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Dieses atemberaubende, bahnbrechende Monk-Album wurde 2001 in die Grammy Hall of Fame aufgenommen. Auf dem 1957 erschienenen Album des Pianisten sind auch die Talente von Coleman Hawkins
(Tenorsaxophon), Art Blakey (Schlagzeug) und John Coltrane (Tenorsaxophon) zu hören - mit glorreicher
Wirkung.
Das Album, so schrieb Pitchfork, ”half, die Zukunft des Jazz und den Geist von Monk zu definieren”. Seine
Songs ”Ruby, My Dear”, eine Studie über Nostalgie, und im Gegensatz dazu das lebhafte, selbstbewusste
”Well You Needn’t” sind Höhepunkte im akustischen Traumfeld von Monk Music.

Die Schachtel Records is proud to present Ifigenia/Oreste, a new vinyl LP by celebrated Italian composer Paolo Spaccamonti. This album marks the seventh installment in the label's renowned Decay Music series, which has become synonymous with deeply emotive, abstract, and electronic/ambient music, which has so fare featured works of such names as Stefano Pilia, Giovanni di Domenico, Sandro Mussida, Vértice, Damavand and Claudio Rocchetti. Aim of the series is composing a fascinating scenario of the most interesting names of experimental musicians – mainly of Italian origins - working at the intersection of sound and music, abstract and visual, storytelling and abstract composition.

Paolo Spaccamonti has long been a significant figure in the contemporary music scene, known for his ability to bridge the worlds of instrumental, electronic, and experimental music. His most recent release, Nel Torbido (2023), is a testament to his ever-evolving artistry. With Nel Torbido, Spaccamonti delivered a haunting and immersive sonic experience that oscillates between tension and release, bringing together moody soundscapes, unsettling textures, and his signature understated guitar work. His exploration of silence, noise, and melodic tension has earned him recognition as one of the most unique voices in modern composition.

Composed by Spaccamonti, Ifigenia/Oreste is the original score for the theatrical production IFIGENIA / ORESTE, directed by Valerio Binasco and produced by Teatro Stabile di Torino. The music, both haunting and subtle, mirrors the play's minimalist and intense staging, immersing listeners in an evocative soundscape that blends ambient textures with guitar-driven melodies. The music was recorded and processed by Filippo Conti, with additional production and mixing by Stefano Pilia. The vinyl’s design has been crafted by Bruno Stucchi of Dinamomilano, making this release a fusion of sound, visual, staging and cultural reference.

In reflecting on his collaboration with director Valerio Binasco, Spaccamonti said: "From the first meeting with Valerio, it was clear that we aimed to create a production stripped of any unnecessary stylistic embellishments. Ifigenia and Oreste had to be severe, devoid of visual distractions, simple yet extreme in its own way. I sought to follow the same path with the music. The foundation is always the guitar, but I wanted to avoid overloading it, either harmonically or sonically. Sometimes, I treated it like a fragmented background noise; other times, I ventured into more aggressive, melancholic, or even melodic terrains, but always in a very human way. The text demanded an atmosphere that lived in the alternation of silence and rarefaction, like in the films of Bresson and Lanthimos. Short scenes interrupted by moments of darkness. In a marked rhythm, a suspense constantly suggesting the advance toward death, announced from the very first scene. Hence, the emphasis I wanted to place on silence through the music, even within individual tracks. Long, granular tails, like the (few) lights on stage."

Just a little over two years since the release of his debut album Opening the Door, Jack re-emgerges with a new full length album. On Blue Desert, the Australian-born Vancouver-based multi-instrumentalist, singer, songwriter and producer wades deeper into the stylistically prismatic pool of his own creation: melancholy dub-funk, jangling psychedelia, moon-burnt sophisti-pop and stained glass folk mutations float freely together.

Just a little over two years since the release of his debut album Opening the Door, Jack re-emgerges with a new full length album. On Blue Desert, the Australian-born Vancouver-based multi-instrumentalist, singer, songwriter and producer wades deeper into the stylistically prismatic pool of his own creation: melancholy dub-funk, jangling psychedelia, moon-burnt sophisti-pop and stained glass folk mutations float freely together.

Entirely self-produced at Mood Hut Studios in Chinatown, Vancouver between 2022 and 2024, the album picks up where Opening the Door left off; the songwriting concise and refined, the voice front and centre on almost every song, the pensive mood irresistible and dense.

The apparently effortless melodic interplay of voice, guitar, synthesizers and bass that Jack is well known for is ever present but despite the clear-eyed harmonies and energetic rhythms there is a shadow that quietly haunts the album. The lyrical buoyancy of his early EPs and even some of the more explicitly sunburnt instrumental moments of his last record have continued to fade and peel like paint. Regret, remorse and melancholy are woven into almost every turn of phrase; the self-deprecating longing of Tracey Thorn and Sade Adu can be heard alongside the plaintive echos of Mark Hollis and Arthur Russell. The Mood Hut Records founder and NTS host digs deeper in all the directions that he only brushed upon on Opening the Door, creating a kaleidoscopic index of his omnivorous listening habits: from Underworld to Kate Bush, Disco Inferno to Bryan Ferry, Julian Cope to Arthur Verocai.

The LP will be released on Jack’s own Mood Hut Records on November 1st and will be followed by a live tour in the UK and Europe in November and December, featuring a string of dates opening for revered Los Angeles artist Jessica Pratt.
- Mood Hut Records, Vancouver

Produced by Jack Jutson at Mood Hut Studios, Chinatown Vancouver
Mixed by Jack Jutson and CZ Wang
Saxophone by Linda Fox
Strings on Falling Down a Well by Aiden Ayers
Bass on Down the Line by Diego Herrera
Additional synth on Red Cloud by Liam Butler
Artwork by Mela Melania + Jack Jutson






e A5. Pink Shoes Part I





Part II

Zur Feier des 25-jährigen Jubiläums des legendären Films, der jeden die Realität in Frage stellen
ließ, präsentiert Varése Sarabande eine ganz besondere farbige Vinyl-Edition von Don Davis Filmmusik für
den legendären Sci-Fi-Action-Klassiker The Matrix der Wachowskis. Diese neue Ausgabe enthält ein
brandneues, vom Anime inspiriertes Artwork der renommierten japanischen Illustratorin Yuko Shimizu und
eine erweiterte Titelliste mit vom Komponisten ausgewählten Liedern.

12” paddling pool blue vinyl, is an edition of 500. CD Digifile. Following the runaway success of their critically acclaimed 2021 second album Contender, the question for fast-rising London four-piece Fightmilk was always going to be “what next?” With a tight indie-pop sound that defined their early recordings, the answer was obvious to a band who seem hellbent on the notion of evolve or die… The band originally formed in 2015 in a Brixton pub garden by Lily and Alex, who had both, separately, just been dumped and thought being in an angry punk band would cheer them up. Then they found Nick and Healey to hold the rhythm down and make them sound good. With three albums under their belt, they’ve perfected their chaotic, melodic brand of joy and rage-filled pop with full-throated yelling and sparkling guitar riffs as their trademark. They’ve graduated from angsty whippersnappers in their mid-twenties to overgrown teenage 30-somethings with mild ongoing back and shoulder pain. Their previous 2 albums Not With That Attitude (2018) & Contender (2021) marked them out as an ambitious and rising prospect, and now on their forthcoming new album No Souvenirs the band eschew their former Britpop ties and edge further into DIY punk and heavier rock influences to reveal a leaner, meaner, more abrasive side to their cathartic lo-fi anthems. Whilst collectively diving into their passion for Jimmy Eat World, frontwoman Lily Rae made a conscious decision to strengthen her “big loud yell” with influence from Alicia Bognanno (Bully), Nat Foster (Press Club), and Missy Dabice (Mannequin Pussy). “My voice is the biggest it’s ever been and I’m constantly thrilled when people are surprised at how loud I am, considering I’m so small in stature,” she grins. “Lyrically I always look to Bruce Springsteen for inspiration but I also really enjoyed the angsty candour of Sour by Olivia Rodrigo, and Kacey Musgraves’ impeccable one-liners.” There are a few genre experiments on the record—Yo La Tengo in ‘Paddling Pool’, ‘Canines’ is part The Strokes and part Neu!, and ‘Back From Tour’ was heavily influenced by long term friends Johnny Foreigner. “You could probably make a case for ‘Inferno’ having a bit of Counting Crows to it, but we were never writing to emulate,” explains guitarist Alex. “The references and touchstones just happened along the way. As far as we’re concerned, they just sound like Fightmilk - and that’s a really nice place to be nearly a decade in.” “That said, we’ve also been REALLY picky with the songs that made it onto the album - there’s probably an-other album’s worth of songs that didn’t feel right, even if we loved them. We got really good at finding the “magic thing” in each song that made it work.” Spilling over with candid lyrics about death, doomed love, and dog bites, framed by endless punk energy and the kind of full-throated riff-rock that sounds just at home in a giant stadium as it does in a sticky-floored toilet bar, No Souvenirs is a triumphant return from the band, who are equally enthused by the album. “I only realised after we put the songs together how personal to me this album was,” explains Lily. “Not just because I’m writing about extremely specific sitcom episodes in my life (getting fired from bridesmaid duty, being bitten on the arse by a dog, being relentlessly asked when I’m going to have kids), but because whilst we were making it, I turned 30. It’s a significant age for women, especially in music, because aside from being something called a ‘geriatric millennial’, there’s an unspoken rule that there’s a cut-off point for you to have ‘made it’ and after that you have to settle down and be normal.” For Lily, writing for the album also aligned with the 10th anniversary of the death of a close friend, with the resulting track ‘No Souvenirs’ lending its title to the album as a whole. “It had taken me that long to write about it in a way I felt ok with. But I realised that I couldn’t have written it before,” she explains. “I needed that distance, and that maturity, to be able to articulate those feelings. It feels to me now like the album is about scorched earth, moving on, taking nothing with you for the next ‘thing’ - and realising that getting older is a privilege.” Bringing a huge amount of energy and joy with them whenever and wherever they hit a stage, interacting with the audience is a vital part of the Fightmilk live experience. “Without people singing and dancing at us we wouldn’t have gigs at all, so we want everyone to get involved!” says Lily of the band’s future tour plans

2024 Repress

Re-mastered from original stereo master tapes.

Limited edition 1000 copies.

180 gr vinyl pressed by Pallas in Germany.

Deluxe high-gloss flipback album jacket.

Facsimile reissue using the original cover art (front photo is lost).

Double insert using an original photo by JP Leloir from 1959.

Each record has been visually checked to prevent defects.

Recorded December 19 and 20, 1958 at the studio Hoche, Paris.

Original LP issue: Barclay 84.063.

Belgian jazz artist Bobby Jaspar died far too young at age 37 in 1963, but fortunately made a handful of memorable dates as a leader. This is the last studio session under his name. Jaspar sticks exclusively to flute on these December 1958 studio recordings. He’s joined by drummer Kenny Clarke, Sadi Lallemand or Michel Hausser (who also doubles on xylophone) on vibes, and either Paul Rovere or Jymie Merritt on bass, as well as percussionist Humberto Canto (on one of the two sessions). Jaspar’s soft arrangements prove very appealing for his originals, standards such as ‘Lullaby of the Leaves’ and ‘There Will Never Be Another You’, and classic jazz tunes (an exotic ‘Misterioso’ and a Latin-flavored ‘Chasin’ the Bird’, the latter featuring Hausser on xylophone). This is easily one of Jaspar’s finest recordings as a leader.

Ken Dryden / All Music

Bobby Jaspar (Flute)
Michel Hausser (Vibes) (tracks 1 to 4, 6,8,9)
Sadi Lallemand (Vibes) (tracks 5,7,10)
Paul Rovère (Bass) (tracks 1 to 4, 6,8,9)
Jymie Merritt (Bass) (tracks 5,7,10)
Humberto Canto (Percussion)
Kenny Clarke (Drums)

Eine musikalische Reise entlang der DonauDas neue Album "Donau" von Florian Christl ist eine musikalische Reise von der Quelle bis zur Mündung des zehn Länder verbindenden Flusses in zwölf neuen, atmosphärischen Kompositionen. Für diese ließ sich der Pianist und Komponist von der anmutigen Schönheit der Natur und den unterschiedlichen musikalischen Traditionen der prunkvollen Städte und Regionen entlang der Donau inspirieren. Mit unterschiedlichen Besetzungen erkundet Florian Christl Orte wie Wien, Budapest oder das Donau Delta und nimmt jeweils ein lokales musikalisches oder klangmalerisches Element in seine Kompositionen auf. Es begleiten ihn das traditionelle bayerische Volksmusikensemble "Seeger Saitenmusik", der Akkordeonist Vladislav Cojocaru, die Geigerin Kristina Šuklar, die Cellist*Innen Raphaela Gromes und Alik Lysiùk, ehemalige Mitglieder des Odessa Opernorchesters, die in einem Streicherensemble und als Solisten mitwirken, sowie Florian Christls festes Ensemble, mit dem er das Album auch live auf der Release-Tour spielen wird.Schon als Kind faszinierte es Florian Christl, wie das Wasser der Vils, die durch seine Heimatstadt Amberg fließt, seinen Weg ins weitentfernte Meer finden konnte. Es ist die Donau, die den kleinen Fluss mit dem weit im Osten gelegenen Schwarzen Meer verbindet. Auf dem 2.857 Kilometer langen Weg von ihrer Quelle im Schwarzwald bis zur Mündung in der Nähe der ukrainischen Hafenstadt Odessa, durchquert die Donau halb Europa und kulturelle Zentren wie Wien, Bratislava, Budapest oder den Großraum Bukarest. Deren Austausch hat sie als wichtiger Reiseweg wortwörtlich befördert und die Entwicklung eines gemeinsamen kulturellen Erbes Europas mit all seiner Vielgestaltigkeit - wie etwa in der Musik - gefördert.Der Beginn des Krieges in der Ukraine ruft in Florian Christl schlagartig das Gefühl der Verbundenheit hervor. Inspiriert von der Programmmusik der Romantik - insbesondere Smetanas "Moldau" - reifte in ihm die Idee, die "Donau" auf einem Konzeptalbum zu vertonen, um ein Zeichen für den Frieden in Europa zu setzen."Der Gedanke, wie uns die Donau alle direkt mit der Ukraine verbindet, ließ mich nicht mehr los. Der Fluss symbolisiert eine wechselvolle, tragische Geschichte von Flucht, Vertreibung und Invasion in Europa, aber auch von einem beständigen Austausch, der doch die europäische Kultur erst erschaffen hat, wie man in der europäischen Kunstmusik deutlich sehen kann," erklärt Florian Christl.Mit dieser Idee begann der Komponist eine umfassende Recherche über die Donau, die Städte, Regionen und artenreichen Naturräume, die sie verbindet. Eine Reise auf dem Fluss führte ihn bis zum Donau-Delta. Dort markiert die Donau die Grenze zwischen einem Europa in Frieden mit Rumänien an einem Ufer und der Ukraine im Krieg am anderen Ufer. Florian Christl beschreibt die Situation:"Es war surreal und traurig. Der Kontrast zwischen der unglaublich schönen Natur und dem Wissen, um die Schrecken des Krieges, die hier nur wenige Kilometer entfernt sind."Der Entstehungsprozess des Albums zog sich über mehr als zwei Jahre hin. Nach den ersten Aufnahmen erlitt Florian Christl im September 2023 einen Herzinfarkt, der ihn für mehrere Wochen aus dem Leben katapultierte und bis heute nachwirkt. Eine Erfahrung, die ihn dazu brachte, neu darüber nachzudenken, was im Leben wirklich wichtig ist: "Im Alltag verlieren wir oft den Blick dafür, was wirklich zählt: Die Momente mit den Menschen, die uns wirklich wichtig sind, mögen sie noch so knapp und beiläufig erscheinen. Wir verwenden so viel Energie darauf, nach scheinbar bleibendem materiellem Einfluss, Reichtum oder Land zu streben. Wir sollten viel mehr Zeit darauf verwenden, diese, unsere Reise miteinander zu genießen."

Die französische Alternative Art-Rock-Band Klone kehrt mit ihrem 10. Album "The Unseen" zurück und treibt ihren ohnehin schon üppigen Sound in schwindelerregende, magische Höhen. "The Unseen" ist eine kühne neue Reise durch eine einzigartige und doch kontrastreiche Klanglandschaft, eine immersive, traumhafte Erfahrung, die von der Bedeutung von Dingen spricht, die auf den ersten Blick keine Bedeutung zu haben scheinen. Emotional wie konzeptionell haben Klone wieder einmal neue klangliche Wege beschritten und ihren charakteristischen doch weiten Sound ausgebaut. Seit der Veröffentlichung von "Le Grand Voyage" im Jahr 2019 sind die französischen Post-Prog-Metal-Art-Rocker Klone weltweit zu neuen Höhen aufgestiegen, tourten in Europa, den USA, Australien und Mexiko an der Seite von Bands wie Devin Townsend, Leprous, Riverside, Pain of Salvation und Gojira und begeisterten die Festivalbesucher beim Hellfest 2024, Prog Power USA, Midsummer Prog und Cruise to the Edge. Nach ihrem phänomenalen Album "Meanwhile" aus dem Jahr 2023 ist das Album ein neues Meisterwerk in Sachen Performance und Produktion, bei dem Klone ihre jahrelange Erfahrung voll auspielen. Mit jedem Mitglied und jedem Instrument, das bis an seine Ausdrucksgrenze getrieben wird, hat das Album eine Kraft und Intensität, die sich, obwohl sie manchmal rau ist, gleichzeitig natürlich, kohärent und einheitlich anfühlt, da sich die Band von Motiv und Melodie als Einheit bewegt, Wie immer geleitet von der unverwechselbaren Stimme und Vision von Yann Ligner. Mit 25 Jahren Musik im Rücken scheint es passend, dass "The Unseen" auch die 10. vollständige Veröffentlichung von Klone ist. Das Album ist ein Meilenstein, welches Reflexionen über die Vergangenheit als Mittel nutzt, um die Schönheit der Gegenwart zu würdigen, wobei die Band ihre gemeinsame jahrzehntelange Kreativität und Zusammenarbeit nutzt, um aufschlussreiche neue Perspektiven für das Hier und Jetzt zu bieten.

Die französische Alternative Art-Rock-Band Klone kehrt mit ihrem 10. Album "The Unseen" zurück und treibt ihren ohnehin schon üppigen Sound in schwindelerregende, magische Höhen. "The Unseen" ist eine kühne neue Reise durch eine einzigartige und doch kontrastreiche Klanglandschaft, eine immersive, traumhafte Erfahrung, die von der Bedeutung von Dingen spricht, die auf den ersten Blick keine Bedeutung zu haben scheinen. Emotional wie konzeptionell haben Klone wieder einmal neue klangliche Wege beschritten und ihren charakteristischen doch weiten Sound ausgebaut. Seit der Veröffentlichung von "Le Grand Voyage" im Jahr 2019 sind die französischen Post-Prog-Metal-Art-Rocker Klone weltweit zu neuen Höhen aufgestiegen, tourten in Europa, den USA, Australien und Mexiko an der Seite von Bands wie Devin Townsend, Leprous, Riverside, Pain of Salvation und Gojira und begeisterten die Festivalbesucher beim Hellfest 2024, Prog Power USA, Midsummer Prog und Cruise to the Edge. Nach ihrem phänomenalen Album "Meanwhile" aus dem Jahr 2023 ist das Album ein neues Meisterwerk in Sachen Performance und Produktion, bei dem Klone ihre jahrelange Erfahrung voll auspielen. Mit jedem Mitglied und jedem Instrument, das bis an seine Ausdrucksgrenze getrieben wird, hat das Album eine Kraft und Intensität, die sich, obwohl sie manchmal rau ist, gleichzeitig natürlich, kohärent und einheitlich anfühlt, da sich die Band von Motiv und Melodie als Einheit bewegt, Wie immer geleitet von der unverwechselbaren Stimme und Vision von Yann Ligner. Mit 25 Jahren Musik im Rücken scheint es passend, dass "The Unseen" auch die 10. vollständige Veröffentlichung von Klone ist. Das Album ist ein Meilenstein, welches Reflexionen über die Vergangenheit als Mittel nutzt, um die Schönheit der Gegenwart zu würdigen, wobei die Band ihre gemeinsame jahrzehntelange Kreativität und Zusammenarbeit nutzt, um aufschlussreiche neue Perspektiven für das Hier und Jetzt zu bieten.

Cass McCombs ist zurück bei Domino. Sammlung bislang unveröffentlichter Songs erscheint am 08.11.2024.

Cass McCombs veröffentlicht mit "Seed Cake On Leap Year" eine Sammlung früher, bisher unveröffentlichter Musik, die in Jason Quevers Wohnung in der 924 Fulton Street in San Francisco aufgenommen wurde, während McCombs zwischen 1999 und 2000 in Berkeley lebte. Alles, was Cass McCombs‘ Fans lieben gelernt haben, ist auf "Seed Cake On Leap Year" zu hören. Bereits zu dieser Zeit beherrschte er die anmutigen, schwebenden Melodien, die wirken, als stammten sie aus zeitlosen Liedern von Jukeboxes und Transistorradios in ganz Amerika; ebenso seine tiefgründige, verschlungene Art mit alltäglicher Sprache umzugehen, die aufrichtige Wahrheiten in Rätsel verwandeln kann. „Songs are sung every day/So what can I say to find my own way?“, verkündet er in der ersten Zeile von „I’ve Played This Song Before“. Und mit diesen Worten schlägt er seinen eigenen Weg ein, immer verwurzelt in Tradition, aber dem Unbekannten zugewandt. Das Bemerkenswerte an "Seed Cake On Leap Year" ist, wie lebendig und roh diese Songs geblieben sind, voller Einsicht und Wunder, im Dialog mit allem, was noch kommen wird. Es gibt eine ungeschönte Ehrlichkeit in dieser Jugend, und obwohl dies vielleicht die ungeschönteste Ehrlichkeit ist, die sich Cass McCombs je auf einem Album zugestand, verstärken und vertiefen diese Songs nur das Mysterium.

Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn und Tom Maginnis) gründeten sich 1984 an der University of Massachusetts in Amherst - einer Brutstätte von Post-Punk-Gitarrenbands wie Dinosaur Jr. und Pixies. Die drei langjährigen Bandmitglieder erkennen die Leistung ihrer Langlebigkeit als kreative Einheit an. Anfänglich boten sie einen rauen, treibenden Sound, der Janovitz" imposanten Gitarrensound hervorhob, doch der frühe Ansatz von Buffalo Tom wich einem melodischeren, aber nicht weniger unverwechselbaren Stil. Die Band hat zehn Studioalben veröffentlicht, das jüngste, Jump Rope, erschien Anfang dieses Jahres. Birdbrain ist das zweite Album der Band, das mit Hilfe von J Mascis produziert wurde. Die Songs von "Birdbrain" sind zu Live-Favoriten geworden, darunter der epische Titelsong und "Enemy". Bill Janovitz sprach über den Songwriting-Prozess für dieses Album und sagte: "Ich denke, das Interessante an Birdbrain ist, dass sich das Songwriting verändert hat. Ich hatte alles auf der ersten Platte geschrieben. "Birdbrain" ist eine Art melancholischer Track, aber das meiste davon, wie "Fortune Teller" oder "Directive", das sind in vielerlei Hinsicht sehr wütende Songs. Für mich war das viel punkrockiger, aber wir haben uns in diese Richtung bewegt, und ich weiß nicht, warum. Aber Chris hat angefangen zu schreiben. Chris singt und schrieb "Baby" und die Art und Weise, wie wir schrieben - wir schrieben nicht im selben Raum zusammen - aber wir brachten diese Ideen zueinander und trieben sie herum."

Zur Feier des 30-jährigen Jubiläums von The Charlatans drittem Album "Up To Our Hips" gibt es ab dem 08.11.2024 eine erweiterte Neuauflage der Platte. Das Set wird als 2LP, 2CD und digital erhältlich sein und neben dem Originalalbum zehn Bonus-Songs enthalten, darunter Live-Tracks und seltene Mixe. Das Album kommt mit einem neuen von Nik Void gestalteten Artwork und wird als petrolblaues Bio-Vinyl gepresst. Mit dem Album "Up To Our Hips", das 1994 erschien, schlug die Band eine neue Richtung ein. Es grenzt sich von den beiden Vorgängeralben ab, die wesentlich poppiger waren, klingt dunkler, schwerer und bedient sich vermehrt an Orgelklängen. Die Band hörte zur Zeit der Entstehung viel Musik von Künstlern wie Small Faces, The Beatles und Dylan und schaute David-Lynch-Filme. Zur gleichen Zeit gab es einige interne Schwierigkeiten. Viele Lyrics spiegeln diese Unruhe wider. The Charlatans, bekannt für ihre markante Mischung aus Hammond-Orgeln und Northern UK Soul, treibenden Gitarren und Tim Burgess" sehnsüchtiger Stimme, bleiben eine der prägenden Brit-Pop Bands der letzten Dekaden. Seit 1989 veröffentlicht die Band regelmäßig Alben, von denen drei die Spitze der britischen Charts erreichten. Trotz zahlreicher Herausforderungen - Nervenzusammenbrüche, Suchtprobleme, damit einhergehende Geldprobleme und der tragische Verlust zweier Gründungsmitglieder - haben The Charlatans sich immer wieder neu erfunden und erfolgreich Musik veröffentlicht.

Die glückselig-hypnotische Welt von Ghost Woman ist die Schöpfung von Evan John Uschenko, einem kanadischen Multiinstrumentalisten, der in Arizona lebt. Uschenko hat eine lebenslage Angewohnheit, Klänge zu erforschen und das Ergebnis ist das selbstbetitelte Debütalbum von ihm. 10 psychedelische Songs, die eine Art Echo der 60er Jahre mit vielen Kanten und Ecken und goldenen Popmelodien anbieten.
Ein Muß für alle Fans von Allah Lahs, White Fence, Ty Segall, The Red Crayola, The Seeds.

Mit der neuen Doppel-LP 'Long Distance Love - A Sweet Relief Tribute to Lowell George' hat Sweet Relief, die Organisation, die alle Arten von Berufsmusikern und Beschäftigten der Musikindustrie finanziell unterstützt, die mit körperlichen oder geistigen Problemen, Behinderungen oder altersbedingten Problemen zu kämpfen haben, ein Juwel vorgelegt.

Lowell George war der Gitarrenvirtuose, Sänger und Songschreiber von Little Feat. In dieser Sammlung von 25 Liedern interpretieren und spielen Künstler wie Elvis Costello, Ben Harper und Dave Alvin seinen vielfältigen Katalog. Der in Hollywood, Kalifornien, geborene George war Mitglied von Frank Zappas Mothers of Inventions, bevor er diese Band verließ und mit Bill Payne Little Feat gründete. Lowell gehörte der Band 7 Jahre lang bis zu seinem Tod an und veröffentlichte in dieser Zeit acht Alben. Obwohl George 1979 starb, lebt sein Vermächtnis durch dieses Album weiter.

Die Filmmusik zu "Challengers" von den Oscar-prämierten Komponisten Trent Reznor und Atticus Ross bringt mit ihrem kraftvollen und treibenden Sound die Spannung der Profi-Tenniswelt auf den Punkt. Der von der Kritik gefeierte Film CHALLENGERS mit Zendaya, Mike Faist und Josh O'Connor in den Hauptrollen begeisterte 2024 das Kinopublikum.Diese exklusive Deluxe-Edition auf 180g schwarzem Audiophile-Vinyl enthält 16 Tracks, darunter beliebte Stücke wie "Challengers: Match Point", "Yeah x10" und den Abspannsong "Compress / Repress", der von Trent Reznor und Mariqueen Maandig Reznor zusammen mit Luca Guadagnino geschrieben und interpretiert wurde.Das aufwendig gestaltete Gatefold-Set bietet zudem Vinyl-exklusive Extras: eine spezielle Innenhülle mit Setfotos von Fotograf Alessio Bolzoni, ein Sammlerset mit drei Trading Cards von Zendaya, Josh O'Connor und Mike Faist als Tashi, Patrick und Art, sowie einen exklusiven Phil's Tire Town-Aufkleber.

In the heart of Offenbach, where the city's pulse synchronizes with the beat of the night, stands the illustrious Robert Johnson Club. For a quarter of a century, it has stood as a bastion of sonic exploration, a sanctuary for those who seek solace in the rhythm, and a beacon of inspiration for the global electronic music community. As it proudly raises its glass to toast 25 years of unrivaled musical excellence, the echoes of countless memories reverberate through its storied halls. To honor this landmark anniversary, „Live at Robert Johnson“ presents a kinda like masters blueprint of sound: "Tell Me Something Good - 25 Years of Famous When Dead!" This compilation, aptly named after the club's mantra, serves not only as a celebration of its rich history but also as a testament to the enduring legacy of the artists who have graced its stage. Crafted with meticulous attention to detail, each track on the compilation is a sonic journey unto itself—a symphony of beats and melodies that weave together to tell the story of Robert Johnson's evolution over the past quarter-century. From the pulsating rhythms of underground techno to the ethereal melodies of deep house, the compilation encapsulates the club's eclectic spirit and unwavering commitment to pushing the boundaries of electronic music. But beyond the music lies something deeper—an intangible energy that permeates every aspect of Robert Johnson's existence. It's the sense of camaraderie that binds together the club's patrons and artists alike, the shared experience of losing oneself in the music, and the profound sense of belonging that transcends language and culture. As the compilation reverberates through the speakers, it serves as a rallying cry—a call to arms for all who have ever felt the transformative power of music. It's a reminder that, even in the darkest of times, there is beauty to be found in the simple act of coming together and losing oneself in the rhythm of the night. So let us raise our voices in celebration of Robert Johnson Club and the indelible mark it has left on the world of electronic music. Here's to 25 years of passion, of creativity, and of "something good" that will echo through the ages for generations to come.

Remastered Deluxe-Format zum 25-jährigen Jubiläum des legendären Debütalbums der US-Indie-Band American Football. Die Band brillierte mit einem Slowcore-Sound zwischen Math- und Post-Rock, löste sich aber kurz danach auf, um sich mit einer Reissue dieser LP 2014 wieder zu vereinen. Im Zuge der zweiten Emo-Welle entfaltete das Album eine ungeahnte Wirkung: Für Pitchfork "beste Neuauflage" und "einflussreichstes Album des Genres", für den Rolling Stone #6 der "40 besten Emo-Alben aller Zeiten". Das neue Format ist remastert und erscheint auf silberfarbigem Doppelvinyl mit 24-seitigem Booklet und Download-Card im Gatefold-Sleeve mit neuem Artwork in Silberfolienprägung.

In a world of division, BEÃTFÓØT’s delayed second album is as an invitation to unite at a utopian celebration of life. Originally scheduled for release in October 2023 but postponed due to the ongoing Israel/Palestine war, the intrinsically-political ‘TOO CUTE’ has taken on more prominence than the Tel Aviv duo of Udi Naor and Adi Bronicki could have imagined.
“It's more urgent than ever for us to share this now, even though the album has been ready for a while,” says producer Naor. “BEÃTFÓØT are against any war, and believe that people should talk and not use violence - never,” he adds vehemently. “We feel the pain of Palestinians and Israeli loss of life, and are devastated by it. We hope the war will be finished soon and that peace and prosperity will come soon for both sides.”
While both Naor and vocalist Bronicki have been active in protests, charity work and community efforts over the past year - explicitly against the current government in Israel - such values of peace, acceptance, coexistence, inclusiveness and anti-hate from all sides are further instilled in the songs that form ‘TOO CUTE’.
“We're really trying to highlight that there are people here working tirelessly for a brighter future for our ill kids and our neighbour’s kids,” adds Naor, who is also co-founder of techno duo Red Axes. Having had to flee the country with his family, it’s through music that Naor and Bronicki have found hope.
In light of such conflict, the multi-layered yet sonically-bonkers record also enables escapism, which is needed more now than ever. Following their self-titled 2021 debut (released on DJ Tennis’ label Life and Death), ‘TOO CUTE’ is a refreshingly-ridiculous dark-rave rollercoaster which careers between hard-dance, big-beat, post-punk, techno, hyperpop, country and everything in between.
Things blast off at breakneck speed with the chaotic title track’s hyperpop snares, instantly-catchy lyrics (which feel ominously striking considering the war) and a stadium-ready chorus that erupts into rolling breakbeats, punishing EDM and even a nod to The Bloodhound Gang’s ‘The Magic Touch’. Somehow, we’re just three minutes into the record.
The tongue-in-cheek ‘HEART OF LEAD (TAKE IT OFF)’ still bangs despite its silliness, like if Kero Kero Bonito got in the studio with will.i.am. Later, ‘LEO’S SONG (THE SOCIAL MEDIA GUY)’s wittily satirical one-liners - “I just wanna get high with AI” - come thick and fast amid a barrage of glitches and guitars. ‘SUKC MY DIKC !!!’, meanwhile, pairs flute with pulsing hardstyle beats.
While their first record’s experimental explosion captured the pure carnage and energy of the BEÃTFÓØT universe in a conceptual fashion (though remaining polished in its own way), album two is primed to connect with a bigger audience thanks to its pop melodies, structures and songwriting.

Much of ‘TOO CUTE’ was written while the duo toured Europe for the first time, with rough sketches of tracks created in the moment during their incendiary live shows, and then recorded in planes and cars.
If their first record was a case of testing the vibes, album two is more assured and confident within their sonic world. “In the first album, we stepped into the club, metaphorically, and started making eye contact with everyone to figure out the energy,” Bronicki says. “But, this time round, I already had an idea of the story that I wanted to tell to these random people.”
And what is that story? “Radical silliness, or radical fun – that’s the essence of BEÃTFÓØT,” Naor confirms. “What we really want to do is goof around and have fun, and that brings out something very profound and honest,” he explains. A sense of nostalgic freedom is also at the album’s core, thanks to the removal of adult predetermined social constructs that decide how people should behave or look. “There’s a very honest and positive energy in holding onto your childlike wonder and trying to explore that with others,” Bronicki suggests, adding that “the adult world can be so wrong and angering”.
She feels this relates to both the album’s lyrics and the artistic state of mind that the duo always work to: “the goal is to feed a really thought-out and profound idea, but through a playful spoon,” she says. With this in mind, the recurring theme of ‘TOO CUTE’ stems from the duo’s “radical and lived experience of existing in a place that holds a lot of guilt and fear – because death is so imminent and prevalent in a very confronting way”. This is clearly represented on ‘FOOTYLICIOU$’, on which Bronicki screams “someone’s gonna die tonight!” before emphatically shouting “NOT ME!”
The album title is BEÃTFÓØT’s response to that: “We want to be a celebration of life, and that applies to all lives, of all backgrounds, including animals… that’s our guiding light,” Bronicki says.
“We create in the context of living in a country where the current government’s anti-democratic measures are limiting who is included in the celebration of life. Because different people are always being pushed out and excluded: whether it’s queers, Palestinians or people from different religions.”
BEÃTFÓØT - who have found a home among the LGBTQIA+ community - are fighting back against oppression. “We want everybody to come to the party and celebrate life together,” says Naor, setting out his and Bronicki’s mission… “and our goal is to widen that party as wide as it can go.”




c MANIAC ft. Princess Rani

e WHERE HAVE I BEEN ALL MY LIFE ft. Bugle Boy



c MANIAC ft. Princess Rani

[e] WHERE HAVE I BEEN ALL MY LIFE [ft. Bugle Boy]



[c] MANIAC [ft. Princess Rani]

[e] WHERE HAVE I BEEN ALL MY LIFE [ft. Bugle Boy]

The Smile haben ihr neues Album "Cutouts" für den 04.10.2024 angekündigt. Mit "Foreign Spies" und "Zero Sum" sind zugleich zwei neue Tracks erschienen, wobei der Künstler Weirdcore zu letzterem auch ein Video kreiert hat. Bereits erschienen sind "Don"t Get Me Started" und "The Slip", zwei Stücke, die Anfang des Monats als limitierte 12"-Single kurzzeitig weltweit in Plattenläden auftauchten. Thom Yorke, Jonny Greenwood und Tom Skinner haben einige der Songs von "Cutouts" erstmals auf der März-Tour in UK gespielt. Insgesamt enthält das von Sam Petts-Davies produzierte Album, das auf "Wall of Eyes" aus dem Januar und das 2022er-Debüt "A Light For Attracting Attention" folgt, zehn neue Tracks. "Cutouts" wurde zur gleichen Phase wie "Wall Of Eyes" in Oxford und den Abbey Road Studios aufgenommen und enthält String-Arrangements vom London Contemporary Orchestra. Das Artwork von Stanley Donwood und Thom Yorke entstand während der Aufnahmen. "Cutouts" ist bereits das zweite Studioalbum der Band in weniger als einem Jahr. Sein Vorgänger erreichte Platz 4 der deutschen Albumcharts und die Nummer 3 in UK. Thom Yorke veröffentlichte im April außerdem den Score zu Daniele Luchettis Film "Confidenza" und kündigte eine Solotour für Neuseeland, Australien, Singapur und Japan an. Jonny Greenwood arbeitet aktuell am Score zu Paul Thomas Andersons kommenden Film "The Battle of Baktan Cross". Tom Skinner hat das Album "Voices of Bishara Live at mu" veröffentlicht und tourt mit seinen Soloarbeiten im Rahmen internationaler Jazz-Festivals.

Al Jarreau hat immer gesagt, dass er Al Jarreau-Musik singt, und er war wirklich einzigartig: Seine sechs Grammy-Awards und neunzehn Nominierungen als "Bester Sänger" decken nicht weniger als drei Kategorien ab – Jazz, Pop und R&B – mit anderen Worten, musikalische Genres interessierten ihn nicht wirklich. "Musik mag für andere Leute in Kategorien fallen, und ich verstehe das", sagte er, "aber für mich gilt: Wenn ich einen Song mag, muss ich ihn machen, und das war's. Wenn du zu meinen Konzerten kommst, setze ich mich auf deine Schulter und flüstere dir etwas ins Ohr. Ich öffne den Geist und gehe durch viele Türen." Diese Art von reichhaltigen, beschreibenden Bildern beschwört die Höhenflüge der stimmlichen Fantasie herauf, zu denen sein Gesang jederzeit fähig war. Er konnte einen Song plötzlich in neue und unerwartete Richtungen lenken. Er erklärte es immer so: "Wenn es ein Rückgrat für das gibt, was ich tue, dann ist es die Jazz-Umgangssprache."

Musik, Klänge und Rhythmus schienen ihn zu durchströmen, und das war kein Wunder. 1940 in eine musikalische Familie geboren, war er ein überdurchschnittlicher Student und schloss sein Studium mit einem Bachelor of Science in Psychologie und anschließend einem Master in beruflicher Rehabilitation ab. Und doch war die Musik nie weit von ihm entfernt. In den späten 1960er Jahren schloss er sich einem Trio an, das vom Pianisten George Duke geleitet wurde, und arbeitete daran, das Singen zu einer Vollzeitbeschäftigung in Los Angeles zu machen.

Zu diesem Zeitpunkt hörte ihn Siggi Loch, der damals ein hochkarätiger Manager bei Warner Brothers Records (WEA) war und später ACT Records gründete. "Ich sah Al Jarreau 1974 zum ersten Mal im Troubadour in Los Angeles und war sofort von seiner Stimme und seiner Bühnenpräsenz gefesselt", erinnert er sich. "Am nächsten Tag ging ich zu Mo Ostin, dem Präsidenten der WEA, um ihn davon zu überzeugen, ihn zu unterschreiben." Nach anfänglichen Widerständen erhielt Loch grünes Licht und 1975 erschien Jarreaus Debütalbum für WEA, "We Got By". "Ich habe Al nach Deutschland gebracht, bevor er in den USA Erfolg hatte", fährt Loch fort. "Al trat drei Nächte lang in Hamburg auf und ich schaffte es, Michael Naura, den Chef der Jazzabteilung des NDR, davon zu überzeugen, den dritten Abend für die Live-TV-Übertragung aufzunehmen." Diese Show machte Al über Nacht in Deutschland berühmt, und seitdem hat er immer einen besonderen Platz in den Herzen des deutschen Publikums. "We Got By" gewann den Preis der Deutschen Schallplattenkritik und seine erste Deutschlandtournee füllte große Konzertsäle.

Es folgte "Glow" (1976), das in Europa erneut gut ankam und einen zweiten Preis der Deutschen Schallplattenkritik gewann, in den USA aber nicht so gut ankam: "Das richtete sich an ein 'Smooth Jazz'-Publikum", so Loch. "Es hat Al nicht vor einem Live-Publikum eingefangen. Also bat ich darum, dass seine nächste Veröffentlichung ein Live-Album sein sollte. Mo Ostin stimmte widerwillig zu", und "Look to the Rainbow" wurde in Europa ein Riesenerfolg, "Als es in den USA veröffentlicht wurde, wurde es Al's Durchbruchsalbum und brachte ihm seinen ersten Grammy ein, also ist es wirklich richtig zu sagen, dass seine Karriere vor allem in Deutschland begann!", sagt Loch.

Jarreaus langjährige Zusammenarbeit mit dem NDR veranlasste Jörg Achim Keller, Chefdirigent der NDR Bigband, 2016 eine Zusammenarbeit mit dem Sänger vorzuschlagen: "Eine Produktion mit der Musik von Al und Ellington zu machen, war etwas, was ich schon seit Anfang der 2000er Jahre machen wollte", erinnert er sich. "Die Reaktion von Al war von Anfang an sehr positiv." Jörg bereitete eine Liste von einigen hundert Ellington-Titeln vor, und wie sich Jarreau später erinnerte: "Wir gingen einfach die Liste durch, und es war ein Fall von 'Oh, der funktioniert für mich' und 'Lass uns das als alten Darm-Blues machen – was für mich wichtig war, war, mich in der Musik wiederzufinden und vielleicht eine andere Art von Aussage über Ellington zu machen, damit die Leute die Musik auf eine andere Art und Weise hören konnten. alles, was sie vorher gehört hatten."

Beim Schreiben der Charts achtete Jörg darauf, Jarreaus Herangehensweise an das Material zu respektieren, indem er ihm Raum ließ. Tracks wie "I'm Beginning to See the Light" oder "I Got It Bad (and that Ain't Good)" geben den Solisten der Band ebenfalls Spielraum, um ihr Bestes zu geben. "Das sind hochentwickelte, intelligente Solisten, die mit jedem auf der Welt spielen können", sagte Jarreau. "Sie pushen mich, und ich liebe den Push, und sie lassen mich wie eine echte Sängerin klingen!"

Jarreau und die Band tourten in der zweiten Hälfte des Jahres 2016 mit der Musik, "Es gab immer noch einige Feinabstimmungen während der Tour, von Konzert zu Konzert", fügte Jörg mit einem Lächeln hinzu. "Er liebte es, diese Balladen zu singen – und jede hatte ein anderes Gefühl. "Am Sonntag" war ihm aber sehr wichtig. Diese Tabelle wurde zweimal überarbeitet, bevor er schließlich damit zufrieden war! Bei einigen Songs entschied er sich für einen reinen Balladenstil – 'I Got It Bad (and that Ain't Good)', einige Melodien wurden in eine Pop/R&B-Tasche gesteckt ('Lush Life', 'Come Sunday') und er liebte das 'Old Gutbucket Blues'-Feeling von 'I Ain't Got Nothing but the Blues'."

Rückblickend auf diese Sessions und Tour sagt Jörg: "Es waren Al's Stil und Persönlichkeit, die alles zusammenhielten. Das Ganze war eine echte Kombination aus der musikalischen Meisterschaft von Jarreau und Ellington – es hat das Publikum in ganz Europa angesprochen, sie liebten das Programm." Dieses Gefühl teilt auch Siggi Loch, der Jarreau mit der NDR Bigband in Paris erwischte: "Es war offensichtlich, dass er es wirklich genoss, diese Musik aufzuführen, und er tat es mit so viel Energie und Emotion, es war eine Freude zu sehen und zu hören. Leider verstarb Al nur wenige Monate später."

In vielerlei Hinsicht schließt sich mit "Ellington" ein Kreis: Es fühlt sich sehr richtig an, dass Jarreaus letztes Album auf ACT veröffentlicht wird, dem Label, das von Siggi Loch gegründet wurde, dessen starkes und unerschütterliches Eintreten für den Sänger ihn ursprünglich auf den Weg zum Superstar brachte. Und die Tatsache, dass es vom NDR und seiner hauseigenen Bigband aufgezeichnet wurde, ist eine passende Erinnerung daran, dass es sich um eben jenen Sender handelte, dessen TV-Sendung Jarreau einst über Nacht in Deutschland berühmt gemacht hatte. Darüber hinaus wurde "Ellington", genau wie "Look to the Rainbow", das Jarreaus internationales Durchbruchsalbum war, auch live aufgenommen. Manchmal gibt es Verbindungsfäden zwischen Ereignissen, die auf den ersten Blick in keinem Zusammenhang zu stehen scheinen, und das Ergebnis erweist sich nicht nur als besonders und magisch, sondern auch bedeutungsvoll und tief berührend. Das ist hier auf jeden Fall der Fall.



Stuart Nicholson, Musikjournalist und Autor

Nachdem er 2022 "The Consistent Brutal Bullshit Gong" schrieb, hat sich Nate Mendelsohn immer mehr in seiner Musikgemeinde in Brooklyn, NY, verwurzelt. Er produzierte die letzten FRANKIE COSMOS- und DOUGIE POOLE-Alben, trat bei VAGABON und SAM EVIAN auf und machte Aufnahmen mit YAEJI und LADY LAMB. Diese Erfahrungen mit abenteuerlichen Künstler*innen sind in Mendelsohns Songwriting eingeflossen und haben, zusätzlich zu seinen frühen Jahren in der Jazz- und Avantgarde-Welt, ein Album hervorgebracht, das so manchem wahrscheinlich den Kopf verdrehen wird, wenn man Alben namens "Pet Sounds", "Fantasma", "Insignificance", "Blonde" oder "XO" mag. Wie auf einigen der genannten Alben verschmilzt auch auf "Well I Asked You A Question" das Physische mit dem Synthetischen: gesampelte Orchester duellieren sich mit echten Orchestern ("Fantasy"), die gesprochenen Worte eines Roboters duettieren sich mit einem menschlichen Chor ("Around"), und Geräuschexplosionen üben sich in Soli über traditionelle Rockinstrumente ("Rachel's Getting Married"). Obwohl viele der Sounds auf dem Album erweitert und gebrochen sind, arbeitete Mendelsohn mit der vollen MARKET-Band - Stephen Becker, Natasha Bergman und Duncan Standish - zusammen, um die Songs zu entwickeln. Er wollte "musikalische Unfälle mit ausgefransten Rändern - immer noch eine Gruppe von Leuten, die in einem Raum sind und Songs spielen". Neben der Kernband leisteten Katie von Schleicher, Mike Haldeman (MOSES SUMNEY, ALTO PALO), Justin Felton (L'RAIN, BIG THIEF), Rose Droll (FEIST, ART FEYNMAN) und Helen Newby mit der Technik von Adam Hirsch (Sam Amidon, Stephen Steinbrink) weltumspannende Beiträge.

Duke Ellingtons Klassiker "Money Jungle", aufgenommen 1962 mit Charles Mingus am Kontrabass und Max Roach am Schlagzeug, gilt als Höhepunkt seines Schaffens, auf dem er traditionellen Jazz mit neuer Avantgarde kombinierte, ohne seinen unnachahmlichen Stil aufzugeben. Die LP erschien auf United Artists und wurde um die Jahrtausendwende von Blue Note als Remastered CD veröffentlicht. Die neue Ausgabe in der Vinyl-Story-Serie (Diggers Factory) erscheint mit einem farbenfroh illustrierten Comicheft samt Biografie von Alain Gerber (in engl. & franz. Sprache).

Alan-Parsons-Fans dürfen sich 2021 gleich über zwei besondere Reissues freuen: Der britische Musiker, Tontechniker und Produzent legt seine Alben »On Air« und »The Time Machine« noch einmal auf, und zwar auf CD und LP. Die beiden Vinyl-Versionen kommen auf Translucent Blue Vinyl bzw. Transparant Vinyl, sind nummeriert und auf jeweils 1500 Exemplare limitiert.

»The Time Machine« erschien 1999 und ist das dritte Soloalbum von Alan Parsons. Es handelt von Zeitreisen und von der Erinnerung an die Vergangenheit.

Der Gesang auf dem Konzeptalbum stammt unter anderem von Tony Hadley (Spandau Ballet), Colin Blunstone, Maire Brennan (Clannad), Beverly Craven und Neil Lockwood (ELO).

»The Time Machine« klingt wie eine Kombination aus dem Alan Parsons Project der 1970er-Jahre mit einer Prise Pink Floyd und ist ein Klangerlebnis, das Fans von Parsons, New Age und Electronica begeistern wird.

Das Album beginnt mit dem Instrumental »The Time Machine (Part 1)«, geschrieben von Cockney-Rebel-Schlagzeuger/Komponist Stuart Elliott (später Al Stewart und Kate Bush u. a.), das der Art und Weise ähnelt, wie das Project sein Album zu eröffnen pflegte. Es gibt den sanften Song »Out Of The Blue«, mit Leadgesang von Tony Hadley von Spandau Ballet. »Ignorance Is Bliss« ist einer der schönsten Songs mit dem Gesang des ehemaligen Zombies-Leadsängers Colin Blunstone.

Not much has been written written about the conceptual hardcore band inspired by and named after a 9th century antisocial loner monk-poet of China’s Tang dynasty. Han-shan the band existed from 1991 to ‘93 in California. Their lyrics covered themes of solitude, mystery, poverty, and discord, directly inspired by the verses of the titular poet. Han-shan’s music was psychopathic, with blood-curdling vocals, and messy but powerful, in the vein of Void, Siege or Septic Death. The band played to the absolute limits of their physical ability and then some, with a sound that complemented their West Coast contemporaries—bands like Heroin, Mohinder, Second Story Window, Antioch Arrow and Angel Hair. Recorded in San Diego by Matt Anderson in late 1993 and originally released posthumously in early 1994 on the tiny Soledad record label, Hans-shan’s eight song seven inch EP came packaged in a manila envelope, each one hand-printed with a woodcut block and roller, with the art and insert referencing both the poet and Tang dynasty China. LG Records has carefully reproduced this cover art and returned to the original multitrack tape. Tim Green has remixed the recording at Louder Studios for a significantly more powerful, and yes, LOUDER, 12” 45rpm release. Members of Han-shan had previously been in Suckerpunch, Brain Tourniquet, End of the Line, and John Henry West; and went on to play in Behead The Prophet NLSL, Solid Gold, Drunk Horse, Astral, Tight Bro’s from Way Back When, Sex/Vid, Very Paranoia, Low Plateau and Nudity. For fans of fast, out of control hardcore with a raw emotional edge. And saxophone.

King Pari ist ein Duo aus Los Angeles und Minneapolis, das sich vom Sound von Prince und psychedelischem Dub inspirieren lässt, um so etwas wie 'Schlafzimmer-Funk' zu kreieren - ansteckende Lo-Fi-Songs voller Emotionen und funky Grooves.

Die Mitglieder von King Pari, Joe und Cameron, spielten in verschiedenen Bands in Minneapolis, unter anderem mit einigen von Princes engsten Vertrauten.

Der erste Auftritt von King Pari war als Vorgruppe von Kamasi Washington, und Joes vorherige Band wurde von Prince persönlich eingeladen, im Paisley Park zu spielen.

Standardmäßig in mandarinfarbenem Vinyl mit Artwork von Lou Beach (Yellow Magic Orchestra, Bill Withers, Weather Report).

- Ltd. Col. LP: (Tangerine Orange Vinyl)

Repress! Get On Down is bringing back one of the best James Brown funk compilations to vinyl. Funky People Part 1 features the top tier of artists from Brown's People Records label, including The J.B.s, Lyn Collins, Fred Wesley, and Maceo Parker. Some of the James Brown organization's all-time best material is collected here, including The J.B.'s "Pass The Peas" and "Hot Pants Road", Fred Wesley's in your face politics through funk statement "Damn Right, I Am Somebody", Lyn Collins' smash hit "Think (About It)" and many more. These songs have been sampled in countless hip-hop songs over the years. Newcomers and diehard fans alike continue to dig into the James Brown and People Records vaults, and the more they do so, the more they realize that it's a nearly never-ending source of truly next-level funk and soul music. Thanks to the exhaustive efforts of Get On Down, this aural goodness will keep flowing to the public.

SYML—Welsh for “simple”—makes music that taps into the instincts that drive us to places of sanctuary, whether that be a place or a person. Born and raised in Seattle, Brian Fennell studied piano and became a self-taught producer, programmer, and guitarist. This May marked the fifth anniversary of his self-titled debut album, which included the platinum-selling song “Where’s My Love” and the Gold Record fan favorite, “Girl,” and one year since his sophomore album, The Day My Father Died, which was recorded and produced with fellow Seattle-native Phil Ek (Band of Horses, Father John Misty, Fleet Foxes) and features Elbow’s Guy Garvey, Lucius, Sara Watkins of Nickel Creek, and Charlotte Lawrence. In the last year, he was also featured on Lana Del Rey’s song, “Paris, TX,” from her Grammy-nominated album Did You Know That There’s A Tunnel Under Ocean Blvd, and realized several other notable collaborations including UK-electronic artist George Fitzgerald, Latin Grammy-nominated Colombian artist Elsa Y Elmar. In February 2024, he launched his imprint, FIN. Recordings, a new venture in collaboration with his label, Nettwerk Music Group, and management team, Good Harbor Music. Says Fennell about Infinity, “Sometimes, songs are wandering souls with no home, and it’s not until enough of them are written that the home is realized. I have a proud obsession with all things apocalyptic and the doom and wonder of an ever-expanding universe. This group of songs is an ode to the absurdity of human existence and my fondness for it. My inspirations were very cinematic ranging from big blaring soundscapes to more gentle, dusty settings like Ennio Morricone was so gifted in painting. I am fascinated by what humans are capable of, especially the stories we tell ourselves to explain our world and the space around it. Importantly, I am thankful for the creative space to make art without rules or expectation.

Machen Sie Ihrem Schallplattenspieler mal eine Freude und lassen Sie ihn einen Hit nach dem anderen
spielen! Und zwar nicht irgendwelche Hits, sondern die dreizehn größten, lässigsten, swingendsten, sentimentalsten von Dean Martin!
Auf dieser LP im stylischen Cover-Artwork versammeln sich mit “That’s Amore,” “Ain’t That A Kick
In The Head,” “Volare,” “Sway” und anderen Ohrwürmern nur Mega-Klassiker aus dem an Klassikern
nicht gerade armen Werk von „Dino“. Frisch remastert für LP klingen sie so brillant als wären sie erst
gestern aufgenommen worden.

Anomalies neues Album "Riverchild" erscheint am 1. November 2024 und stellt das fünfte Studioalbum der österreichischen Post-Black-Metal-Band dar. Thematisch inspiriert vom mächtigen Fluss der Donau, erkundet das Album das Gleichgewicht zwischen der schöpferischen und zerstörerischen Kraft der Natur. Musikalisch bietet "Riverchild" eine Mischung aus aƽressiven BlackMetal-Elementen und ruhigen, introspektiven Momenten, die den
Hörer auf eine emotionale Reise mitnehmen.

Die neuseeländische Musikerin und Produzentin Princess Chelsea präsentiert ihr kommendes "nervous breakdown album" "Everything Is Going To Be Alright", das im pastoralen Aotearoa Neuseeland aufgenommen wurde und eine Art Trostspender ist. Es sind keine traurigen Lieder, sondern die beiden Eröffnungs- und Schlusstracks erzählen von Chelseas Genesung und sind als kathartischer Hörgenuss für alle gedacht, die es brauchen könnten. "If you feel you want to die / trust me darling / it just takes time", singt sie in "Time". In der Zwischenzeit zeigen Chelseas sorgfältig geschichtete Gesangsmelodien über Mellotron-Flöten und Harfe, verwoben mit Live-Cello und Violine, ihre Fähigkeiten als Arrangeurin und Produzentin. Princess Chelseas cineastischer, verträumter Pop hat sich in elf Jahren, fünf Alben, einer EP und elf Singles weiterentwickelt. Ihre Vortragsweise und ihr Songwriting zeichnen sich dadurch aus, dass sie eine fast naive Ernsthaftigkeit mit zynischem, augenzwinkerndem Witz und akustischen Funken überlagert. Ihr Grunge-Girlgroup-Song "I Love My Boyfriend" aus dem Jahr 2018 und ihr von Nancy & Lee inspiriertes "Cigarette Duet" aus dem Jahr 2011 haben ihren Bekanntheitsgrad durch den Einfluss einer neuen TikTok-Generation in das öffentliche Bewusstsein gerückt. Für dieses Album wurden Chelseas Instrumentalarrangements von ihrer Live-Band inspiriert, die die Schlafzimmerdemoaufnahmen mit einem überraschenden Sound interpretiert hat. Es klingt anders, als man vielleicht erwarten würde. "The Forest" wurde live in einem Take mit Chelsea und der gesamten Band im beliebten neuseeländischen "The Lab" aufgenommen und zeigt dynamische Gitarrenwände und eine leidenschaftliche Gesangsperformance. Es ist eine markante Abweichung von ihrem bisherigen Schaffen und stellt eine weitere Einführung in das dar, was sie seit der Veröffentlichung der verträumten und doch düsteren Single "Everything is Going To Be Alright" im Februar als ihr "Gitarrenalbum" bezeichnet hat. Chelseas Fähigkeiten als Arrangeurin und Produzentin kommen auf dem Album voll zur Geltung, aber oft in Form von komplizierten Gitarrenarrangements, die an The Cars und die Breeders ("Forever is a Charm") und an klassische neuseeländische Flying Nun-Bands der 80er und 90er Jahre ("Love is More") erinnern. Obwohl das Album eine deutliche musikalische Entwicklung darstellt, sind ihre Markenzeichen immer noch da - klassische 80er Jahre Synths (Yamaha DX7, Roland D-50), vielschichtige Melodien, orchestrale Instrumente, verträumter Gesang, verdrehter Pop, der oft Vergleiche mit Julee Cruise oder Enya gezogen hat.

Die Wahl-New-Yorkerin Yaeji hat sich in den letzten Jahren als Produzentin, Sängerin und DJ mit ihren introspektiven Dance-Floor-Hymnen eine ganz eigene Nische geschaffen. Nach der Veröffentlichung ihrer Debüt-EPs, sowie den Singles "Raingurl" und "Drink I"m Sippin On" in 2017, war sie auf Charli XCXs 2019er Album "Charli" zu hören, remixte Songs für Dua Lipa oder Robyn, kollaborierte mit dem Seouler-Künstler OHHYUK, verkaufte weltweite Headline-Touren aus und eröffnete ihren eigenen Lifestyle Webstore JI-MART. Ihr Sound und ihre Einflüsse sind dabei so vielschichtig wie ihre Herkunft. Geboren im Jahr 1993 in New York reicht ihr Stammbaum von Seoul über Tokyo bis nach Atlanta - Einflüsse die sich in ihrer Musik in Form von koreanischem Indie-Rock und Electronica, 2000er Hip-Hop, sowie Leftfield Bass und Techno wiederfinden. Mit ihrem 2020er Mixtape "WHAT WE DREW“ schärfte Yaeji noch mal ihre Vision als Musikerin, die kreativ losgelöst von Sprachen Genre-Grenzen zu sprengen vermag - kein Wunder, dass sie daraufhin von Pitchfork 2022 zu einer der "25 Artists Shaping the Future of Music" ernannt wurde. Die nahe Zukunft wird sie ebenfalls prägen. Schließlich erscheint am 7. April nun endlich das Debütalbum "With A Hammer" bei XL Recordings. Entstanden innerhalb von zwei Jahren in New York, Seoul und London kurz nach der Veröffentlichung des Mixtapes und während den Lockdowns ist es eine Ode an die Erforschung ihrer selbst, setzte sie sich doch dabei mit ihren eigenen Emotionen auseinander - besonders mit ihrer eigenen, in ihr brodelnden Wut. Während sie textlich zwischen englisch und koreanisch springt, nutzt sie erstmals auch Live-Instrumente, sei es in Form von einem Ensemble an Musikern oder auch zum ersten Mal sie selbst an der Gitarre. "With A Hammer" beinhaltet darüber hinaus auch Features der Produzenten und engen Verbündeten K Wata und Enayet, sowie Gast-Vocals der Londonerin Loraine James und von Nourished by Time aus Baltimore.

This obscure record showcases a selection of 10 tracks created between 1986 and 2002.
Remastered and reworked, this material provides a unique insight into SF aka Schielfried Frankenstein's journey as a performance artist and musician during that period. While Manuel Göttsching produced SF's first record (Ordal/1985), this release, proudly presented by Lustpoderosa, introduces a fresh perspective. Partly reworked and mixed by Ismael Zouaoui and mastered by @Sneaker at Tailout Studios, it is complemented by remixes from contemporary artists, bridging the gap between the past and present.

Geplant war es von Omega damals logischer Weise nicht, die eigene Karriere in Genre-Phasen einzuteilen. So etwas machen später Musikjournalisten und Fans - und unter ihnen besonders die Statistiker. Nach deren Lesart gilt die zweite Hälfte der Siebziger als Space-Rock-Ära der ungarischen Band. Abgebildet wird sie durch die Trilogie "Time Robber" (1976), "Skyrover" (1978) und schließlich "Gammapolis" (1979). Zwar waren sphärische Klänge bereits davor und auch danach noch im Schaffen des Budapester Quintetts zu vernehmen, derart konzeptionell fokussiert zeigten sich Omega jedoch tatsächlich nur auf diesem Triple. Nimmt man die Erfolgs-LP "Time Robber" weiterhin als Qualitätsmaßstab, hielt auch "Gammapolis" mühelos mit. Die Kompositionen der Gruppe um Sänger Jànos Kòbor waren melancholischer geworden, die bittersüßen Melodien schmeichelten. Das galt besonders für den siebenminütigen Opener "Dawn In The City" ("Hajnal a város felett"), dem Titelsong "Gammapolis" und "Silver Rain" ("Ezüst esö"). Zwischen der westeuropäischen, englischsprachigen Version und dem ungarischen "Original" gibt es neben dem Gesang und der Sprache in der Titelreihenfolge und bei der Songlänge einige kleine Unterschiede. Minimal ließen Omega die instrumentalen Passagen einiger Stücke auf der Muttersprachenvariante länger fließen. Für die westeuropäischen Omega-Platten-Käufer jedoch hatten diese feinen Unterschiede keine Relevanz, kannten sie meist die ungarischen Songs gar nicht. Ebenso wenig dürften sie registriert haben, dass GAMMAPOLIS in Omegas Heimat mit fast einer dreiviertel Million Einheiten die am besten verkaufte LP der Band-Karriere wurde. Das deutsche Cover-Artwork wich jedoch von der ungarischen Version erheblich ab: Zeigte die Bacillus/Bellaphon-Variante die Silhouetten der Musiker vor einem von Flak-Scheinwerfern durchschnittenen Nachthimmel, war auf dem Pepita-Album offenbar die zwar futuristische, allerdings auch karge Welt auf einem fremden Planeten zu sehen.

Das japanische No ist die älteste lebendige Theaterform. Themen wie Schuld, Liebe und Erlösung werden in Text, Tanz und Musik verhandelt. Eric Schaefer ist dem Land Japan und der japanischen Kultur schon seit vielen Jahren verbunden. So begann er, inspiriert durch seine Besuche des No-Theaters, während eines dreimonatigen Aufenthalts und Unterrichts bei Prof. Takanori Fujita (Kyoto City University of Arts) den Liedzyklus HAYASHI zu komponieren. Ein Begriff, der das im No agierende Musikensemble benennt, der aber auch einen Hain beschreiben kann. Die Erstaufführung von HAYASHI fand beim Jazzfest in der Oper Leipzig 2023 statt - gespielt vom Eric Schaefer Ensemble und gemeinsam mit den japanischen Künstler*innen Ichi-Go (Tanz) und Acci Baba (Videokunst). Nun liegt die Studioproduktion von HAYASHI vor. Auf Vinyl und in einer limitierten Auflage. Mit einem Coverbild der in Kyoto lebenden Kalligraphin Chizu Ikura. Die Musik des No hat sich aus einer heterogenen Vielzahl volkstümlicher und religiöser Spielarten (Matsuris, buddhistische Rituale) entwickelt und besitzt eine kompositorische Struktur, die den Ausführenden einerseits exakte Vorgaben macht, aber andererseits selbstbestimmte Räume und Unschärfen besitzt, die sich zu Improvisationen öffnen. Die Komposition HAYASHI von Eric Schaefer nimmt diesen Modus Operandi des Musizierens im No-Theater auf. Durch die Zusammenarbeit von klassisch gebildeten und improvisierenden Musizierenden wird eben dieses fluide Durchwirken von festgelegten und frei zu interpretierenden Kompositionsteilen ermöglicht. Es gibt hier nur eine Partitur für alle, eine semantische Ebene, auf der sich alle bewegen. "Letztlich", so Eric Schaefer, "gehen wir mit dem Ensemble HAYASHI der Frage nach, was uns diese alte Kunstform des No heute ästhetisch sagen kann, wie wir mit Freiheit und Gebundenheit in der Musik umgehen." Dies geschieht im Geiste Zeamis, dem Gründer des No-Theaters, der vor 600 Jahren schrieb: "Das Alte befragen, das Neue begreifen".

4 Jahre sind vergangen, seit "Endless Wound" Stigmata auf der Menschheit hinterlassen hat, aber seid sicher, Black Curse werden sich jetzt noch tiefer einschneiden. Eine Platte, die wegen ihrer ekstatischen Rücksichtslosigkeit und massiven fanatischen Bösartigkeit schockieren soll. Aber das was tief unter den Kompositionen schwebt, öffnet die Türen zu einer Welt, die so unglaublich groß ist, dass man Gefahr läuft, sich in ihr zu verlieren. Und diese Tiefen entziehen sich jeglicher Exegese.

4 Flüche wurden in 4 Hymnen absoluter Todesmagie verwoben. Und diese werden einen in den schwarzen Abgrund des großen Göttlichen führen. Das Album wurde erneut vom unbestrittenen Meister Arthur Rizk produziert, der mit seiner außergewöhnlich dichten und zerstörerischen Produktion mal wieder alle Erwartungen übertrifft. "Burning in Celestial Poison" klingt, als wäre es mit dunklen magischen Formeln aus einer sehr viel tieferen Welt erschaffen. Um die Erhabenheit dieses Albums zu erkennen, müssen andere Sichtweisen und Wertigkeiten definiert werden. In dieser Welt wird es als hässlich und bedrückend gelten. Und zwar von denjenigen, die nicht in der Lage sind, sich diesen bodenlosen Abgründen hinzugeben.
Es bricht absichtlich mit allen modernen Hörgewohnheiten, vermeidet alle Regeln der Songlänge und -struktur und erzielt genau dann das beste Ergebnis, wenn es in Dunkelheit und bei maximaler Lautstärke erlebt wird.

"Burning in Celestial Poison" beginnt, mäandert und endet mit einem prophetischen Grollen, das sicherlich aus der Welt stammt, der wir uns noch stellen müssen, nämlich der Welt in Flammen.

Mit “Unbeschreiblich” begrüßte Die Zeit seinerzeit in einem begeisterten Artikel dieses Album und führte
deskriptiv fort: „Eine hohe, warme Stimme singt zerbrechliche Lieder, Annette Peacock begleitet sich
selbst am Flügel, ein Streichquartett modelliert Klangskulpturen dazu: von der Klassik das Zeitmaß, vom
Jazz das Gefühl, von der Lyrik das Offene, vom Träumen die Stimme“. An Acrobat’s Heart ist hinreißend
schönes Album von einer der geheimnisvollsten, am schwersten fassbaren und schillerndsten Figuren in den
Grenzbereichen des Jazz. Das Album präsentiert die einzigartige Stimme und das Klavierspiel der SingerSongwriterin Annette Peacock, die ihre Eigenkompositionen in Zusammenarbeit mit dem renommierten
Cikada String Quartet darbietet. Im Guardian nannte John Fordham das Album bei Erscheinen „eines der
feinsten, adäquatesten und aufwühlensten Unterfangen die Annette Peacock je geschaffen hat.“ Mit dem
Luminessence-Reissue im 2-LP-Tip-on-Klappcover erscheint das Album erstmals auf Vinyl.

Die Karriere von Devin Townsend besteht aus vielen verschiedenen Epochen. Er war der Anführer von Strapping Young Lad, der Dreh- und Angelpunkt des Devin Townsend Project und der Mitarchitekt des Country-Duos Casualties of Cool, während er gleichzeitig sein produktives und gelobtes Soloprojekt weiterführte. Jetzt beginnt die neue Ära des Universalgelehrten mit PowerNerd: ein prägnantes, aber dennoch progressives Album, das von der Liebe seines Masterminds zu Vintage-Rock aus seiner Kindheit zeugt.Von dem Moment an, in dem der Titeltrack die Platte mit dem Gebrüll "PowerNerd!" einleitet, ist Devins 28. Studioprojekt ein Galopp aus Melodie, Lärm und Gefühl. Der Opener und "Knuckledragger" sind Hochgeschwindigkeits-Amokläufe, deren Wirkung durch den charakteristischen "Wall of Sound"-Produktionsstil der Hauptfigur noch verstärkt wird. Diese Aggression ist jedoch bei weitem nicht das Einzige, was die 11 episodischen Tracks von Powernerd zu bieten haben. "Dreams of Light" ist im Vergleich dazu eine beschwörende und dynamische vierminütige Ballade. "Younger Lover" beruhigt sich nach einem explosiven Anfang zu üppigen Strophen mit Synthesizern und Gesang, während "Falling Apart" und "Jainism" eine Textur nach der anderen zu den lieblichen, akustischen Einleitungen hinzufügen. Jeder Song hat einen unwiderstehlichen Hook als Herzstück, und Devin hat zweifellos einen gefühlvollen Instant-Klassiker eines Rock-Albums geschaffen."PowerNerd" ist erhältlich als Limited 2CD+Blu-ray Artbook (inkl. Bonustracks, Dolby Atmos & High-Resolution Stereo Mixes), Ltd 2CD Digipak in O-Card (inkl. Bonustracks), Standard CD Jewelcase & Gatefold 180g LP + LP-Booklet, sowie digital in Stereo & Dolby Atmos.

Die Karriere von Devin Townsend besteht aus vielen verschiedenen Epochen. Er war der Anführer von Strapping Young Lad, der Dreh- und Angelpunkt des Devin Townsend Project und der Mitarchitekt des Country-Duos Casualties of Cool, während er gleichzeitig sein produktives und gelobtes Soloprojekt weiterführte. Jetzt beginnt die neue Ära des Universalgelehrten mit PowerNerd: ein prägnantes, aber dennoch progressives Album, das von der Liebe seines Masterminds zu Vintage-Rock aus seiner Kindheit zeugt.Von dem Moment an, in dem der Titeltrack die Platte mit dem Gebrüll "PowerNerd!" einleitet, ist Devins 28. Studioprojekt ein Galopp aus Melodie, Lärm und Gefühl. Der Opener und "Knuckledragger" sind Hochgeschwindigkeits-Amokläufe, deren Wirkung durch den charakteristischen "Wall of Sound"-Produktionsstil der Hauptfigur noch verstärkt wird. Diese Aggression ist jedoch bei weitem nicht das Einzige, was die 11 episodischen Tracks von Powernerd zu bieten haben. "Dreams of Light" ist im Vergleich dazu eine beschwörende und dynamische vierminütige Ballade. "Younger Lover" beruhigt sich nach einem explosiven Anfang zu üppigen Strophen mit Synthesizern und Gesang, während "Falling Apart" und "Jainism" eine Textur nach der anderen zu den lieblichen, akustischen Einleitungen hinzufügen. Jeder Song hat einen unwiderstehlichen Hook als Herzstück, und Devin hat zweifellos einen gefühlvollen Instant-Klassiker eines Rock-Albums geschaffen."PowerNerd" ist erhältlich als Limited 2CD+Blu-ray Artbook (inkl. Bonustracks, Dolby Atmos & High-Resolution Stereo Mixes), Ltd 2CD Digipak in O-Card (inkl. Bonustracks), Standard CD Jewelcase & Gatefold 180g LP + LP-Booklet, sowie digital in Stereo & Dolby Atmos.

Malva betrachtet auch diesmal gerne das Leben - ihres und das der anderen, generell und auf ihrem zweiten Album "A Soft Seduction Daily". Sie schaut von oben herab, ohne jedwede Herablassung, dafür aus einer Art erzählerischen Vogelperspektive. Probates Transportmittel der Wahl sind Töne, Melodien, Kadenzen, die auch auf ihrem zweiten Album ohne jedwede Anstrengung herausperlen, aus dieser jungen Frau, die sich aufmacht das Dasein zu erkunden. Malva textet auf Deutsch und Englisch: "Ich spüre, was für eine Sprache eine Melodie braucht". "A Soft Seduction Daily" erzählt von Auf und Abs, Serpentinen und Kurven, Romanze und Melancholie, spielt mit Worten, Musikstilen, dem Leben im Konjunktiv. Malva fangen auf dem zweiten Album an, sich in diverse Richtungen zu bewegen, die Grenzen ihrer musikalischen Persönlichkeit auszuloten und so klingt "A Soft Seduction Daily" streckenweise auch etwas lauter. Als Gäste sind Jesper Munk und Oskar Haag dabei.