Search:die form

Jeffrey Alexander and the Heavy Lidders return with their best album yet, and a UK tour this August. Press by Silver PR
‘’On the alternate timeline where the Meat Puppets inherited the bulk of the Grateful Dead’s tourheads when Jerry Garcia died in 1995, none of this would be necessary, because Jeffrey Alexander and the Heavy Lidders are a household name for evolving their own musical space that overlays dusty folk, cosmic jazz, deep psych, free improv, and even (gasp!) indie rock, building an audience that ranges from open-eared curiosity seekers to deep committed music weirdos that’s also yielded the Heavy Lidders, an infamous sub-cult of concert tapers that you’re already sick of hearing about. A lot of other things are better over on that timeline, too.
But in this consensus reality (and probably the other one, too), Liquid Donnon catches the Lidders at their heaviest, “heavy” in the Lidderverse being far from a monolithic musical idea. There’s heavy like the album-opening “From Loch Raven to Fells Point,” one of several tracks with elegant and gnarled conversational jams featuring the core Lidders lineup of Alexander alongside guitarist Drew Gardner and bassist Jesse Sheppard (both of Elkhorn) and drummer Scott Verrastro. But there’s heavy, too, like “Calliope Walker” and “Tightroping,” featuring Gardner shifted to dream-space vibraphone, the former with saxophonist Tacuma Bradley, the latter with Christina Carter of Texas noise-psych legends Charalambides on veil-crossing wordless vocals, her first collaboration with Alexander in some 20 years.
But then there’s also heavy like the cover photo of Alexander’s late friend and album namesake Donnon, taken at a Dead show at Rich Stadium in Buffalo in 1989, a spirit threading through the songs and weaving unexpectedly into Alexander’s life decades later, emerging especially when Alexander passed through a near-death experience of his own. But, taken together, the different heavies of Liquid Donnon add up into a state of musical grace, where all the Heavy Lidders from all the universes come together as one. Just, like, imagine.
Convened in 2019 on Alexander’s relocation back to his native east coast, the Heavy Lidders are the latest hard-touring expression for the guitarist’s music, joining a vast and tangled discography (and tape list) that includes the beloved long-running west coast Dire Wolves Just Exactly Perfect Sisters Band and, before them, the Iditarod and Black Forest/Black Sea, as well as a bushel of solo play-all-the-instruments projects, a stint with Jackie-O Motherfucker, sessions with Kemialliset Ystävät and Avarus and others, and you’ll have to keep digging for the rest.
And while it’s not hard to find tapers at Lidders gigs (and they encourage you to be one), or to track themes and songs over Alexander’s many live releases, Liquid Donnon makes a new primary text, the original versions of six new pieces for the repertoire. The album closes with a devastating pairing of “Reservoir Drop” into “The Summer Song,” floating into a duo between Alexander’s guitar and Carter’s voice. Catch a half-dozen Lidders shows this summer, and you might not ever catch them playing it like that again, but you just might open the doorway back to that better place." - Jesse Jarnow (writer, WFMU DJ, producer and host of The Good Ol’ Grateful Deadcast)

Der mehrfach preisgekrönte Londoner Jazz-Saxofonist startet mit seinerm neuen Soloalbum sein eigenes Label.

Multiinstrumentalist, Produzent und Künstler Shabaka (Hutchings) veröffentlicht mit "Of The Earth" sein drittes Soloalbum, das gleichzeitig das erste ist, das über sein eigenes Label Shabaka Records erscheint und komplett von ihm selbst geschrieben und produziert wurde. Auf "Of The Earth" kehrt Shabaka zu seinem charakteristischen Saxophonklang zurück, ergänzt durch ausgefeilte Elektronik und Produktion sowie traditionelle Holzblasinstrumente und Perkussion aus aller Welt. Diese Kombination unterstreicht sein vielseitiges Talent und prägt den Gesamtklang des Albums. Hutchings genießt hohes Ansehen für seine Arbeit mit The Comet Is Coming, Sons Of Kemet, Shabaka And The Ancestors sowie für die beiden jüngsten Soloprojekte "Perceive Its Beauty, Acknowledge Its Grace" (2024) und "Afrikan Culture" (2023). Als Musiker arbeitete er bereits mit einer Vielzahl namhafter Künstler zusammen, darunter Andre 3000, Floating Points, Mulatu Astatke, The Sun Ra Arkestra, Lianne La Havas, Saul Williams und viele mehr. "Of The Earth" erscheint als schwarze Vinyl-LP, als limitierte kornblumenblaue Vinyl-Edition und als CD. Beide Vinyl-Formate enthalten ein Booklet mit Hutchings' eigenem Artwork.

Obsessed With You The Early Years' is an official release of the early X-Ray Spex demo recordings which would evolve into the celebrated pioneering 'Germ Free Adolescents' album. Also includes early versions of classic Punk pioneering debut single tracks 'Oh Bondage, Up Yours!' and 'I Am A Cliché’.

Recorded in 1977, the majority of these recordings feature original saxophonist Lora Logic and capture the raw instinctive power of the band who seemed to arrive fully formed despite their youth. The iconic vocal stylings of Poly Styrene immortalised here are even more visceral than what was recorded for the final product and further indicate just how much inspiration they lent Bikini Kill's Kathleen Hanna and the Riot Grrrls that followed. Elsewhere, an early take on 'Germ Free Adolescence' has subtle electronic influences that hint at a potential future the band didn't hang around long enough to fulfil.

This fascinating document is released in various limited edition vinyl formats. 'Day-Glo' orange or 'Day-Glo' pink vinyl with laser die-cut outer sleeve and 'Day-Glo' inserts. The sleeve design is based on original Poly Styrene artwork and brand new sleeve notes from Paul Dean and Lora Logic also feature. Also available on Compact Disc and Digital.

Erstauflage als "Sparkle Starlight Vinyl" 2LP mit Etching auf der vierten Seite. Im technischen Sinne war jedes bisherige Album des französischen Trios SLIFT eine Fantasie - ein Mix aus Genres und Formen, der es der Band ermöglichte, zu improvisieren und so lange zu jammen, bis sie sich scheinbar gemeinsam ins All zu winden schienen. Ihr gefeiertes drittes Album, "Ilion" aus dem Jahr 2024, war eine Science-Fiction-Geschichte, aufgebaut aus 10- bis 13-minütigen explorativen Eskapaden, die oft mit Doom Metal oder Stoner Rock begannen, bevor sie sich frei in glorreiche instrumentale Vergessenheit drehten. Doch mit einer gewissen absichtlichen Ironie heißt SLIFTs viertes Album tatsächlich "Fantasia". Es ist ihr bisher schlankstes und direktestes Album. Es ist auch ihr bisher fesselndstes Album, eine pointierte Saga über die Überwindung internationaler Umbrüche, vorgetragen von einer Band, die mit voller Kraft vorangeht und dabei keine einzige Sekunde verschwendet. Obwohl nur Jean und Bassist Rémi Fossat verwandt sind, ist SLIFT im Grunde eine Band von Brüdern. Mit Schlagzeuger Canek Flores sind sie schon seit der Highschool befreundet, und 2026 markiert ein Jahrzehnt zusammen in diesem Trio. Sie proben mit religiöser Regelmäßigkeit in einem Keller auf dem Land in der Nähe von Toulouse, in dem Jam-Raum, in dem sie schon lange ihrer Vorliebe für langatmige Wunder frönen. Für die Albumaufnahmen zu "Fantasia" überquerten sie die französische Nordgrenze nach Belgien, um in dem riesigen Live-Raum der Daft Studios ein kompaktes Set aus schlanken, agilen und druckvollen Songs aufzunehmen. Die vielfältigen Einflüsse der Band sind offensichtlich: Das Album erinnert an Clutch in voller Wildheit, John Coltrane, Charlie Parker, den sowjetischen Schriftsteller Michail Bulgakow, Pink Floyd und Black Sabbath aus der "Master of Reality"-Ära. Und das klangliche Gewebe wird durch das gekonnte Mixing von Kurt Ballou (Converge, Cave In, High on Fire) unterstützt. Den Songs fehlt es nicht an der Komplexität oder Intensität, die SLIFT zu einem aufstrebenden Star der Heavy-Musik gemacht haben; sie haben einfach neue Wege gefunden, die Komplexität ihrer Vergangenheit in jedes Stück einzuflechten, wie ein Wandteppich, der jedes Mal, wenn man hinschaut, eine neue Ebene offenbart. Damit vermitteln sie eine bestätigende und dringliche Botschaft: Gemeinsam können wir die Zeiten, in denen wir leben, noch immer verändern. Heutzutage ist es furchtbar leicht, sich machtlos zu fühlen. SLIFT setzt sich auf "Fantasia" direkt mit dem modernen Ansturm von Grausamkeit und Absurdität auseinander, sei es die Gleichgültigkeit gegenüber unserem Heimatplaneten oder zueinander. Aber in diesen acht Songs geht es darum, auf eine verborgene Kraft zu vertrauen, um zurückzuschlagen, um an eine Welt zu glauben, in der etwas, das wir noch nicht in Worte fassen oder definieren können, nicht nur einen Weg bietet, den Status quo zu durchbrechen, sondern ihn vielleicht sogar vollständig zu zerstören. SLIFT sind laut, heavy und aggressiv in diesen Hymnen. Sie bereiten sich auf einen Kampf vor, von dem sie glauben, dass wir ihn noch gewinnen können.

,Ruin Everything" ist das fünfte Studioalbum der Stockholmer Psychedelic-Rock-Pioniere Les Big Byrd. Seit ihrer Gründung im Jahr 2011 hat das Quartett seine Mischung aus Space Rock, hypnotisierender Psychedelia und diszipliniertem Krautrock perfektioniert. Angeführt von Songwriter und Produzent Jocke Åhlund Byrd um die ganze Welt getourt und sich dabei eine begeisterte Fangemeinde aufgebaut, wobei sie abwechselnd zu Hause als eine der größten Rockbands Schwedens und im Ausland als Underground-Psych-Act auftraten. Nach dem experimentellen und stark instrumentalen ,Diamonds, Rhinestones and Hard Rain" (2024) kehren Les Big Byrd auf ,Ruin Everything" zu einem stärker songorientierten Ansatz zurück, der an ihren Klassiker ,Iran Iraq IKEA" aus dem Jahr 2018 erinnert. Da die abenteuerlichsten Tendenzen der Band zugunsten eines strafferen, fokussierteren Sounds zurückgenommen wurden - der von dem dystopischen Epos ,Big Flood" bis zum Vollgas-Space-Rock von ,Hökvind" reicht -, ist ,Ruin Everything" Les Big Byrd in ihrer bisher besten Form.

,Ruin Everything" ist das fünfte Studioalbum der Stockholmer Psychedelic-Rock-Pioniere Les Big Byrd. Seit ihrer Gründung im Jahr 2011 hat das Quartett seine Mischung aus Space Rock, hypnotisierender Psychedelia und diszipliniertem Krautrock perfektioniert. Angeführt von Songwriter und Produzent Jocke Åhlund Byrd um die ganze Welt getourt und sich dabei eine begeisterte Fangemeinde aufgebaut, wobei sie abwechselnd zu Hause als eine der größten Rockbands Schwedens und im Ausland als Underground-Psych-Act auftraten. Nach dem experimentellen und stark instrumentalen ,Diamonds, Rhinestones and Hard Rain" (2024) kehren Les Big Byrd auf ,Ruin Everything" zu einem stärker songorientierten Ansatz zurück, der an ihren Klassiker ,Iran Iraq IKEA" aus dem Jahr 2018 erinnert. Da die abenteuerlichsten Tendenzen der Band zugunsten eines strafferen, fokussierteren Sounds zurückgenommen wurden - der von dem dystopischen Epos ,Big Flood" bis zum Vollgas-Space-Rock von ,Hökvind" reicht -, ist ,Ruin Everything" Les Big Byrd in ihrer bisher besten Form.

Forever – Jazz steht für zeitlose Eleganz und die Essenz eines Genres, das Generationen geprägt hat. Diese stilvolle Vinyl-Ausgabe vereint ausgewählte Meisterwerke und schafft eine Atmosphäre zwischen sanfter Melancholie, swingender Leichtigkeit und virtuoser Improvisation.

Mit unvergesslichen Interpretationen von Nina Simone, Louis Armstrong und Ella Fitzgerald uvm, entfaltet sich ein Klangbild, das sowohl entspannt als auch inspirierend wirkt. Instrumentale Höhepunkte von Miles Davis und Dave Brubeck runden das Hörerlebnis ab.

Forever – Jazz ist mehr als eine Sammlung – es ist ein stilvoller Begleiter für besondere Momente und ein Muss für alle, die echten Jazz in seiner schönsten Form genießen möchten.

BEAR's sound is a calculated collision of technical precision and unfiltered aggression _ a modern strain of European metal that balances math-inflected complexity with visceral, live-wire intensity. At the core of their identity a combination of brains and brute force. With Anhedonia, Belgian heavyweights BEAR deliver five songs of pure adrenaline and unfiltered heaviness that capture a band confronting the strange emotional vacuum that can follow trauma. Anhedonia is both a battle cry and a confession; a visceral document of resilience carved from years marked by illness, loss, uncertainty, and hard-won perseverance. Musically, Anhedonia represents a sharpened evolution of BEAR's already formidable sound. Known for their intricate rhythms, punishing riffs, and explosive intensity, the band made a conscious decision this time to strip away excess and focus on the core of each song. There is no wasted movement on this EP. Every riff lands with purpose. Every rhythmic shift feels earned. The band trimmed the fat without sacrificing identity, creating space for dynamics and melody to cut deeper than ever before. "The songs are somewhat stripped back, allowing more space for Maarten's vocals to really shine this time around. I feel like we really hit a great balance of maintaining our signature complex sound while also allowing for more experimentation and melody." (James Falck) Anhedonia acknowledges numbness without glorifying it. It confronts pain without being consumed by it. And in doing so, it transforms heaviness into something connective. BEAR have always been a band driven by conviction, and here they stand at their most authentic, vulnerable and ferocious. Together, BEAR create music that feels alive _ tense, volatile, and emotionally charged _ where technicality enhances impact, and heaviness carries genuine vulnerability beneath its surface. FOR FANS OF The Dillinger Escape Plan * Every Time I Die * Botch * Converge * Norma Jean * Coalesce * Herod

BEAR's sound is a calculated collision of technical precision and unfiltered aggression _ a modern strain of European metal that balances math-inflected complexity with visceral, live-wire intensity. At the core of their identity a combination of brains and brute force. With Anhedonia, Belgian heavyweights BEAR deliver five songs of pure adrenaline and unfiltered heaviness that capture a band confronting the strange emotional vacuum that can follow trauma. Anhedonia is both a battle cry and a confession; a visceral document of resilience carved from years marked by illness, loss, uncertainty, and hard-won perseverance. Musically, Anhedonia represents a sharpened evolution of BEAR's already formidable sound. Known for their intricate rhythms, punishing riffs, and explosive intensity, the band made a conscious decision this time to strip away excess and focus on the core of each song. There is no wasted movement on this EP. Every riff lands with purpose. Every rhythmic shift feels earned. The band trimmed the fat without sacrificing identity, creating space for dynamics and melody to cut deeper than ever before. "The songs are somewhat stripped back, allowing more space for Maarten's vocals to really shine this time around. I feel like we really hit a great balance of maintaining our signature complex sound while also allowing for more experimentation and melody." (James Falck) Anhedonia acknowledges numbness without glorifying it. It confronts pain without being consumed by it. And in doing so, it transforms heaviness into something connective. BEAR have always been a band driven by conviction, and here they stand at their most authentic, vulnerable and ferocious. Together, BEAR create music that feels alive _ tense, volatile, and emotionally charged _ where technicality enhances impact, and heaviness carries genuine vulnerability beneath its surface. FOR FANS OF The Dillinger Escape Plan * Every Time I Die * Botch * Converge * Norma Jean * Coalesce * Herod

The single will be a limited edition release of 500 vinyl copies as part of the Blow Up 45 Series. All sleeves for the Blow Up 45 series are die cut with the record centre dinked.
The distinctive in-house design which has been utilised since the year 2000.
Broadcast embargo until 5/05/26 – Exclusive first play on 4th May on Roman Jugg’s Roman show (Truly Electric Camembert – Phoenix FM). The band were recently featured in Shindig magazine and were described as “bringing a forceful new twist to vintage tinged rock ‘n’ roll.
The Now She’s Gone single are the first tracks to be completed from the recording sessions at the Fish Factory in Willesden London in December 2025. Sixteen tracks were recorded in the sessions with additional overdub recording taking place at Soundbody studios London between January and February 2026. The single was produced by The Forty Fours and former member of The Damned, Roman Jugg. Whilst Paul Tunkin of Blow Up is the executive producer of the sessions. The remainder of the tracks for the debut album are currently being mixed by Nick Terry in Oslo, Norway for release later in 2026. The Forty Fours are a London based three-piece group, who originally formed in Cornwall as teenagers.
The Forty Fours are : Oliver Harriss – Electric Guitar / Vocal, Jason Bazeley – Bass guitar / Vocal, Andrew Stander – Drums / Vocal.

Eines der prägendsten Merkmale des Ansatzes der Blues-Newcomer GA-20 in Bezug auf traditionelle Bluesmusik ist ihr unerschütterliches Engagement, die Songs zu spielen, die sie lieben, oder wie Bandleader Matthew Stubbs es ausdrückt: ,Wir spielen die Musik, die wir selbst hören wollen." Kenner sind fasziniert von der mitreißenden Energie, die die Band in die Welt des Heavy Blues bringt, und von den Songs, die sie spielen. Mit ORPHANS hat die Band eine Sammlung von Blues- und Blues-nahen Titeln zusammengestellt, die perfekt in diesen Rahmen passen. Die Songs auf ORPHANS sind genau das - einzigartige Stücke, die man sonst nur bei Live-Shows hört, Singles, die zwischen den Alben veröffentlicht wurden, und einfache Favoriten, die die Band (Stubbs, Cody Nilsen & Josh Kiggans) schon lange aufnehmen wollte. Und genau wie der Blues eine Tradition des Ausleihens, Teilens und der Transformation ist, werden diese Melodien und Texte auf ähnliche Weise neu interpretiert und neu erdacht - Waisen und Streuner, die liebevoll adoptiert und mit neuem Leben erfüllt werden. Die Nachfrage der Fans nach einer richtigen Veröffentlichung dieser Songs in voller Länge sowie der Wunsch, Nilsens Gesang und seine Meisterschaft an der Begleitgitarre zu präsentieren, werden hier in physischer Form verwirklicht.

Christopher Tignors ,Bleeding Past the Edges" ist ein bewusster Kontrapunkt zur heutigen, von KI geprägten Musiklandschaft und stellt die menschliche Hand fest in den Mittelpunkt des Schaffensprozesses. In einem kleinen Studio voller Geigen, Stimmgabeln, Pedalen und maßgeschneiderter Software hat Tignor ein Performance-System entwickelt, das sich weniger wie eine Maschine, sondern eher wie ein lebendiges Instrument verhält. Anstatt sich auf Loops oder Backing-Tracks zu verlassen, generiert er jedes Stück in Echtzeit und fängt Klänge ein und formt sie um, während er spielt. Geigenstreichmelodien erweitern sich zu vielschichtigen Mustern, perkussive Schläge lösen sich entwickelnde Strukturen aus, und selbst eine einzelne Stimmgabel kann sich zu einem ganzen harmonischen Feld entfalten. Das Ergebnis ist ein immersiver, orchestraler Klang, der live von einem einzigen Interpreten erzeugt wird, der sich durch ein eng verwobenes System aus Gestik, Timing und Code bewegt. Jedes Element beginnt als physische Handlung und bleibt damit verbunden, was der Musik ein Gefühl von Unmittelbarkeit, Risiko und Präsenz verleiht, das sich durch das gesamte Album zieht. Auf dem Album bewegt sich Tignor fließend zwischen rhythmisch geprägten Kompositionen, die das Instrument als perkussiven Motor behandeln, und melodischeren Werken, die im expressiven Kern der Violine verwurzelt sind. Die Lead-Single ,Weight of Words" unterstreicht diese Balance und entfaltet sich mit einer narrativen Klarheit, die Tignors Kompositionsansatz widerspiegelt. Er beschreibt diese Stücke oft als ,Kurzgeschichten", in denen Melodien als roter Faden dienen und jedes Werk durch wechselnde Strukturen und emotionale Bögen führen. Der Titel ,Bleeding Past the Edges" verweist auf Momente, in denen die Musik über ihr ursprüngliches Konzept hinausgeht, in denen sich die Struktur lockert und der Klang nach außen fließt. Tignor vergleicht den Prozess mit ,einem Seiltänzer", bei dem sorgfältige Vorbereitung auf die Möglichkeit einer Transformation in Echtzeit trifft. Obwohl die Systeme streng ausgearbeitet sind, behält jede Aufführung ein Element der Unvorhersehbarkeit, wodurch sich die Musik ständig weiterentwickeln kann. Im Laufe von zehn LPs, die über Western Vinyl und New Albion erschienen sind, hat sich Tignor in klassischen und experimentellen Kreisen breite Anerkennung erworben. The Guardian bezeichnete ihn als ,absurd talentiert", während Bandcamp seine ,schiere technische Meisterschaft" hervorhob und The New York Times seine seltene Fähigkeit lobte, Computer bei Live-Auftritten nahtlos mit akustischen Instrumenten zu verbinden. The Wire lobte seine Kompositionen zudem für ihre fließenden, sich entwickelnden Strukturen. Über seine Soloarbeit hinaus hat Tignor mit Künstlern wie Rachel Grimes, Helios, Jefre Cantu-Ledesma, John Congleton und This Will Destroy You zusammengearbeitet. Sein Hintergrund verbindet verschiedene Disziplinen: Er hat einen Doktortitel in Komposition von der Princeton University, einen Master in Informatik vom NYU Courant Institute und einen Bachelor vom Bard College, wo er bei dem Dichter John Ashbery studierte. Mit ,Bleeding Past the Edges" führt Tignor diese Stränge zu einem Werk zusammen, das sich sowohl streng konstruiert als auch lebendig anfühlt - ein Album, das Performance, Körperlichkeit und die anhaltende Ausdruckskraft menschengemachter Klänge in den Vordergrund stellt.

The Bug Club sind mit einem neuen Album zurück. Seit ihrem letzten Album sind ganze sieben Monate vergangen. Wo waren sie denn? Every Single Muscle, das fünfte Album der Band, ist das dritte, das von Sub Pop, dem angesehenen Label des walisischen Duos aus Seattle, veröffentlicht wird. Seit Very Human Features, das im Juni 2025 rauskam, sind die Lieblinge von BBC 6 Music und KEXP auf ihrer Nonstop-Tour quer über den Atlantik geflitzt, wie sie es früher auf der Severn Bridge gemacht haben. Verschiedene Festivalauftritte im Sommer haben sie davon abgehalten, Urlaub zu machen - wer braucht schon Urlaub, wenn man in Wales lebt? - bis es Zeit war, wieder ins Songwriting-Studio zu gehen. Das ist wahrscheinlich immer noch ein Schlafzimmer in Caldicott, das von einem Windhund namens Ted frequentiert wird (aufgepasst - er taucht in einem der Songs auf). Die Songwriter Sam (Gitarre, Gesang) und Tilly (Bass, Gesang) sind immer bescheiden und behaupten sogar, dass sie während des Songs ,It's Our Manager David" nur ,herumsassen und nichts taten". Das ist eindeutig eine Lüge. Every Single Muscle startet mit ,Miss Wales 2012" voll durch und bezieht sich dabei auf einen Wettbewerb, den sowohl Tilly als auch Sam tatsächlich gewonnen haben. Es ist der erste von vielen Tracks auf dem Album, die weniger als zwei Minuten lang sind, und gibt den Ton für das bisher punkigste Album von The Bug Club an, das sowohl an die kurzen, knackigen Snaps ihrer allerersten Singles als auch an das Grunzen ihrer jüngsten Veröffentlichungen erinnert. Das Album ist so vollgepackt mit Riffs und eingängigen Hooks, dass Sam tatsächlich um Erlaubnis bittet, im zweiten Track ,A Good Day For Dying" ein Solo einbauen zu dürfen. Er bekommt zwei Sekunden Zeit. Glücklicherweise fragt Sam später noch einmal und bekommt mehr Zeit. Auf achtzehn Songs gibt's genug klassisches Gitarrenspiel von Sam und Tilly, um selbst die lautstärksten Bug Club-Fans zufrieden zu stellen und die Behauptung der Band, sie seien ,nur technisch versiert auf ihren Instrumenten", klar zu widerlegen. Dieses Album ist ein Beispiel für effizienten Maximalismus - so wie wenn dein Vater das Auto für den Urlaub vollpackt. Bring mit, was du willst; der Platz ist knapp, aber sie kriegen es irgendwie rein. Zu den Texten: Während ,Very Human Features" hervorragend alltägliche Dinge aufzeigte und ihre Absurdität hervorhob, schauen The Bug Club auf ,Every Single Muscle" genauer auf sich selbst. Allerdings nicht so sehr auf introspektive Weise, sondern eher so, wie ein Außerirdischer ein gefangenes Exemplar auf einer intergalaktischen Trage untersuchen würde. Horrorfilme haben ihr ,Body"-Subgenre, jetzt bekommen auch Garage-Rock-Alben ihres. In einem völlig neuen Sinne des Wortes selbstbezogen, wird die menschliche Form und Verfassung im Laufe des Albums aus jedem Blickwinkel beleuchtet und untersucht. Wir spüren eine surreale Distanz zum Selbst, die den allgegenwärtigen, von Langeweile geprägten Humor hervorbringt; im letzten Song verkündet Sam, dass er ,es satt hat, ein Mensch zu sein". The Bug Club scheinen dem Konzept, ein Mensch zu sein, fast misstrauisch gegenüberzustehen - als wären sie in einem Kostüm aufgewacht, das sie nicht anziehen wollten und nicht ausziehen können. Ist drei die magische Zahl? Wahrscheinlich nicht. Aber Every Single Muscle - das dritte Sub-Pop-Album von The Bug Club - kommt dieser Vorstellung nahe genug, um den durchschnittlichen seltsamen Menschen davon zu überzeugen, dass es so sein könnte.

Record Kicks freut sich, die Vinyl-Neuauflage zum 10-jährigen Jubiläum von ,Late Nights & Heartbreak" zu präsentieren, dem Durchbruchsalbum von Hannah Williams & The Affirmations, auf dem der Song zu finden ist, der zum emotionalen Rückgrat von Jay-Zs wegweisendem Album ,4:44" wurde. ,Late Nights & Heartbreak" kam 2016 raus und wurde von Kritikern gelobt. Seitdem ist es ein moderner Soul-Klassiker. Sein Vermächtnis wurde besiegelt, als Jay-Z den Titelsong von ,4:44" komplett um Hannah Williams' Originalaufnahme herum aufgebaut hat. Der Song, der als unverfälschtes Geständnis der Untreue genutzt wurde, war Jay-Zs Antwort auf ,Lemonade" von seiner Frau Beyoncé und machte Hannahs unverwechselbare Stimme einem weltweiten Publikum bekannt. Aufgenommen im Quatermass Studio in London - der Heimat der Kulthelden The Heliocentrics - zeigt ,Late Nights & Heartbreak" Hannah, begleitet von ihrer neu gegründeten Band The Affirmations. Produziert wurde das Album von Malcolm Catto, der für seine Arbeit mit Künstlern wie Mulatu Astatke, Orlando Julius, Floating Points, Quantic, DJ Shadow und Madlib. Das Album wurde komplett analog gemischt und auf Band gemastert und bietet einen rohen, druckvollen und zutiefst eindringlichen Sound. Auf 13 Tracks erkundet ,Late Nights & Heartbreak" viszeralen, kraftvollen Soul mit einem subtilen psychedelischen Touch. Von der eindringlichen ersten Single ,Tame in the Water" bis zum unerbittlichen achtminütigen Groove von ,Still in My Head" zeigt das Album die schiere Kraft und Kontrolle von Hannahs Stimme in ihrer elektrisierendsten Form. ,Woman Got Soul" liefert fünf Minuten mitreißenden, kraftvollen Funk, während tiefgründigere Stücke wie ,Another Sunrise" und ,Your Luck Can Change" einen üppigen, emotionalen Hintergrund für Themen wie Liebe, Lust, Sehnsucht, Wut und Verletzlichkeit bieten. Alle Songs sind Originalkompositionen, die von dem in Bristol ansässigen Kollektiv um The Affirmations unter der Leitung von Musikdirektor James Graham geschrieben wurden - mit Ausnahme einer atemberaubenden, psychedelisch-souligen Neuinterpretation von ,Dazed and Confused", die stark von der Originalversion von Jake Holmes inspiriert ist. Hannah Williams, die schon früh von der verstorbenen Sharon Jones gesegnet wurde, eroberte 2012 mit ihrem Debütalbum ,A Hill of Feathers" die Soul-Szene. Die Single ,Work It Out" wurde ein Indie-Radiohit und ebnete den Weg für eine Karriere, die von moderner Soul-Mythologie geprägt ist. Aufgewachsen in einem musikalischen Haushalt, sang Hannah ab dem Alter von sechs Jahren im Kirchenchor und konnte Noten lesen, bevor sie richtig lesen konnte. Heute ist sie eine unaufhaltsame Kraft - eine Künstlerin mit einem seltenen Talent, wie es nur einmal in einer Generation vorkommt. Zehn Jahre später kehrt ,Late Nights & Heartbreak" in dieser speziellen Jubiläumsausgabe auf Vinyl zurück und bestätigt erneut, warum Hannah Williams & The Affirmations nach wie vor zu den kraftvollsten Stimmen des zeitgenössischen Soul gehören.

Paul McCartney kehrt mit seinem 18. Studioalbum The Boys Of Dungeon Lane zurück und präsentiert
damit sein bisher persönlichstes Werk. Das Album vereint seltene, bisher ungeteilte Erinnerungen mit neuen
Liebesliedern und gibt intime Einblicke in seine Kindheit im Nachkriegs Liverpool sowie frühe Begegnungen
mit John Lennon und George Harrison. Als einer der prägendsten Songwriter unserer Zeit blickt er auf die
Jahre zurück, die sein Leben und die moderne Popkultur formten.
Der Albumtitel verweist auf die „Dungeon Lane“, einen Ort seiner Jugend, an dem McCartney viel Zeit
verbrachte und der für die Zeit vor dem Ruhm steht. Inspiriert von der ersten Single Veröffentlichung „Days
We Left Behind“ fängt das Album die emotionale Essenz dieser Erinnerungen ein.
Die physische Veröffentlichung erscheint am 29. Mai auf Vinyl und CD und erzählt mit großer Ehrlichkeit
die Geschichte hinter einer der bedeutendsten Ikonen der Musikgeschichte.

,now i imagine a place not the same" ist eine Doppel-LP und ein neues Solo-Statement des Gitarristen und Komponisten David Torn, veröffentlicht bei Kou Records. Es kehrt zur rohen Energie seiner frühen Klangsprache zurück und treibt diese gleichzeitig mit der Klarheit jahrzehntelanger Erkundungen voran. Das Album ist gleichermaßen viszeral und schwerelos und konzentriert sich auf Torns langjährigen Dialog zwischen alternativen Stimmungen, Loop-Architekturen und berührungsempfindlicher Elektronik - eine Klangwelt, in der Melodie, Noise und Atmosphäre sich ständig ineinander verschmelzen. Als Pionier der E-Gitarren-Bearbeitung ist Torn weithin bekannt für seine Arbeit in Musik und Film, darunter langjährige Kooperationen mit dem Komponisten Howard Shore, Beiträge zu Filmen von David Cronenberg und einflussreiche Veröffentlichungen bei ECM Records, die dazu beitrugen, eine atmosphärische, filmische Sprache für die E-Gitarre zu definieren. Torn nähert sich jedem Stück als einer Form kompositionsorientierter Improvisation und behandelt alles in seiner Reichweite als musikalisches Material: Saiten, Tonabnehmer, Verstärker, externe Elektronik, Stimme, resonante Oberflächen und den physischen Raum selbst. Aufgenommen, gemischt und produziert von Randall Dunn und mit einem Schwerpunkt auf Unmittelbarkeit und physischer Präsenz eingefangen, wird die Gitarre Teil eines größeren Systems - Schaltkreise atmen, Delays wiederholen unvollkommene Erinnerungen, Töne regenerieren sich durch Berührung. Klänge entstehen durch Zufall, Geste und Intuition und werden dann durch aufmerksames Zuhören geformt, während sie sich entwickeln. Anstatt auf festgelegte Ergebnisse hin zu komponieren, lässt Torn die Form durch Feedback und Wiederholung entstehen und nimmt jeden Klang - ob beabsichtigt oder nicht - in einen sich ständig weiterentwickelnden musikalischen Körper auf. Indem er grundlegende Werkzeuge aus seinen prägenden Verarbeitungsjahren wieder aufgreift - alternative Stimmungen, Looping-Logik, Röhrensättigung - lehnt Torn Nostalgie ab und gewinnt stattdessen ihre Unmittelbarkeit als lebendiges Material zurück. Gleichzeitig intim und gewaltig fängt ,now i imagine a place not the same" einen Künstler ein, der seine einzigartige Sprache voll und ganz beherrscht: zutiefst melodisch, rigoros experimentell und verwurzelt in Vertrauen, Berührung und Elektrizität. Nicht als rückblickende Geste, sondern als gegenwärtige Erklärung bietet das Album eine kraftvolle Meditation über Vergänglichkeit, Erneuerung und das fortwährende Leben des Klangs.

Between Bodies als Geheimtipp der europäischen Punk/Indie-Szene zu bezeichnen, ist mittlerweile ein großes Understatement. Nach ihrem Debütalbum, "Electric Sleep" von 2022, war die Band in aller Munde derer, die ein Herz für melodischen, treibenden, emotionalen Punkrock mit DIY Spirit haben. Spätestens über das Jahr 2025, als die Band aus Köln, Toronto und Paderborn, etablierte Acts wie Touché Amore, The Get Up Kids, The Hotelier oder Captain Planet in ausverkauften Clubs supportet hat, auf zahlreichen Szene-Festivals zu sehen war und seine Hörer*innenschaft noch einmal deutlich erweitern konnte, sind Between Bodies zu einer der spannendsten up-and-coming Punk-Bands hierzulande geworden. Die Songs und Texte der Ende 2019 gegründeten Band haben - wird oft behauptet, hier stimmt es einmal - internationales Format und erinnern an Lieblinge wie Joyce Manor, The Menzingers oder Tigers Jaw. Ihr Sound lässt ebenso an 90er Jahre Emo-Punk Klassiker denken, zeigt sich beeinflusst von 00er Jahre Post-Punk/Indie und verfügt dabei über reichlich Charakter und ein Ideenreichtum, der Between Bodies schlicht zu einer außergewöhnlichen Band macht.

Das neue Projekt von Joe Lovano trägt den programmatischen Namen Paramount Quartet – und tatsächlich
versteht der Saxofonist diese Formation als künstlerischen Meilenstein. „Mit diesem Quartett sind wir an
einem einzigartigen Ort angekommen“, erklärt Lovano. „Es ist etwas ganz Besonderes, etwas Neues. Und
diese ‚cats‘, sie spielen mit einem globalen Bewusstsein.“ Zu diesen „cats“ zählen der Gitarrist Julian Lage,
der Bassist Asante Santi Debriano sowie der Schlagzeuger Will Calhoun, der auch durch seine Arbeit mit
der Rockband Living Colour bekannt wurde. Gemeinsam schlagen sie ein neues, abenteuerliches Kapitel
in Lovanos weit gespanntem Œuvre auf. Anlässlich der Tournee, die der Aufnahme vorausging, würdigte
die Financial Times das Konzert in London mit den Worten: „Lovanos jüngstes Projekt, das Paramount
Quartet, fügt einem modernistischen Kern Anklänge von Americana hinzu und erkundet dieses Terrain mit
Freiheit, Fokus und Feuer.“ Die klangliche Palette des Albums ist ebenso facettenreich wie die beteiligten
Musiker unterschiedlicher Generationen: kraftvoll und extrovertiert in manchen Momenten, intim und
zart in anderen. Neben Eigenkompositionen Lovanos finden sich eindrucksvolle Interpretationen von „Lady
Day“ – einer Hommage von Wayne Shorter an Billie Holiday – sowie von „First Song“ des Bassisten Charlie
Haden. Aufgenommen wurde das Album im Februar 2025 in Südfrankreich, produziert von Manfred Eicher.

"The Moth" ist Devin Townsends bislang ambitioniertestes Werk, ein Projekt, das er als sein Lebenswerk betrachtet - ein immersives Orchester-, Chor- und Theaterprojekt, an dem er über ein Jahrzehnt lang gearbeitet hat. Was als fernes Ziel begann, wurde Wirklichkeit, als Townsend zur Zusammenarbeit mit dem North Netherlands Orchestra and Choir eingeladen wurde.

Im Gegensatz zu seinen früheren genreübergreifenden Werken wurde "The Moth" von Grund auf als vollständig orchestrierte Erzählung konzipiert. Townsend verbrachte Jahre damit, die Grundlagen der Musik neu zu erlernen, um die Partitur selbst zu schreiben: Harmonie, Kontrapunkt und Orchestrierung wurden von Grund auf neu aufgebaut, fachkundig unterstützt von Joseph Stevenson. Das Ergebnis ist ein sorgfältig ausgearbeitetes, emotionales Werk, in dem jedes Instrument und jede Stimme ihren Platz hat.

Das Album wurde in mehr als zehn Ländern aufgenommen und vereint eine außergewöhnliche internationale Besetzung: das bereits erwähnte North Netherlands Orchestra and Choir, die langjährigen Mitwirkenden Darby Todd, Mike Keneally, James Leach und Gäste wie Steve Vai, Anneke Van Giersbergen und Lynn Wu (Ou). Hunderte von Musikern, Toningenieuren, Mixern und Künstlern haben zu dem riesigen kreativen Ökosystem dieses Projekts beigetragen.

Im Kern handelt "The Moth" von Transformation. Durch seine hochfliegenden Arrangements und intimen Momente erkundet das Werk Selbstakzeptanz, Hingabe und den Mut, sich Unbehagen zu stellen, ohne sich abzuwenden.

"The Moth" handelt von der Reise - aber auch von der Ankunft.

"The Moth" wird in verschiedenen Formaten erhältlich sein, darunter als limitiertes Deluxe-Artbook mit 3 CDs + Blu-ray (CD1: Studioalbum, CD2: "The Moth - The Afterlife" Redux Orchestra & Choir Version), CD3: "The Moth - The War (Live)"). Die Blu-ray enthält den kompletten Live-Film "The Moth - The War" sowie Dolby Atmos- und hochauflösende Stereomischungen von "The Moth" und "The Moth - The Afterlife". Es wird

Nina Nastasia nahm mit Steve Albini bei Electrical Audio in Chicago auf und engagierte den Instrumentalisten und Arrangeur Paul Bryan aus Los Angeles, um ihre Songs für ein kleines Orchester zu arrangieren. Mit dem Schlagzeuger Jay Bellerose und dem Gitarristen Jeff Parker aus Chicago wird Outlaster von einer absoluten Traumband unterstützt. Dieses Album ist ein Werk von üppiger Raffinesse, das ohne Verlust an Charakter oder Wirtschaftlichkeit über Nastasias berühmte Sparsamkeit hinausgeht. Das Orchester geht mit Bryans kraftvoller, bewegender Partitur - die an Gil Evans und den verstorbenen Phil Ochs erinnert - eher formell vor und veredelt die Platte mit glänzenden Bläsern und einem dynamischen Streichensemble. Nachdem Outlaster mehr als ein Jahrzehnt lang vergriffen war, ist es nun endlich wieder auf Vinyl erhältlich. Die Neuauflage von Outlaster wurde 2025 von Josh Bonati für Vinyl remastert und ist auf limitiertem burgunderfarbenem Vinyl gepresst.

Pressed on sunburst orange/yellow vinyl This long-awaited 2LP repress restores the album's immense sonic scope on vinyl, allowing its dense layers of distortion, atmosphere and emotional weight to unfold with full analogue depth. A landmark of atmospheric doom and experimental metal, Weighing Souls With Sand remains one of the most haunting and emotionally overwhelming heavy records of the 2000s. Originally released in 2007, the album captures The Angelic Process at their most immersive and devastating. The duo of Kris Angylus and Monica Dragynfly forged a sound where crushing doom metal weight collides with vast shoegaze textures and towering walls of distorted ambience. Massive low-end drones, blurred melodies and suffocating distortion drift between moments of fragile calm, creating an experience that is both devastatingly heavy and strangely beautiful. The result is a deeply cathartic record that pushes doom, drone and shoegaze into a singular and transcendent form.

Allen Toussaints von Kritikern hochgelobtes Album „Songbook“ ist erstmals auf Vinyl in dieser 2-LP-Edition
erhältlich. Außerdem ist ein neues 2-CD-Format erhältlich, das das Originalalbum sowie 20 unveröffentlichte
Bonustitel enthält. Das Album wurde 2009 im Joe’s Pub in New York City aufgenommen und vereint Toussaint, ein Klavier und sein umfangreiches Songrepertoire. Im Mittelpunkt stehen seine Eigenkompositionen,
darunter „Lipstick Traces (On a Cigarette)“, „Holy Cow“, „Get Out of My Life, Woman“ und viele meh

A kickstart without brakes – straight into the heart of the German-speaking rock scene with performances at Rock am Ring, Rock im Park, Lollapalooza, and more. And all of this completely independently – without a label, without a booking agency, without a producer. Because wasting time was never on the agenda for the punk & alternative trio from Frankfurt since their very first performance in May 2023 at the Warsteiner Band Contest, which they won right away. If we ended the band description at this point, everything would sound perfect. But if you take a closer look at the dozen singles that Friends Don't Lie have released in just 18 months, you'll discover a second layer: vulnerable lyrics about self-doubt, fears, and big emotions. At the same time, it becomes clear that the band also takes a political stance. It's about discontent – against racism, resentment, selfishness – against all forms of hatred. Friends Don't Lie are thus becoming the voice of a generation, as we last saw with acts like Kraftklub and Casper. In May 2026, Uncle M Music will release their long-awaited debut album, Zenit der Dramaturgie. Ten German-language rock/punk songs that set the bar extremely high and bridge the gap between Donots and Kraftklub.

Mit ihrem neuen Werk "Liturgy of Death" bekräftigen MAYHEM ihren Status als kompromissloseste Kraft des norwegischen Black Metal. Nach vier Jahrzehnten des Exzesses hat die Band einen neuen Höhepunkt erreicht: schneller, heftiger und finsterer als alles andere in ihrem bisherigen Schaffen. Das Album entfaltet sich als unerbittliche Meditation über den Tod in all seinen Erscheinungsformen - existentiell, spirituell und absolut. Vom wütenden Chaos von "Despair" und "Funeral of Existence" bis zur düsteren Erhabenheit von "Ephemeral Eternity" und "Aeon's End" zieht jeder Track den Hörer tiefer in ein Ritual des Elends und der Transzendenz hinein. "Propitious Death" und "The Sentence of Absolution" verbinden Brutalität mit einer bedrohlichen Atmosphäre, während "Life Is a Corpse You Drag" und "Sancta Mendacia" keinen Zweifel daran lassen, dass Mayhem nach wie vor unübertroffen darin sind, Verzweiflung in Klang umzusetzen.

Mit Necrobutcher, Hellhammer, Attila, Teloch und Ghul, die enger denn je zusammenarbeiten, präsentiert "Liturgy of Death" eine Band, die sich nicht mit ihrem Erbe zufrieden gibt, sondern entschlossen ist, die Grenzen des Extremen selbst zu erweitern. Das Ergebnis ist ein gnadenloses Album - düster, schnell und unerbittlich -, das Mayhem in ihrer gefährlichsten und vitalsten Form einfängt. Vierzig Jahre nach ihrer Gründung in Langhus verkörpern MAYHEM weiterhin das Chaos und beweisen einmal mehr, dass der norwegische Black Metal eine Kraft ohne Ende ist.

,Paradessence", das dritte Album von Visible Cloaks, ist ein Werk der Entstehung und Illusion. Die vierzehn Songs des Albums verschieben, heben und schimmern vor einem schwach leuchtenden Hintergrund der Nacht, einem höhlenartigen Raum, der durch spärliche hyperreale Darstellungen der natürlichen Welt geformt wird. Die Arrangements sind gleichzeitig grandios und zerbrechlich, sowohl eine Umkehrung als auch eine Kulmination dessen, was zuvor kam, und so abenteuerlich wie alles, was sie bisher produziert haben. Seit ihrer Umwandlung von Cloaks zu Visible Cloaks im Jahr 2014 haben Spencer Doran und Ryan Carlile eine komplexe Matrix gegensätzlicher Konzepte entworfen: organisch und künstlich, zufällig und bewusst, authentisch und repliziert. Der Albumtitel, der aus dem satirischen Portmanteau des Autors Alex Shakar aus ,paradox" und ,essence" stammt, spiegelt diese Spannungen direkt wider: Die Paradessence von Konsumgütern ist der ,schismatische Kern", der ihre Attraktivität ausmacht (in Shakars Beispiel ist Kaffee begehrt, weil er gleichzeitig entspannend und anregend wirkt). Der Balanceakt von Paradessence verleiht diesen Spannungen eine größere Dringlichkeit, da das Leben im 21. Jahrhundert durch eben diese Spannungen neu geordnet wird. Stille ist ein wichtiger Charakter in Paradessence, der nicht nur in der Gestaltung des Klangs zu spüren ist, sondern auch in dem Druck, den er auf alles und alles, was entsteht, ausübt. Die Gruppe ließ sich vom Konzept des ,positiven Raums" des Architekturtheoretikers Christopher Alexander beeinflussen, einer Idee, dass der Form der Leere um ein Objekt herum die gleiche Aufmerksamkeit geschenkt werden kann wie der Konstruktion des Objekts selbst. Wir hören, wie Klänge ihre eigene Stille in sich tragen, zwischen Existenz und Nicht-Existenz oszillieren und wie Mikroorganismen Lebenszyklen durchlaufen. Die Instrumente, die Paradessence untermauern, haben etwas Kollektives an sich. Sie bewegen sich wie eine Herde, so wie wenn der Wind über ein Feld voller Blätter weht und die Luft in der Abwesenheit von Bewegung sichtbar wird; mehrere Arten leben in derselben Melodie zusammen, treten hervor, ziehen sich zurück und verwandeln sich im Laufe von mehreren Minuten. ,Anstatt Stücke zu schaffen, die horizontal als Umgebungen funktionieren", sagt Doran, ,wollten wir sie als lebendes Material konzipieren, das sich im Raum verändert und ständig im Fluss ist." Die Songformen entfernen sich von der Atmosphäre und tendieren zur reinen Abstraktion. Utopismus schwebt am Rande; eine Beziehung zu imaginären Zukünften, die weder naiv, zynisch noch nostalgisch ist. Die Welt, die Visible Cloaks im Laufe der Zeit aufgebaut haben, wird oft von Mitwirkenden physisch umgesetzt, von denen eine vertraute Besetzung für Paradessence zurückkehrt. Motion Graphics (Joe Williams) ist auf ,synthetic woodwinds" zu hören und hat das Album mitgemischt, wobei er ihm mit seinem charakteristischen Glanz Kontur verliehen hat. Die miteinander verbundenen Stücke ,Shapes" und ,Thinking" wurden zusammen mit den Innovatoren der Umweltmusik Yoshio Ojima und Satsuki Shibano entwickelt, die auch mit dem Duo an der generationsübergreifenden FRKWYS-Kollaboration serenitatem gearbeitet haben. Das letztere Stück enthält einen von Ojima verfassten gesprochenen Text, der von Shibano auf Japanisch und von der Komponistin und langjährigen Freundin Félicia Atkinson auf Französisch gelesen wird. Das Componium Ensemble, Dorans Projekt für ,unbestimmte Kammermusik" mit selbstspielenden Software-Instrumenten, bildet die Grundlage für ,System" in einem Moment von Pessoa-scher Heteronymie. Auf dem Album ist auch Ioana Selaru zu hören, eine rumänische Komponistin und Violinistin, die ,Intarsia" mit ihrer Stimme und ihrem Streicherspiel bereichert. Doran beschreibt ihre Zusammenarbeit als ,eine Übung in illusorischer Präsenz", die sie gemeinsam aus ,der Idee entwickelt haben, ihr reales Instrumentenspiel virtuellen Instrumenten gegenüberzustellen, um die Grenzen zwischen synthetischen Streichinstrumenten und denen, die in der Realität existieren, zu verwischen". Selarus energiegeladene Darbietung in ,Intarsia" ist ein deutlicher Beweis für den dramatischen Kern von Paradessence: ein dringliches skulpturales Unterfangen, ein Instrument und eine menschliche Stimme, moduliert von einem Meer synthetischen Wachstums. Doran beschreibt, wie für ihn ,dieses Verschieben zwischen dem Realen und dem Virtuellen etwas ganz anderes einfängt, etwas Seltsames und Unbeschreibliches, das ein fester Bestandteil des Lebens in der digitalen Moderne ist, sowohl online als auch im realen Leben". Es ist elektronische Musik, die nicht nur durch ihre wechselnden Formen eine abstrakte Darstellung unserer aktuellen Traumrealität heraufbeschwört, sondern auch imaginäre Räume schafft, die emotional nuanciert sind und zu Momenten der Anmut führen.

,Paradessence", das dritte Album von Visible Cloaks, ist ein Werk der Entstehung und Illusion. Die vierzehn Songs des Albums verschieben, heben und schimmern vor einem schwach leuchtenden Hintergrund der Nacht, einem höhlenartigen Raum, der durch spärliche hyperreale Darstellungen der natürlichen Welt geformt wird. Die Arrangements sind gleichzeitig grandios und zerbrechlich, sowohl eine Umkehrung als auch eine Kulmination dessen, was zuvor kam, und so abenteuerlich wie alles, was sie bisher produziert haben. Seit ihrer Umwandlung von Cloaks zu Visible Cloaks im Jahr 2014 haben Spencer Doran und Ryan Carlile eine komplexe Matrix gegensätzlicher Konzepte entworfen: organisch und künstlich, zufällig und bewusst, authentisch und repliziert. Der Albumtitel, der aus dem satirischen Portmanteau des Autors Alex Shakar aus ,paradox" und ,essence" stammt, spiegelt diese Spannungen direkt wider: Die Paradessence von Konsumgütern ist der ,schismatische Kern", der ihre Attraktivität ausmacht (in Shakars Beispiel ist Kaffee begehrt, weil er gleichzeitig entspannend und anregend wirkt). Der Balanceakt von Paradessence verleiht diesen Spannungen eine größere Dringlichkeit, da das Leben im 21. Jahrhundert durch eben diese Spannungen neu geordnet wird. Stille ist ein wichtiger Charakter in Paradessence, der nicht nur in der Gestaltung des Klangs zu spüren ist, sondern auch in dem Druck, den er auf alles und alles, was entsteht, ausübt. Die Gruppe ließ sich vom Konzept des ,positiven Raums" des Architekturtheoretikers Christopher Alexander beeinflussen, einer Idee, dass der Form der Leere um ein Objekt herum die gleiche Aufmerksamkeit geschenkt werden kann wie der Konstruktion des Objekts selbst. Wir hören, wie Klänge ihre eigene Stille in sich tragen, zwischen Existenz und Nicht-Existenz oszillieren und wie Mikroorganismen Lebenszyklen durchlaufen. Die Instrumente, die Paradessence untermauern, haben etwas Kollektives an sich. Sie bewegen sich wie eine Herde, so wie wenn der Wind über ein Feld voller Blätter weht und die Luft in der Abwesenheit von Bewegung sichtbar wird; mehrere Arten leben in derselben Melodie zusammen, treten hervor, ziehen sich zurück und verwandeln sich im Laufe von mehreren Minuten. ,Anstatt Stücke zu schaffen, die horizontal als Umgebungen funktionieren", sagt Doran, ,wollten wir sie als lebendes Material konzipieren, das sich im Raum verändert und ständig im Fluss ist." Die Songformen entfernen sich von der Atmosphäre und tendieren zur reinen Abstraktion. Utopismus schwebt am Rande; eine Beziehung zu imaginären Zukünften, die weder naiv, zynisch noch nostalgisch ist. Die Welt, die Visible Cloaks im Laufe der Zeit aufgebaut haben, wird oft von Mitwirkenden physisch umgesetzt, von denen eine vertraute Besetzung für Paradessence zurückkehrt. Motion Graphics (Joe Williams) ist auf ,synthetic woodwinds" zu hören und hat das Album mitgemischt, wobei er ihm mit seinem charakteristischen Glanz Kontur verliehen hat. Die miteinander verbundenen Stücke ,Shapes" und ,Thinking" wurden zusammen mit den Innovatoren der Umweltmusik Yoshio Ojima und Satsuki Shibano entwickelt, die auch mit dem Duo an der generationsübergreifenden FRKWYS-Kollaboration serenitatem gearbeitet haben. Das letztere Stück enthält einen von Ojima verfassten gesprochenen Text, der von Shibano auf Japanisch und von der Komponistin und langjährigen Freundin Félicia Atkinson auf Französisch gelesen wird. Das Componium Ensemble, Dorans Projekt für ,unbestimmte Kammermusik" mit selbstspielenden Software-Instrumenten, bildet die Grundlage für ,System" in einem Moment von Pessoa-scher Heteronymie. Auf dem Album ist auch Ioana Selaru zu hören, eine rumänische Komponistin und Violinistin, die ,Intarsia" mit ihrer Stimme und ihrem Streicherspiel bereichert. Doran beschreibt ihre Zusammenarbeit als ,eine Übung in illusorischer Präsenz", die sie gemeinsam aus ,der Idee entwickelt haben, ihr reales Instrumentenspiel virtuellen Instrumenten gegenüberzustellen, um die Grenzen zwischen synthetischen Streichinstrumenten und denen, die in der Realität existieren, zu verwischen". Selarus energiegeladene Darbietung in ,Intarsia" ist ein deutlicher Beweis für den dramatischen Kern von Paradessence: ein dringliches skulpturales Unterfangen, ein Instrument und eine menschliche Stimme, moduliert von einem Meer synthetischen Wachstums. Doran beschreibt, wie für ihn ,dieses Verschieben zwischen dem Realen und dem Virtuellen etwas ganz anderes einfängt, etwas Seltsames und Unbeschreibliches, das ein fester Bestandteil des Lebens in der digitalen Moderne ist, sowohl online als auch im realen Leben". Es ist elektronische Musik, die nicht nur durch ihre wechselnden Formen eine abstrakte Darstellung unserer aktuellen Traumrealität heraufbeschwört, sondern auch imaginäre Räume schafft, die emotional nuanciert sind und zu Momenten der Anmut führen.

"Blinded by Fame", das zweite Studioalbum von Dutch Interiors, ist ein Fan-Favorit. Es wurde noch nie zuvor auf Vinyl gepresst. Die sechsköpfige Band aus Long Beach begleitet sich schon seit fast zwei Jahrzehnten. Jack Nugent, Conner Reeves, Shane & Hayden Barton, Davis Stewart und Noah Kurtz waren alle Freunde aus Kindertagen, und die Band ist das Ergebnis einer kreativen Verbindung, die durch bereits bestehendes Vertrauen und vertraute Verbundenheit entstanden ist. Man kann die unterschiedlichen Stile und Persönlichkeiten der Bandmitglieder an den Songs erkennen, die sie unabhängig voneinander schreiben, bevor sie sie der gesamten Band vorstellen, wo die Stücke oft zu ganz neuen Formen heranwachsen. Trotz dieser individuellen Herangehensweise an das Songwriting beschreiben sie sich gegenseitig als ,Zweige desselben Lebensstamms", deren aufeinanderprallende Einflüsse und Erfahrungen alle in die Songs einfließen. Mit Einflüssen, die von Ambient über Southern Rock und Jazz bis hin zu Dance-Musik reichen, wandelt sich die Band und oszilliert zwischen Alternative Country, kantigem Indie-Rock und Anklängen an dissonante Ambient-Klänge, während sie dennoch wie eine Band klingt, die sowohl ihre eigene private Sprache spricht als auch diese in etwas Universelles übersetzt. Nach der Veröffentlichung ihres jüngsten Albums ,Moneyball" und einer neuen EP, ,It's Glass", über Fat Possum ist Dutch Interior gekommen, um zu bleiben. Lob für Dutch Interior kommt von Pitchfork, Rolling Stone und anderen.

Nach Abschluss seiner gefeierten Neuaufnahmen der ersten sechs Alben von Modern Talking präsentiert Thomas Anders mit »The Best« 2026 die Essenz dieses besonderen Projekts: eine Sammlung der größten Hits in neuem Sound, ergänzt um die brandneue Single »The Best Is Yet To Come«, die als musikalisches Versprechen verstanden werden darf und das Kapitel dieser außergewöhnlichen Reise eindrucksvoll erweitert.

Mit dem Best-of-Album bündelt der Sänger erstmals die größten Hits aus seinen aufwendig neu interpretierten Modern-Talking- Klassikern auf einem Album.

Die Songs von Modern Talking haben Musikgeschichte geschrieben und zählen bis heute zu den erfolgreichsten deutschen Pop-Exporten aller Zeiten. Mit Welthits wie »You're My Heart, You're My Soul« oder »Cheri Cheri Lady« prägte das Duo den Sound der 80er-Jahre weit über Europa hinaus und erreichte ein Millionenpublikum von Südamerika bis Asien.

Dass diese Titel auch Jahrzehnte später nichts von ihrer Strahlkraft verloren haben, zeigt nicht zuletzt ihre ungebrochene Präsenz im Radio, auf Streaming-Plattformen und bei Konzerten rund um den Globus. »The Best« erscheint als hochwertiges Best-of-Album in verschiedenen Formaten und fasst die größten Momente dieses besonderen Projekts zusammen. Ein musikalisches Statement, das zeigt: Die Geschichte dieser Songs ist noch lange nicht zu Ende erzählt, denn das Beste kommt bekanntlich erst noch.
Tracklisting

Sie machen keine großen Worte, hampeln nicht 24/7 auf allen Social-Media-Kanälen herum, verzichten auf Werbung und große Worte jeglicher Art und spielen nicht wahllos an jeder Steckdose. Eigentlich ein Unding in der heutigen Zeit. Geschäftsschädigung in eigener Sache, quasi. Und dennoch ist die im Jahr 2009 gegründete Formation aus Tübingen mit jedem ihrer immer stoisch und schlicht mit dem Bandnamen betitelten Alben stets aufs Neue in vieler Munde, genießt mindestens Respekt, bei etlichen Fans gar unantastbaren Kultstatus - und das nicht nur innerhalb der Punk(Rock)-Basis, sondern auch bis tief in die Alterna- und Metalszene hinein. Große Riffs - mal episch, mal punkruppig, mal schmissig, und so gut wie immer nackenbrechend - und der zuweilen zweistimmige Gesang sind die Kerntrademarks des Vierers, dazu spartanische, aufs Bitternötigste reduzierte englische Lyrics sowie ein magnetisierender Groove, für den unzählige andere Musiker töten würden: HYSTERESE at it's very best. Auch mit Album Nummer fünf pflügen HYSTERESE durch eure Herzen. Wie nicht anders zu erwarten, walzt das Quartett seinen schwermütigen Punk-Rock in die nächste Metamorphose. Die riesigen Melodien sind getragen von krachigen Breitwand-Gitarren, mal Shoegaze, mal 80s Rockismus, zeitlos und integer. Und hat da jemand tatsächlich Manilla Road gesagt?

DYING VICTIMS PRODUCTIONS in conspiracy with DE PANKRAKER RECORDS is proud to present SHEWOLFF’s highly anticipated debut mini-album, We’re All Gonna Fukking Die, on CD and 12” vinyl formats. Hailing from Belgium, SHEWOLFF emerged from the underground as a solo-project of K. Von Shewolff, which eventually formed into the solid three-piece band it is today. They find their origins in raw, punk-driven blackness galore, faithfully returning to the old-school spirit of making music by modest and primitive means. A five-song digital-only demo was released in 2023 - songs which contain absolute fury towards the known and long-overdue established order, existential live-or-die sentiment, and a small tribute paid to the old-school believers who came before them. Now, SHEWOLFF blend all that together on the debut mini-album We’re All Gonna Fukking Die.

With six new tracks pushing towards a final and inevitable end, this bleakly titled record is actually invigorating and inspiring: railing against the dying of the light with a paradoxically dark metalpunk sound, familiar in its stomping swagger but exuding cantankerous charisma that’s all their own. The aesthetic signposts are planted firmly in the ground – think Hellhammer, pre-Viking Bathory, Darkthrone’s record-nerd era, early Midnight, the almighty Venom, or even labelmates like KARLOFF, HELLCRASH, and Germany’s LUCIFUGE – but SHEWOLFF manage to stir some diabolical little twists into the bubbling brew, with K. Von Shewolff’s vocals in particular imparting a femininity that’s fierce, frightening, and fucking going for the throat.

Die Gegenkultur-Ikone Hyd bringt ihr zweites Album raus, voll mit dynamischen, abwechslungsreichen Popsongs. Hyd holt ihre kreativen Freunde mit rein, um die Musik zu machen, darunter Hudson Mohawke, Sophie, Finn Keane (der gerade ein mega Jahr hinter sich hat als Produzent für Charli xcx), Marcus Andersson, Saint Patrick und Sophies Bruder Benny Long. Das Artwork wurde vom Fotografie-Phänomen Michael Bailey Gates aufgenommen, die Vinyl-Schallplatte wurde vom Produzenten umru gestaltet und die Musikvideos wurden vom Schauspieler Bobbi Salvor Menuez gedreht. Hayden modelt regelmäßig für Courreges, Junya Watanabe und Balenciaga und wird von der Company Gallery (NYC) für ihre visuelle Kunst vertreten. Hyd war auch der Gründer von QT, einem Performance-Kunstprojekt, das aus Hayden, Sophie und AG Cook zusammensetzt und bei XL Recordings unter Vertrag steht. Hyds neues Album beschäftigt sich damit, was es bedeutet, sich zwischen Formen zu bewegen, eine Form zu übernehmen und sich gleichzeitig in eine andere zu verwandeln; queere Ökosysteme der Fürsorge. ,Als ich 2017 mein Augenlicht verlor, begann ich, anders zu sehen. In völliger Dunkelheit wird dir klar, dass du über deinen Körper hinaus existierst. Da habe ich angefangen, dieses Material zu schreiben."

Crimson Roots schöpfen tief aus dem Blues und erschaffen weiträumige, eindringliche Musik, in der progressive Strukturen und psychedelische Klangfarben auf Emotion und Erzählkunst treffen. Ihr Sound entsteht aus gefühlvollem Gitarrenspiel, ausdrucksstarkem Gesang, markanten Basslinien, warmen Vintage-Keyboards und dynamischem Schlagzeugspiel. Jedes Instrument dient dem Lied und formt eine Musik, die lebendig, ehrlich und zutiefst menschlich wirkt. Jedes Stück ist ein Spiegel ihrer gemeinsamen Reise - aufrichtig und stets im Wandel, genau wie die Band selbst.

Transparentes Vinyl, limitiert auf 300 Exemplare. BLKE ist eine in Berlin ansässige Psych-Noise-Rock-Band, die aus Londons Underground hervorgegangen ist und sich an der Schnittstelle von roher Intensität und hypnotischer Wiederholungen bewegt. Beeinflusst von Krautrock, Noise Rock, Garage Punk und Psychedelia ist ihr Sound unmittelbar, körperlich und emotional aufgeladen - gemacht sowohl für dunkle, enge Räume als auch für große Bühnen. Neun Tracks eröffnen einen hypnotischen Einblick in die Welt von BLKE. Geschichtete Lyrics und psychoakustische Elemente formen eine poetische Erzählung, geprägt vom sozialen Umfeld der Band der letzten vier Jahre. Psychedelisch, roh und krautgetrieben hallt das Album lange nach seinem Ende nach.

Mit Un Rêve Sans Conséquence Spéciale, ebenfalls 1976 veröffentlicht, verdichten Heldon ihre musikalische Sprache zu einer dunkleren, konzentrierteren Form. Das Zusammenspiel von Synthesizer und Gitarre gewinnt hier an Schärfe und formt Strukturen, die zugleich zielgerichtet und fragil erscheinen, präzise und doch von unterschwelliger Unruhe durchzogen. Die Stücke entfalten sich unter spürbarer Spannung, bewegen sich zwischen Vorwärtsdrang und Auflösung, ohne je in festen Formen zu verharren. Zum 50-jährigen Jubiläum gibt es nun eine Sonderedition in orangefarbenem Vinyl, handnummeriert und limitiert. Ein eindringliches Dokument aus Heldons produktivster Phase.

Obsessed With You The Early Years' is an official release of the early X-Ray Spex demo recordings which would evolve into the celebrated pioneering 'Germ Free Adolescents' album. Also includes early versions of classic Punk pioneering debut single tracks 'Oh Bondage, Up Yours!' and 'I Am A Cliché’.

Recorded in 1977, the majority of these recordings feature original saxophonist Lora Logic and capture the raw instinctive power of the band who seemed to arrive fully formed despite their youth. The iconic vocal stylings of Poly Styrene immortalised here are even more visceral than what was recorded for the final product and further indicate just how much inspiration they lent Bikini Kill's Kathleen Hanna and the Riot Grrrls that followed. Elsewhere, an early take on 'Germ Free Adolescence' has subtle electronic influences that hint at a potential future the band didn't hang around long enough to fulfil.

This fascinating document is released in various limited edition vinyl formats. 'Day-Glo' orange or 'Day-Glo' pink vinyl with laser die-cut outer sleeve and 'Day-Glo' inserts. The sleeve design is based on original Poly Styrene artwork and brand new sleeve notes from Paul Dean and Lora Logic also feature. Also available on Compact Disc and Digital.

Das dritte Album der Londoner Band Sorry!

Seit ihrem Debüt "925" 2020 arbeiten Sorry an einer Topografie aus Anspielungen, Zitaten, falschen Fährten. Nun, mit COSPLAY (ab 7. November bei Domino), reißen sie die Landkarte ab, zeichnen alles neu. Ein Album als Maskenball: Jede Figur darf hier auftreten, lebend oder tot, real oder erdacht. Es ist das Werk, das Sorry von sich selbst befreit. Das Album fühlt sich an wie ein Spielzimmer für popkulturelle Geister. Ein Guided by Voices-Song mutiert zur Ballade über die Schmuddelecken des Ruhms, die berühmteste Cartoonfigur der Welt schleicht sich als Sirene ins Bild, theoretische Physik wird zu Rockmusik, die schwerer schlägt als jede Formel. Sorry haben das neue Material bereits live erprobt, erst auf eigener UK-Tour, dann als Support von Fontaines D.C., und man hört die Mischung aus Selbstsicherheit und Übermut, die dabei gewachsen ist.

GER Mit Schemes präsentieren Kreidler ihr neuntes Album auf Bureau B - und öffnen dabei ein neues Kapitel ihres markanten elektronischen Kosmos. Die international renommierte Band aus Berlin/Düsseldorf setzt stärker auf atmosphärische Klangräume, bleibt jedoch ihrem charakteristischen, leichtfüßigen Groove treu. Feldaufnahmen und Outdoor-Sounds spielen eine größere Rolle als je zuvor; besonders eindrucksvoll ist der Gastbeitrag von Leo Garcia, der seine Vocals spontan über urbane Field Recordings improvisierte. Das Trio - Thomas Klein, Alexander Paulick und Andreas Reihse - nutzt auf Schemes den kreativen Zufall als Motor. Leicht skizzierte Strukturen, schwebende Texturen und subtil pulsierende Sequenzen formen ein Ambient-nahes Album, das dennoch ständig in Bewegung bleibt. Jede Komposition entfaltet ihre eigene kleine Welt, zwischen spielerischem Experiment, warmer Räumlichkeit und eleganter Präzision. On their ninth album for Bureau B, the internationally renowned Berlin/Düsseldorf-based outfit Kreidler focus on atmospheric soundscapes - of course maintaining their signature rhythmic groove, which on "Schemes" is simply more buoyant and less insistent. "Schemes" is also characterised by the more pronounced use of nature/outdoor recordings. The track featuring Leo Garcia as a guest vocalist is based on just such a field recording. With "Schemes", Kreidler step into a more ambient space of possibilities, crafting an album that feels both carefully considered and delightfully unguarded. Selling Points









i 1.9Fenix with Leo Garcia









i 9Fenix [with Leo Garcia]









[i] b4 Fenix [with Leo Garcia]









[i] b4 | Fenix [with Leo Garcia]

• “Guerrilla Girls!”, Ace Records’ much-anticipated first release of 2023, takes us on a thrilling ride from punk’s mid-70s origins, via the left-field post-punk groups, jangly female combos, grunge bands and vigilante Riot Grrrls of the 80s and 90s, to the she-punk bands of recent years – a five-decade alternative to the macho hegemony of rock.

• The collection highlights songs that emerged out of a dynamic underculture of female creative expression. What unites the featured artists is a healthy disregard for the way the music industry ties up its female performers into pretty, neo-liberal packages. From Patti Smith, universal mother of the punk movement, to the Bags, Bikini Kill and Skinny Girl Diet, this music is anti-A&R. Including lesser-known names such as San Francisco street punk Mary Monday and London-based experimentalists pragVec, it shows that, rather than being a few novelty bands existing on the margins, these performers represent a stronger, more three-dimensional version of the female experience.

• Glorious resistance was on display in the first wave of UK female-fronted punk bands. Poly Styrene’s charged vocals on X-Ray Spex’s ‘Iama Poseur’, for instance, were a deliberate refusal to be a pretty punkette. With 15 year-old Lora Logic on saxophone, X-Ray Spex epitomised a fearless, self-defined agency that was at odds with the pastel shades and flowery, submissive Laura Ashley version of 1970s girlhood. By the early 80s, there was a hugely vibrant scene propelled by the diverse rhythms and voices of post-punk feminism. Lora Logic had left X-Ray Spex to form the interweaving textures of Essential Logic, the Mo-dettes mangled ska and off-kilter pop, and Birmingham band Au Pairs sliced political rigour into their lyrics and funky guitar work.

• Some female artists took that elemental energy into pop, creating pop-punk with a twist. We’ve Got A Fuzzbox And We’re Gonna Use It!! made a statement on music technology and female power with a cheeky play on words. Their song ‘Rules And Regulations’ shows that what Guerrilla Girls do well is debunking – taking genres of popular song and turning them inside out – like the way the Pandoras and the Pussywillows would amp up the driving beat and high vocals of the 60s girl group style, and subvert it with a DIY garage element.

• In its fanzine culture, use of montage and DIY music, 90s Riot Grrrl bands such as Bikini Kill and Bratmobile drew direct inspiration from 70s punk, articulated through the prism of Third Wave feminism. Too often, Riot Grrrl gigs were invaded by men intent on heckling “the enemy”. Liz Naylor, manager of British Riot Grrrl band Huggy Bear, says that their concerts became war zones. From the US grunge and Riot Grrrl scenes emerged more female instrumentalists, with bands such as L7 and Babes In Toyland proving that it was possible to recruit cutting-edge drummers, bass players and guitarists. Lori Barbero, whose relentless power drumming is a major element of Babes In Toyland, took the one instrument that has been a staple of male rock’n’roll and made it her muse.

• In the 2000s a new generation of girl-punk bands drew on the Riot Grrrl underculture to form their own sound. London trio the Tuts refashioned C86, Riot Grrrl and lush dream pop on songs like the ironically titled ‘Let Go Of The Past’, while the Regrettes injected shots of ska and doo wop into their explosive West Coast pop-punk. What began with Patti Smith and 70s punk has grown into a vast, spikey infrastructure of girl music. Many take inspiration from their foremothers, like Skinny Girl Diet whose vigilante feminism and punk distortion has been championed in return by Viv Albertine of the Slits. As long as these female artists stay aware of their musical vision and what they are trying to express – in a sense, A&R themselves – the underculture will continue to grow and flower. And this “Guerrilla Girls!” compilation is a celebration of that power.


• The back sleeve of the release features a scene-setting introductory essay by Lucy O’Brien (author of She Bop: The Definitive History Of Women In Popular Music). Each of the two discs come in a swanky inner bag containing a track commentary by compiler Mick Patrick (Ace Records’ long-serving champion of female artists of all persuasions) and exclusive interviews with many of the featured artists by Vim Renault and Lene Cortina (founders of the Punk Girl Diaries webzine).

In ,Library Copy Do Not Remove" präsentiert JJ Weihl von Discovery Zone eine digitale Verzauberung der Realität, in der er das Materielle und das Immaterielle miteinander verwebt, um zu zeigen, dass es sich dabei tatsächlich um zwei Aspekte ein und desselben handelt. In Weihls Welt sind Natur und Technologie keine Feinde, sondern erschaffen sich gegenseitig in einem unendlichen Tanz aus Bedeutung und Reflexion. Ursprünglich als Raumsound für das Zeiss-Groß-Planetarium in Berlin geschaffen, ist ,Library Copy Do Not Remove" eine Schöpfungsmythologie für das simulierte Universum. Dabei handelt es sich jedoch nicht um eine trockene, bostromische, maskuline Fantasie einer digitalen Realität, der die Geheimnisse der Natur fehlen. Stattdessen fordert Weihl den Zuhörer auf, im Rahmen einer Simulation Raum für die beeindruckende Realität der natürlichen Welt zu lassen. Wenn unsere Welt simuliert ist, dann muss die Simulation in der Lage sein, die Schönheit und Pracht der Natur zu erschaffen. Auf diese Weise betreibt Weihl eine ambient-artige Alchemie, die eine große Versöhnung von Natur und Technologie fordert, während sie uns auffordert, darüber nachzudenken, wie und wo die Erfahrung transzendenten menschlichen Bewusstseins zwischen ihnen existieren könnte. Die Songs auf ,Library Copy Do Not Remove" entstanden, während Weihl gleichzeitig ihr zweites Album ,Quantum Web" fertigstellte, und spiegeln einen weitreichenden, inspirierenden Zustand aus Aufregung und Angst wider, der mit der Aufgabe einherging, Musik für einen so einzigartigen Raum zu komponieren. Die Songs selbst wurden durch Ambisonics geformt, ein spezielles Format für räumliches Audio, das direktional ist, anstatt auf Kanälen zu basieren (wie Stereo), und wurden über ein Mosaik aus 49 Lautsprechern übertragen. Da es für Live-Auftritte geschrieben wurde, war ,Library Copy Do Not Remove" nie als Album im eigentlichen Sinne gedacht, sondern als dreidimensionales Ereignis. Auf diese Weise spiegelte die Klanginszenierung wider, wie wir Klang in unserem Alltag wahrnehmen: uns aus allen Richtungen umgebend. Für diese Albumveröffentlichung hat Weihl alle Songs gemeinsam mit ihrem langjährigen Produzenten E/T von Grund auf neu abgemischt und die Konstellation der Tracks für ein Stereoerlebnis neu konzipiert und überarbeitet. Inspiriert von den Werken von James Gleick, LD Deutsch, Johannes Kepler und Jorge Luis Borges, erforscht ,Library Copy Do Not Remove" die kreative Spannung zwischen Realität und Wahrnehmung, Information und Mythologie, Harmonie und Unordnung. Im gesamten Album fragt Weihl, wie wir als Menschen das Universum um uns herum und den zugrunde liegenden Code, der es belebt, verstehen lernen. Was dabei entsteht, ist ein klanglicher Mythos, der von spiralförmigen digitalen Universen erzählt, die ineinander verschachtelt sind und in denen jeder teilnehmende Akteur gleichzeitig sowohl Teil als auch das Ganze der Realität ist. Auf diese Weise ist ,Library Copy Do Not Remove" ein cyber-Ausdruck zeitloser Weisheit: Anstelle von ,wie oben, so unten" könnte Weihl vorschlagen: ,wie der Input, so der Output".

Schwarzes Vinyl! Doppel-LP im Klappcover. Ursprünglich 2017 rausgebracht und jetzt zum ersten Mal in Europa über Sub Pop erhältlich! Pure Comedy, das dritte Album von Father John Misty, ist eine komplexe, oft sarkastische und ebenso oft berührende Reflexion über die verwirrende Torheit der modernen Menschheit. Father John Misty ist das Projekt von Singer-Songwriter Josh Tillman. Wir könnten viel über Pure Comedy sagen, zum Beispiel, dass es ein mutiges, wichtiges Album in der Tradition amerikanischer Songwriting-Größen wie Harry Nilsson, Randy Newman und Leonard Cohen ist, aber wir denken, es ist am besten, wenn sein Schöpfer es selbst beschreibt. Los geht's, Mr. Tillman: Pure Comedy ist die Geschichte einer Spezies, die mit einem unvollständig entwickelten Gehirn geboren wurde. Die einzige Überlebenschance dieser Spezies, die sich auf einem grausamen, unberechenbaren Felsen wiederfindet, umgeben von anderen Spezies, die in dieser ganzen Sache viel geschickter zu sein scheinen (und für die sie eine Delikatesse sind), besteht darin, sich auf andere, etwas ältere, halb ausgebildete Gehirne zu verlassen. Diese Abhängigkeit bekommt im Laufe der Geschichte verschiedene Namen, wie ,Liebe", ,Kultur", ,Familie" usw. Mit der Zeit und da sich ihre Gehirne als bemerkenswert gut darin erweisen, Bedeutung zu erfinden, wo keine ist, wird die Spezies zum Lieferanten immer bizarrerer und raffinierterer Ironien. Diese Ironien sollen helfen, mit der abscheulichen Verletzlichkeit der Spezies fertig zu werden und zu versuchen, ihre Fantasie mit der Monotonie ihrer Existenz in Einklang zu bringen. So in etwa. Pure Comedy wurde 2016 in den legendären United Studios (Frank Sinatra, Ray Charles, Beck) in Hollywood, Kalifornien, aufgenommen. Produziert wurde es von Father John Misty und Jonathan Wilson, die Tonarbeit übernahm Mistys langjähriger Tontechniker Trevor Spencer und die Orchesterarrangements stammen vom bekannten Komponisten und Kontrabassisten Gavin Bryars (bekannt für seine umfangreichen Soloarbeiten und seine Zusammenarbeit mit Brian Eno, Tom Waits und Derek Bailey). Black Vinyl. Originally released in 2017 & now available for the first time in Europe via Sub Pop! Pure Comedy, Father John Misty's third album, is a complex, often-sardonic, and, equally often, touching meditation on the confounding folly of modern humanity. Father John Misty is the brainchild of singer-songwriter Josh Tillman. While we could say a lot about Pure Comedy including that it is a bold, important album in the tradition of American songwriting greats like Harry Nilsson, Randy Newman, and Leonard Cohen we think it's best to let its creator describe it himself. Take it away, Mr. Tillman: Pure Comedy is the story of a species born with a half-formed brain. The species' only hope for survival, nding itself on a cruel, unpredictable rock surrounded by other species who seem far more adept at this whole thing (and to whom they are delicious), is the reliance on other, slightly older, half-formed brains. This reliance takes on a few different names as their story unfolds, like "love," "culture," "family," etc. Over time, and as their brains prove to be remarkably good at inventing meaning where there is none, the species becomes the purveyor of increasingly bizarre and sophisticated ironies. These ironies are designed to help cope with the species' loathsome vulnerability and to try and reconcile how disproportionate their imagination is to the monotony of their existence. Something like that. Pure Comedy was recorded in 2016 at the legendary United Studios (Frank Sinatra, Ray Charles, Beck) in Hollywood, CA. It was produced by Father John Misty and Jonathan Wilson, with engineering by Misty's longtime sound-person Trevor Spencer and orchestral arrangements by renowned composer/double-bassist Gavin Bryars (known for extensive solo work, and work with Brian Eno, Tom Waits, Derek Bailey).