Lynks mit auf eine lebendige Tour durch die moderne Queer-Kultur, die von Gelegenheitssex, wilden Fantasien, chaotischen Irrungen und Wirrungen und einer einseitigen Liebesaffäre mit einem heterosexuellen Tennistrainer geprägt ist.

Selbst geschrieben, selbst produziert und selbstverherrlichend vereint das Debütalbum die künstlerische und persönliche Entwicklung der letzten fünf Jahre. Während die früheren Werke einen Stil aus Effekten und gepitchten Vocals verbanden, gibt 'ABOMINATION' Lynks den Raum, auf eine andere Art zu experimentieren – mit einer größeren Bandbreite an Ideen, Gesangsstilen und neuen Genreelementen. Das Ergebnis ist ein Debüt, das mit den Extremen spielt und dabei zwischen abgrundtiefer Scham und hedonistischer Freude schwankt.

- LP: (inklusive DL-Code + 2 Art Prints)

Musik wird hier nicht um ihrer selbst willen zelebriert. Natürlich, hier wird fast physisch in die Goschn g'haut, einerseits offensichtlich, anderseits auch einfach mal erfrischend anders. Hier wird schlichtweg ein Hitalbum abgeliefert. Jeder Song ist stark, jeder Song macht Sinn. Für alle die Anbiederung an bekannte Erfolgsformeln, in Superlativen eingebettete Selbstgeilheit, oder einfach Bands, die so gar nicht zu sagen haben super finden, werden hier nicht glücklich werden. Für alle anderen: Keine Angst, es ist alles sehr "Leiwand"!

Vinyl-Neuauflage des letzten Heckspoiler Longplayers kommt als Solid Purple Coloured Vinyl (180g, inklusive Download-Code)!

OLUMA wurde 2021 von dem Bassisten Gregor Nicolai, dem Schlagzeuger André van der Heide und dem Saxophonisten Roman Polatzky gegründet. Die instrumentalen Kompositionen der neunköpfigen Band lassen sich dem Global Groove zuordnen. Sie schaffen dichte Grooves, die von energetischen Brass-Lines bespielt werden und in virtuose Improvisationen münden. Die vier Bläser können das Publikum aber auch schwebend und leicht in eine träumerische Welt begleiten. Die multikulturelle Szene Berlins mit ihren unterschiedlichsten musikalischen Einflüssen haben André und Gregor geprägt und zusammengebracht. Dazu kommt die Liebe zu handgemachter Groove-Musik, die Leidenschaft zu tanzbaren Beats. Roman trafen sie im Dunstkreis der Musikhochschule Leipzig, wo sich die internationale Band gefunden hat. Der Albumtitel Cooking Time entstand nicht zufällig: Die Musik entsteht in gemeinsamen Songwriting-Sessions, bei denen Beats gebastelt und Ideen eingesungen werden. Die Band gewann den Delay-Nerd und Afrobeat-Liebhaber Umberto Echo für ihre Aufnahmen, der mit Verwendung alter analoger Technik einen nostalgisch anmutenden Sound schafft, welcher auf moderne Produktion trifft. Mit ihrem Debut-Album möchte OLUMA die Idee teilen, dass Musik einen Beitrag zur globalen Verständigung leisten kann und Menschen verbindet. Carolina Vallejo vom Label One World Records hat dafür genau die richtige Umgebung bereit gestellt. OLUMA präsentiert ein klangvolles Zeugnis für die universelle Sprache der Musik. Ihre mitreißenden Auftritte und ihre künstlerische Vielfalt machen sie zu einer der aufregendsten Bands der gegenwärtigen Musikszene.

HEAVY TEMPLE sind zurück - von einer ausgiebigen Tournee durch die USA und zum ersten Mal auch durch Europa. Sie sind aber auch zurück aus dem Proberaum, wo das Schmieden neuer Songs viel mehr aus der ganzen Gruppe kam, als es auf dem Debütalbum der Fall war. Und schließlich sind sie zurück aus dem Animal Farm Studio, wo John Forrestal dem neuen Album "Garden of Heathens" einen reichen und warmen, organischen Sound verpasst hat, der gleichzeitig aber auch knackig frisch und kristallklar rüberkommt. Während das Debütalbum "Lupi Amoris" noch wie ein wildes Mastodon heran stürmte, wirkt "Garden of Heathens" abwechslungsreicher und deutlich ausgefeilter - jedoch ohne an Wucht oder Härte zu verlieren. Obwohl die kraftvolle Stimme von Frontfrau High Priestess Nighthawk weiterhin für eine starke Anziehungskraft sorgt, stehen bei HEAVY TEMPLE immer die Gitarrenriffs im Vordergrund. Dabei hat das Trio aus Philadelphia, Pennsylvania seinen Fahrplan nochmals erweitert und fährt eine große Zahl von Rock- und Metal-Stationen an, die von BARONESS über THE BEATLES und von BLACK SABBATH bis FU MANCHU reichen - mit allerlei Weichen dazwischen. Inhaltlich ist "Garden of Heathens" sehr persönlich ausgefallen. Sängerin Nighthawk schrieb ihre bisher persönlichsten Zeilen, die sich thematisch um Dinge drehen, die nicht real sind - vom amerikanischen Traum bis hin zu Beziehungen. Egal wie glänzend eine Sache auch aussehen mag, lauern unter der Oberfläche oft genug Ängste, Verrat und Zweifel. HEAVY TEMPLE entstand zur Wintersonnenwende 2012 in einer Nacht der puren Freude am Erschaffen und Spielen harter Musik. Kaum war die Band gegründet, ging es auch schon auf die Bühne: erst lokal und bald auch auf Tour mit so bekannten Szenegrößen wie RUBY THE HATCHET, ROYAL THUNDER und CORROSION OF CONFORMITY. Auch auf namhaften Festivals wie dem Maryland Doom Fest und dem Psycho Las Vegas und vielen anderen war das Trio bald zu finden. Nach den beiden EPs "Heavy Temple" (2014) und "Chassit" (2016) und einer Reihe von Singles nahmen sich HEAVY TEMPLE eine Auszeit vom ausgiebigen Touren, um endlich ihren ersten Langspieler aufzunehmen. "Lupi Amoris" ("Wölfe der Liebe"), wurde im Jahr 2021 unter großem Beifall sowohl von Anhängern als auch Kritikern veröffentlicht. Das Album öffnete den Amerikanern neue Türen: weitere Festivalauftritte, eine US-Tour mit THE OBSESSED und die erste Europatournee mit ihren Freunden und Label-Kameraden HOWLING GIANT. HEAVY TEMPLE sind nicht nur zurück, sondern gekommen, um zu bleiben. "Garden of Heathens" legt ein starkes Zeugnis für den hart arbeitenden Dreier ab, der sein Spektrum stetig erweitert und alle Hindernisse aus dem Weg räumt. "Garden of Heathens" wirft ein neues Licht auf Heavy und Desert Rock, Psychedelia und Doom Metal. Hört es euch an!

HEAVY TEMPLE sind zurück - von einer ausgiebigen Tournee durch die USA und zum ersten Mal auch durch Europa. Sie sind aber auch zurück aus dem Proberaum, wo das Schmieden neuer Songs viel mehr aus der ganzen Gruppe kam, als es auf dem Debütalbum der Fall war. Und schließlich sind sie zurück aus dem Animal Farm Studio, wo John Forrestal dem neuen Album "Garden of Heathens" einen reichen und warmen, organischen Sound verpasst hat, der gleichzeitig aber auch knackig frisch und kristallklar rüberkommt. Während das Debütalbum "Lupi Amoris" noch wie ein wildes Mastodon heran stürmte, wirkt "Garden of Heathens" abwechslungsreicher und deutlich ausgefeilter - jedoch ohne an Wucht oder Härte zu verlieren. Obwohl die kraftvolle Stimme von Frontfrau High Priestess Nighthawk weiterhin für eine starke Anziehungskraft sorgt, stehen bei HEAVY TEMPLE immer die Gitarrenriffs im Vordergrund. Dabei hat das Trio aus Philadelphia, Pennsylvania seinen Fahrplan nochmals erweitert und fährt eine große Zahl von Rock- und Metal-Stationen an, die von BARONESS über THE BEATLES und von BLACK SABBATH bis FU MANCHU reichen - mit allerlei Weichen dazwischen. Inhaltlich ist "Garden of Heathens" sehr persönlich ausgefallen. Sängerin Nighthawk schrieb ihre bisher persönlichsten Zeilen, die sich thematisch um Dinge drehen, die nicht real sind - vom amerikanischen Traum bis hin zu Beziehungen. Egal wie glänzend eine Sache auch aussehen mag, lauern unter der Oberfläche oft genug Ängste, Verrat und Zweifel. HEAVY TEMPLE entstand zur Wintersonnenwende 2012 in einer Nacht der puren Freude am Erschaffen und Spielen harter Musik. Kaum war die Band gegründet, ging es auch schon auf die Bühne: erst lokal und bald auch auf Tour mit so bekannten Szenegrößen wie RUBY THE HATCHET, ROYAL THUNDER und CORROSION OF CONFORMITY. Auch auf namhaften Festivals wie dem Maryland Doom Fest und dem Psycho Las Vegas und vielen anderen war das Trio bald zu finden. Nach den beiden EPs "Heavy Temple" (2014) und "Chassit" (2016) und einer Reihe von Singles nahmen sich HEAVY TEMPLE eine Auszeit vom ausgiebigen Touren, um endlich ihren ersten Langspieler aufzunehmen. "Lupi Amoris" ("Wölfe der Liebe"), wurde im Jahr 2021 unter großem Beifall sowohl von Anhängern als auch Kritikern veröffentlicht. Das Album öffnete den Amerikanern neue Türen: weitere Festivalauftritte, eine US-Tour mit THE OBSESSED und die erste Europatournee mit ihren Freunden und Label-Kameraden HOWLING GIANT. HEAVY TEMPLE sind nicht nur zurück, sondern gekommen, um zu bleiben. "Garden of Heathens" legt ein starkes Zeugnis für den hart arbeitenden Dreier ab, der sein Spektrum stetig erweitert und alle Hindernisse aus dem Weg räumt. "Garden of Heathens" wirft ein neues Licht auf Heavy und Desert Rock, Psychedelia und Doom Metal. Hört es euch an!

Weniger rau als beim Album davor, fast schon ein wenig poppig, bewegen sich die acht Songs zwischen Indierock, Psychedelic, Americana und Postpunk. Düster-sphärische Soundflächen wechseln sich ab mit krachig-dissonanten Ausbrüchen ("Drift", "Passerby"), bisweilen lugt gar Nick Cave um die Ecke ("The Blanket"). "The Beauty Of Dysfunction" ist kein Konzeptalbum - aber der Titel könnte ein Leitmotiv für die Lyrics zu den Songs sein: Es geht um Brüche, um Widersprüche, um Risse auf der Oberfläche - sei es in Liebesbeziehungen ("Easy Care"), in Lebensentwürfen ("All we've ever had (was enough)") oder dem Verhältnis zwischen sogenannten Minderheiten und der "Mehrheit" ("Difference"). Auf der anderen Seite die vielen Scharlatane, die sich "Lifecoaches" nennen und im Netz oder in hochdotierten "Keynotes" ihre Selbstoptimierung als Ersatzreligion vermarkten ("Ode to Excellence"). Und nicht zuletzt die Scheißpopulisten, die einem weismachen wollen, dass alles doch ganz einfach ist ("Habits"). Ist es nicht. Es ist schwierig. Leben - und lieben - heißt, die Dissonanz zu akzeptieren, die Schönheit im Unperfekten zu erkennen.

Morgan Harper-Jones surft gerade auf einer kleinen Erfolgswelle. Erst Ende September erschien der Netflix #1 Hit “Love At First Sight”, bei dem Morgans Musik eine gewichtige Rolle spielt und sie sogleich in die Top10 der globalen Shazam Charts katapultierte. Nun kündigt die Singer-Songwriterin aus Rochdale (England) ihr Debütalbum über Play It Again Sam an: “Up To The Glass” erscheint am 12. April als Coloured Eco Vinyl. Ihr Debütalbum ist eine zarte Erkundung der Selbstfindung in den Zwanzigern vor dem Hintergrund von Liebe, Selbstakzeptanz und Verlust. Es dokumentiert diese allgemein prägenden Momente des jungen Erwachsenseins durch das Prisma von Morgans eigener Perspektive und erforscht zutiefst persönliche Themen wie das Ableben ihrer Großeltern, das ängstliche Nachdenken über jeden kleinen Fehler und die Sehnsucht nach einer Liebe, die unerwidert bleiben wird.

THE VISION BLEAK kehren in der Luxusklasse zurück: Mit ihrem siebten Album "Weird Tales" zollt das deutsche Metal-Duo dem gleichnamigen amerikanischen Pulp-Magazin sowie anderen Geschichten voller Mystik und dunkler Phantasie einen monumentalen Tribut. Das Album besteht aus einem einzigen Track, der in interne Kapitel unterteilt ist. Diese erzählen schaurig-schöne Geschichten, vertonen Gedichte und sind von der klassischen Literatur des Horror sowie des Makabren inspiriert. Unter anderen beziehen sich THE VISION BLEAK auf bedeutende Autoren des legendären Weird Tales Magazins wie H. P. Lovecraft und Clark Ashton Smith. Sie spielen aber auch auf andere Großmeister der Phantastischen Literatur an wie zum Beispiel Edgar Allen Poe und Lafcadio Hearn, dessen "Fantastics and Other Fancies" einen starken Einfluss auf dieses Album ausgeübt hat. Für diese Hommage ziehen THE VISION BLEAK alle Register ihres enormen musikalischen Könnens. Die Kapitel decken die gesamte stilistische Bandbreite von extravagantem Gothic Rock über düsteren Doom bis hin zu harschen Black und Death Metal Parts - sowie so ziemlich alles dazwischen - ab. All die spannenden Elemente, welche die Anhängerschar des Duos lieben und schätzen gelernt hat, sind auf diesem Album vertreten: das Dramatische und Theatralische, das Raue und Schwere, das Melancholische und Unheimliche, aber auch eingängige und symphonische Momente. All diese Stränge sind zu einem dichten Klangteppich verwoben, der von einem wiederkehrendem Auf- und Abschwellen zusammengehalten wird, das an klassische Kompositionen erinnert. THE VISION BLEAK sind aus der Freundschaft zwischen Gitarrist, Bassist und Sänger Markus Stock alias Ulf Theodor Schwadorf und Schlagzeuger und Sänger Tobias Schönemann alias Allen B. Konstanz entstanden. Nach anfänglichen Experimenten in Richtung Gothic Rock fanden THE VISION BLEAK ihre eigentliche Berufung, als das Duo begann, ihre gemeinsame Liebe zum Horror-Genre mit einzubeziehen. Bereits das Debütalbum "The Deathship Has a New Captain" (2004) erzielte sowohl in Gothic- als auch Metal-Kreisen auf Anhieb einen Volltreffer und gilt mittlerweile als Klassiker. Da das Debütalbum thematisch an bedeutende Horrorfilme angelehnt war, nannten die Deutschen ihren Stil treffend: Horror Metal. Mit den folgenden Alben kultivierten THE VISION BLEAK einen Ruf als Garanten für stilvolle und hochwertige Musik. Thematisch drehen sich alle Werke um das Horror-Genre: Auf "Carpathia" (2005) folgten "The Wolves Go Hunt Their Prey" (2007) und "Set Sail to Mystery" (2010), "Witching Hour" (2013) und "The Unknown" (2016). THE VISION BLEAK, die Meister des Horror Metal, schenken der Welt ihr bisher ambitioniertestes Werk: "Weird Tales". Diese ausnehmend schöne und von Herzen kommende Hommage an das goldene Zeitalter der Phantastischen Literatur ist musikalische Poesie. Der Hörer möge mit Bedacht lauschen, sollte dabei aber immer auf der Hut sein. In diesem Song lauern unheimliche und verbotene Klänge aus anderen dunklen Welten!

"Gut Geklaut" ist das dritte Langeisen des Trios aus Mettmann, den Königen und Gründern des METTCORE. Dabei ist die neue Scheibe anders als der Titel es vermuten läßt KEIN Coveralbum, im Gegenteil! Fleischwolf haben einfach alles durch ebendiesen gedreht, was sie an Musikgenres und Bands über die Jahrzehnte an Vorlieben entwickelt haben und sie geprägt hat. Und das ist ne Menge, denn PUNK darf bei Fleischwolf immer noch ALLES und wird weder textlich noch musikalisch in ein Korsett gesteckt! Und deshalb gibt es auf "Gut Geklaut" mit 12 eigenen Songs einfach unglaublich Vieles zu entdecken (inkl zahlreicher Gastmusiker), was das Album für jeden Punk/Hardcore/Metaler zu einer spannenden "Zitatereise" macht: Von den glorreichen Punkrock-Tagen, ("Revolution, "Fuck the System", Hass ist Deine Währung") Hardcore ("Echter Scheisstag", "Sturmflut") , geil-üblen Schweinerock bis Thrash bis hin zur liebevollen NDW-Hommage an ein anderes TRIO aus Großenkneten. ("Ja, Paul") . Und wer einen Song wie "Mötörhead 4 Life" in Petto hat (Nein, Lemmy ist leider nicht auferstanden...hinterm Mirko ist tatsächlich Sänger Ollrich!), kann kein schlechtes Mett sein... "Gut geklaut" Oder auf den Punkt gebracht, wie die Band schon singt: "Wir spielen nicht nach Euren Regeln"!

Die britische Sängerin, Songwriterin, Multi-Instrumentalistin und Produzentin Fabiana Palladino veröffentlicht am 5. April 2024 ihr selbstbetiteltes Debütalbum bei Paul Institute / XL Recordings. Das Album entstand nach dem Ende einer langen Beziehung und setzt sich mit komplexen Fragen zu Liebe und Einsamkeit in Beziehungen auseinander. Das Ergebnis sind 10 Songs, die sich von den großen R&B-, Soul-, Pop- und Disco-Studioproduktionen der 80er und 90er Jahre inspirieren lassen, gefiltert durch einen modernen Blinkwinkel. Es ist eine intime Platte, die die Toughness und Weiblichkeit von Janet Jackson auf ihrem 1986er Album "Control" und Annie Lennox" bei "DIVA" ausstrahlt, das klassische Songwriting von Kate Bush und Joni Mitchell aufgreift und die romantischen Motown-Duette von Marvin Gaye und Tammi Terrell unterläuft, um die Normativität in Beziehungen zu hinterfragen. Das von Palladino selbst geschriebene und eigenproduzierte Album enthält Beiträge von renommierten Musikern und engen Freunden, darunter vom Mitbegründer des Paul Institute, Jai Paul, dem legendären Session-Bassist Pino Palladino (Fabianas Vater), ihrem Bruder und Yussef Dayes-Bassisten Rocco Palladino, dem bekannten Schlagzeuger Steve Ferrone sowie Streichern von Rob Moose. Fabiana Palladino hat in den letzten Jahren als gefragte Session-Musikerin für Acts wie Jessie Ware, Sampha, SBTRKT oder Laura Groves gearbeitet, während sie in ihrer eigenen Musik intensiv nach Pop-Perfektion strebt. Im vergangenen Jahr war sie Teil von Jai Pauls Band für sein lang erwartetes Live-Debüt, sowie Support-Act der gefeierten Shows.

Sofia Portanet releases her highly anticipated 2nd album "Chasing Dreams" on 8th March 2024 via Duchess Box Records. The album features the top 100 Radio Charted singles Real Face and Unstoppable, as well as the hits Mi Amor, Ballon, and My Time as well as a piano version of Real Face featuring special guest Chilly Gonzales as a bonus track. In December 23, Sofia Portanet will be on tour in Germany as support to Betterov. Sofia has performed all over the world including showcase events such as SXSW, Eurosonic and Reeperbahn Festival. The new album Chasing Dreams features duets from the likes of Chilly Gonzales and Tobia Bamborschk, better known as lead singer from German indie rock group Isolation Berlin. Sofia Portanet who won Germany's prestigious VUT Award for Best Newcomer in 2021, following her critically acclaimed debut album Freier Geist, released in 2020 has gone on to be Spotify Equal Ambassador and make multiple national TV performances, duet with the likes of Chilly Gonzales and Kreator as well as making live sessions from NPR. Talking about her new album Sofia Portanet explains "Inhaltlich wollte ich ein poppigeres Album machen. Einfach, weil ich Pop Musik liebe und damit aufgewachsen bin. Ich möchte mich nicht auf ein Genre festnageln lassen. Ich werde immer die Musik machen, die ich für den gegebenen Moment fühle und gut finde. Es macht also auch wenig Sinn mich selbst mit meiner eigenen ersten Platte vergleichen zu wollen."

Chasing Dreams by Sofia Portanet, released 4 April 2024.

Billy Joel Live at The Great American Music Hall - 1975, wurde im Juni 1975 in der Great American Music Hall in San Francisco aufgenommen. Der Live-Gig von der Streetlife Serenade-Tour führt die frühesten verfügbaren Aufnahmen der späteren Turnstiles-Klassiker "James" und "New York State Of Mind" in Billys Katalog ein und enthält Beispiele von Billys liebevollen Imitationen von Joe Cocker, Elton John und Leon Russell - Höhepunkte seiner frühen Konzerte. Diese 2-LP-Version wird auf schwarzem Standard-Vinyl veröffentlicht.

There's a new guitar in town....nein besser gesagt altbekannte Recken mit neuer Band, die 2022 beim Rebellion-Festival vom Geheimtipp schnell auf sich aufmerksam machten: We proudly presents: ON THE HUH mit ihrem Debut "Bit on the side" und wer auch nur einen Hauch für den good oldschool UK-Streetsound übrig habt wird diese Band lieben! Aufgenommen in den altehrwürdigen Londoner Perry Vale Studios und produziert von Pat-"Vibrators"-Collier verbergen sich hinter der East-Coast-Slangphrase "On the Huh" (meint: slightly on the piss) Musiker von Infa Riot, Braindance und Special Duties und liefern 15 Brickwall-Oi! / Streetpunk Hymnen mit dezentem Glam-Touch der Extraklasse ab! Klassische Singalongs, eine unglaubliche Spielfreude, rotzige Chorals und traditionelle Punkrock-Einflüsse aus vielen Jahrzehnten "Made in Britain" und dabei extrem abwechslungsreich und halt a little "Bit on the side"!

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album GRIP ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. GRIP und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt GRIP klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album GRIP ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. GRIP und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt GRIP klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

Voodoo Mambosis And Other Tropical Diseases ist der 2. Teil einer neuen Serie auf Stag-O-Lee. Vier Volumen sind geplant. Die Original Schallplatten stammen aus dem Fundus von unserem geschätzten Duke Jens-O-Matic, seit Jahrzehnten als Grafiker, international gefeierter DJ, Sammler und Jäger unterwegs. Schon damals, als wir Stag-O-Lee das erste Leben einhauchten, war Jens-O-Matic dabei und lieferte vier Volumen der wundervollen Jim Jam Gems 10" Serie ab. Jeweils stilistisch in sich geschlossen. Aktuell arbeitet er an weiteren Jim Jam Gems Volumen, tut sich aber mit den Linernotes schwer, weil, "man hat ja einen pädagogischen Auftrag!". Nun zu dem vorliegenden Tonträger: Was macht ein Freund der obskuren 7", wenn er schon alles im Bereich Rhythm & Blues usw. hat? Er sucht sich weitere Betätigungsfelder. Andere Länder, andere Musik, andere Einflüße. So auch unser Jens-O-Matic. Eine kleine Weltreise hat er für Voodoo Mambosis unternommen, seine neue Liebe den Cumbia einfließen lassen, eine Prise Voodoo drunter gemischt, einige alte Bluesheroen reaktiviert, dazu etwas Exotica - die schadet nie. Die große Kunst ist nun, diese auf Papier disparaten Elemente so zu verbinden, dass etwas einzigartiges, durchweg spannendes entsteht. Voodoo Mambosis And Other Tropical Diseases ist das beste Beispiel dafür! Das Cover, ebenfalls designt von Jens-O-Matic, ist eine Hommage an die wegweisende 84er Compilation Rockabilly Psychosis and the Garage Disease!

Zwei Jahre nach ihrem letzten Album "Slave Driver" veröffentlicht das niederländische Quartett pünktlich zu ihrem 35. Geburtstag "Shadow Soul". Es ist bereits das 8. Album von Dead Head und wir sind immer noch davon überzeugt, dass die Jungs eine der am meisten unterschätzten Bands in der Geschichte des Thrash Metal sind. Sie haben nie etwas Schwaches oder Schlechtes veröffentlicht und was sie herausbringen, ist erstklassiger Metal! "Shadow Soul" knüpft nahtlos an diese Tradition an und präsentiert eine kraftvolle Fortsetzung ihres Erbes.

"Shadow Soul" ist also keine Überraschung, aber wer das mag, was Dead Head in den letzten 35 Jahren gemacht haben, der wird auch ihren neuesten Output lieben.

Zwar bleibt das Album dem für die Band typischen schnellen und aggressiven Thrash Metal treu, aber hier und da finden sich auch Death Metal und sogar Heavy Metal Arrangements. Das Album bietet größtenteils Hochgeschwindigkeits-Thrash ohne jegliche Trends oder unnötige Melodien und Tunes.

Tauchen Sie ein in eine harmonische Mischung aus rauen Emotionen und musikalischer Brillanz. 'The Color Purple (Music From and Inspired By)' verspricht ein Hörerlebnis, das zutiefst nostalgisch und erfrischend neu zugleich ist. So trumpft das Album mit einem Ensemble auf, das seinesgleichen sucht - der für den Golden Globe nominierten Fantasia mit ihren gefühlvollen Melodien, Taraji B. Henson mit ihrer emotionalen Tiefe, Colman Domingo mit seiner fesselnden Energie, der für den Golden Globe nominierten Danielle Brooks mit ihrer kraftvollen Resonanz, H.E.R. mit ihrer zeitgenössischen Kunst und Hallie Bailey mit ihrem strahlenden Gesang. Und Musik von den Grammy-prämierten Songwritern des Musicals - Brenda Russell, Allee Willis und Stephen Bray. Doch hört die Magie nicht bei den zeitlosen Klassikern auf.
Tauchen Sie noch tiefer ein und lassen Sie sich verzaubern von einem neuen Kapitel und neuer Musik von Alicia Keys, Jennifer Hudson, Mary J. Blige, Keyshia Cole, Coco Jones, Jorja Smith, Celeste, Mary Mary und October London sowie einer atemberaubenden Kollaboration von USHER & H.E.R.
Von Liebe und Schmerz bis hin zu Widerstandskraft und Erlösung - diese Songs fangen die Essenz von 'The Color Purple' ein und ebnen gleichzeitig den Weg für eine neue musikalische Ära. Und für diejenigen, die einen modernen Twist suchen, gibt es Remixe von Missy Elliot featuring Megan Thee Stallion und Timbaland featuring Black Thought. So schlägt 'The Color Purple' auch eine Brücke zwischen Generationen von Musikliebhabern.

2024 krempelt Sarah Lesch ihr Liedermacher-Image komplett um und läutet mit dem neuem Album "Gute Nachrichten" und neuem Sound den Anfang einer neuen Ära ein.
Lauter, leichtfüßiger und kantiger als je zuvor dreht sie 2024 so richtig auf! Ihre ansteckende Energie paart sich mit der wunderbaren, neuen und doch vertrauten Mischung aus rockigen Sounds und nachhaltigen Worten.
GUTE NACHRICHTEN ist ein Befreiungsschlag - und was für einer! Sarah lebt genau das, wo für Rockmusik steht: Befreiung, Liebe, Respekt und Diversität. Musikalisch wird es episch, punkig und bluesig. Neuer Sound mit gewohnter Haltung!
Sarah Lesch singt über sich und erzählt damit gleichzeitig viel über uns: Wie wir uns gerade selbst zerfleischen, zweifeln, trauern, lachen, sinnlose Diskussionen fuhren, verzweifeln an der Welt, Liebe machen und wie man überhaupt mit dem ganzen Gefu?hlschaos umgehen kann. Das, was wir alle kennen, worüber wir aber nur ungern mit jemandem sprechen
In pointierte Texten erzählt die Leipzigerin Geschichten, voller Kraft, Botschaft und Lebensfreude. Es ist, als hatten sich endlich die richtigen gefunden: Sarah, Rock und Punk. Definitiv GUTE NACHRICHTEN für 2024!

Nach den ersten gemeinsamen Demos war klar, dass das geplante Albumprojekt viel mehr als eine Aneinanderreihung von Tracks werden muss. Und so kreieren die beiden Producer-Kings kurzerhand einen Soundtrack für ihren eigenen late 80s-Thriller, verzichten dabei aber komplett auf gängige Klischees. Nicht nur der Albumtitel, entliehen aus dem gleichnamigen Filmklassiker von 1989 sondern das gesamte Konzept von Tango & Cash ist eine Liebeserklärung an atmosphärische, auf VHS-Tapes gebannte Verfolgungsjagden der späten 80er und frühen 90er-Jahre.

Um das Kopfkino beim Hören perfekt zu machen, ist die Tracklist wie eine Auswahl an Filmsequenzen zusammengestellt. Die Sprach-Interludes als akustische Verbindungselemente zwischen den Tracks und das von Wörn Dauerfeuer designte Albumcover lassen die Hörer*innen ab der ersten Minute in eine moody Filmkulisse eintauchen und machen Tango & Cash zu einem Gesamterlebnis. Als Topping verleiht das analoge Mastering von Dextar dem Album die notwendige Wärme. Tango & Cash ist die musikalische Version eines Vintage-Thrillers, perfekt ins Jahr 2024 überführt.

In Berlin geboren, aber in der Kleinstadt Bad Salzuflen aufgewachsen, pendelt Mina zwischen den Welten und entdeckt in der CD-Sammlung ihrer Tante Schätze wie Joan As Police Woman und Nina Simone. Soul und Blues, die Hip-Hop-Kultur und die Revolte der großen Singer-Songwriterinnen stehen Pate, als sie an ihrer Debüt-EP ,Jaywalker" (2022) arbeitet, mit der sie als beste Newcomerin für den PopNRW Preis nominiert wird. Von ihrem Vater ,aus Versehen" zur Feministin erzogen - wie sie es einmal in einem ,Zeit"-Interview formulierte - bediente sie sich für ihren Künstlerinnennamen beim berühmten Cher-Zitat ,Mom, I am a rich man". Ihr Solidaritäts-Song ,Baba Said" geht während der Revolution im Iran schlagartig viral und verschafft der Sängerin über Nacht auf dem ganzen Globus Aufmerksamkeit. Das Musikalische mit dem Gesellschaftlichen zu verbinden war ihr schon immer ein Anliegen. Mit renommierten Festivalslots bei dem New Fall, Herzberg und Reeperbahn Festival und Supportshows für Maxim, Anna Calvi und Alice Merton zeigt Mina, dass sie ,mit 25 Jahren schon eine ganz schöne Powerfrau ist." (WDR 5, 2022) Mit ihrem Debütalbum ,Grown Up" stellt sich Mina Richman nun dem Erwachsenwerden. Mit schonungsloser Ehrlichkeit kehrt sie in ihre Kindheit zurück und verarbeitet streitende Eltern, kulturelle Entwurzelung und den gesellschaftlichen, wie auch ihren persönlichen Umgang mit ihrem Körper. Ehrlich. Queer. Selbstbestimmt. Auch musikalisch ist Mina gereift und stellt einen Sound mit Einflüssen aus Soul, Folk, Indie und HipHop vor, zeigt dass Amy Winehouse, Ronda oder die Alabama Shakes nicht spurlos an ihr vorbei gegangen sind, beleuchtet die schönen Seiten des Erwachsenwerdens: Mut und liebe Menschen, die einen begleiten. Das Album ,Grown Up" wird am 15. März 2024 über Windig erscheinen und anschließend auf einer großen Release Tournee vorgestellt.