Поиск:der bass

Spectral Bounce’s fifth instalment comes courtesy of L.A.’s rave archivist and dancefloor operative Dreams, A.K.A. Jesse Pimenta. Throughout his decade-long career the California native has inspected, dissected and concocted all manner of dance musics, leaving his mark with drops on Apron Records, Pinkman, BANK NYC and his own imprint Dance Data. On SPEC05 — Dangerous When Wet — he hijacks the synapses with 4 accomplished productions, plotting a high BPM course through manifold styles using the raw aesthetic that characterises his output.

“Losing Control” is a frenetic dancefloor invitation, immediately locking into a pacing groove. Beneath wild hand drums, Dreams plays with an insistent 303 bassline alternating between rasping buzz and oily squelch, while stern vocals are layered on top of breaks that have been processed to a viscerally satisfying end.

Taking things from delirious dance circle to underwater biosphere, the EP’s eponymous track explores a submerged 1980s Miami. Weighty & enveloping, “Dangerous When Wet” is pure aquatic pop-n-lock — hydraulic electro for a drowned world. Ocean floor caustics are transmuted into auditory form: arpeggios bubble up; drones shimmer mystically; hi-hats hiss like air from an open valve. Amongst the sonar bleeps, a barrage of pummeling low-end is sure to give subwoofers a workout.

“XTC Messenger” delivers an infectious paranoid dispatch, astutely balancing the sensual with the deranged. A slow-mo dial tone unfolds languidly, running counter to nervously twitching high frequencies. Its punchy percussion is tuned for maximum dopamine release; the track’s abrupt vocal chops and mechanical kick-snare pulsation evoke the leather jackets and jagged edges of 1980s industrial discotheque.

“Pressure Points” closes the EP on a heady and mesmerising polymetric trip. The parting track is a lithe yet spacious number, propelled by a rattling break. Here Dreams follows from track 2, creating an immersive environment in which sounds tightly twist and twirl. Shifting oscillators call out like tiny creatures as the bass throbs and wriggles further into your brain, long after the needle hits the runout groove.

Erdmöbel sind ein Phänomen und im Jahr 2025 feiern sie 30jähriges Bestehen. Sie geben allen die Gelegenheit, ihr Werk, die großen und bewegendsten Songs, noch einmal völlig neu zu entdecken. Dafür konnten sie das renommierte Kaiser Quartett gewinnen. Dafür haben keineswegs ein paar Streicher nur mal eben über ein paar alte Songs gestrichen, sondern Bassist und Produzent Ekki Maas entwickelte mit dem Hamburger Kaiser Quartett brillante Neu-Arrangements. Drei komplett neue Erdmöbelsongs gibt es auch! Das Jubiläumsalbum repräsentiert das Phänomen Erdmöbel, dabei insbesondere die Einzigartigkeit der hell in die Gegenwart strahlenden Texte von Markus Berges. Mit all den Neu-Arrangements und einem tollen Sound irgendwo zwischen ELO und schräger Sixties-Filmmusik à la Bernard Hermann (Psycho), mit all dem, was es auch inhaltlich Neues zu entdecken gibt, kommt Erdmöbels Jubiläumswerk aber zugleich auch rüber wie eine taufrische und absolut berührende Platte.

After 45 years, Trigger’s never-released second album, Second Round, invites listeners to rediscover the hard rock sound that made the band a standout act of the 1970s. In early 1979, Trigger walked out of Electric Ladyland Studios with a completed second album. Mere months had passed since their self-titled debut came out on Casablanca Records, home to KISS and Parliament. The band had toured with Cheap Trick and The Godz, met Bruce Springsteen and Joni Mitchell, and things were looking bright. But Casablanca unexpectedly went bankrupt, and the label’s artists went into freefall. Trigger unsuccessfully sought interested parties, shelved the recordings and disbanded; a disappointing end for a band who dominated the Jersey Shore club scene on their way up with fiery, kick ass live shows. RIP Trigger: 1973-1979. Jump to 2024. Guitarist Richie House is living in Northern New Jersey with his wife, enjoying a relaxing afternoon at the community pool with neighbors. One of them, Andrew Wexler is shocked to discover his friend had a band in the ’70s. He listens to their recordings, and as an avid record collector, assumes the mission of getting that unheard second album released. He writes to Ba Da Bing, a label with Jersey roots. Much excitement ensues. Second Round’s long-awaited release will now be available. All original members—Derek Remington (vocals/drums), Jimmy Duggan (guitar/vocals), Tom Nigra (bass guitar/backing vocals), and Richie House (lead guitar/vocals)—are present on the recordings. Sadly, Duggan and Nigra have passed away, but Remington and House have overseen this reissue, with songs sourced directly from the analog masters.. The Trigger of today maintains a high level of quality, albeit with a bit less flair, and even less hair. And there’s more going on here than at first listen. While the band carries the earmarks of their era—melodic hard-rock fashioned for Saturday night parties—they override the cliché with incredibly catchy songs. How would a ripping song like “Back Talk” have been received in 1979? It’s a question we’ll never be able to answer, but the raw energy of the track spans generations. “One In A Million,” however, with its full harmonies and forceful chorus, could have easily made the soundtrack for Fast Times. Celebrate the discovery of this lost gem by giving it a listen. You’ll be Trigger happy…

Over the decades, the image of Kompakt as a pirate ship has taken root in our minds, braving the dangers of the seven seas of the music market. Sometimes it glides with a tailwind through calm waters, sometimes it has to survive violent storms. When we set sail in 1993, we never would have dreamt that our journey would still be going on after more than three decades and with 500 releases to date.

In our fast-paced business, the 500 mark is rarely reached, so we want to celebrate it with a lavish 5LP box set. In a democratic process, we have selected 50 pearls from the thousands of tracks released over the last 33 1/3 years and pressed them onto 5 brightly coloured vinyls. Alongside many Kompakt evergreens, there are also some real rarities from the early ‘Kompakt Sound of Cologne’, which have been lovingly remastered here to shine in new splendour.

The box also contains a 144-page book that tells the story of Kompakt from 1993 to today with detailed texts and images. In addition to the manifold musical and graphic achievements of Kompakt, the multidisciplinary links to the visual arts are also highlighted here.

The Bonus Picture Disc opens with the symbolic tolling of 500 bass drums, followed by 50 locked grooves from the 5 Kompakt founders, looping into infinity at 133 1/3 BPM, and the ‘33 1/3 Years Loop Opera’ – in which the loops are combined into one track that, in its reduced essence, is more than the sum of its individual parts. The magic of groovy loop minimalism and the ‘art of omission’ are once again brought to the proverbial point.

On 23 May 2025, the big KOMPAKT 500 art exhibition will open at the venerable Kölnischer Kunstverein to coincide with the release. The entire visual cosmos of Kompakt will be shown here in an unprecedented way on three floors, with the participation of many renowned artists. Of course, there will also be dancing and partying at the vernissage party, with DJ sets and live shows by the Kompakt Allstars.

The last one turns off the bass drum.


Im Laufe der Jahrzehnte hat sich in unseren Köpfen das Bild von Kompakt als Piratenschiff festgesetzt, das den Gefahren der sieben Weltmeere des Musikmarktes trotzt. Mal gleitet es mit Rückenwind durch ruhige Gewässer, mal muss es heftige Stürme überstehen. Als wir 1993 die Segel setzten, hätten wir uns nicht träumen lassen, dass unsere Reise nach über drei Jahrzehnten und mittlerweile 500 Veröffentlichungen immer noch andauert.

Die 500 ist in unserem schnelllebigen Geschäft eine selten erreichte Katalognummer und soll daher mit einer üppigen 5LP-Box gebührend gefeiert werden. In einem demokratischen Prozess haben wir aus den tausenden Tracks der letzten 33 1/3 Jahre 50 Perlen ausgewählt und auf 5 knallbunte Vinyls gepresst. Neben vielen Kompakt-Evergreens finden sich auch einige echte Raritäten des frühen “Kompakt Sound of Cologne”, die hier liebevoll remastered in neuem Glanz erstrahlen.

Die Box enthält außerdem ein 144-seitiges Buch, das mit ausführlichen Texten und Bildern die Kompakt-Geschichte von 1993 bis heute erzählt. Neben den mannigfaltigen musikalischen und grafischen Errungenschaften von Kompakt werden hier auch die multidisziplinären Vernetzungen zur bildenden Kunst beleuchtet.

Die Bonus Picture Disc wird mit einem symbolischen Glockenschlag von 500 Bassdrums eröffnet, gefolgt von 50 Endlosrillen der 5 Kompakt-Gründer, die sich bei 133 1/3 BPM in die Unendlichkeit schleifen sowie der “33 1/3 Years Loop Opera”, in der die Loops zu einem Track zusammengefügt werden, der in seiner reduzierten Essenz mehr ist als die Summe seiner Einzelteile. Die Magie des groovenden Loop-Minimalismus und die “Kunst des Weglassens” werden einmal mehr auf den sprichwörtlichen Punkt gebracht.

Am 23. Mai 2025 eröffnet parallel zum Release die große KOMPAKT 500 Kunstausstellung im ehrwürdigen Kölnischen Kunstverein. Der gesamte visuelle Kosmos von Kompakt wird hier unter Beteiligung vieler namhafter Künstler*Innen in nie gesehener Form auf drei Etagen gezeigt. Selbstverständlich darf zur Vernissagenparty auch getanzt und gefeiert werden zu DJ Sets und Liveshows der Kompakt Allstars.

Der Letzte macht die Bassdrum aus.

Sie maschen's noch einmal. THE SOUND OF MONEY mit "Two: Rhyme On". Die Band aus dem Münchner Pop-Underground - genauer: mit Albert Pöschl, direkt aus dem Kern des faszinierenden Echokammer Labels, Claudia Kaiser, ex-Moulinettes, mit der aparten Stimme, die an eine Münchener Nico ohne den Drogen BS erinnert und Martin Lickleder, der für Wortakrobatik, Referenzspielereien und flotte Discostreicher berüchtigt ist - mit der Weiterführung ihres spielerischen, nicht minder faszinierenden Konzeptes: An Anagrammatical Exorcism of the 70s. Sie nahmen die Titel ihrer 12 Lieblingsalben aus den 70ern als DNA - und schüttelten die Buchstaben kräftig durch! Heraus kamen 12 neue Titel, für neue Songs. Im Jahr 2017, auf ihrem Album MORE? WHY NOT! haben sie das Gleiche mit den 60ern gemacht. Jetzt toppen sie den Spaß sogar noch. Kurz zurückgespult, 2017: Pu?nktlich zum 50-ja?hrigen Jubila?um des Summer of Love 1967 pra?sentieren The Sound of Money 2017 ihre Konzeptplatte "More? WHY NOT! - AN ANAGRAMMATIC EXORCISM OF THE 60S". Dazu stellen sie die Titel von 12 ihrer Lieblingsplatten aus diesem Pop-Ur-Jahrzehnt zu Anagrammen um - und schwuppdiwupp hatten sie 12 Titel fu?r ganz neue Songs: Aus "Pet Sounds" wurde "Nude Spots", aus "Piper At the Gates of Dawn" wurde "Tiger T - Death Happens to a Few", aus Bobbie Gentry's "The Delta Sweete" wurde "Let's Eat The Weed",... 2025: Geradezu u?berpu?nktlich vor dem 50-ja?hrigen Punk-Jubila?um sind sie wieder zur Stelle: Am 23.5. wird, wieder über das Hamburger BB*ISLAND Label "TWO: RHYME ON - AN ANAGRAMMATIC EXORCISM OF THE 70s" erscheinen - mit Anagrammen von David Bowie bis Chic, von Nico bis Slits, von Bob Marley bis Kraftwerk. Beispiel? Aus "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" wird "Dr. Dr. Themefart, Frustrating Himself, Posed as Gay Old Nazi SS".Exodus von Bob Marley wird zu Sex Duo. (Die beiden songs sind schon mal als Singles / videos veröffentlicht ) Und wie die Titel-Buchstaben haben sich auch Musik und Text zu einem schillernden, grotesken Kaleidoskop klassischer 70s-Popstile zurechtgeschu?ttelt: Landwirtschafts-P-Funk, Finanzcasino-Gospel- Disco, Anti-Pogo-Postpunk, zweifelnder Heimcomputer-Dub-Jazz, der gesamte Bowie in dreinhalb Minuten ru?ckwa?rts ... Nicht nur Live eine Wilde-Maus-Fahrt des Pop-Glam in Mu?nchner Underground-Allstar-Besetzung: CLAUDIA KAISER: Gitarre, Bass, Gesang ALBERT PO?SCHL: Bass, Gitarre, Gesang MARTIN LICKLEDER: Geige, Mundharmonika, Gesang TOM WU: Schlagzeug FRANZISKA ERDLE: Percussion SVENJA PFEIFER: Keyboards, Gesang

Das zweite Album des irischen Bluesrock-Trio jetzt auf Vinyl! 2014 stieg es auf Position 12 in die irischen Albumcharts ein und ist eine brillante Reise voller Blues-Rock Power! Als Nachfolger zu dem 2012 veröffentlichten und von Kritikern vielbeachteten Debüt "Electric Soup"baut das zweite Album der Band, "Rumble Shake" auf diesem Erfolg auf und liefert 10 Bluesrock-Songs aus dem tiefen Süden Irlands. Wahre Geschichten und sündhaft gute Musik mit Gästen wie zum Beispiel der texanischen Legende RAY WYLIE HUBBARD. Aufgenommen wurde das Album in den Westland Studios in Dublin, während das Trio die Historie des Ortes in sich einsog - denn in diesem Studio haben schon Größen wie BOB DYLAN, HORSLIPS und THIN LIZZY ihre Platten machen lassen - und abgemischt in Texas von George Reiff (TEDESCHI TRUCKS BAND, THE BAND OF HEATHENS, RAY WYLIE HUBBARD). Christy O'Hanlon (Gitarre, Vocals), Stephen McGrath (Bass) und Gev Barrett (Drums, Background-Gesang, Perkussion) schrieben bis auf "Jessie Mae" (RAY WYLIE HUBBARD) alle Songs selbst und lassen den Bluesrock weiter Unvergänglichkeit atmen, ohne ihn dabei verstaubt klingen zu lassen.

Deerhoof haben sich schon vor langer Zeit als eine der großartigsten Rockgruppen des Planeten etabliert - wer das für übertrieben hält, hat noch nicht genug Zeit damit verbracht, Deerhoof zu hören - das wahnsinnig erfinderische Quartett behandelt jedes seiner neuen Alben als eine Gelegenheit zur kreativen Wiedergeburt. Und doch sind sie irgendwie auch zutiefst zuverlässig, eine seltsame, aber wahre Beschreibung für eine Band, die so kreativ rastlos ist. Man weiß nie, wie ein neues Deerhoof-Album klingen wird, außer dass es immer nach Deerhoof klingen wird. Die Band wird durch solche Paradoxien definiert, wie "Noble and Godlike in Ruin" erneut bestätigt. Ihr neuestes Album ist entweder ein Porträt einer Welt, die in monströsen Hass, Entmenschlichung und Dollarzeichen abgleitet, oder ein eindringliches Selbstporträt der Band als Monster: ein intelligentes, sensibles, hybrides Wesen, das unermüdlich von Liebe singt, sich aber zunehmend von dieser Welt entfremdet. Die Musik ist fröhlich und ahnungsvoll, kybernetisch und zutiefst menschlich, alles zugleich. Streicher, die an avantgardistische Kammermusik und klassische Horrorfilm-Soundtracks erinnern, prallen auf Gitarren- und Basslinien. Das Schlagzeug ist manchmal gefiltert und klingt fast elektronisch, aber kein Computer könnte einen so funkigen und dynamischen Rhythmus erzeugen, bei dem jede winzige Variation von einem Snare-Schlag zum nächsten Welten der Möglichkeiten vermittelt. An der Spitze steht die unnachahmliche Altstimme von Satomi Matsuzaki. Eine Stimme der Einsamkeit, deren schlichte Ruhe seltsam außerhalb des Mahlstroms der Band zu stehen scheint, zu dem sie mit ihren zackig-präzisen Bassläufen selbst beiträgt. Als Einwanderin der ersten Generation in den USA hat sie nie versucht, ihren japanischen Akzent oder ihre Karaoke-esken Vortrag zu verbergen. Auf "Noble und Godlike in Ruin" wirkt dies abwechselnd als Ausdruck von Einsamkeit und als kühle Provokation gegenüber Systemen der Unterdrückung und Kontrolle. ,Kindness is all I needed from you", singt sie auf dem epischen Albumabschluss ,Immigrant Songs`. ,But you think we're in your house." Nicht lange danach explodiert der Song, sein eng gewickelter Art-Pop macht Platz für mehrere Minuten heulenden Lärm. Auch wenn das Thema düster sein mag - wie könnte es anders sein - tragen die Songs trotzigen Optimismus in ihrer Weigerung, sich den Konventionen oder überlieferten Weisheiten zu beugen. Da ist diese berühmte Zeile von Dylan Thomas über das Wüten gegen das Sterben des Lichts: "Noble and Godlike in Ruin" fühlt sich ein wenig so an. Die Welt mag untergehen, aber Deerhoof gehen schwungvoll unter.

"Something Soft", das zweite Album der irischen Post-Punk-Brandstifter M(h)aol, ist alles andere als soft. Von der ersten Note des Eröffnungsstücks von "Something Soft" bis zu den verzerrten Schreien des letzten Stücks fühlt sich die Platte antagonistisch gegenüber dem Konzept der Sanftheit an, klanglich und thematisch. Es ist eine unapologetische Annäherung an intersektionellen Feminismus, Tierschutz, Konsum und den Kampf um einen Platz in einer Welt, der es an Empathie mangelt. Was M(h)aol bietet, ist Katharsis in zwei Formen: die Art, die man bekommt, wenn man anderen gegenüber offen ist, und die Art, die man bekommt, wenn man mit Recht etwas kaputt macht. Wut und Empathie effektiv zu kanalisieren ist ein Akt der Widerstandsfähigkeit, und um "Something Soft" zu machen, mussten M(h)aol besonders widerstandsfähig werden. Nach ihrem gefeierten Debüt "Attachment Styles" änderte sich das Line-up von M(h)aol und bestand nun aus dem Kerntrio Constance Keane (Schlagzeug/Gesang, sie/ihr), Jamie Hyland (Bass/Gesang, sie/ihr) und Sean Nolan (Gitarre, er/ihm). Dieser Prozess veränderte die Herangehensweise der Band an das Songwriting und die Auftritte und führte zu einem unerwarteten Durchbruch. "Something Soft" zeichnet sich durch einen dringlicheren Sound aus, der sich eng um den Rhythmus von Hyland und Keane legt. In Songs wie "Pursuit" und "Snare" verbindet sich Keanes Gesang mit dem Schlagzeug, als würden ihre Worte durch ihr Spiel zum Leben erweckt und direkt aus ihrem Körper kommen. Vor dem Hintergrund dieser ängstlichen und schwadronierenden Tracks nimmt ihre Stimme den Raum eines inneren Monologs ein, in dem sie von einem angespannten Heimweg und von der Misogynie im Green Room aus einer Position der drolligen Beobachtung heraus erzählt - eine universelle Erfahrung, die in spezifischen Details wiedergegeben wird. Wie seine Vorgänger "Attachment Styles" und die "Gender Studies" EP wurde auch "Something Soft" von Jamie Hyland aufgenommen. Es ist die technisch ausgefeilteste der bisherigen M(h)aol-Aufnahmen, denn die Band, zu der auch Sarah Deegan vom Pixie Cut Rhythm Orchestra am Bass gehört, zog in das Dubliner Ailfionn Studio, wo sie die räumlichen Gegebenheiten und das Studio-Equipment nutzten, um ihrem Sound mehr Nuancen zu verleihen. Die zusätzlichen Sessions und das Können hinter den Reglern waren ein Segen, aber für eine Band, die es gewohnt ist, unter extremem Zeitdruck zu arbeiten, war dies eine unerwartete Herausforderung: Konnten M(h)aol das Gefühl der Unmittelbarkeit beibehalten, das ihre Musik bis zu diesem Zeitpunkt geprägt hatte? Songs wie "DM:AM" zerstreuten diese Sorge schnell, indem sie innerhalb von 20 Minuten aus einem Drone entstanden, den Nolan spielte, während Hyland ihr Aufnahme-Equipment aufbaute und sich beeilte, den Song einzufangen, sobald Keane und Deegan dazukamen. Eine der geisterhaften Hymnen von "Something Soft", "1800-Call-Me-Back", begann als Scherz, dass die Band einen Fußballgesang schreiben sollte, wurde aber weitaus komplexer - die köstliche Balance aus Chaos und Klarheit, die sie gefunden haben, wäre ohne Zeit unmöglich gewesen. "I Miss My Dog" ist weniger spontan, aber seine Meditation über Trauer baut sich in einem halsbrecherischen Tempo auf, von Rückkopplungen über Keanes Schlagzeugspiel und Gesang bis hin zu einem spektakulären Schluss, der die Trauer in Bass und Gitarre erstickt, eine der größten technischen Leistungen von M(h)aol bis heute. Der Feinschliff unterstreicht den schelmischen Charme von M(h)aol und lässt das Intime hymnisch wirken, indem persönliche Erfahrungen genutzt werden, um die allgemeinen Systeme, unter denen wir leben, zu beschreiben. Für diejenigen, die sich in den Songs von M(h)aol wiedererkennen, ist das Hören von "Something Soft" wie ein Sprung in einen lang laufenden Chat-Thread, voller Wut und Humor.

Ein Album zum Schlafen und Wachen, zum Gehen und Fahren, zum Jagen und Fischen, zum Herumlungern vor einer Raststätte in der verwunschenen Tundra. In Fahrstühlen okay, zum Abendessen nicht so toll. Auf Caveman Wakes Up, dem neuen Album von Friendship und ihrem zweiten für Merge Records, wird die historisch weit gefasste Definition von Country-Musik noch weiter gefasst. Shambolische Gitarren werden durch Flötenpads ausgeglichen, trübe Poesie trifft auf eine Motown-Rhythmusgruppe, ein Song über Jerry Garcia und die First Lady Betty Ford wird mit einem Schlagzeugsolo ausgeblendet, als käme Talk Talk aus einem schmuddeligen Keller in Philadelphia und würde von James Tate gespielt. Der zerklüftete Bariton des Songwriters Dan Wriggins schneidet durch elf düstere, wirbelnde Country-Rock-Songs mit tiefgründiger lyrischer Substanz und Aufrichtigkeit. Wie ein Wecker, der am Rande eines Traums eingebaut ist, gehört "Caveman Wakes Up" gleichermaßen zum bewussten und zum unterbewussten Verstand, voller Hintergründe, durchdrungen von Referenzen und Experimenten, beiläufig und als düstere Warnung vorgetragen und vor allem der kreativen Seele der Musik gewidmet. Im Laufe der Jahre hat sich diese Hingabe ausgezahlt. Friendship ist zu einer Art umgekehrter Supergroup geworden, in der die Band selbst und jedes einzelne Mitglied im Zentrum einer zunehmend prominenten Szene junger Folk- und Country-Musiker und Songwriter steht. Der Schlagzeuger Michael Cormier O'Leary leitet das Instrumentalkollektiv Hour und betreibt zusammen mit dem Bassisten Jon Samuels das Label Dear Life Records, das Freunde und Kollegen beherbergt, die Friendship zu einem wichtigen Einfluss zählen, darunter MJ Lenderman, Florry, und Fust. (Samuels spielt auch die Leadgitarre bei MJ Lenderman and the Wind). Die Band 2nd Grade des Gitarristen Peter Gill ist ebenfalls aktiv und macht zahlreiche Aufnahmen. Wriggins begann mit dem Schreiben der Songs von "Caveman Wakes Up" auf einer verstimmten klassischen Gitarre von Lenderman und beendete es auf einem kaum gestimmten Klavier in einer Wohnung, die er mit G DeGroot von Sadurn teilte. Im Sommer 2023 hatte Wriggins gerade den Iowa Writers' Workshop verlassen, wo seine Liebe zur Poesie und sein Misstrauen gegenüber der akademischen Poesiewelt gleichzeitig wuchsen. Eine Beziehung ging in die Brüche, und Wriggins übernachtete mehrere Wochen in North Carolina im Haus von Lenderman und Karly Hartzman (von Wednesday ), wo er die ersten Demos von "Resident Evil", "All Over the World" und "Love Vape" aufnahm. Wriggins kehrte nach Philadelphia zurück, und die Band machte sich an die Arbeit, um neue Ideen zu entwickeln. Schließlich nahmen sie das Album in fünf Tagen mit Tontechniker Jeff Ziegler (Mary Lattimore, War On Drugs) auf, den Gesang mit Bradford Kreiger, dem Techniker von Love the Stranger. Orgel, Geige (Jason Calhoun) und Flöte (Adelyn Strei) wurden von Lucas Knapp in einer Kirche in West Philadelphia aufgenommen. Textlich bewegt sich "Caveman Wakes Up" auf vertrautem Friendship Terrain - das Heilige wird profaniert und das Profane geheiligt. "Caveman Wakes Up" zeigt Friendships besonderes Genie für visionäre Arrangements, die über Generationen hinweg dem Folk-Rock-Kanon von Neil Young, Joni Mitchell und Emmylou Harris ebenso verpflichtet sind wie Indie-Größen wie Yo La Tengo und den Merge-Labelkollegen Lambchop oder Zeitgenossen wie Lomelda und ML Buch. Mehrere der Songs verwenden Fade-Outs, die im Text von "Love Vape" scherzhaft erwähnt werden, und es gibt andere Elemente, die von Motown und 70er-Jahre-Balladen übernommen wurden: festgefahrene Schlagzeugmuster, Bassintervalle, gefühlvolle Streicherarrangements. Jede Referenz wird über das Genre hinausgeschoben, verwirbelt und wiederholt, zu etwas Neuem, das eindeutig zum Friendship-Sound gehört. Bei "Free Association", "Artex" und "Wildwood in January" ist der Groove so festgelegt, dass andere Klänge nahtlos kommen und gehen können: Mellotron-Flächen, Klavierwirbel und -stiche und klare Gitarrenmelodien, wimmelnde Texturen, die sich als Einheit tarnen. "Caveman Wakes Up" das bisher am weitesten fortgeschrittene Werk von Friendship, ein weiterer Beweis für die Hingabe und Sorgfalt der Band.

Die kompromisslose Fusionen aus klassischem Death Metal und Melodie, sowie kraftvolle Riffs, die an die alte Göteburger Schule erinnern, treffen auf mitreißende Grooves, die direkt zum Head bangen einladen. Stellt euch vor, At the Gates, Dark Tranquillity, Morbid Angel, Obituary, Death und Carcass vereinen ihre Kräfte - schnell, melodiös, präzise und gleichzeitig tödlich! Dennoch be halten Helldrifter ein sehr gutes Maß zwischen Härte und Melodie, sowie Geschwindigkeit und Groove. Alle Lieder überzeugen mit Abwechslung und geschickt gewählte Kompositionen. Teilwei se erinnert "Helldrifter - Shell Of Inexsistence" an Klassiker wie Death's Symbolic oder The Sound of Perseverance - aber frisch und nicht als eingestaubte Kopie!

Lyrisch befasst sich "Shell Of Inex sistence" mit düsteren und existenzbedrohenden Themen: Vom atomaren Ende der Menschheit, über die Psychoanalyse der menschlichen Seele, bis hin zu sozialkritischen Themen, wie Kriegen und Suizid. "Shell of Inexistence" ist nicht nur ein kraftvolles musikalisches Statement, sondern auch ein intensives lyrisches Werk, das tief in die Abgründe der Psyche und Gesellschaft eintaucht.

"Shell Of Inexsistence" wurde unter der Leitung von Roland Böffgen und Helldrifter, in den Hard Drive Sound Studios in Stuttgart aufgenommen, produziert und gemixt. Die Gitarren- und Bassspu ren wurden unter der Leitung von Vasilis Monopoulos in dem bandeigenen Studios aufgenommen. Der finale Feinschliff und das Mastering wurde von Kai Stahlenberg, im Kohlekeller Studio in See heim-Jugenheim, durchgeführt. Für die visuelle Umsetzung wurde Giannis Nakos (Remedy Design) beauftragt, der unter anderem bereits die Artworks für Suffocation, Morbid Angel, Cryptopsy oder The Crown realisierte.

"Shell of Inexistence" ist ein kraftvolles Statement im Death Metal, das Fans des Genres genauso fesseln wird wie Neulinge!

Katagory V sind eine Progressive-Power-Metal-Band aus Salt Lake City in Utah. Anfang 1999 gegründet, sind bis dato fünf Studioalben erschienen: Auf "Present Day"(2001) folgten "A New Breed Of Rebellion" (2004), "The Rising Anger" (2006), "Hymns Of Dissension" (2007) und schließlich "Resurrect The Insurgence" (2015). Nun hat die Gruppe einen Vertrag mit High Roller Records unterschrieben, dessen erstes Resultat das brandneue Werk "Awaken A New Age Of Chaos" ist. Die Platte wurde von Dustin Mitchell (Bass), Curtis Morrell (Gitarre) und Matt Suiter (Schlagzeug) eingespielt, allesamt Teil der Originalbesetzung, plus Sänger Albert Rybka sowie Neuzugang Dan Coxey an der zweiten Gitarre. Das Album ist im Streamline Studio in Salt Lake City aufgenommen und von der Band selbst produziert worden. Für das Mastering zeichnete Alan Douches (Fates Warning, Cannibal Corpse) verantwortlich. Mit Riffmonstern wie "Empire Of Ignorance" und "Blood Siphon" oder melodischen Stücken wie "Absolute Divide" oder "Through Fate's Eyes" entpuppt sich "Awaken A New Age Of Chaos" als Meisterwerk des modernen Progressive Power Metal. In der Vergangenheit wurden Katagory V gerne mit Fates Warning, Queensryche, Hades, Sanctuary und Lethal verglichen. Laut Bassist und Gründungsmitglied Dustin Mitchell durchaus zutreffend: "Die genannten Bands haben uns ganz ohne Zweifel beeinflusst. Aber auch eine Menge Speed-, Thrash- und Doom-Bands der späten Achtziger und frühen Neunziger. Dazu Thrash-Metal-Gruppen der alten Schule - Realm, Death Angel, Helstar, Flotsam & Jetsam sowie Atrophy - und ferner auch härtere Melodic-Hardrock-Formationen, speziell aus Deutschland, da denke ich an Bonfire oder Jaded Heart." Das sollte all denjenigen, die mit Katagory V noch nicht vertraut sind, einen guten Eindruck davon geben, wie die Band klingt. Alles in allem ist das neue Werk "Awaken A New Age Of Chaos" von einer überraschend dunklen Grundstimmung geprägt: "Oh ja, dem stimme ich ausdrücklich zu", bestätigt Dustin Mitchell. "Diese Platte ist viel düsterer und auch zorniger als alles, was wir in der Vergangenheit gemacht haben, vielleicht mit Ausnahme unseres zweiten Albums. Im Verlauf unserer Karriere haben wir einige Tiefschläge einstecken müssen, weswegen die Band die letzten zehn Jahre auf Eis gelegen hat. Es ist also nur natürlich, dass sich die Wut darüber auch in unser neuen Musik Ausdruck verschafft hat."

Katagory V sind eine Progressive-Power-Metal-Band aus Salt Lake City in Utah. Anfang 1999 gegründet, sind bis dato fünf Studioalben erschienen: Auf "Present Day"(2001) folgten "A New Breed Of Rebellion" (2004), "The Rising Anger" (2006), "Hymns Of Dissension" (2007) und schließlich "Resurrect The Insurgence" (2015). Nun hat die Gruppe einen Vertrag mit High Roller Records unterschrieben, dessen erstes Resultat das brandneue Werk "Awaken A New Age Of Chaos" ist. Die Platte wurde von Dustin Mitchell (Bass), Curtis Morrell (Gitarre) und Matt Suiter (Schlagzeug) eingespielt, allesamt Teil der Originalbesetzung, plus Sänger Albert Rybka sowie Neuzugang Dan Coxey an der zweiten Gitarre. Das Album ist im Streamline Studio in Salt Lake City aufgenommen und von der Band selbst produziert worden. Für das Mastering zeichnete Alan Douches (Fates Warning, Cannibal Corpse) verantwortlich. Mit Riffmonstern wie "Empire Of Ignorance" und "Blood Siphon" oder melodischen Stücken wie "Absolute Divide" oder "Through Fate's Eyes" entpuppt sich "Awaken A New Age Of Chaos" als Meisterwerk des modernen Progressive Power Metal. In der Vergangenheit wurden Katagory V gerne mit Fates Warning, Queensryche, Hades, Sanctuary und Lethal verglichen. Laut Bassist und Gründungsmitglied Dustin Mitchell durchaus zutreffend: "Die genannten Bands haben uns ganz ohne Zweifel beeinflusst. Aber auch eine Menge Speed-, Thrash- und Doom-Bands der späten Achtziger und frühen Neunziger. Dazu Thrash-Metal-Gruppen der alten Schule - Realm, Death Angel, Helstar, Flotsam & Jetsam sowie Atrophy - und ferner auch härtere Melodic-Hardrock-Formationen, speziell aus Deutschland, da denke ich an Bonfire oder Jaded Heart." Das sollte all denjenigen, die mit Katagory V noch nicht vertraut sind, einen guten Eindruck davon geben, wie die Band klingt. Alles in allem ist das neue Werk "Awaken A New Age Of Chaos" von einer überraschend dunklen Grundstimmung geprägt: "Oh ja, dem stimme ich ausdrücklich zu", bestätigt Dustin Mitchell. "Diese Platte ist viel düsterer und auch zorniger als alles, was wir in der Vergangenheit gemacht haben, vielleicht mit Ausnahme unseres zweiten Albums. Im Verlauf unserer Karriere haben wir einige Tiefschläge einstecken müssen, weswegen die Band die letzten zehn Jahre auf Eis gelegen hat. Es ist also nur natürlich, dass sich die Wut darüber auch in unser neuen Musik Ausdruck verschafft hat."

Das Quintett Bernd Noske (Gesang, Schlagzeug), Bruno Frenzel (Gitarre, Gesang), Ulrich Klein (Keyboards), Jürgen Goldschmidt (Bass) und Stefan Linke (Gitarre) nahm im Frühsommer 1982 die Langspielplatte „BÄNG“ auf. Wohl keiner der Beteiligten ahnte damals, dass es das vorläufig letzte Werk der legendären Formation sein würde. Die Band hatte nach Jahren progressiver Vorlieben, die sich insbesondere auf „Backdoor Possibilities“ und „Increase“ auswirkten, mittlerweile ihr Faible für transparente Rockmusik wiederentdeckt. Die Rückkehr zu griffigeren, direkteren Arrangements hatte allerdings keinerlei kommerzielle Ursachen. Birth Control waren ihren eigenen Vorlieben stets treu geblieben, hatten ihr Fähnchen niemals in den Wind gehängt und taten dieses auch angesichts der hereinbrechenden ‚Neuen Deutschen Welle‘ nicht. Typisch für Hauptkomponist Frenzel besitzen zahlreiche Texte dieses Albums dennoch anspruchsvolle, streckenweise gar apokalyptische Themen, die unüberhörbar die düsteren Visionen des Gitarristen präsentieren. Besonders sehenswert ist zudem nicht nur das frech-ironische Frontcover des Albums mit der Atombombenexplosion unter dem Rock von Marylin Monroe, sondern auch die Rückseite des Artworks, der die überwiegend vorherrschende Endzeitstimmung der Frenzel-Texte auch visuell untermalt. In einer Zeit, da die Neue Deutsche Welle und der angelsächsische Techno-Pop den Ton angaben, wurde das traditionell ausgerichtete Rock-Werk von Birth Control nicht mehr zur Kenntnis genommen und stand in Deutschland nur kurze Zeit in den Plattenläden. Für die Fans jedoch ist und bleibt „BÄNG“ eine Offenbarung!Dies ist die erste Wiederveröffentlichung auf Vinyl seit dem Original von 1982, sieht man von einer französischen Pressung von 1983 ab. Auf CD ist „Bäng!“ seit 1997 nicht mehr erhältlich gewesen und wurde nicht nur durch Bonus-Single-Versionen aufgewertet, sondern auch mit zwei bisher unveröffentlichten Livetracks.

Die New Wave-Legenden aus Düsseldorf um Meikel Clauss aka Micky Matschkopf sind mit neuem, tiefschwarzem Material zurück! 1980 noch kurz mit dem KFC den Ratinger Hof abgerockt, prägte NICHTS mit Sängerin Andrea M. und zwei erfolgreichen Alben in den frühen Achtzigern die Szene zwischen Punk, New Wave & NDW. Singlehit "Radio", "Licht Aus" sowie natürlich der zeitlose Top 20-Erfolg und Club-Klassiker "Tango 2000" gehören zur deutschen Musikgeschichte. 1983 fand noch ein drittes Album ohne Clauss statt, der lieber Belfegore ins Leben rief, aber 2009 die Band reanimierte und 2011 in neuer Besetzung das Album "Zeichen Auf Sturm" (Gesang: Sabine K.) über Unique/Electriqie Mud herausbrachte. Seitdem spielen Nichts live, veröffentlichen Deluxe-Ausgaben der drei 80er-Alben, kehrten in die Charts zurück und wurden zu Pandemie-Zeiten von DJ Hell mit einem Remix ihres Kulttracks "Eingeschlossen" bedacht. Mit der neuen Frontfrau Nina H. wurde seit 2022 an neuen Songs gearbeitet, was Ende 2024 zu "Nitroglycerin" führte und nun im fünften vollem Nichts-Werk Gestalt annimmt. Mit "Tiefschwarz" kehrt die Band zu den düstersten Wurzeln ihrer Klangwelten im Update zurück, schließt an Tracks wie "Eingeschlossen", "Tango 2000" und "Schwarze Gedanken" oder eben auch erwähnte Belfegore ("All That I Wanted") an. Ein Sound getragen vom charakteristischen Spiel Clauss' und seinen intensiven Gitarrenriffs, garniert mit hypnotischen Beats und donnernden Drums, gelegt auf ein Fundament aus Bass und Elektronik. Die Texte - mal direkt, mal poetisch, mal rau, mal sanft - zeichnen eine Reise durch die Schattenseiten des Lebens, melancholisch, kraftvoll und ungeschönt. Singles "Kugel durch den Kopf" und "Alien", der Opener "Maschine oder Mensch" sowie der abschließende Titeltrack sind nur vier von 10 starken, neuen Songs. Nichts entfalten eine klangliche Dichte, die sowohl bisherige Verehrer*innen wie auch neue Fans in den Bann ziehen wird. Das stringente musikalische Konzept wird durch das von Katharina Sieverding lizenzierte Artwork noch geadelt: die weltweit erfolgreiche bildende Künstlerin und Fotografin aus Düsseldorf gab für "Tiefschwarz" ein Bild aus ihrer Reihe "Die Sonne Um Mitternacht Schauen" frei, welches gänzlich und ohne überlagernde Schriften das Sleeve-Artwork ausmacht. Die CD kommt als 4-Panel Digipack mit 12seitigem Booklet, die LP im Klappcover mit bedruckter Innenhülle. Das klassisch schwarze Vinyl kommt in 180g, das transparent blaue Vinyl ist 140g.

Waltari war noch nie eine Band, die sich an Regeln gehalten hat. Mit »Nations' Neurosis« beweisen sie einmal mehr, dass ihre charakteristische Mischung aus musikalischer Freiheit, mutigen Experimenten und ungefiltertem Ausdruck aktueller denn je ist.

Das Herzstück der klanglichen Reise von Waltari ist Kärtsy Hatakka, Mastermind und treibende Kraft der Band. Hatakka, der für Lead- und Backing-Gesang, Bass, Programmierung, Keyboards und Perkussion zuständig ist, hatte während der Entstehung dieses Albums mit einem persönlichen Sturm zu kämpfen - dem Verlust seiner Mutter, einer schmerzhaften Trennung und der Tatsache, dass er mit ansehen musste, wie die Welt immer tiefer in Chaos und Spaltung versank. Die Frustration und der emotionale Aufruhr dieser Zeit sickern in jede Note von »Nations' Neurosis« ein und machen es zu einem von Waltaris bisher aufgeladensten und zum Nachdenken anregenden Werken.

Mit ihrem siebten Studioalbum katapultiert die Berliner Band Kadavar ihren Sound in neue Dimensionen. Inspiriert von einem Zitat ihres Bassisten Simon 'Dragon' Bouteloup, „Ich will einfach nur ein Sound sein“, schaffen sie ein Manifest für Freiheit, Transformation und radikale Präsenz. Keine Konzepte, keine Grenzen: Das Album ist ein musikalisches Ritual des Übergangs, das sich nahtlos zwischen Rockhymnen, Balladen und epischen Momenten bewegt - immer voller Schwung und Veränderung.

Unterstützt von Produzent Max Rieger und begleitet von Gitarrist Jascha Kreft zelebrieren Kadavar die ewige Verwandlung des „Ewigen Jetzt“. Ein Soundtrack für die Widersprüche der Zeit, der alles hinter sich lässt, was nicht Musik ist - kraftvoll, verletzlich und immer bereit für einen Neuanfang. Es ist ein Liebesbrief an den Moment, an Berlin und an das Leben selbst - voller Liebe, Verlust, Narben und dem bittersüßen Gefühl der Vergänglichkeit. Kadavar laden uns ein, loszulassen und eins zu werden: mit der Musik, mit dem Jetzt, mit dem Klang.

"Metalhorse" ist das dritte Studioalbum von Billy Nomates, nach dem von der Kritik hochgelobten "Cacti" von 2023 und ihrem selbstbetitelten Debüt von 2020. Ein Konzeptalbum, das sich um das Bild eines verfallenen Jahrmarkts dreht und für die Turbulenzen des Lebens steht - Risiko und Vergnügen, Gefahr und Rausch. Die 11 neuen Songs erkunden Blues, Folk und pianobetonte Arrangements, die Billy Nomates' starken Punk-Sound in eine pastoralere Richtung lenken. "Metalhorse" ist das erste Billy Nomates-Album, das in einem Studio und mit kompletter Band aufgenommen wurde. Zur Besetzung gehören die Bassistin Mandy Clarke (KT Tunstall, The Go! Team) und der Schlagzeuger Liam Chapman (Rozi Plain, BMX Bandits), dazu gab es einen speziellen Gastbeitrag von The Stranglers-Frontmann Hugh Cornwell zu dem Song "Dark Horse Friend". "Metalhorse" ist eine Balance der Extreme. Verlust, materielle Unsicherheit und der Versuch, sich selbst treu zu bleiben, vor dem Hintergrund eines zunehmend unvorhersehbaren globalen Chaos - die Waage hätte leicht in Richtung Dunkelheit kippen können, aber je mehr Tor Maries durchmachen musste, desto wertvoller wurden die kleinen Momente des Glücks. "Metalhorse" fordert den Hörer auf, seinen eigenen Rummelplatz zu finden; es wird immer Dinge geben, die sich gefährlich anfühlen. Gleichzeitig muss man die Lichter bestaunen, solange sie noch brennen. "Metalhorse" tanzt mit diesen Gefühlen von Ungewissheit und Freude und ist von Schmerz und Ausdauer durchdrungen.

Mit ihrem siebten Studioalbum katapultiert die Berliner Band Kadavar ihren Sound in neue Dimensionen. Inspiriert von einem Zitat ihres Bassisten Simon 'Dragon' Bouteloup, „Ich will einfach nur ein Sound sein“, schaffen sie ein Manifest für Freiheit, Transformation und radikale Präsenz. Keine Konzepte, keine Grenzen: Das Album ist ein musikalisches Ritual des Übergangs, das sich nahtlos zwischen Rockhymnen, Balladen und epischen Momenten bewegt - immer voller Schwung und Veränderung.

Unterstützt von Produzent Max Rieger und begleitet von Gitarrist Jascha Kreft zelebrieren Kadavar die ewige Verwandlung des „Ewigen Jetzt“. Ein Soundtrack für die Widersprüche der Zeit, der alles hinter sich lässt, was nicht Musik ist - kraftvoll, verletzlich und immer bereit für einen Neuanfang. Es ist ein Liebesbrief an den Moment, an Berlin und an das Leben selbst - voller Liebe, Verlust, Narben und dem bittersüßen Gefühl der Vergänglichkeit. Kadavar laden uns ein, loszulassen und eins zu werden: mit der Musik, mit dem Jetzt, mit dem Klang.

"Metalhorse" ist das dritte Studioalbum von Billy Nomates, nach dem von der Kritik hochgelobten "Cacti" von 2023 und ihrem selbstbetitelten Debüt von 2020. Ein Konzeptalbum, das sich um das Bild eines verfallenen Jahrmarkts dreht und für die Turbulenzen des Lebens steht - Risiko und Vergnügen, Gefahr und Rausch. Die 11 neuen Songs erkunden Blues, Folk und pianobetonte Arrangements, die Billy Nomates' starken Punk-Sound in eine pastoralere Richtung lenken. "Metalhorse" ist das erste Billy Nomates-Album, das in einem Studio und mit kompletter Band aufgenommen wurde. Zur Besetzung gehören die Bassistin Mandy Clarke (KT Tunstall, The Go! Team) und der Schlagzeuger Liam Chapman (Rozi Plain, BMX Bandits), dazu gab es einen speziellen Gastbeitrag von The Stranglers-Frontmann Hugh Cornwell zu dem Song "Dark Horse Friend". "Metalhorse" ist eine Balance der Extreme. Verlust, materielle Unsicherheit und der Versuch, sich selbst treu zu bleiben, vor dem Hintergrund eines zunehmend unvorhersehbaren globalen Chaos - die Waage hätte leicht in Richtung Dunkelheit kippen können, aber je mehr Tor Maries durchmachen musste, desto wertvoller wurden die kleinen Momente des Glücks. "Metalhorse" fordert den Hörer auf, seinen eigenen Rummelplatz zu finden; es wird immer Dinge geben, die sich gefährlich anfühlen. Gleichzeitig muss man die Lichter bestaunen, solange sie noch brennen. "Metalhorse" tanzt mit diesen Gefühlen von Ungewissheit und Freude und ist von Schmerz und Ausdauer durchdrungen.

Pavilions neue Compilation "Break The Glass, Burn The Cage (The Sound Of Indie Punk Rock)" feiert alles, was Indie und Punk ausmacht. Die Welt der engen, verschwitzten Grassroots-Locations mit elektrisierenden Gitarrenriffs, mitreissenden Basslines und den Stimmen der Bands, die man unbedingt gehört haben muss. Mit herausragenden Tracks von Lime Garden, SPRINTS, Lambrini Girls, Sunflower Bean, English Teacher, Dream Wife, Panic Shack oder, Big Joanie kanalisiert die Compilation die rohe Energie und den rebellischen Geist, die man nur erlangen kann, wenn man sich tief um die Ungerechtigkeiten und den Hass in dieser Welt kümmert. Es ist eine Soundreise durch die Angst, Leidenschaft, den Spass und die Freiheit, die man findet, wenn man "es dem Mann zeigt".

"Break The Glass, Burn The Cage (The Sound Of Indie Punk Rock)" wird am Internationalen Frauentag 2025 als Charity-Album angekündigt, alle Tracks wurden freundlicherweise von den Bands kostenlos gespendet. Somit geht der gesamte Gewinn aus jedem Verkauf an die beiden ausgewählten Wohltätigkeitsorganisationen, die ihr Möglichstes tun, um Frauen und Mädchen aus allen Schichten und Altersgruppen zu helfen, von häuslicher Gewalt über Trauerfälle bis hin zu Obdachlosigkeit und Krieg – Brighton Women's Centre & War Child. Das Album erscheint als recyceltes Vinyl und CD in limitierten Auflagen.

Dark Horse Records veröffentlicht s tolz d as e rste S oloalbum v on J on L ord, d er v or a llem a ls Keyboarder und Mitbegründer von Deep Purple bekannt wurde. Diese limitierte Auflage a uf C olor-Splatter-Vinyl reproduziert das originale Gatefold-Artwork von 1971. Nach dem 1969 erschienenen Concerto for Group and Orchestra im klassischen Rock-Fusion-Stil wurde Jon Lord beauftragt, ein Nachfolgealbum zu schreiben. Dabei handelte es sich um die Gemini Suite, fünf lange Sätze, die von den Mitgliedern von Deep Purple inspiriert und erstmals im September 1970 in der Royal Festival Hall mit dem Light Music Society Orchestra live aufgeführt wurden. Jon Lord nahm es dann 1971 als sein erstes Soloprojekt im Studio auf, mit dem London Symphony Orchestra unter der Leitung von Malcolm Arnold und Solisten aus der Rockwelt – Gitarrist Albert Lee, Deep-Purple-Schlagzeuger Ian Paice, Sänger Yvonne Elliman und Tony Ashton sowie Deep-Purple-Bassist Roger Glover.

On his second solo album, "Gamle Mester" (Old Master), Lars Fredrik Froislie pays homage to the greats of the past. Drawing inspiration not only from the pioneers of progressive rock but also from art, literature, and mythology, the album reflects on timeless acts of creativity that still resonate today. The title is derived from the ancient oak tree "Den Gamle Mester," found at Krodsherad Prestegård, which also inspired a poem of the same name by Jorgen Moe. This symbolic tree serves as a unifying theme throughout the album, representing wisdom, endurance, and the passage of time. From the opening track "Demring" (Dawn) to the closing "Skumring" (Dusk), the album embarks on a dynamic journey filled with masterful instrumentation and some of Froislie's most compelling songwriting to date. The album reaches its crescendo with "De tre gratier" (The Three Graces), named after the daughters of Zeus. Spanning 12 minutes, this opus encapsulates everything that makes "Gamle Mester" a triumph. Shifting between light and dark, the track is a treasure trove of rich keyboard textures, soaring flute melodies, dynamic percussion, and the virtuosic bass work of Nikolai Hængsle. With "Gamle Mester," Lars Fredrik Froislie delivers an album steeped in history, mythology, and musical brilliance. A must-have for progressive rock enthusiasts and collectors alike.

Marbled vinyl, limited to 600 copies. On his second solo album, "Gamle Mester" (Old Master), Lars Fredrik Froislie pays homage to the greats of the past. Drawing inspiration not only from the pioneers of progressive rock but also from art, literature, and mythology, the album reflects on timeless acts of creativity that still resonate today. The title is derived from the ancient oak tree "Den Gamle Mester," found at Krodsherad Prestegård, which also inspired a poem of the same name by Jorgen Moe. This symbolic tree serves as a unifying theme throughout the album, representing wisdom, endurance, and the passage of time. From the opening track "Demring" (Dawn) to the closing "Skumring" (Dusk), the album embarks on a dynamic journey filled with masterful instrumentation and some of Froislie's most compelling songwriting to date. The album reaches its crescendo with "De tre gratier" (The Three Graces), named after the daughters of Zeus. Spanning 12 minutes, this opus encapsulates everything that makes "Gamle Mester" a triumph. Shifting between light and dark, the track is a treasure trove of rich keyboard textures, soaring flute melodies, dynamic percussion, and the virtuosic bass work of Nikolai Hængsle. With "Gamle Mester," Lars Fredrik Froislie delivers an album steeped in history, mythology, and musical brilliance. A must-have for progressive rock enthusiasts and collectors alike.

Die 1997 gegründeten Hard Oi!/Streetpunker Non Servium aus Madrid präsentieren eine komplett remasterte Best-Of in Form der neuen Vinyl-Compilation "Street Songs Since 1997", veröffentlicht auf Loikaemiess Fettfleck Records. Die aktuelle Besetzung der Band besteht aus Sänger Carlos und Gitarrist Snoker plus Ivi Bass, Gordo Gitarre und Niño Drums, wobei Carlos und Snoker während der gesamten Bandkarriere und auf allen Alben die Kernmitglieder waren. Der Sound von Non Servium ist Oi! oder "Brutal Oi!" mit Einflüssen aus Punk, Street Punk und deutlich Hardcore Punk. Ihre schnellen Schlagzeugrhythmen und starken Bass- und Gitarrenlinien sind ein charakteristisches Merkmal. Ihre Texte sind meist politisch verortet, obwohl auch Songs über Punk-, Skinhead- und Hooligan-Kultur dabei sind. Sie sind neben Bands wie Kaos Urbano und Núcleo Terco die größten Spanisch-singenden Vertreter von Oi! mit einem explizit antifaschistischen/antirassischtischen Haltung. Die Band hat bisher sieben richtige Studioalben veröffentlicht, wobei ein leichter Stilunterschied zwischen dem Debütalbum und den nachfolgenden Alben festzustellen ist, die sich durch einen kraftvolleren, dem Hardcore näheren Sound auszeichnen. Vor vier Jahren wurde eine ,Greatest Hits" auf CD veröffentlicht, aber diese neue Zusammenstellung ist nur auf Vinyl erhältlich, hat eine andere Tracklist und alle Titel wurden neu gemastert. LP klassisch schwarz!

Die weltbekannte Pianistin Hiromi veröffentlicht ihr 13. Studioalbum OUT THERE, eine lebendige Darbietung elektrisierenden Fusion-Jazz. Unterstützt von ihrer Band Hiromi’s Sonicwonder umfasst das Album
Adam O’Farrill (Trompete mit Pedalen), Hadrien Feraud (Bass) und Gene Coye (Schlagzeug) und folgt auf
die Veröffentlichung von Sonicwonderland (2023). Erhältlich als 2-LP, CD und digital. Hiromi hat auf den
renommiertesten Jazzfestivals der Welt gespielt und wurde unter anderem von der New York Times, NPR,
NPR Music und der Washington Post gefeiert.

The Freedom Affair hat von Anfang an tiefe Wurzeln in der Soulmusik geschlagen, aber nach fast einem Jahrzehnt gemeinsamer Arbeit konzentriert sich der Sound der Gruppe auf ihrem selbstbetitelten zweiten Album genau dort, wo Muscle Shoals und Memphis Soul aufeinandertreffen. Es ist eine Meisterleistung an leidenschaftlicher Message-Musik, die zeitlose Themen wie Ungerechtigkeit, Liebe und Zusammengehörigkeit erforscht. Eine schicksalhafte Begegnung mit dem Grammy-prämierten Toningenieur Boo Mitchell (Mark Ronson, Bruno Mars, Al Green) in den Royal Studios im Februar 2023 löste einen Funken aus, der die Band mit neuer musikalischer Überzeugung zurück nach Kansas City schickte. Im November kehrte die Band zurück, um in dem legendären Studio in Memphis völlig neue, vom Southern Soul inspirierte Songs aufzunehmen. Das stets starke weibliche Trio an der Spitze der Band - Paula Saunders, Seyko Groves und Shon Ruffin - ist das Markenzeichen des Sounds und der Identität von The Freedom Affair, und ihr kollektives stimmliches Können ist in vollem Umfang zu hören - von hart bis zart, von Herzschmerz und Hoffnung. Die Erfahrung in den Royal Studios hat die Band davon überzeugt, dass es keinen besseren Raum gibt, um Bläser aufzunehmen. Die ,One-Take"-Bläser von Pete Carroll an der Trompete und Brett Jackson am Saxophon beweisen, dass sich ihre jahrelange Zusammenarbeit mit ihrer Präzision und den perfekt auf die Stimmung abgestimmten Linien ausgezahlt hat. Das Personal der Rhythmusgruppe ist das gleiche wie auf dem Debütalbum "Freedom is Love", aber Chris Hazelton wechselt vom Bass zu seinem Hauptinstrument, der Hammond B3-Orgel, sowie zu verschiedenen Keyboards. Branden Moser tauscht den Bass, der auch sein Hauptinstrument ist, mit seiner früheren Rhythmusgitarre aus. Cole Bales greift an der Leadgitarre weiterhin zu zeitlosen Riffs, und Dave Brick sorgt am Schlagzeug für das Rückgrat mit dem schweren Boom-Bap. Dieses Album hat den Sound von The Freedom Affair zementiert: beständige Melodien mit reichhaltigen Arrangements, unterstützt von einem düsteren Puls. Royal war der perfekte Ort für dieses Album, und die Band nutzte die Geschichte des Studios in vollem Umfang, indem sie Studiogeräte und Relikte während des gesamten Prozesses einbezog. Da die Band nur vier Tage Zeit hatte, um das zehn Songs umfassende Album aufzunehmen, bestand sie darauf, das gleiche Ampex 1"-Bandgerät zu verwenden, mit dem alle Hi-Record-Hits von 1974 und davor aufgenommen wurden, um die Authentizität zu wahren. Es war das erste Mal seit 1974, dass dieses Gerät für ein Album verwendet wurde. Die Einschränkungen und Macken, die sich aus der Verwendung alter, analoger Geräte ergeben, machten Platz für magische Momente, die den Charme des Albums ausmachen. Die Platte erweckt den klassischen Southern Soul zu neuem Leben, mit all der Gemütlichkeit und Wärme, die man erwarten würde, wenn man Al Green oder Ann Peebles Aufnahmen aus dem selben Raum hört. Abgemischt von Vince Chiarito (Hive Mind, Jalen Ngonda, Charles Bradley) und gemastert von JJ Golden (Sharon Jones & the Dap Kings, The James Hunter Six, Antibalas), ist dieses Album eine wahre Lektion in Sachen Soulmusik.

Wenn herausragende Jazzmusiker mit einer gemeinsamen Geschichte im Studio zusammenkommen, ohne zu proben oder vorbereitende Auftritte zu absolvieren, ist das Ergebnis oft eine oberflächliche, nummerierte Session. Das ist bei Solid Jackson ganz und gar nicht der Fall.

Die vier Musiker, die an dem gelungenen Nachweihnachtsalbum Consenting Adults von Criss Cross aus dem Jahr 1994 mitgewirkt haben, gehören zu den »Top Five« eines jeden eingefleischten Jazz-Kenners. Dieses zweite Treffen von M.T.B. (benannt nach den Nachnamen von Brad Mehldau, Mark Turner und Peter Bernstein und in Anlehnung an die »Young Lion«-Band OTB aus den späten 80er Jahren) ist ein intensives, konzentriertes Konzert, das die herausragende Stellung jedes Mitglieds in der Jazzlandschaft von 2024 unterstreicht. Jeder hört zu. Keiner übertreibt es mit dem Spielen oder setzt auf »House«. Die Atmosphäre ist von konzentrierter Exzellenz.

Consenting Adults wurde erst 2000 veröffentlicht, sechs Jahre nach seiner Entstehung. In den Liner Notes werden die Protagonisten (Larry Grenadier, damals wie heute, spielt Bass; Leon Parker, der Schlagzeuger von 1994, weicht Bill Stewart) als »junge Elite-Improvisatoren, die nach Abschluss ihrer Ausbildung zu den Machern des Jazz des 21. Jahrhunderts gehören werden« beschrieben.

Kurz gesagt, so Mehldau in einer E-Mail-Konversation für diesen Text, waren Turner, Bernstein und Grenadier - der in den letzten drei Jahrzehnten in einer Vielzahl von Kontexten immer wieder wunderbare Entscheidungen getroffen hat, nicht zuletzt in Mehldaus Trio mit Jeff Ballard, im kollektiven Trio Fly mit Turner und Ballard, an der Seite von Stewart in Trios unter der Leitung von John Scofield und Pat Metheny und auf 15 früheren Criss-Cross-Alben - 1994 ›voll ausgebildet‹ und ‹haben an der Identität gefeilt, die sie damals schon hatten.‹ Dasselbe gilt für Stewart, der auf Solid Jackson seinen 26. Auftritt mit Criss Cross hat.

Die Jazzwelt darf sich freuen, dass Blue Note Records das außergewöhnliche Talent von Trompeter Brandon Woody erkannt hat. Der junge, in Baltimore geborene und ansässige Künstler hat in den letzten Jahren in der US-Jazzwelt aufhorchen lassen. „Brandon ist einer der seltenen Künstler, der sowohl eine lebendige Vision als auch die Fähigkeit und das Wissen besitzt, diese umzusetzen“, sagt Blue-NotePräsident Don Was.

Der vielseitige Musiker hat trotz seiner jungen Jahre bereits einen ganz individuellen Sound zwischen Modern Jazz und souligen Elementen entwickelt, der an seinen großen Kollegen Freddie Hubbard erinnert. Um sich herum hat er eine herausragende Band versammelt und für sein Debütalbum sechs mitreißende Eigenkompositionen aufgenommen. „For The Love Of It All“ bezeichnet er als Hommage an die Kraft der Liebe. Die Besetzung besteht aus Troy Long (Klavier, Orgel, Rhodes, Keyboards), Quincy Phillips (Schlagzeug) und Michael Saunders (Bass), sowie den Special Guests Imani Grace (Gesang) und Vittorio Stropoli (Aux-Synthesizer).

LEPER COLONY kreuzen den deutschen und schwedischen Death Metal Stil mit klassischen Einflüssen aus der US-Szene. Die Band entstand aus der langjährigen Freundschaft und der gemeinsamen Liebe zum Death Metal der alten Schule, die den deutschen Sänger Marc Grewe und den schwedischen Gitarristen Rogga Johansson dazu brachten, im Jahr 2020 ein gemeinsames Album zu produzieren. Das Duo holte sich CONSUMPTION-Schlagzeuger Jon Skäre und Lead-Gitarrist Kjetil Lyngahug (PAGANIZER) ins Boot, um das selbstbetitelte Debütalbum aufzunehmen, welches im Jahr 2023 veröffentlicht wurde. Das Werk wurde von Kritikern und Fans gleichermaßen positiv aufgenommen. Es wurde schnell klar, dass es sich bei LEPER COLONY keineswegs bloß um ein weiteres "Superprojekt" handelte, sondern dass eingefleischte Death Metal Fanatiker mit einer Vielzahl von frischen Ideen aufwarten. Marc Crewe hat sich als ehemaliger Frontmann von MORGOTH, und später mit INSIDIOUS DISEASE sowie ASINHELL einen klangvollen Namen in der Szene erworben. Gitarrist und Bassist Rogga Johansson prägte den schwedischen Death Metal in einer Reihe von Bands wie PAGANIZER, RIBSPREADER und REVOLTING entscheidend mit. WOMBBATH-Gitarrist Håkan Stuvemark übernahm mittlerweile die Leadgitarre und Jon Rudin wurde ebenfalls als neues Mitglied verpflichtet. Der britische Schlagzeuger ist unter anderem von MONSTROUS und DEAD SUN bekannt. Mit "Those of the Morbid" geben LEPER COLONOY allen Old School Death Metal Fans exakt das brutale und kompromisslose Album, auf das sie lange warten mussten!

Seit 2011 und mit sieben Alben hat das explosive Trio immer größere Erfolge gefeiert und sich Aufmerksamkeit und Anerkennung bei Rock-Fans und Jazz-Anhänger:innen gleichermaßen erarbeitet. Der Bandname lässt eventuell auf Jazz schließen, nur dass in der Besetzung vom Hedvig Mollestad Trio Klavier, Saxophon oder Trompete nicht auftauchen. Stattdessen: Gitarre, Schlagzeug, (Kontra-) Bass und Songs, die gerne mal die Melvins beschwören (Blood Witch). Jazz ist hier also in erster Linie Rock und keine Kammermusik. Mollestad lässt ihre Gitarre dabei unablässig und vom Overdrive getrieben jaulen, tänzelt die Skalen auf und ab, rifft sich durch die halsbrecherischsten Soli und spielt dennoch geerdet mit dem satten Groove von Schlagzeug und Bass. Nach arbeitsreichenJahren (solo, mit Weejuns, Soundtracks und Auftragsarbeiten) verspürte Mollestad den starken Drang, zum Kern zurückzukehren, der immer das Trio war, mit dem alles 2011 und dem starken Debütalbum Shoot! begann. Die Aufregung war groß, als es ins Studio ging, und da ein Großteil der Musik recht kompliziert ist, mit vielen kleinen Variationen und langen Strukturen, waren die Studio-Sessions extrem fokussiert und konzentriert. Hedvig betont, dass das Hauptziel des Trios darin besteht, immer Spaß zu haben, ob im Studio oder auf der Bühne, und diese Freude mit den Zuhörern zu teilen. Beim Hören von Bees In The Bonnet wird deutlich, wie sehr das Trio es vermisst hat, gemeinsam neue Musik zu machen, und dass sie sowohl als Songschreiber als auch als Musiker sehr gut sind. Frontfrau Hedvig Mollestad präsentiert sich hier nicht nur als Riffmeisterin, sondern auch als Sologitarristin, die den bereits angestellten Vergleichen mit Tony Iommi und Jimmy Page mehr als gerecht wird.

Die 1997 gegründeten Hard Oi!/Streetpunker Non Servium aus Madrid präsentieren eine komplett remasterte Best-Of in Form der neuen Vinyl-Compilation "Street Songs Since 1997", veröffentlicht auf Loikaemiess Fettfleck Records. Die aktuelle Besetzung der Band besteht aus Sänger Carlos und Gitarrist Snoker plus Ivi Bass, Gordo Gitarre und Niño Drums, wobei Carlos und Snoker während der gesamten Bandkarriere und auf allen Alben die Kernmitglieder waren. Der Sound von Non Servium ist Oi! oder "Brutal Oi!" mit Einflüssen aus Punk, Street Punk und deutlich Hardcore Punk. Ihre schnellen Schlagzeugrhythmen und starken Bass- und Gitarrenlinien sind ein charakteristisches Merkmal. Ihre Texte sind meist politisch verortet, obwohl auch Songs über Punk-, Skinhead- und Hooligan-Kultur dabei sind. Sie sind neben Bands wie Kaos Urbano und Núcleo Terco die größten Spanisch-singenden Vertreter von Oi! mit einem explizit antifaschistischen/antirassischtischen Haltung. Die Band hat bisher sieben richtige Studioalben veröffentlicht, wobei ein leichter Stilunterschied zwischen dem Debütalbum und den nachfolgenden Alben festzustellen ist, die sich durch einen kraftvolleren, dem Hardcore näheren Sound auszeichnen. Vor vier Jahren wurde eine ,Greatest Hits" auf CD veröffentlicht, aber diese neue Zusammenstellung ist nur auf Vinyl erhältlich, hat eine andere Tracklist und alle Titel wurden neu gemastert. LP klassisch schwarz!

Eine faszinierende neue Sammlung von nie zuvor gehörten Auftritten des legendären Altsaxophonisten Art Pepper, »An Afternoon in Norway: The Kongsberg Concert«, erscheint als luxuriöses 180-Gramm-Zwei-LP-Set bei Elemental Music.

Dieser bemerkenswerte Archivfund wurde von dem preisgekrönten »Jazz Detective« Zev Feldman in Zusammenarbeit mit Laurie Pepper und dem Art Pepper Estate produziert.

Feldman sagt: »Art Pepper ist eine der am meisten verehrten Persönlichkeiten der Jazzgeschichte, und seine Musik inspiriert nach wie vor Zuhörer auf der ganzen Welt. Diese bisher unveröffentlichten Aufnahmen fügen seinem Vermächtnis ein weiteres Kapitel hinzu. Wir legen großen Wert darauf, Peppers Werk auf bestmögliche Weise zu präsentieren, um sicherzustellen, dass diese Pakete den Fans über Jahre hinweg Freude bereiten werden.«

Sowohl die LP- als auch die CD-Ausgabe des Pakets enthalten einen Essay des renommierten Jazz-Experten Marc Myers, exklusive Kommentare von Laurie Pepper, Tony Dumas, Carl Burnett und den Saxophonisten John Zorn und Rudresh Mahanthappa sowie seltene Fotos vom Konzert. An Afternoon in Norway enthält Aufnahmen von Art Peppers denkwürdigem Auftritt beim Kongsberg Jazz Festival in Norwegen aus dem Jahr 1980. Aufgenommen im Kongsberg Kino mit seinem herausragenden Quartett - dem Pianisten Milcho Leviev, dem Bassisten Tony Dumas und dem Schlagzeuger Carl Burnett - liefert Art Pepper eine kraftvolle und ausdrucksstarke Darbietung, erfüllt von der Leidenschaft und Brillanz, die seine Karriere ausmachte.



[a] Y.i. blues [aka untitled #34]

Das vierte Album der US-Amerikanischen Post-Hardcore-Supergroup aus Gitarrist Mark Engles (Dredg), Drummer Chris Robyn (Far) und Sänger & Gitarrist Ben Flanagan (The Trophy Fire).

Anfang 2024 zogen sich Black Map nach Südkalifornien zurück, um 'Hex' mit Saosin-Gitarrist Beau Burchell als Produzent aufzunehmen. Die Band verfolgte eine klare, kollektive Vision, die sich von der weitläufigen, ätherischen Natur von 'Melodoria' zu einem dringlicheren und direkteren Sound entwickelte.

Sänger/Bassist Ben Flanagan beschreibt 'Hex' als ein Werk mit einem starken „let's f*cking go“-Geist, während Gitarrist Mark Engles die Balance zwischen atmosphärischen Elementen und treibender Intensität hervorhebt. Das Album fängt den unverkennbaren Stil der Band ein, mit Marks markanter Gitarrenarbeit, die stets präsent ist, und einem erneuten Fokus auf Unmittelbarkeit und roher Energie.

Für Ben steht 'Hex' für die tiefgreifende Wirkung von Musik, die Trost und Verbindung bietet. Schlagzeuger Chris Robyn fügt hinzu, dass das Album einen unaufhaltsamen Schwung hat, der mit Kraft und Absicht nach vorne drängt. Verwurzelt in Themen wie persönlicher Kampf, Authentizität und Widerstandsfähigkeit, ist 'Hex' die bisher kraftvollste und eindringlichste Veröffentlichung von Black Map.

Kavrila sind zurück - kompromisslos und ungefiltert. "Heretics I", der erste Teil einer neuen EP-Trilogie, entstand spontan und ohne nachträgliche Bearbeitung. Vier Tracks, direkt auf Tascam aufgenommen, roh und ungeschönt, verleiht dieser direkte Sound der EP ihre ungezügelte Intensität. Zudem gibt es in der physischen Version - neben Intro und Outro - als Bonus einen weiteren Track aus den "Mor"-Sessions. Die Band setzt bewusst auf analoge Direktheit und eine rohe, ungeschönte Ästhetik. Während Drums und Bass live eingespielt wurden, fügte Gitarrist Andreas seine Parts später hinzu, ohne den Charakter des Albums zu verwässern. Gemischt und gemastert wurde "Heretics I" von Hauke Albrecht im Studio Altona in Hamburg - ein kompromissloses Statement echter, ungefilterter Intensität.

“The Atacama Experience” wurde von dem Jazzviolinisten Jean-Luc Ponty als eine musikalische Reise konzipiert. Diese Reise beginnt in der Einleitung mit einer Pariser Straßenszene, der dreizehn Songs folgen, die den Hörer durch verschiedene Länder, eine Reihe unterschiedlichster Impressionen und Emotionen sowie in die musikalische Vergangenheit und Gegenwart führen. Die Aufnahmen entstanden zwischen Januar 2006 und Februar 2007. In diesem Zeitraum bereiste Ponty mit seiner Band diverse Kontinente und absolvierte Auftritte in Südamerika, Europa, Russland, den USA und Indien. Zwischendurch kehrte er immer wieder nach Frankreich zurück, um die frischen Eindrücke und neuen Einsichten in Einspielungen für dieses Projekt zu verwandeln.

Jean-Luc Ponty - Geige, Keyboards, Synthesizer, Effekte
William Lecomte - Klavier, Keyboards
Philip Catherine - Gitarre (Titel 2, 5 und 12)
Allan Holdsworth - Gitarre (Titel 4)
Guy N'Sangue - Bassgitarre
Thierry Arpino - Schlagzeug
Taffa Cissé - Schlagzeug

Kermit der Frosch hatte 1955 seinen ersten Fernsehauftritt. Siebzig Jahre später feiern wir ihn und die Muppets in ihren sieben Jahrzehnten voller Gesang, Tanz und Freude!

Zu diesem Jubiläum ist „Die Muppets: Das grüne Album“ jetzt erstmals auf grünem Vinyl erhältlich – mit einer besonderen Botschaft von Kermit dem Frosch.

Der Dresdner Komponist und Produzent Sven Helbig kreierte anlässlich des 80. Jahrestages des Endes des Zweiten Weltkriegs das Requiem A, das die Opfer des Krieges ehrt und ein tiefes Plädoyer für den Frieden darstellt. Requiem A vereint liturgische und neue Texte. Das ‘A’ im Titel steht für ‘Anfang’ und mahnt in poetischen Bildern zu Versöhnung und Neubeginn. „Aufbruch“, „Asche“ und „Atmen“ sind Schlüsselwörter in den Texten, die einen Weg aus der Trauer in das Leben suchen.

Die Uraufführung fand am 9. Februar 2025 in der Dresdner Kreuzkirche statt, aufgeführt vom Dresdner Kreuzchor, der Sächsischen Staatskapelle und dem gefeierten Bassbariton René Pape. Am 8. Mai, dem 80. Jahrestag des Ende des Zweiten Weltkrieges, wird das Werk auf dem Heldenplatz vor der Hofburg in Wien aufgeführt. Die Aufnahme erscheint am 9. Mai 2025 bei der Deutschen Grammophon. Dieses ergreifende Werk soll als universelle Botschaft der Erinnerung, der Versöhnung und des kulturellen Austauschs dienen.

Nachdem VOX LOW bereits zwei Alben und eine Remix-EP bei Born Bad Records veröffentlicht haben, ist es nun an der Zeit, eine Auswahl weiterer Singles und B-Seiten neu zu veröffentlichen. Perfekt ausbalanciert zwischen düsterem Elektro und nebligem Post-Punk, inspiriert von Clubbing und Krautrock ebenso wie von Bands wie Bauhaus und The Fall, könnten VOX LOW uns auf der Tanzfläche in Bewegung bringen, während draußen ein apokalyptischer Sturm wütet. VL sind vier Ritter der Finsternis: Jean-Christophe Couderc (Maschinen und Gesang), Benoît Raymond (Bass), Mathieu Autin (Schlagzeug), und Jérome Pichon (Gitarre). Zum ersten Mal gibt es nun eine Auswahl von schwer zu findenden Tracks, die von VOX LOW auf verschiedenen kleinen Labels veröffentlicht wurden. Einige Tracks wurden auf sehr limitiertem 7"-Vinyl veröffentlicht, manchmal in nur 100 Exemplaren. A1/A2 : 12" Veröffentlicht auf Astrolab Recordings 2015 - A3/B2: 7" Veröffentlicht auf Evrlst.inc 2014 - A4: 7" Veröffentlicht auf Astrolab Recordings 2016- B1/B3: 12" Veröffentlicht auf Hoga Nord Records 2016 - B4: Digital Veröffentlicht auf Play Pal Music 2015/ 12" auf Oracle Records 2018

Cie embarks on a new sonic expedition with "Adventures II," the successor to the original journey, continuing the musical quest with great intensity and energy.
As the music begins, “Reichenstein” rises on the horizon like a majestic mountain peak, growing ever more imposing as you draw closer. Upon arrival, the towering presence of the castle welcomes you with its raw power. The beat pulses like a force of nature, its multi-layered rhythms and vibrant sounds pulling every dance enthusiast into its depths, much like an adventurer scaling the heights of the mountain itself.
The journey continues through the mystic halls of the castle, leading to "Der Turm".
Here, hypnotic synths scale the tower's heights, while deep pulsating basses push against every wall.
From there, the mountain “Stenzelberg” comes into view, casting its groovy shadows ahead as the next stop on the adventure. Upon reaching the summit, you are immediately drawn into the mountain’s spell by the power of its percussive sounds.
But the journey doesn't end there - deep within the winding gorges, Mar io awaits, leading you through hidden corners and secret paths of the mountain with his powerful remix, finally releasing the soul of the mountain. Four electrifying tracks - perfect companions for any club adventure - are ready to carry you on your own journey. Vinyl only.