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This vinyl includes a free downloadcode were customers get the
whole digital release (incl. Bonustrack) for free via Facebook !!
Anyhow fresh but still trusts! 4CR comes with his second vinyl - release,
and it sounds fat. "Menschenskind" has delivered with "Tequila" this time
a real Minimal House bomb with catchy tune character. Organic guitar -
samples and fresh Grooves sound like the fruity sweet taste of summer
which drips in the dusty and dry desert. A touch of western, High Noon
and heat under cloudless sky. "Menschenskind" gives us with Tequila an
acoustic place under the sun, the suitable drink and just the pure groove.
Alec Troniq, Sonntagsmusikant and Tinush deliver their great remixes on
top. While Sonntagsmusikant holds the striking theme first a little more
covered and comes along even more minimally, Alec Troniq with a stylish
variation of the subject rocks more offensively forwards. Tinush adds with
his Remix some Coolness and completes this 4CR Release. This package is
the fruity cocktail, which runs down the dusty throat, while the smell of
the sun and desert is omnipresent. Get a drink, and enjoy Tequila!

Irgendwie fresh aber dann doch vertraut! 4CR kommt mit seinem
zweiten Vinyl - Release, und es kommt dicke. Menschenskind hat mit
- Tequila' diesmal einen waschechten Minimal- House Knaller mit
Ohrwurmcharakter abgeliefert. Organische Gitarren - Sounds und
freshe Grooves klingen wie der fruchtig süße Geschmack von Sommer,
der in die staubtrockene Wüste tropft. Ein Touch von Western, High
Noon und Hitze unter wolkenlosem Himmel. Menschenkind gibt uns
mit Tequila einen akustischen Platz unter der Sonne, den passenden
Drink dazu und den puren Groove. Dabei liefern Alec Troniq,
Sonntagsmusikant und Tinush ihre großartigen Remixe on top.
Während Sonntagsmusikant das markante Thema zunächst etwas
gedeckter hält und noch minimaler daher kommt, rockt - Alec Troniq'
mit einer stylischen Variation des Themas offensiver nach vorne.
Tinush packt mit seinem Remix die Coolness und rundet dieses 4CR
Release gekonnt ab. Dieses Package ist der fruchtige Cocktail der die
Staubige Kehle runter läuft, während der Geruch von Sonne und
Wüste allgegenwärtig ist. Schnapp dir n Drink, und genieß Tequila!

Im April 2026 bringt Eaves Wilder ihr heiß erwartetes Debütalbum ,Little Miss Sunshine" raus. Die Platte ist ein krasser Entwicklungssprung für die Singer-Songwriterin aus Nord-London, die 2020 mit 16 Jahren mit ihrem selbst aufgenommenen Lockdown-Release ,Won't You Be Happy" zum ersten Mal auf sich aufmerksam gemacht hat. Eaves begann mit der Arbeit an ,Little Miss Sunshine" nach einer Phase des Nachdenkens, in der sie sich fragte, ob sie der Musik in ihrem Kopf letztlich gerecht werden könnte. Wer sich mit dem Album beschäftigt, entdeckt zehn Songs, die sich an den Zyklen der Natur orientieren, um die emotionalen Stimmungen zu erklären und zu feiern, die uns zu Menschen machen. ,Als ich am Boden war", erinnert sich Eaves, die an einer Stelle sogar lacht, als sie sich daran erinnert, wie sie beschloss, die Musik ganz aufzugeben, um in ein Kloster einzutreten: ,Ich wollte einfach nur unmenschlich, gefühllos und unbewegt sein. Wie ein Berg oder ein Baum. Oder der Himmel. Das sind alles Dinge, die einen Zweck haben, aber ich wusste nicht, was mein Zweck war. Und so musste ich es herausfinden, Song für Song." Auf Little Miss Sunshine wird diese Geschichte in spannenden Episoden erzählt, angefangen mit den ersten Sekunden des Albums und der Lead-Single Hurricane Girl, einer sensationellen Synergie aus durchscheinenden Shoegaze-Harmonien und elementaren Rockgitarren, inspiriert durch Dokumentarfilme über Sturmjäger, wobei die Metapher verwendet wird, um ein Licht auf Freunde zu werfen, die gezwungen waren, stürmische Beziehungen zu suchen. ,Ich habe das Gefühl, dass dies mein Pearl-Jam-Song ist", erklärt sie. ,Das erste Mal, als ich Pearl Jam hörte, war ich auf einem riesigen Berg in Wales. In derselben Woche hörte ich auch zum ersten Mal Jagged Little Pill von Alanis Morissette." Von hier aus, bis hin zu seinem schmerzlich bewegenden Requiem an die Kindheit Summer Rolls fungiert jeder Song auf Little Miss Sunshine als leuchtender Koordinatenpunkt in einem Bogen der Selbstfindung. Da ist der hochfliegende Klangrausch Everybody Talks, mit seinem ansteigenden Crescendo aus aufdringlichen Stimmen, der auf beiden Seiten des Atlantiks große Unterstützung im Radio fand. Für Mountain Sized bezog sie sich auf Lily Allens Single The Fear aus dem Jahr 2009 - ,weil da diese eine Frau ist, die ganz beiläufig all die schlimmsten Dinge über sich selbst aufzählt, Dinge, die man sich eigentlich nicht trauen würde zuzugeben". In Eaves' Song wird diese aufkommende Angst jedoch durch einen panoramischen Refrain ausgelöscht, in dem sie die Grenzen ihrer realen Welt durchbricht, um zu verkünden: ,But in my mind/But in my mind/I am taller than the highest mountain sides." In dem schmerzlich melodiösen ,The Great Plains" hinterfragt Eaves ihre frühesten Erinnerungen, in denen sie ihre ältere Schwester Dora vergötterte. ,Sie war so zurückhaltend und wie eine Meerjungfrau", erinnert sich Eaves, ,und ich wurde von meinen Emotionen beherrscht - und je mehr ich versuchte, das nicht zu sein, desto mehr wurde mir klar, dass ich niemals wie sie sein könnte." In dem Song findet Eaves eine Art Selbstakzeptanz, indem sie auf die Natur schaut, um zu erfahren, dass es okay ist, so zu sein, wie sie ist: "As I erupt into a blaze / It's ok the sky will do the same/Let no-one bat an eye when / Every year I'll hibernate till May / Because no-one blames the clouds for rain / So take me as I am, tears down my face." Als die Sessions an Fahrt gewannen, fand Eaves Inspiration in zeitgenössischen Veröffentlichungen. Beispiele dafür waren Wolf Alice (,die einzige Band, die die Balance gefunden hat, die ich immer suche - die Kombination aus schweren Gitarren und hohen, ätherischen Vocals"), Mannequin Pussy (,sie gaben mir etwas von dem, was ich in der Ära von Riot Grrrl vermisst habe, als L7 und Babes In Toyland auf Tour waren") und CMATs ,geradlinig brillantes Songwriting". Weitere Highlights auf einem Album, das von ihnen geprägt ist, sind Daisy Chain Reaction, dessen glitzernder Power-Pop-Glanz einen Text über die Kultur des Wettbewerbs rund um Essstörungen verbirgt, und der unangenehme, mechanisierte Angriff von Just Say No, ein Song, der auf den brutalen Wahrheiten basiert, die Eaves und ihre Freundinnen in ihren Auseinandersetzungen mit missbräuchlichen Männern gesammelt haben. Zwei Jahre lang hat Eaves unermüdlich daran gearbeitet, jeden einzelnen Vers, Refrain, Pre-Chorus und Middle Eight auf Little Miss Sunshine zu verfeinern, bevor sie mit dem Co-Produzenten des Albums, Andy Savours (My Bloody Valentine, The Killers, The Horrors), ins Studio ging. Dies ist ein Album, auf dem jedes einzelne Detail seinen Platz verdient hat und das Zeugnis ablegt von der einzigartigen musikalischen Vision seiner Schöpferin.

Dead Finks melden sich mit ihrem vierten Album zurück, das ihre charakteristische Mischung aus hysterischem Zynismus und schriller Ernsthaftigkeit beibehält. Der treibende, oft aggressive Sound ihrer früheren Alben wurde nun etwas gemildert durch schimmernde Gitarren, hypermelodische Gesangslinien und eine verstärkte Betonung von Klarheit und Dynamik, die klassisches Pop-Songwriting, Shoegaze-Texturen und avantgardistische Kunstmusik in ihren Kanon aufnehmen.

Alex Zhang Hungtai steht auf ,Dras" still da, aber es ist eine Stille, die jede Menge Möglichkeiten hat. Diese neun Stücke wurden 2019 in der Saint Joseph Oratory in Montreal aufgenommen (kurz bevor ein Klavier kaputtgemacht wurde) und lagen während der Pandemiejahre auf seiner Festplatte, bis endlich der Funke übersprang. Was jetzt entsteht, fühlt sich an, als würde man jemandem dabei zusehen, wie er die Konturen seiner eigenen inneren Landschaft nachzeichnet, wobei jede Melodielinie eine sorgfältige Auseinandersetzung mit dem Unbewussten ist. Dies ist nur im weitesten Sinne ein Saxophon-Album. Das Terrain hier ist taktil und unerbittlich. Im Titeltrack werden schwierige Melodien auseinandergerissen und zu emotionalen Drones geformt, wobei Dissonanzen ineinandergreifen, während Töne mit metallischem Glanz ihren Weg durch die Sinne bahnen. ,El Khela" bricht sich in spektrale Schichten, die mit ewiger Schwerkraft ziehen, während ,Estado" Trost in seiner eigenen Dunstglocke findet, mit Rhythmen, die kaum hörbar sind, aber mit ihrer Kadenz, die sich an grauen Wänden abzeichnet, vorwärts führen. Es sind kleine Momente, die zu kathartischen Klangatmen werden und jeweils neue Passagen durch die psychische Geografie offenbaren. Es liegt Schönheit in den subtilen Wiederholungen des Openers ,Erg" und in den leuchtenden Progressionen von ,White Dwarf". Zhangs Saxophon wird zu einer Wünschelrute für das Unbekannte, während Elektrizität durch die Adern des Albums fließt und sein Atem alles an etwas wortlos Menschlichem verankert. Die digitale Bearbeitung dieser Kirchenaufnahmen verdeckt nicht das menschliche Element von ,Dras". Sie verwandelt das Rohmaterial in etwas, das zwischen äußerem Raum und innerer Landschaft navigiert. Als der Schlusssong ,Mazil" kommt, lässt Alex Zhang Hungtai sein Saxophon seine volle Resonanz entfalten. Tiefe, kehlige Klänge öffnen sich wie Abgründe unter melodischen Konstellationen, die in dichter Schwerkraft schweben. Hier herrscht Endgültigkeit, auch wenn sich etwas in diesen Passagen schwerelos anfühlt. Diese Musik ist durchdrungen von innerem Dialog, einem wortlosen Zauber, der über dem psychischen Abgrund tanzt. Tonale Sequenzen zerfallen in betäubende Klänge, eine scharfe, elegante Kante, die schneidet, ohne Blut zu vergießen. Dieses einsame Werk der Erforschung wird zu etwas Gemeinschaftlichem. ,Dras" ist eine Karte, um den Raum zwischen dem, wo wir sind, und dem, wo wir hingehen könnten, zu durchqueren.

Wir denken gerne, dass unser Leben zu Geschichten geformt werden kann - klare Bögen, verständliche Bedeutungen, aber das Leben lässt sich nicht in Schubladen stecken. Stattdessen geht es unverblümt und ohne Entschuldigung weiter, ohne Rücksicht auf unser Ordnungsgefühl. El Ten Elevens ,Nowhere Faster", das 16. Album des Duos, entstand in diesem Unbehagen. In acht Tracks geht es nicht nur um das Nichts, sondern auch um Geschwindigkeit - diese seltsame Dringlichkeit, die uns vorantreibt, auch wenn das Ziel unklar bleibt. Das 33-minütige Album verlangsamt sich gerade so lange, um die schwierigen Fragen zu stellen: Wovor laufen wir weg und was glauben wir, überholen zu können? ,Nowhere Faster" entstand während der längsten Pause, die Kristian Dunn und Tim Fogarty in ihren 23 gemeinsamen Jahren von Tourneen und Aufnahmen gemacht haben, obwohl ,Pause" eigentlich nicht ganz richtig ist. Dunn ist bekannt dafür, dass er immer kreativ am Werk ist, und das hat er auch hier nicht aufgegeben. Stattdessen fing er an, nicht nur für einen, sondern für zwei Schlagzeuger zu schreiben, was Fogarty vor eine der größten Herausforderungen seiner Karriere stellte. Das Album ist auch eine Premiere für die Band, da es durchgehend echte Streicher und Klavier einbindet und damit die Klangpalette eines ihrer vielschichtigsten Werke noch erweitert. Nowhere Faster ist kein Rückzug in Nostalgie. El Ten Eleven setzt weiterhin auf Risiko und Neuerfindung. Das Album konzentriert sich weiterhin auf Fogartys treibendes Schlagzeugspiel und Dunn's bassgetriebene Experimente: Die ersten vier Tracks (,Seite A") zeichnen sich durch E-Bass aus, während die zweite Hälfte (,Seite B") zu akustischem Bass wechselt, der durch Pedale verarbeitet wird und so die emotionale Schwere des Albums subtil verändert. Letztendlich ist ,Nowhere Faster" ein Album über das Abrechnen - über Zeit, Ausdauer und die Ungewissheit, wie lange eine Band oder ein Leben dauern kann. Wir alle tasten uns an die Endlichkeit heran. Die Frage ist nicht, ob wir dort ankommen, sondern was wir auf dem Weg dorthin hören wollen. Zu welcher Musik werden wir tanzen, wenn sich der Boden unter uns zu verschieben beginnt? Wenn schon nichts anderes, dann vielleicht zu etwas, das wie ,Nowhere Faster" klingt.

Mango Glow Edition. Das experimentelle Berliner Trio ZAHN kehrt mit seinem bislang elektrisierendsten Werk zurück. Eine üppige Fusion aus Schwere, Elektronik und halluzinatorischen Farben. Monolithische Grooves treffen auf synthetischen Schimmer. PURPUR strahlt Spannung und Gefahr aus und pulsiert mit Tiefe und Dichte. Bekannt für ihren intensiven, treibenden Sound, der den unerbittlichen Marsch einer Welt am Abgrund widerspiegelt, vertieft das Trio ZAHN - Chris Breuer, Nic Stockmann und Felix Gebhard - seine klangliche Erkundung mit einem Album, das gleichzeitig elektronischer und rockiger ist als seine gefeierten Vorgänger. Purpur orientiert sich am lebhaften Cover des Albums - einer Explosion aus Trauben und Beeren, die seinen üppigen, farbenfrohen Sound widerspiegelt. Das Album verbindet kraftvolle Genres zu etwas Frischem und Elektrisierendem: schwere Fundamente treffen auf reichhaltige elektronische Texturen und schaffen Schichten aus Farbe, Komplexität und einem Hauch von halluzinatorischer Süße. Erneut in Gyhum mit dem Toningenieur Peter Voigtmann (ex-The Ocean, Death By Gong, Heads.) aufgenommen, tritt Purpur in die Fußstapfen der bisherigen Werke der Band, markiert aber auch einen mutigen Sprung nach vorne. Gastbeiträge von Fabian Bremer (Radare, AUA) und Kjetil Nernes (Årabrot) vertiefen das Gefühl der Unruhe und Faszination des Albums, während Magnus Lindberg (Cult of Luna) mit seinem Mix und Mastering dem Album die Tiefe eines unterirdischen Pulses verleiht - knackig, schwer und lebendig mit mikroskopischen Details. Während ,Adria" eine lebhafte Flucht durch Krautrock, Dark Jazz, Noise Rock und Post-Punk bot, zieht ,Purpur" die Zuhörer in eine dichtere, komplexere und eng verwobene Klanglandschaft. Das dritte Album der Band ist ein berauschender Wirbel aus synthetischem Puls und physischer Schwere - ein Album, das sich eher wie fermentiert als wie komponiert anfühlt.

How do losers dance? According to Helmut, almost weightlessly, with soft feet, warm gestures, sometimes alone, sometimes together. Content Creatures, Helmut's fourth album, evokes the pop archetype of the "beautiful loser", who had almost disappeared from view in so-called late capitalism. In a present in which even suffering is often similarly instrumentalised and tailored to clicks like a competitive sport, this album sets a counterpoint: those who listen to it suddenly want to be enchanting losers again, useless and joyfully messing up, losing something beloved, having their hearts broken, giving up a dream, sinking into beauty.
You don't sink alone. Comforting harmonies envelop you, the voices of friends appear, accompany you for a while and then disappear again. Warm grooves, floating synths and delicate guitar lines characterise an indie sound that remains open and breathes.
Self-produced for the first time in his home studio in Neukölln, 'Content Creatures' sounds thoughtful and light at the same time. The album will be released digitally and on vinyl on 10 April 2026 on Berlin-based label St.Vladimir. There are four songs on one side and four songs on the other. The cover is adorned with an exceptionally pretty guinea pig. Helmut shows the special in the seemingly ordinary: a child's pet, the most ordinary of all, is his cover star and headstrong protagonist.

Wie tanzen Verlierer? Wenn man nach Helmut geht, dann fast schwerelos, mit weichen Füßen, warmen Gesten, manchmal allein, manchmal gemeinsam. Content Creatures, Helmuts viertes Album, evoziert den Pop-Archetypus des "beautiful loser", der im sogenannten Spätkapitalismus fast aus dem Blick geraten war. In einer Gegenwart, in der sogar das Leid oft ähnlich durchinstrumentalisiert und auf Klicks getrimmt ist wie ein Leistungssport, setzt dieses Album einen Kontrapunkt: Wer es hört, möchte auf einmal gern wieder ein bezaubernder Verlierer sein, nutzlos und freudvoll abkacken, etwas Geliebtes verlieren, das Herz gebrochen bekommen, einen Traum aufgeben, in Schönheit versinken.
Man versinkt nicht allein. Tröstende Harmonien legen sich um einen, die Stimmen von Freundinnen tauchen auf, begleiten einen ein Stück weit und verschwinden wieder. Warme Grooves, schwebende Synths und feine Gitarrenlinien prägen einen Indie-Sound, der offen bleibt, atmet. Erstmals in seinem Neuköllner Homestudio selbst produziert, klingt "Content Creatures" bedacht und leicht zugleich.
Das Album erscheint digital und auf Vinyl am 10.04.2026 auf dem Berliner Label St.Vladimir. Es hat vier Songs auf der einen und vier Songs auf der anderen Seite. Das Cover ziert ein außergewöhnlich hübsches Meerschweinchen. Helmut zeigt das Besondere im scheinbar Gewöhnlichen: Ein Kinderhaustier, das normalste von allen, ist bei ihm Coverstar und eigensinnige Protagonistin.

How do losers dance? According to Helmut, almost weightlessly, with soft feet, warm gestures, sometimes alone, sometimes together. Content Creatures, Helmut's fourth album, evokes the pop archetype of the "beautiful loser", who had almost disappeared from view in so-called late capitalism. In a present in which even suffering is often similarly instrumentalised and tailored to clicks like a competitive sport, this album sets a counterpoint: those who listen to it suddenly want to be enchanting losers again, useless and joyfully messing up, losing something beloved, having their hearts broken, giving up a dream, sinking into beauty.
You don't sink alone. Comforting harmonies envelop you, the voices of friends appear, accompany you for a while and then disappear again. Warm grooves, floating synths and delicate guitar lines characterise an indie sound that remains open and breathes.
Self-produced for the first time in his home studio in Neukölln, 'Content Creatures' sounds thoughtful and light at the same time. The album will be released digitally and on vinyl on 10 April 2026 on Berlin-based label St.Vladimir. There are four songs on one side and four songs on the other. The cover is adorned with an exceptionally pretty guinea pig. Helmut shows the special in the seemingly ordinary: a child's pet, the most ordinary of all, is his cover star and headstrong protagonist.

Wie tanzen Verlierer? Wenn man nach Helmut geht, dann fast schwerelos, mit weichen Füßen, warmen Gesten, manchmal allein, manchmal gemeinsam. Content Creatures, Helmuts viertes Album, evoziert den Pop-Archetypus des "beautiful loser", der im sogenannten Spätkapitalismus fast aus dem Blick geraten war. In einer Gegenwart, in der sogar das Leid oft ähnlich durchinstrumentalisiert und auf Klicks getrimmt ist wie ein Leistungssport, setzt dieses Album einen Kontrapunkt: Wer es hört, möchte auf einmal gern wieder ein bezaubernder Verlierer sein, nutzlos und freudvoll abkacken, etwas Geliebtes verlieren, das Herz gebrochen bekommen, einen Traum aufgeben, in Schönheit versinken.
Man versinkt nicht allein. Tröstende Harmonien legen sich um einen, die Stimmen von Freundinnen tauchen auf, begleiten einen ein Stück weit und verschwinden wieder. Warme Grooves, schwebende Synths und feine Gitarrenlinien prägen einen Indie-Sound, der offen bleibt, atmet. Erstmals in seinem Neuköllner Homestudio selbst produziert, klingt "Content Creatures" bedacht und leicht zugleich.
Das Album erscheint digital und auf Vinyl am 10.04.2026 auf dem Berliner Label St.Vladimir. Es hat vier Songs auf der einen und vier Songs auf der anderen Seite. Das Cover ziert ein außergewöhnlich hübsches Meerschweinchen. Helmut zeigt das Besondere im scheinbar Gewöhnlichen: Ein Kinderhaustier, das normalste von allen, ist bei ihm Coverstar und eigensinnige Protagonistin.

Knumears sind sich bewusst, dass keine Band in einem Vakuum existiert. Sie sind die Verkörperung einer klanglichen Tradition, die über Jahrzehnte hinweg geprägt und geformt wurde und nur von denen weitergeführt werden kann, die sie wirklich schätzen. Ob man es nun Screamo, Skramz, Post-Hardcore oder anders bezeichnet - es ist ein Sound, der die wechselnden musikalischen Strömungen der Jahre überdauert hat und nun eine ganz neue Generation von Underground-Musikern beeinflusst. Das Debütalbum von Knumears, ,Directions", ist gleichermaßen Liebesbrief und Kartografieprojekt, das die tiefgreifende Geschichte einer komplexen Szene erforscht und gleichzeitig einen spannenden Entwurf für eine neue Szene schafft. Knumears sind nicht nur eine Gruppe leidenschaftlicher Musiker, sondern auch Freunde, deren Bindungen ebenso wichtig sind wie die Musik, die sie gemeinsam machen. Seit 2021 schreiben, touren und spielen die Knumears (Bassist Dante Garcia II, Schlagzeuger Frankie Lopez und Sänger/ Gitarrist Matthew Cole) ununterbrochen. Sie haben sich von ausverkauften lokalen Shows mit jubelnden, kletternden, schreienden und tanzenden Jugendlichen zu nationalen Tourneen entwickelt und stoßen im ganzen Land auf die gleiche begeisterte Resonanz. Doch abseits des Tourchaos fand die Gruppe gleichermaßen Wachstum in ihrem Privatleben, stärkte alte Bindungen zu den Daheimgebliebenen, entdeckte neue Verbindungen und kultivierte ihre eigenen Welten. ,Wir alle haben uns irgendwie selbst gefunden und neue Beziehungen aller Art geknüpft", sagt Cole und reflektiert über die Entstehung des Albums. ,Für jeden von uns gab es viele Veränderungen." Zunächst waren all diese persönlichen Umbrüche nicht gerade förderlich für das Schreiben eines neuen Albums. Die Band sollte mit dem legendären Produzenten/Toningenieur Jack Shirley (Deafheaven, Loma Prieta, Touche Amore) aufnehmen, aber der Prozess der Band fühlte sich etwas stagnierend an, bis es plötzlich nicht mehr so war: , Wir hatten alle große Schwierigkeiten, kreativ zu sein", erklärt Cole. ,Wir hatten alle in anderen Projekten ein Ventil gefunden, während wir versuchten, dieses Album zu schreiben. Aber ein paar Wochen vor unserer Zeit mit Jack setzten wir uns zusammen und schrieben im Grunde genommen das gesamte Album. Wir probten dreimal pro Woche, wahrscheinlich anderthalb Monate lang, und es floss praktisch aus uns heraus." Das Ergebnis ist ein Album, das außergewöhnlich eindringlich klingt - selbst für ein viszerales Genre wie Screamo. Knumears bedienen sich eines Sounds, der hyper-unmittelbar und dennoch notorisch schwer zu definieren ist: Er entwickelte sich aus dem Urschlamm des Hardcore der späten 80er Jahre und verdiente sich den Zusatz ,Post" im wahrsten Sinne des Wortes, bevor er sich in den 90er Jahren mit Bands wie Heroin, Pg. 99 und Orchid zu etwas noch Emotionalerem und musikalisch Chaotischerem entwickelte. Der Sound entwickelte sich weiter mit einem weiteren Boom in den späten 2000er/frühen 2010er Jahren, als Loma Prieta, Touche Amore und andere die Musik zu etwas Direkterem und manchmal sogar auf ihre eigene bissige Art Eingängigem verdichteten. Jetzt stehen Knumears und ihre Zeitgenossen an der Spitze der modernen Screamo-Landschaft.

Knumears sind sich bewusst, dass keine Band in einem Vakuum existiert. Sie sind die Verkörperung einer klanglichen Tradition, die über Jahrzehnte hinweg geprägt und geformt wurde und nur von denen weitergeführt werden kann, die sie wirklich schätzen. Ob man es nun Screamo, Skramz, Post-Hardcore oder anders bezeichnet - es ist ein Sound, der die wechselnden musikalischen Strömungen der Jahre überdauert hat und nun eine ganz neue Generation von Underground-Musikern beeinflusst. Das Debütalbum von Knumears, ,Directions", ist gleichermaßen Liebesbrief und Kartografieprojekt, das die tiefgreifende Geschichte einer komplexen Szene erforscht und gleichzeitig einen spannenden Entwurf für eine neue Szene schafft. Knumears sind nicht nur eine Gruppe leidenschaftlicher Musiker, sondern auch Freunde, deren Bindungen ebenso wichtig sind wie die Musik, die sie gemeinsam machen. Seit 2021 schreiben, touren und spielen die Knumears (Bassist Dante Garcia II, Schlagzeuger Frankie Lopez und Sänger/ Gitarrist Matthew Cole) ununterbrochen. Sie haben sich von ausverkauften lokalen Shows mit jubelnden, kletternden, schreienden und tanzenden Jugendlichen zu nationalen Tourneen entwickelt und stoßen im ganzen Land auf die gleiche begeisterte Resonanz. Doch abseits des Tourchaos fand die Gruppe gleichermaßen Wachstum in ihrem Privatleben, stärkte alte Bindungen zu den Daheimgebliebenen, entdeckte neue Verbindungen und kultivierte ihre eigenen Welten. ,Wir alle haben uns irgendwie selbst gefunden und neue Beziehungen aller Art geknüpft", sagt Cole und reflektiert über die Entstehung des Albums. ,Für jeden von uns gab es viele Veränderungen." Zunächst waren all diese persönlichen Umbrüche nicht gerade förderlich für das Schreiben eines neuen Albums. Die Band sollte mit dem legendären Produzenten/Toningenieur Jack Shirley (Deafheaven, Loma Prieta, Touche Amore) aufnehmen, aber der Prozess der Band fühlte sich etwas stagnierend an, bis es plötzlich nicht mehr so war: , Wir hatten alle große Schwierigkeiten, kreativ zu sein", erklärt Cole. ,Wir hatten alle in anderen Projekten ein Ventil gefunden, während wir versuchten, dieses Album zu schreiben. Aber ein paar Wochen vor unserer Zeit mit Jack setzten wir uns zusammen und schrieben im Grunde genommen das gesamte Album. Wir probten dreimal pro Woche, wahrscheinlich anderthalb Monate lang, und es floss praktisch aus uns heraus." Das Ergebnis ist ein Album, das außergewöhnlich eindringlich klingt - selbst für ein viszerales Genre wie Screamo. Knumears bedienen sich eines Sounds, der hyper-unmittelbar und dennoch notorisch schwer zu definieren ist: Er entwickelte sich aus dem Urschlamm des Hardcore der späten 80er Jahre und verdiente sich den Zusatz ,Post" im wahrsten Sinne des Wortes, bevor er sich in den 90er Jahren mit Bands wie Heroin, Pg. 99 und Orchid zu etwas noch Emotionalerem und musikalisch Chaotischerem entwickelte. Der Sound entwickelte sich weiter mit einem weiteren Boom in den späten 2000er/frühen 2010er Jahren, als Loma Prieta, Touche Amore und andere die Musik zu etwas Direkterem und manchmal sogar auf ihre eigene bissige Art Eingängigem verdichteten. Jetzt stehen Knumears und ihre Zeitgenossen an der Spitze der modernen Screamo-Landschaft.

Knumears sind sich bewusst, dass keine Band in einem Vakuum existiert. Sie sind die Verkörperung einer klanglichen Tradition, die über Jahrzehnte hinweg geprägt und geformt wurde und nur von denen weitergeführt werden kann, die sie wirklich schätzen. Ob man es nun Screamo, Skramz, Post-Hardcore oder anders bezeichnet - es ist ein Sound, der die wechselnden musikalischen Strömungen der Jahre überdauert hat und nun eine ganz neue Generation von Underground-Musikern beeinflusst. Das Debütalbum von Knumears, ,Directions", ist gleichermaßen Liebesbrief und Kartografieprojekt, das die tiefgreifende Geschichte einer komplexen Szene erforscht und gleichzeitig einen spannenden Entwurf für eine neue Szene schafft. Knumears sind nicht nur eine Gruppe leidenschaftlicher Musiker, sondern auch Freunde, deren Bindungen ebenso wichtig sind wie die Musik, die sie gemeinsam machen. Seit 2021 schreiben, touren und spielen die Knumears (Bassist Dante Garcia II, Schlagzeuger Frankie Lopez und Sänger/ Gitarrist Matthew Cole) ununterbrochen. Sie haben sich von ausverkauften lokalen Shows mit jubelnden, kletternden, schreienden und tanzenden Jugendlichen zu nationalen Tourneen entwickelt und stoßen im ganzen Land auf die gleiche begeisterte Resonanz. Doch abseits des Tourchaos fand die Gruppe gleichermaßen Wachstum in ihrem Privatleben, stärkte alte Bindungen zu den Daheimgebliebenen, entdeckte neue Verbindungen und kultivierte ihre eigenen Welten. ,Wir alle haben uns irgendwie selbst gefunden und neue Beziehungen aller Art geknüpft", sagt Cole und reflektiert über die Entstehung des Albums. ,Für jeden von uns gab es viele Veränderungen." Zunächst waren all diese persönlichen Umbrüche nicht gerade förderlich für das Schreiben eines neuen Albums. Die Band sollte mit dem legendären Produzenten/Toningenieur Jack Shirley (Deafheaven, Loma Prieta, Touche Amore) aufnehmen, aber der Prozess der Band fühlte sich etwas stagnierend an, bis es plötzlich nicht mehr so war: , Wir hatten alle große Schwierigkeiten, kreativ zu sein", erklärt Cole. ,Wir hatten alle in anderen Projekten ein Ventil gefunden, während wir versuchten, dieses Album zu schreiben. Aber ein paar Wochen vor unserer Zeit mit Jack setzten wir uns zusammen und schrieben im Grunde genommen das gesamte Album. Wir probten dreimal pro Woche, wahrscheinlich anderthalb Monate lang, und es floss praktisch aus uns heraus." Das Ergebnis ist ein Album, das außergewöhnlich eindringlich klingt - selbst für ein viszerales Genre wie Screamo. Knumears bedienen sich eines Sounds, der hyper-unmittelbar und dennoch notorisch schwer zu definieren ist: Er entwickelte sich aus dem Urschlamm des Hardcore der späten 80er Jahre und verdiente sich den Zusatz ,Post" im wahrsten Sinne des Wortes, bevor er sich in den 90er Jahren mit Bands wie Heroin, Pg. 99 und Orchid zu etwas noch Emotionalerem und musikalisch Chaotischerem entwickelte. Der Sound entwickelte sich weiter mit einem weiteren Boom in den späten 2000er/frühen 2010er Jahren, als Loma Prieta, Touche Amore und andere die Musik zu etwas Direkterem und manchmal sogar auf ihre eigene bissige Art Eingängigem verdichteten. Jetzt stehen Knumears und ihre Zeitgenossen an der Spitze der modernen Screamo-Landschaft.

VOLUMES: ONE startet eine neue Archivreihe mit Live-Shows, Demos, unveröffentlichten Aufnahmen und anderem bisher unbekannten Material, das die vielen Epochen und Facetten von Bon Iver zeigt. VOLUMES: ONE "SELECTIONS FROM MUSIC CONCERTS 2019-2023 BON IVER 6 PIECE BAND" ist die erste Folge und vereint 10 Auftritte, die Bon Iver von ihrer wildesten, wärmsten und kraftvollsten Seite zeigen. "Diese 10 Songs sind so etwas wie ,Hier, wenn du Bon Iver noch nie gehört hast oder wenn du es gehört hast und es dir nicht gefallen hat, könnte das hier was für dich sein.' Das ist das, was wir geworden sind. Das ist wirklich unser Bestes. Das ist es", sagt Justin Vernon, der 2020 mit der Arbeit an VOLUMES: ONE begann und Dutzende von Stunden Live-Aufnahmen durchforstete, um die ultimative Trackliste zusammenzustellen. VOLUMES: ONE "SELECTIONS FROM MUSIC CONCERTS 2019-2023 BON IVER 6 PIECE BAND" ist das erste Nicht-Studioalbum von Bon Iver, aber es ist mehr als nur eine Compilation oder ein Live-Album. Die Bandmitglieder Andrew Fitzpatrick, Jenn Wasner, Justin Vernon, Matthew McCaughan, Michael Lewis und Sean Carey sind eine eigene Einheit. Gemeinsam liefern sie sowohl für Neulinge als auch für eingefleischte Fans die definitiven Versionen dieser Songs und lassen die Tracks durch die essentielle Live-Technik von Xandy Whitesel in ihrer reichhaltigsten Form explodieren. Aufgenommen zwischen 2019 und 2023, als Bon Iver ihr bisher letztes Live-Konzert gaben, hebt VOLUMES: ONE die Musik von "22, A Million" aus dem Jahr 2016 und "i,i" aus dem Jahr 2019 hervor, ergänzt durch drei wichtige Stücke. Der COVID-Hymnus "P.D.L.I.F." steht für eine neue Phase von Bon Iver; ein Cover von Mahalia Jacksons "A SATISFIED MIND" erinnert an die frühen Tage von DeYarmond Edison, als Vernon während privater Bandproben sein Falsett entdeckte; und nun endlich kehrt mit "HEAVENLY FATHER" ein beliebter Fan-Favorit zurück. Die berauschende, introvertierte und innovative Seite von Bon Iver, die die Studioalben ausmacht, kann ohne die Live-Band nicht existieren, und VOLUMES: ONE ist wie eine Zeitkapsel - ein prismatischer Blick auf einen alten Freund, der zeigt, wer sie waren und wer sie sind, all das Gute, zu dem sie fähig sind, aber manchmal vielleicht zu schüchtern sind, um es zu zeigen.

Twice Grammy-nominated, Mercury Prize and BRIT Award-winning artist Arlo Parks announces her new album, Ambiguous Desire, due April 3rd via Transgressive Records.



Ambiguous Desire is Parks at her most confident and experimental, supplanting live band sessions for modular synths, ableton plugins and samplers that channel the frenetic, vibrant spaces she was immersed in, all while spotlighting the acclaimed poetry and lyricism she’s beloved for.



Reflecting on the making of the record, Parks shares, "I danced more than ever as I made this record, I made more friends than ever too, found myself in the weird underbelly of New York juke nights, unleashed, laughed and laughed and laughed. This record has desire at its centre. Desire is a life force, it’s a wanting, a yearning, a momentum - we are all alive because there is something or someone we want - desire is an engine. But it is also mysterious, tangled, random, enlightening and HUMAN."



Parks crafted the album with producer Baird (Brockhampton, Kevin Abstract). Their process unfolded between NYC’s vibrant, community-rooted nightlife and long, introspective days spent in Baird’s downtown loft. The result is Parks’ most vulnerable, self-affirming, and euphoric work to date.

Die zweifach Grammy-nominierte, mit dem Mercury Prize und BRIT Award ausgezeichnete Künstlerin Arlo Parks kündigt ihr neues Album „Ambiguous Desire“ an, das am 3. April über Transgressive Records erscheinen wird.



„Ambiguous Desire“ zeigt Parks von ihrer selbstbewusstesten und experimentellsten Seite. Live-Band-Sessions wurden durch modulare Synthesizer, Ableton-Plugins und Sampler ersetzt, die die frenetischen, pulsierenden Räume widerspiegeln, in denen sie sich bewegte, während gleichzeitig ihre gefeierte Poesie und Lyrik, für die sie so geliebt wird, im Vordergrund stehen.



Über die Entstehung des Albums sagt Parks: „Ich habe während der Arbeit an diesem Album mehr getanzt als je zuvor, ich habe mehr Freunde gefunden als je zuvor, ich habe mich in den seltsamen Untergrund der New Yorker Juke-Nächte begeben, mich gehen lassen, gelacht und gelacht und gelacht. Dieses Album dreht sich um das Thema Begehren. Sehnsucht ist eine Lebenskraft, sie ist ein Verlangen, eine Dynamik – wir alle leben, weil es etwas oder jemanden gibt, den wir wollen – Sehnsucht ist ein Motor. Aber sie ist auch geheimnisvoll, verworren, zufällig, erleuchtend und MENSCHLICH.“



Parks hat das Album zusammen mit dem Produzenten Baird (Brockhampton, Kevin Abstract) produziert. Der Entstehungsprozess fand zwischen dem pulsierenden, gemeinschaftsorientierten Nachtleben von NYC und langen, introspektiven Tagen in Bairds Loft in der Innenstadt statt. Das Ergebnis ist Parks' bisher verletzlichstes, selbstbewusstestes und euphorischstes Werk.

Twice Grammy-nominated, Mercury Prize and BRIT Award-winning artist Arlo Parks announces her new album, Ambiguous Desire, due April 3rd via Transgressive Records.



Ambiguous Desire is Parks at her most confident and experimental, supplanting live band sessions for modular synths, ableton plugins and samplers that channel the frenetic, vibrant spaces she was immersed in, all while spotlighting the acclaimed poetry and lyricism she’s beloved for.



Reflecting on the making of the record, Parks shares, "I danced more than ever as I made this record, I made more friends than ever too, found myself in the weird underbelly of New York juke nights, unleashed, laughed and laughed and laughed. This record has desire at its centre. Desire is a life force, it’s a wanting, a yearning, a momentum - we are all alive because there is something or someone we want - desire is an engine. But it is also mysterious, tangled, random, enlightening and HUMAN."



Parks crafted the album with producer Baird (Brockhampton, Kevin Abstract). Their process unfolded between NYC’s vibrant, community-rooted nightlife and long, introspective days spent in Baird’s downtown loft. The result is Parks’ most vulnerable, self-affirming, and euphoric work to date.

Die zweifach Grammy-nominierte, mit dem Mercury Prize und BRIT Award ausgezeichnete Künstlerin Arlo Parks kündigt ihr neues Album „Ambiguous Desire“ an, das am 3. April über Transgressive Records erscheinen wird.



„Ambiguous Desire“ zeigt Parks von ihrer selbstbewusstesten und experimentellsten Seite. Live-Band-Sessions wurden durch modulare Synthesizer, Ableton-Plugins und Sampler ersetzt, die die frenetischen, pulsierenden Räume widerspiegeln, in denen sie sich bewegte, während gleichzeitig ihre gefeierte Poesie und Lyrik, für die sie so geliebt wird, im Vordergrund stehen.



Über die Entstehung des Albums sagt Parks: „Ich habe während der Arbeit an diesem Album mehr getanzt als je zuvor, ich habe mehr Freunde gefunden als je zuvor, ich habe mich in den seltsamen Untergrund der New Yorker Juke-Nächte begeben, mich gehen lassen, gelacht und gelacht und gelacht. Dieses Album dreht sich um das Thema Begehren. Sehnsucht ist eine Lebenskraft, sie ist ein Verlangen, eine Dynamik – wir alle leben, weil es etwas oder jemanden gibt, den wir wollen – Sehnsucht ist ein Motor. Aber sie ist auch geheimnisvoll, verworren, zufällig, erleuchtend und MENSCHLICH.“



Parks hat das Album zusammen mit dem Produzenten Baird (Brockhampton, Kevin Abstract) produziert. Der Entstehungsprozess fand zwischen dem pulsierenden, gemeinschaftsorientierten Nachtleben von NYC und langen, introspektiven Tagen in Bairds Loft in der Innenstadt statt. Das Ergebnis ist Parks' bisher verletzlichstes, selbstbewusstestes und euphorischstes Werk.

Ein inspirierendes Zusammentreffen musikalischer Köpfe. Zum 20-jährigen Jubiläum von "In A Space Outta Sound" übergab George Evelyn alias DJ E.A.S.E. die Bänder an Dub-Meister Adrian Sherwood, der acht Tracks des Originalalbums in neuem Gewand präsentiert – ganz im Geiste der Reggae- und Sound-System-Wurzeln, die das Original prägten. Das Ergebnis ist eine frische Interpretation eines beliebten Klassikers, der sich in die Reihe von Alben wie Massive Attacks "No Protection" und Spoons "Lucifer On The Moon" einreiht. Mit dabei sind kühne Neuinterpretationen ikonischer Tracks wie "You Wish" (hier als "You Bliss" zu hören) und "Flip Ya Lid" (verändert zu "Flippin Eck"). Neben seinem unverkennbaren Können am Mischpult holte Sherwood auch einige der Kernmitglieder von On-U Sound ins Boot, um zusätzliche Instrumente beizusteuern und diese Kollaboration zu etwas zu machen, das weit mehr ist als die Summe seiner Teile.

In ,Osni the Flare", dem zweiten Teil von Tristan Allens mythischer Trilogie, zeigt der Komponist, Produzent und Puppenspieler, wie ein Sterblicher durch die Entdeckung des Feuers zu einer Gottheit wird. ,Osni the Flare" wurde über vier Jahre hinweg mit wortlosen Gesängen, Orgeln, Okarinas, einer Menge Spielzeuginstrumenten und einem ausgeklügelten Sounddesign aufgenommen und erzählt in vier akustisch und visuell beeindruckenden Akten von den Ursprüngen der Flamme und der Zeitlichkeit. Allen webt einen Schöpfungsmythos, der zwischen Schönheit, Schatten und wehmütiger Glut wechselt, und schafft so ein Portal zu einem sorgfältig gestalteten, emotional kraftvollen Klang und einer Geschichte, die durch ein fantastisches Reich hallen. Allen wurde in Saratoga Springs, New York, geboren und hat Kindheitserinnerungen an den Aufenthalt seiner Familie in Japan. Sein Weg führte ihn zu prägenden Begegnungen, darunter mit seinem Lehrer Andy Lorio, der das wachsende Interesse und Können des jungen Musikers am Klavier durch Improvisationstechniken förderte, und Amanda Palmer, die ihn mit 16 Jahren während eines Sommerprogramms am Berklee College entdeckte und seine erste Veröffentlichung durch Crowdfunding finanzierte. Nachdem er an der Berklee Klavier studiert, das Live-Elektronik-Kollektiv Nue mitbegründet, mit der Metal-Band Dent durch China getourt und zwei Solo-Klavier-EPs veröffentlicht hatte, zog Allen 2018 von Boston nach Brooklyn. Eine Anzeige auf Craigslist führte zu einer Puppenspielausbildung bei Mike Leach, der ihnen sechs Monate lang beibrachte, wie man eine Marionette richtig führt, was ihnen eine Stelle als Darsteller am renommierten Puppetworks Theater einbrachte. Diese harte Arbeit, zusammen mit dem Kontakt zu den Artefakten des Bread and Puppet Theater ihres Vaters und dem balinesischen Schattenspiel, brachte Allen zu ihrer kreativen Praxis: Komponieren für akustische Instrumente, elektronisches Arrangieren und Auftritte mit Puppenspiel. Osni the Flare erzählt einen Schöpfungsmythos, in dem die Titelfigur in einem Garten aufwacht und Äpfel von einem Baum pflückt. Von einem Loon herbeigerufen, macht sich Osni auf, den Baum vor der Kälte des Winters zu schützen. Als der Loon von einem Drachen verschlungen wird, wagt sich Osni in dessen Bauch und entdeckt dort Glut. Als er diese Glut dem Baum anbietet, entzündet sich dieser - der Ursprung des Feuers selbst. Iso, der Gott des Meeres, greift mit einer Flut ein, die Osnis Garten überschwemmt. Nach seinem Tod gelangt Osnis Seele in das Reich der Schatten, wo sie sich Tin und Iso anschließt und zur Gottheit des Feuers wird - Osni the Flare. Das Album klingt menschlicher und kindlicher als sein Vorgänger ,Tin Iso and The Dawn" und wechselt von der Perspektive der Götter als Beobachter zu der des ersten sterblichen Charakters in Allens Welt. Unterstützt durch neue Liebe, kanalisiert das Projekt Gefühle in Musik, die zu einem ganz eigenen Zauber wird. Wie Tin Iso beginnt und endet das Album mit Klavierklängen als Portal, das die Heimat repräsentiert, während Osni sich auf eine Reise durch drei Reiche begibt: das Land der Lebenden, das Zwischenreich und das Jenseits. Osni the Flare wurde fast komplett mit einem Aston-Kondensatormikrofon in Allens Wohnung in Brooklyn mit Blick auf den Cypress Hills Friedhof aufgenommen und besteht aus Spielzeugklavier und Flöten, Okarinas, Harmonium, Pumporgel, E-Bass und Kontrabass, Gadgets und einer umfangreichen Sammlung von Spieluhren und Glocken. Die Gesangsmelodie - inspiriert vom Summen seiner Partnerin Virginia Garcia Ruiz, das an Pans Labyrinth erinnert - war Allens erster Ausflug in den Gesangsbereich, wobei er eine Melodie ohne Worte verwendete, um den Zuhörern zu ermöglichen, die Protagonisten zu bleiben. Die Flöten wurden Note für Note akribisch aufgenommen, darunter balinesische Sulings, Fundstücke aus chinesischen Souvenirläden und vogelförmige Okarinas. Die Spieluhren wurden langsam aufgezogen, einzeln gesampelt und dann neu arrangiert und gestimmt, um Virginias Summen zu verdoppeln. Ein ausgedientes Casio SK-1 mit einem kaputten Lautsprecher wird mit einem Harmonium kombiniert, um Akkordtexturen zu erzeugen. Stundenlange Improvisationen, die durch Bastl Thyme und NanoVerb geleitet wurden, erzeugten lange, ausklingende Delays, wobei die besten Momente für Songs ausgewählt wurden. Feuergeräusche entstanden durch Fingernagelklicken auf Klaviertasten. Feldaufnahmen hielten das Zerlegen eines Klavieruntergestells, das Löschen von Kerzen und Geräusche aus einem Hospiz fest. Die Stimme des Drachen spricht Worte aus Allens erfundener Sprache. Die Melodie liegt oft im Bass - inspiriert von Goth und Gamelan - mit nach oben gerichteten Verzierungen. Der detailreiche Ansatz spiegelt eine Punktierung wider, die Allens Original-Artwork für das Albumcover ähnelt und durch ihre obsessive Arbeit kleine Teile zu einem großen Bild zusammenfügt - unter der Dusche, vor dem Einschlafen, mitten im Satz. Das Klavier wurde von der Toningenieurin Katie Von Schleicher bei Figure 8 Recording neu aufgenommen, gemischt wurde das Album von Paul Corley. Der technische Leiter Jim Freeman arbeitete vier Monate lang am Halsgelenk und fünf Monate lang an den Schultern der Basswood-Stabpuppe, die von Bruce Schwartz' Ballerina inspiriert ist. Freeman verbrachte Jahre damit, ein selbstgebautes LED-System zu entwickeln, um das Puppenspiel von der Bühne aus zu beleuchten, und sein unwillkürliches Pfeifen während der Arbeit wurde heimlich aufgenommen und ist im Schlussmoment zu hören. Die Herstellung der Puppen wurde von Miryam Moutillet und Lauder Weldon überwacht, die hybriden Köpfe wurden von Duygu Bayar Ekren entworfen. Seit der Veröffentlichung von Tin Iso im Jahr 2023 hat Allen in der experimentellen Puppenspiel-Community von New York City eine Heimat gefunden und wird von der Jim Henson Foundation und La MaMa unterstützt. ,Osni the Flare" steht für Tristan Allens kontinuierliche Weltgestaltung mit akribischer Kontinuität - viele bewegliche Teile, die in funkelnder Kohäsion präsentiert werden, wobei sich jede Komponente aus einer Idee entwickelt, wie eine Fantasy-Serie, die im selben Reich spielt. Das Album erreicht das, was sich Allens kindliches Ich beim Anschauen von Fantasy-Filmen vorgestellt hat: Musik, die nicht so klingt, als würden Menschen Instrumente spielen, sondern wie das Werk der fantastischen Welt selbst. Durch die Kunst des Puppenspielers, ,wahre Lügen zu erzählen", lädt Allen die Zuhörer ein, etwas Ursprüngliches und Unmittelbares zu erleben. Während Osni sich von einem Sterblichen zu einer Gottheit verwandelt, zeichnet das Album nicht nur den Ursprung des Feuers nach, sondern auch den Ursprung des Mythos selbst.

Als Justin Morris 2019 nach einem Leben in North Carolina nach New York City zog, hatte er vor, das Gegenteil von dem zu machen, wofür die Leute normalerweise in die Stadt ziehen: seinen Traum aufzugeben. Seit seiner Kindheit war dieser Traum einfach: Songs schreiben, in Bands spielen, im ,Indie-Rock" leben. Aber als er für einen der größten Indie-Stars der Zeit Merchandise verkaufte, geriet diese Überzeugung ins Wanken. Von seinem Platz im Bus aus betrachtet, schien der Alltag auf Tournee nicht zu den faszinierenden Shows zu passen; Zugaben wichen einer Arbeitsrealität, die ihm die berufliche Seite von etwas zeigte, das er immer nur romantisiert hatte, und ihn fragen ließ, wo der Glanz geblieben war. Für seine naive Weltanschauung war die Kluft zwischen der Fantasie, ,es zu schaffen", und der Realität erschütternd. Wenn das ,der Traum" war, dachte er, musste er vielleicht überdacht werden. New York sollte ein Neuanfang sein, vielleicht sogar der Ort, an dem er einen anderen Beruf erlernen und die Musik hinter sich lassen würde. Doch weniger als einen Tag nach seinem Einzug in die Untermiete in Bushwick trat ein Mann mit einer Waffe seine Schlafzimmertür ein, zwang ihn auf den Boden und fesselte seine Hände mit Fernsehkabeln. In den Tagen nach dem Raubüberfall, in denen er nur noch durch Songs einen Sinn in den Dingen erkennen konnte, begann er wieder zu schreiben. Diese Songs wurden zum Beginn eines neuen Projekts, das er Sluice nannte. Sluice ist jetzt eine vierköpfige Band aus Durham, North Carolina - mit Morris an der Gitarre und am Gesang, Oliver Child-Lanning am Bass und verschiedenen Instrumenten, Avery Sullivan am Schlagzeug und Libby Rodenbough an der Geige - mit Companion, ihrem dritten Album und Debüt bei Mtn Laurel Recording Co. Es folgt auf Radial Gate aus dem Jahr 2023, das still geliebte Album, das Morris aufgenommen hatte, nachdem er aus New York geflohen war und sich mit dem damals noch unbekannten Child-Lanning in einem Haus in Hillsborough niedergelassen hatte, das er über Craigslist gefunden hatte. Dort nahm er Songs im Sylvan Essos Studio Bettys auf, während er als Zimmermann arbeitete. ,Companion" ist ein Album über das Dating, über das Verlieben zu den weitläufigen Refrains von Kenny Chesney und Alan Jackson. Der ,Begleiter" ändert seine Form: Manchmal hat er einen Namen (Sara, Bluey, Of Doe Eyes), manchmal ist er ein Hund, der morgens aus der Tür schlüpft, manchmal ist es Morris selbst, der sein Spiegelbild im Badezimmerspiegel sieht und murmelt: ,Junge, ich liebe dich." Manchmal sind es die Tischler, die Stadtbewohner, die Bandkollegen, die alten Tourkollegen, die wieder in sein Leben treten. In seinem sachlichen, ironiefreien lyrischen Stil, den Pitchfork einmal als ,eine Umerziehung in Aufrichtigkeit" beschrieb, wirken diese Menschen real, weil sie es sind. Und immer in greifbarer Nähe ist die Musik selbst, die Begleiterin, die fast verloren gegangen wäre.

,Stürmische und kathartische Dark-Pop-Perlen", schrieb Gorilla vs Bear über Jessica Weiss' frühe Soloarbeiten. Die Sängerin und Songwriterin von Fear of Men bringt dieselbe lyrische Präzision und emotionale Intensität in ihr Soloprojekt New German Cinema ein. Es hat fünf Jahre gedauert, zwischen London und LA, aufgebaut aus nächtlichen Dateien, langen Stillephasen und der stillen Beharrlichkeit zweier Menschen, die versuchen, etwas Schönes von entgegengesetzten Enden der Welt aus zu vollenden. Produziert mit Alex DeGroot (Zola Jesus, Cate Le Bon), wirkt es sowohl forensisch als auch hingebungsvoll, das Produkt von jemandem, der die Katharsis nicht überstürzt. Pain Will Polish Me präsentiert sich sowohl einsam als auch verbindend, als wäre es aus Fernübertragungen zwischen zwei Traumzuständen entstanden. Weiss nennt es eine Meditation über Pop und den europäischen Arthouse-Autoren Rainer Werner Fassbinder. Es verfolgt, wie Intimität und Kontrolle ineinander übergehen, bis es unmöglich ist zu sagen, wo das eine endet. Die Songs handeln von den Teilen von dir selbst, die sich in der Liebe auflösen, und von den kleinen Gewalttaten, die damit einhergehen, wenn man bekannt ist. Sie bewegen sich durch klaustrophobische Beziehungen, Obsession, Hingabe, Zyklen des Leidens, die sich allmählich wie Hingabe anfühlen. Die Sprache ist Pop, aber das Gefühl ist etwas Fremderes, Kälteres, Innerlicheres. Die Songs bewegen sich im Schatten. Es ist ein Album darüber, sich selbst zu verlieren, um zu sehen, was übrig bleibt. Ein Dokument der Liebe als Besessenheit, Wiederholung, Überleben. Eine Meditation über die Liebe als Spiegel und Untergang, in Fragmenten gestaltet und dann zu einem Ganzen zusammengefügt.

Sub Pop und Wolf Parade bringen eine neue Pressung ihres legendären Albums ,Apologies to the Queen Mary" auf pinkfarbenem Vinyl raus. Diese Ausgabe lässt das lange vergriffene Album wieder in seinem ursprünglichen Single-LP-Format erscheinen, kurz nachdem die TV-Serie ,Heated Rivalry" in 2025 die Single ,I'll Believe in Anything" aus dem Album einem riesigen neuen Publikum vorgestellt hat, wodurch der Song zu einem echten Viral-Hit wurde. Wolf Parade wurde 2003 in Montreal, Quebec, gegründet. Nach zwei selbstbetitelten EPs veröffentlichte die Band - Hadji Bakara (Elektronik), Dan Boeckner (Gitarre, Gesang), Spencer Krug (Keyboard, Gesang) und Arlen Thompson (Schlagzeug) - im September 2005 ,Apologies to the Queen Mary", das auf breite Zustimmung stieß. Das Album wurde von Modest Mouse-Frontmann Isaac Brock und Toningenieur Chris Chandler bei Audible Alchemy in Portland, Oregon, aufgenommen. ,Apologies to the Queen Mary" stürmt mit voller Kraft und atemlos durch Songs, die in den ersten Jahren der Band Wolf Parade geschrieben wurden. Die eingängige, energiegeladene Dringlichkeit des Albums machte sie sofort zu einer der prägenden Kräfte des Indie-Rock der 2000er Jahre. Es wurde 2006 für den renommierten kanadischen Polaris Music Prize nominiert; The Guardian schwärmte: ,insgesamt großartig"; Pitchfork gab ihm eine Bewertung von 9,2 und meinte: ,Das wahre Talent von Wolf Parade besteht darin, das Alltägliche in etwas Beispielloses zu verwandeln." Später schloss sich Pitchfork dem Chor der Kritiker an, die es zu den besten Alben der 2000er Jahre zählten. Zwei Jahrzehnte später hat "Apologies to the Queen Mary" nichts von seiner Lebendigkeit eingebüßt und gewinnt weiterhin neue Generationen von Fans für sich.

Auf ,Emeralds", dem zweiten Longplayer von Parlor Greens, präsentiert das Trio eine sorgfältig zusammengestellte Auswahl dessen, was funkige Orgelmusik leisten kann. Drei wahre Meister ihres Fachs: Tim Carman (ehemals GA-20) am Schlagzeug, Jimmy James (True Loves, ehemals Delvon Lamarr Organ Trio) an der Gitarre und Adam Scone (Scone Cash Players, The Sugarman 3) an der Orgel. Erfahrene und gefühlvolle Profis, die sich zusammengetan haben, um mitreißende, funkige Instrumental-Jams zu kreieren. Parlor Greens sind in Bestform: Sie sind eingespielt und selbstbewusster denn je, was ihre Identität und ihre Ausrichtung betrifft. Der Opener des Albums, ,Eat Your Greens", beginnt mit einem von Charles Earland inspirierten Four-on-the-Floor-Beat, wobei Jimmy und Scone den Song wie einen überladenen Güterzug vorantreiben, der einfach nicht zu stoppen ist. Greens", startet mit einem von Charles Earland inspirierten Four-on-the-Floor-Beat, wobei Jimmy und Scone den Song wie einen überladenen Güterzug vorantreiben, der einfach nicht zu stoppen ist. ,Lion's Mane" zeigt eine etwas raffiniertere Seite des Trios, mit Anspielungen auf einen von Scones Orgelmentoren , den unvergleichlichen Dr. Lonnie Smith. Um seinen Bandkollegen in nichts nachzustehen, demonstriert Tim Carman in ,Letter To Brother Ben", einem gospelartigen Shuffler, warum er den besten Shuffle diesseits des Mississippi spielt. Und obwohl die Ergebnisse stärker denn je sind, war die Stimmung bei dieser zweiten Aufnahmesession ganz anders. Als sich die drei zum ersten Mal in Loveland im Colemine's Portage Lounge Studio trafen, war die Atmosphäre von einer gewissen Frische geprägt. Es war neu, es war das erste Mal, dass sie alle zusammen spielten. Es war aufregend, es war Neuland. Die Session für Emeralds lastete viel schwerer auf allen drei Mitgliedern. Da alle drei mit persönlichen Tragödien in ihrem individuellen Leben zu kämpfen hatten, war die Session für die Gruppe ein echter Moment der Freude. Nur drei talentierte Musiker, die nun als Freunde in einer vertrauten Umgebung Musik schreiben und spielen. Nirgendwo wird die Bedeutung dieser Session deutlicher als beim letzten Titel des Albums, ,Queen Of My Heart", einem Stück, das Jimmy für seine Mutter kurz nach ihrem Tod geschrieben hat. Mit schwerem Herzen und voller Emotionen ist Colemine Records sehr stolz darauf, das zweite Album dieser drei Meister präsentieren zu dürfen. Parlor Greens präsentiert_ Emeralds.

Auf ,Emeralds", dem zweiten Longplayer von Parlor Greens, präsentiert das Trio eine sorgfältig zusammengestellte Auswahl dessen, was funkige Orgelmusik leisten kann. Drei wahre Meister ihres Fachs: Tim Carman (ehemals GA-20) am Schlagzeug, Jimmy James (True Loves, ehemals Delvon Lamarr Organ Trio) an der Gitarre und Adam Scone (Scone Cash Players, The Sugarman 3) an der Orgel. Erfahrene und gefühlvolle Profis, die sich zusammengetan haben, um mitreißende, funkige Instrumental-Jams zu kreieren. Parlor Greens sind in Bestform: Sie sind eingespielt und selbstbewusster denn je, was ihre Identität und ihre Ausrichtung betrifft. Der Opener des Albums, ,Eat Your Greens", beginnt mit einem von Charles Earland inspirierten Four-on-the-Floor-Beat, wobei Jimmy und Scone den Song wie einen überladenen Güterzug vorantreiben, der einfach nicht zu stoppen ist. Greens", startet mit einem von Charles Earland inspirierten Four-on-the-Floor-Beat, wobei Jimmy und Scone den Song wie einen überladenen Güterzug vorantreiben, der einfach nicht zu stoppen ist. ,Lion's Mane" zeigt eine etwas raffiniertere Seite des Trios, mit Anspielungen auf einen von Scones Orgelmentoren , den unvergleichlichen Dr. Lonnie Smith. Um seinen Bandkollegen in nichts nachzustehen, demonstriert Tim Carman in ,Letter To Brother Ben", einem gospelartigen Shuffler, warum er den besten Shuffle diesseits des Mississippi spielt. Und obwohl die Ergebnisse stärker denn je sind, war die Stimmung bei dieser zweiten Aufnahmesession ganz anders. Als sich die drei zum ersten Mal in Loveland im Colemine's Portage Lounge Studio trafen, war die Atmosphäre von einer gewissen Frische geprägt. Es war neu, es war das erste Mal, dass sie alle zusammen spielten. Es war aufregend, es war Neuland. Die Session für Emeralds lastete viel schwerer auf allen drei Mitgliedern. Da alle drei mit persönlichen Tragödien in ihrem individuellen Leben zu kämpfen hatten, war die Session für die Gruppe ein echter Moment der Freude. Nur drei talentierte Musiker, die nun als Freunde in einer vertrauten Umgebung Musik schreiben und spielen. Nirgendwo wird die Bedeutung dieser Session deutlicher als beim letzten Titel des Albums, ,Queen Of My Heart", einem Stück, das Jimmy für seine Mutter kurz nach ihrem Tod geschrieben hat. Mit schwerem Herzen und voller Emotionen ist Colemine Records sehr stolz darauf, das zweite Album dieser drei Meister präsentieren zu dürfen. Parlor Greens präsentiert_ Emeralds.

Auf ,Emeralds", dem zweiten Longplayer von Parlor Greens, präsentiert das Trio eine sorgfältig zusammengestellte Auswahl dessen, was funkige Orgelmusik leisten kann. Drei wahre Meister ihres Fachs: Tim Carman (ehemals GA-20) am Schlagzeug, Jimmy James (True Loves, ehemals Delvon Lamarr Organ Trio) an der Gitarre und Adam Scone (Scone Cash Players, The Sugarman 3) an der Orgel. Erfahrene und gefühlvolle Profis, die sich zusammengetan haben, um mitreißende, funkige Instrumental-Jams zu kreieren. Parlor Greens sind in Bestform: Sie sind eingespielt und selbstbewusster denn je, was ihre Identität und ihre Ausrichtung betrifft. Der Opener des Albums, ,Eat Your Greens", beginnt mit einem von Charles Earland inspirierten Four-on-the-Floor-Beat, wobei Jimmy und Scone den Song wie einen überladenen Güterzug vorantreiben, der einfach nicht zu stoppen ist. Greens", startet mit einem von Charles Earland inspirierten Four-on-the-Floor-Beat, wobei Jimmy und Scone den Song wie einen überladenen Güterzug vorantreiben, der einfach nicht zu stoppen ist. ,Lion's Mane" zeigt eine etwas raffiniertere Seite des Trios, mit Anspielungen auf einen von Scones Orgelmentoren , den unvergleichlichen Dr. Lonnie Smith. Um seinen Bandkollegen in nichts nachzustehen, demonstriert Tim Carman in ,Letter To Brother Ben", einem gospelartigen Shuffler, warum er den besten Shuffle diesseits des Mississippi spielt. Und obwohl die Ergebnisse stärker denn je sind, war die Stimmung bei dieser zweiten Aufnahmesession ganz anders. Als sich die drei zum ersten Mal in Loveland im Colemine's Portage Lounge Studio trafen, war die Atmosphäre von einer gewissen Frische geprägt. Es war neu, es war das erste Mal, dass sie alle zusammen spielten. Es war aufregend, es war Neuland. Die Session für Emeralds lastete viel schwerer auf allen drei Mitgliedern. Da alle drei mit persönlichen Tragödien in ihrem individuellen Leben zu kämpfen hatten, war die Session für die Gruppe ein echter Moment der Freude. Nur drei talentierte Musiker, die nun als Freunde in einer vertrauten Umgebung Musik schreiben und spielen. Nirgendwo wird die Bedeutung dieser Session deutlicher als beim letzten Titel des Albums, ,Queen Of My Heart", einem Stück, das Jimmy für seine Mutter kurz nach ihrem Tod geschrieben hat. Mit schwerem Herzen und voller Emotionen ist Colemine Records sehr stolz darauf, das zweite Album dieser drei Meister präsentieren zu dürfen. Parlor Greens präsentiert_ Emeralds.

Grand Theft war eine einmalige Explosion von Heavy-Rock-Wahnsinn aus Seattle im Jahr 1972. Was als augenzwinkernder Seitenhieb auf die Bombastik von Bands wie Grand Funk Railroad begann, entwickelte sich schnell zu etwas Rohes, Echtem und ganz Eigenem. Dave Barohs knurrende Gitarrenriffs, Kevin Marins donnernder Bass und Phil Klitgaards ursprüngliches, aber präzises Schlagzeugspiel schnitten wie eine knallende Peitsche in einer stürmischen Nacht durch die Luft. Ihre einzige LP, die in einer einzigen chaotischen Session aufgenommen wurde, fängt einen Moment ungefilterter Energie ein. Tracks wie ,Scream (It's Eating Me Alive)" und ,Closer to Herfy's" entstanden aus koffeinreichen langen Nächten, Insiderwitzen, scharfem Verstand und einer neuen Hingabe an die Aggressivität. Mit Radio-DJ/Manager Burl Barer, der das Chaos lenkte, erlangte das Album regionale Bekanntheit, einen ,Dream Date"-Promo-Wettbewerb und sogar Lob von Lester Bangs. Live-Auftritte waren selten - spontane, ohrenbetäubende Blitzauftritte -, aber die Legende von Grand Theft wuchs noch lange nach der Auflösung der Band weiter. Was als flüchtiger Scherz begann, wurde zu einer Proto-Metal-Kuriosität, einer Wildcard im Deck des frühen 70er-Jahre-Rock. Grand Theft bleibt ein Zeugnis des ungezähmten Geistes des Rock und ein Urschrei angesichts der Konvention.

Die 15 Songs sind eine Reise und zaubern uns mit der klassischen Rock-Group (Gitarre, Bass, Schlagzeug) sowie mit Slideguitar, Geige, Nyckel-Harpa, Chor, Klavier- und Orgelsounds bunte Bilder in den Kopf. Eine Mischung aus erdigem Blues - Country und Folkrock mit prägnanten Lyrics auf deutscher und sorbischer Sprache.Die Musik öffnet mit ruhigen, tiefen, gospelartigen Passagen Räume und bewegt sich bis hin zum Punkrock.Textlich handelt das Album vom Weg, den du mit der Zeit gehst, von den damit verbundenen Sorgen, vom Ringen mit dem Guten und dem Bösen, von Liebe, von Freundschaft aber vor allem von Hoffnung. Der Sound von J.J.Cale, Neil Young und Ry Cooder verschmilzt mit modernem Postpunk und kreiert etwas ganz eigenes. Ein Album mit vielen Ecken, Kanten und Rundungen.Jacke selbst nennt seine Musik Lusitzana, was eine Anspielung auf den Begriff Americana ist. Hier gehts jedoch um das Leben in den langsam austrocknenden Sümpfen und Wäldern der Lausitz, rund um die Spree - Wo die Wölfe heulen und die Schafe ins Gras beißen. Aber die Hoffnung stirbt zuletzt und der Rock wird siegen! (Henne)

Nightmare Tripping markiert ein neues Kapitel für DON BROCO, eine Band, die auf Unvorhersehbarkeit
und Neuerfindung aufgebaut ist. Seit ihrer Gründung im Jahr 2008 hat das Quartett Metal, Post-Hardcore,
Funk und elektronische Elemente zu etwas ganz Eigenem verschmolzen. Ihr Debüt bei Fearless Records
zeigt sie von ihrer härtesten und nuanciertesten Seite, wobei sie darauf das Unerwartete begrüßen und mit
Bedacht zu Extremen neigen. In Zusammenarbeit mit ihrem langjährigen Partner Dan Lancaster dringt
die Band tiefer in harte Gesangstexturen, dunklere Themen und experimentelle Wendungen vor, inspiriert
von einer Welt, die sich zunehmend unsicher anfühlt.

Blau-weiße Corona-Vinyl Doppel-LP im Klappcover. Ursprünglich 2017 rausgebracht und jetzt zum ersten Mal in Europa über Sub Pop erhältlich! Pure Comedy, das dritte Album von Father John Misty, ist eine komplexe, oft sarkastische und ebenso oft berührende Reflexion über die verwirrende Torheit der modernen Menschheit. Father John Misty ist das Projekt von Singer-Songwriter Josh Tillman. Wir könnten viel über Pure Comedy sagen, zum Beispiel, dass es ein mutiges, wichtiges Album in der Tradition amerikanischer Songwriting-Größen wie Harry Nilsson, Randy Newman und Leonard Cohen ist, aber wir denken, es ist am besten, wenn sein Schöpfer es selbst beschreibt. Los geht's, Mr. Tillman: Pure Comedy ist die Geschichte einer Spezies, die mit einem unvollständig entwickelten Gehirn geboren wurde. Die einzige Überlebenschance dieser Spezies, die sich auf einem grausamen, unberechenbaren Felsen wiederfindet, umgeben von anderen Spezies, die in dieser ganzen Sache viel geschickter zu sein scheinen (und für die sie eine Delikatesse sind), besteht darin, sich auf andere, etwas ältere, halb ausgebildete Gehirne zu verlassen. Diese Abhängigkeit bekommt im Laufe der Geschichte verschiedene Namen, wie ,Liebe", ,Kultur", ,Familie" usw. Mit der Zeit und da sich ihre Gehirne als bemerkenswert gut darin erweisen, Bedeutung zu erfinden, wo keine ist, wird die Spezies zum Lieferanten immer bizarrerer und raffinierterer Ironien. Diese Ironien sollen helfen, mit der abscheulichen Verletzlichkeit der Spezies fertig zu werden und zu versuchen, ihre Fantasie mit der Monotonie ihrer Existenz in Einklang zu bringen. So in etwa. Pure Comedy wurde 2016 in den legendären United Studios (Frank Sinatra, Ray Charles, Beck) in Hollywood, Kalifornien, aufgenommen. Produziert wurde es von Father John Misty und Jonathan Wilson, die Tonarbeit übernahm Mistys langjähriger Tontechniker Trevor Spencer und die Orchesterarrangements stammen vom bekannten Komponisten und Kontrabassisten Gavin Bryars (bekannt für seine umfangreichen Soloarbeiten und seine Zusammenarbeit mit Brian Eno, Tom Waits und Derek Bailey).

Veränderung, so sagt man, ist das Einzige, was im Leben immer gleich bleibt. Passenderweise fühlt sich die vielseitige Musikerin Avalon Emerson wohl dabei, den ständigen Wandel ihres Lebens in ,Written into Changes" zu verarbeiten, ihrem zweiten Album, das sie unter dem Namen Avalon Emerson & the Charm rausgebracht hat. Das Album ist das Ergebnis intensiver kreativer Arbeit und Überarbeitungen. Die Themen des Albums, persönliche Entwicklung und die Entwicklung von Beziehungen, ,wurden erst klar, als alles fertig war", so Emerson. Die Entstehung von ,Changes" war, wie es sich gehört, ganz anders als die von ,& the Charm". Während dieses Album, wie Emerson sagt, ,sanft und intim" war, ist es diesmal energiegeladener, weil Emerson genau überlegt hat, wie das Material live rüberkommen würde. Das Ergebnis ist ein bandorientiertes, aber grooviges und tanzbares Werk. Der von Breakbeats untermalte Titel ,Eden" hat einen ,baggy" Sound, der an Dance-Rock-Hybride der späten 80er und frühen 90er Jahre erinnert. Der witzige Titel ,How Dare This Beer" wurde als liebevolle Hommage an die Magnetic Fields geschrieben. ,Die Jahre 1987 bis 1994 sind für mich die beste Ära der Musik", sagt Emerson. ,Und mit Nathan überschneiden sich unsere musikalischen Vorlieben ziemlich stark." Nathan ist Nathan Jenkins, alias Bullion, der ,& the Charm" mitproduziert hat und nun zurückgekehrt ist, um den Großteil des Nachfolgealbums zu übernehmen. Ein Großteil der Aufnahmen fand im Winter und Frühjahr 2024 in Braintree, England, statt. Die beiden mit Rostam Batmanglij koproduzierten Tracks (,Jupiter & Mars" und ,Earth Alive") wurden in Los Angeles aufgenommen. Synth-Elemente wurden in der Synth Cabin bei Rosen Sound in Glendale, Kalifornien, hinzugefügt. Obwohl sich die gemeinsame Arbeit an ,Written into Changes" ziemlich von Emersons Solo-Produktionen für die Tanzfläche unterscheidet, ist der Einfluss von Dance-Musik überall zu spüren. Emerson hat sich bei der Arbeit an ihrer Musik besonders auf die tiefen Töne konzentriert. ,Der Bass hatte definitiv Priorität", sagt sie. Emerson schrieb die Melodien und Texte für ,Written into Changes", wobei letztere größtenteils aus ihrem persönlichen Leben stammen. ,Dieses Mal war es mein Ziel, mit meinen Texten etwas direkter zu sein", sagt sie. Der Titelsong, einer der Favoriten der Künstlerin, handelt von ihrem Umzug von Berlin nach Los Angeles im Jahr 2020. Das frenetische ,Happy Birthday" hat eine sonnige Stimmung, die durch sanft-verheerende Texte wie die des Refrains untermalt wird: ,Too young to die / Too old to break through" (Zu jung, um zu sterben / Zu alt, um durchzubrechen). Der Track wurde bereits in Clubs getestet - Emerson hat ihn schon in ihre Sets in Clubs wie der Panorama Bar im Berliner Berghain und im Nowadays in Brooklyn eingebaut. Sowohl ,Eden" als auch ,Country Mouse" sind Oden an Emersons Beziehung zu ihrer Frau Hunter, während ,I Don't Want to Fight" und ,Earth Alive" davon handeln, ,zu erkennen, dass man Menschen nicht ändern kann und versuchen muss, sie so zu akzeptieren, wie sie sind, und manchmal bedeutet das, sie aus der Ferne zu lieben", sagt sie. Written into Changes ist ein Album, das nicht nur davon handelt, Veränderungen zu akzeptieren, sondern sie mit offenen Armen zu empfangen. Fortschritt ist sowohl auf dem Album als auch hinter den Kulissen ein Thema, sodass ,written into changes" eine bewusste Herangehensweise an den Ausdruck und das Leben selbst beschreibt.

GAEREA ist nichts weniger als ein fantastisches Rätsel, tief verwurzelt in Extremen und leidenschaftlicher Hingabe. In weniger als einem Jahrzehnt hat das maskierte Kollektiv, das in der portugiesischen Stadt Porto gegründet wurde, unzählige dunkle Facetten des Metal getestet und präsentiert nun mit "Loss" sein fünftes Album sowie Debüt bei Century Media Records.
"Wir haben das getan, was wir immer getan haben - wir sind unserem Instinkt gefolgt", sagt der anonyme Sänger von GAEREA. "Doch etwas sagt mir, dass dieses neue Album Elemente hat, die sowohl unsere neuen als auch unsere alten Fans lieben werden - aber es ist nicht gerade genau das, was sie von uns erwarten."
"Loss" definiert GAEREA neu und verquickt Elemente aus ihrer Post-Black-Metal Vergangenheit mit eindringlichen Melodien zu raffinierten Klanglandschaften. Dabei schlüpft die Band aus dem kreativen Kokon, um sich in etwas ebenso Mitreißendes wie Unerwartetes zu verwandeln: Es gibt Klargesang. Es gibt Refrains, die so eingängig und leidenschaftlich sind wie die besten Rock- und Metal-Songs. Und doch ist es unverkennbar GAEREA.
Die maskierte und ritualisierte Bühnenpräsenz der Band ist nicht nur Teil einer Show, sondern ein integraler Bestandteil von GAEREA, der ihre musikalische Extremität auf ein philosophisches, avantgardistisches Level hebt. Ihre Uniformen bieten dabei eine gesichtslose und androgyne Leinwand, die es ihnen erlaubt, sich in vollkommen in ihre Performance zu stürzen, die nicht zuletzt durch eine gewisse Körperlichkeit in ihren Bann zieht. Trotz ihrer dunklen Präsenz versprüht die Band stets einen Hauch von Transzendenz und Positivität. Mit "Loss" verschmelzen GAEREA die Ästhetik des Extreme Metal, die Offenheit des Post-Rock und einen freigelegten, emotionalen Nerv zu einem neuen musikalischen Paradigma.
Das ist GAEREA.
"Loss" ist erhältlich als: Ltd. CD Digipak in O-Card, LP, Digital Album

Bei einem aktuellen Auftritt von DREAM_MEGA stand Joel Kyack allein auf der Bühne und schickte einen Soundstrom auf das Publikum los. Überwältigt von den gruseligen Frequenzen, den eindringlichen Rhythmen und den wilden, verstimmten Vocals, flüsterte ein Besucher seinem Nachbarn zu: ,Ich glaube, der Typ hat Kontakt zu Dämonen." Ob aus Angst oder Bewunderung gesagt, diese Anschuldigung ist angesichts des zweiten Albums von DREAM_MEGA, ,Control / You Are Not the Center", durchaus zutreffend. Die Platte ist voller Bedrohung. Man hört es in den mutierten Kriegsmarschen, im Dancehall-Reflux, im dröhnenden Bass. Man hört es in den kristallklaren Melodien und den sehnsüchtigen Aufstiegen. Man hört es sogar in dem Cover von Guided by Voices. Joels Beziehung zu verstörenden Klängen - dem Channeling von Dämonen - besteht nun schon seit Jahrzehnten. Seine langjährige Tätigkeit bei Landed, der Band, die er 1997 mitbegründet hat, verläuft parallel zu Joels Beiträgen zu Six Finger Satellite, Men's Recovery Project, Megafuckers, Dos Mega und Street Buddy. Diese unermüdliche Hingabe führt direkt zu dem fieberhaften Verfall seiner heutigen Arbeit, aber Dream Mega ist etwas ganz Besonderes. Entstanden aus Joels Nahtoderfahrung im Jahr 2020 - einer Woche der Schwäche, die er isoliert in Thailand verbrachte, Blut hustete und seine Bettlaken durchnässte - erobert DREAM_MEGA einen einzigartigen Raum an der Schnittstelle zwischen Konfrontation und Hingabe. Aufbauend auf seinen eigenen Erfahrungen bei Hardcore-Shows und Straßenauftritten treibt Joel DREAM_MEGA in einen antipodalen Zustand, in dem Hyperbewusstsein und befreiende Transzendenz koexistieren. Die Songs auf ,Control / You Are Not the Center" starren unerschrocken auf unsere dumme, gefährliche Welt, ähnlich wie es ein Song von Dropdead tun würde, aber gleichzeitig heben sie die Last dieser Katastrophe und drängen auf eine luftige Atempause. Ein Teil davon ist Joels kompositorischer Ansatz, bei dem er alte Holzblasinstrumente gegen digitale Synthesizer setzt und unnatürliche Schaltkreise mit menschlichem Atem kreuzt. Aber im Kern geht es um Joels dringendes Bedürfnis, mitten in der Nacht seine Angst und Traurigkeit und die Funken der Hoffnung anzusprechen und sie in etwas zu verwandeln, das sein Herz trotz allem weiter schlagen lässt. Es ist ein Akt der Klarheit und Selbsterhaltung, der so geschickt inszeniert ist, dass jeder Zuhörer die Dämonen spüren kann, die in seinem eigenen Herzen wirken. ,Control / You are Not The Center" enthält Klangbeiträge von Ryan Weinstein (Coffi n Prick), Cordey Lopez und Lisa Anne Auerbach. Es ist empfehlenswert für Fans von Hassell & Enos ,Fourth World, Vol.1: Possible Musics", Houstons Chopped-and-Screwed-Szene und Captain Beefheart.

Zooparty sind international betrachtet so etwas wie Spätzünder, wenngleich sie in der skandinavischen Punkszene seit zwei Jahrzehnten eine high credibility genießen (Skrutt Magazine: "So damn good, I really love this group") und Kenner ihre Alben im Plattenschrank schon lange wie einen raren Schatz aufbewahren. Als die Band 2024 ihr Album "No matter what you say" veröffentlichte, bemerkte nicht nur das legendäre "Maximum RocknRoll" US-Magazine, dass "I am, in fact, late to the party with this band. Fortunately, they're still raging. They fucking rock Yay, I love this. Hats off " Die mitreißende Mixtur aus poppigem Punk, englischem 77er-Punkrock, Glam und ehrlichem Streetrock'n'Roll. (Ox-Fanzine) spricht eigentlich für sich selbst und obwohl Punk-Legenden wie Glen Matlock von den Sex Pistols, Brian James/ The Damned und sogar KISS-Gitarrist Bruce Kulick ihr Potential erkannten und Songs mit Zooparty aufnahmen, sind die Schweden einfach immer zu bescheiden gewesen, um sich groß ins Rampenlicht zu rücken. Eigentlich ist jedes ihrer Alben bisher ein Volltreffer gewesen oder wie schon Englands Mass Movement Fanzine 2018 schrieb: "If you like your punk with a pop edge and relish the classic Fat Wreck Chords period, then Zooparty may well have created your favourite album of the year! Pogo, pogo!" Ihr neues Album "XX" zum 20jährigen Jubiläum steht dem in nichts nach. Jede Band bezeichnet ihr neues Album als "Ihr Bestes". Zooparty darf man das aber getrost glauben: "XX" ist voller fesselnder Punkrock-Songs, die Aggression mit Wut, Verzweiflung und der klarer Message mit einem Sound verbinden. Mit Lieder wie "Stop it now" und "An eye for an eye" fassen sie alles zusammen, was Punk seit Jahrzehnten so faszinierend macht, bringen es in die Zukunft und machen daraus ihre eigene, "pogotastische Mischung" aus Tragik und Melodie. Mit dem Black Sabbath-Cover "Never say die" verabschieden sich Zooparty zusammen mit "Nomads"-Gitarrist Hans Östlund auf ihre Art von der Legende Ozzy Osbourne. Apropos Sound: Mastermind Chips Kiesbye (Sator, Nomads, The Hellacopters, etc) hat es sich auch diesmal nicht nehmen lassen, das Album zu produzieren.

Zooparty sind international betrachtet so etwas wie Spätzünder, wenngleich sie in der skandinavischen Punkszene seit zwei Jahrzehnten eine high credibility genießen (Skrutt Magazine: "So damn good, I really love this group") und Kenner ihre Alben im Plattenschrank schon lange wie einen raren Schatz aufbewahren. Als die Band 2024 ihr Album "No matter what you say" veröffentlichte, bemerkte nicht nur das legendäre "Maximum RocknRoll" US-Magazine, dass "I am, in fact, late to the party with this band. Fortunately, they're still raging. They fucking rock Yay, I love this. Hats off " Die mitreißende Mixtur aus poppigem Punk, englischem 77er-Punkrock, Glam und ehrlichem Streetrock'n'Roll. (Ox-Fanzine) spricht eigentlich für sich selbst und obwohl Punk-Legenden wie Glen Matlock von den Sex Pistols, Brian James/ The Damned und sogar KISS-Gitarrist Bruce Kulick ihr Potential erkannten und Songs mit Zooparty aufnahmen, sind die Schweden einfach immer zu bescheiden gewesen, um sich groß ins Rampenlicht zu rücken. Eigentlich ist jedes ihrer Alben bisher ein Volltreffer gewesen oder wie schon Englands Mass Movement Fanzine 2018 schrieb: "If you like your punk with a pop edge and relish the classic Fat Wreck Chords period, then Zooparty may well have created your favourite album of the year! Pogo, pogo!" Ihr neues Album "XX" zum 20jährigen Jubiläum steht dem in nichts nach. Jede Band bezeichnet ihr neues Album als "Ihr Bestes". Zooparty darf man das aber getrost glauben: "XX" ist voller fesselnder Punkrock-Songs, die Aggression mit Wut, Verzweiflung und der klarer Message mit einem Sound verbinden. Mit Lieder wie "Stop it now" und "An eye for an eye" fassen sie alles zusammen, was Punk seit Jahrzehnten so faszinierend macht, bringen es in die Zukunft und machen daraus ihre eigene, "pogotastische Mischung" aus Tragik und Melodie. Mit dem Black Sabbath-Cover "Never say die" verabschieden sich Zooparty zusammen mit "Nomads"-Gitarrist Hans Östlund auf ihre Art von der Legende Ozzy Osbourne. Apropos Sound: Mastermind Chips Kiesbye (Sator, Nomads, The Hellacopters, etc) hat es sich auch diesmal nicht nehmen lassen, das Album zu produzieren.

Nachauflage auf schwarzem Vinyl. 22 Jahre nach ihrer ersten Veröffentlichung und 10 Jahre nach ihrem letzten Album sind Nebula wieder da. Wenn du jetzt "Holy Shit!" denkst hast du es ziemlich genau getroffen. "Holy Shit" ist Nebulas erste LP seit "Heavy Psych" (2009), und beantwortet schnell die Frage die sich stellte, seitdem Gitarrist/Sänger Eddie Glass, Bassist Tom Davies und Schlagzeuger Michael Amster 2017 die Reformierung der Band angekündigt haben: Nebula sind immer noch Nebula. Seit den Tagen der 1998er Let it Burn EP und dem mittlerweile klassischen To the Center Debütalbum waren Nebula immer nur ein wenig gefährlicher. Nur etwas mehr aus den Angeln gehoben. Holy Shit zeigt diesen von vorne nach hinten für den wesentlichen Teil ihres Charakters, der er ist, und doch versucht er nicht, etwas zu sein, was sie schon einmal getan haben, sei es bei diesen frühen Ausflügen oder Heavy Psych or Charged (2001), Apollo (2003) oder Atomic Ritual (2005). Es ist ein sechstes Nebula-Album - etwas, worauf selbst die leidenschaftlichsten Fans kaum gehofft hätten. Die Grundtracks wurden in zwei Tagen aufgenommen, aufgenommen in den Mysterious Mammal Studios in L.A. mit Matt Lynch (ebenfalls von Snail) am Steuer. Leads und Loops und Feedback-Effekte wurden von Glass and Davies live aufgenommen, als sie die Basic-Tracks aufnahmen, genau so, wie sie es auf der Bühne tun würden, und Overdubs folgten bei Bedarf. Eine Fülle von Material wurde produziert und auf den Kern dessen, was man hier hört, reduziert. Ein sechstes Nebelalbum. Und wenn du es hörst, wirst du feststellen, dass du diesen Titel immer wieder sagst. Cover Art von ROBIN GNISTA

Nachauflage auf senfgelbem Vinyl. Limitiert auf 300 Exemplare. 22 Jahre nach ihrer ersten Veröffentlichung und 10 Jahre nach ihrem letzten Album sind Nebula wieder da. Wenn du jetzt "Holy Shit!" denkst hast du es ziemlich genau getroffen. "Holy Shit" ist Nebulas erste LP seit "Heavy Psych" (2009), und beantwortet schnell die Frage die sich stellte, seitdem Gitarrist/Sänger Eddie Glass, Bassist Tom Davies und Schlagzeuger Michael Amster 2017 die Reformierung der Band angekündigt haben: Nebula sind immer noch Nebula. Seit den Tagen der 1998er Let it Burn EP und dem mittlerweile klassischen To the Center Debütalbum waren Nebula immer nur ein wenig gefährlicher. Nur etwas mehr aus den Angeln gehoben. Holy Shit zeigt diesen von vorne nach hinten für den wesentlichen Teil ihres Charakters, der er ist, und doch versucht er nicht, etwas zu sein, was sie schon einmal getan haben, sei es bei diesen frühen Ausflügen oder Heavy Psych or Charged (2001), Apollo (2003) oder Atomic Ritual (2005). Es ist ein sechstes Nebula-Album - etwas, worauf selbst die leidenschaftlichsten Fans kaum gehofft hätten. Die Grundtracks wurden in zwei Tagen aufgenommen, aufgenommen in den Mysterious Mammal Studios in L.A. mit Matt Lynch (ebenfalls von Snail) am Steuer. Leads und Loops und Feedback-Effekte wurden von Glass and Davies live aufgenommen, als sie die Basic-Tracks aufnahmen, genau so, wie sie es auf der Bühne tun würden, und Overdubs folgten bei Bedarf. Eine Fülle von Material wurde produziert und auf den Kern dessen, was man hier hört, reduziert. Ein sechstes Nebelalbum. Und wenn du es hörst, wirst du feststellen, dass du diesen Titel immer wieder sagst. Cover Art von ROBIN GNISTA

Ora Cogans Musik ist wie Alchemie: teils Instinkt, teils Ritual und immer aus den Ecken entstanden, wo das Leben am intensivsten ist. ,Hard Hearted Woman", ihr Debüt bei Sacred Bones, ist wie ein Zauber für alle, die in einer immer härter werdenden Welt wild bleiben wollen. Mit einer Mischung aus eindringlichem Folk, Psych Rock und einem Hauch von Country schafft Cogan eine Welt, in der Katharsis üppig, geheimnisvoll und lebenswichtig ist. Geschrieben im ,Twin Peaks"-ähnlichen Nanaimo, British Columbia, entstand ,Hard Hearted Woman" aus einer Mischung aus kalten Wasserbädern, langen Schwimmrunden im Fluss, nächtlichen Gesprächen mit Freunden über Kunst und Politik und langen Autofahrten durch die ländliche Landschaft von Lillooet, um ihre Patin zu besuchen. Sie nahm das Album mit ihrer geliebten Band und Gästen aus der Country- und Experimentalmusikszene zusammen mit David Parry (Loving) im Dream Club in Victoria, British Columbia, sowie in ihrem Studio in Nanaimo und aus der Ferne mit Tom Deis auf. Das Ergebnis ist ein Album, das wie etwas aus Rauch und Meerwasser geglänzt ist - intim, schimmernd und ebenso von Witz wie von Trauer geprägt. Es ist eine wirbelnde, juwelenfarbene Ode an alle Engel und Dämonen. Das Album beginnt mit ,Honey", einem langsam aufblühenden, brennenden Song, der auf warmen Streichern und lockeren, treibenden Percussions aufgebaut ist. Cogans Stimme ist ruhig, rauchig und tröstlich und richtet sich an die ,hartgesottene Frau", die das Album prägt. Der Song, der als Reaktion auf die Anti-Trans-Gesetzgebung geschrieben wurde, strahlt Widerstandsfähigkeit aus, ohne jemals seine Zärtlichkeit zu verlieren. ,The Smoke" steigt auf einem hypnotischen Rhythmus empor, der an JJ Cale erinnert, während er die Form auseinanderzieht. Es ist ein Groove für die Endzeit, in dem Congas, Shaker, geknackte Gitarren und geisterhaft verwitterte Texturen aufeinanderprallen, während Cogan die dunkleren Ecken unserer gemeinsamen Menschlichkeit durchforstet. In ,Division" hallt ihre Stimme durch eine karge, hallende Landschaft. Der Song baut sich auf wie eine Leuchtrakete in der Nacht, ein Plädoyer gegen die betäubende Grausamkeit, die heutzutage zur Routine geworden ist. ,Hard Hearted Woman" ist ein Werk der Hingabe an das Geheimnisvolle, an die Gemeinschaft, an die seltsame Kraft, in einer zerbrochenen Welt Kunst zu schaffen. ,Das ist der wichtigste Teil, die Magie", sagt Cogan. Trotz seines Titels geht es in Hard Hearted Woman nicht darum, sich zu verschließen, sondern um Härte als Widerstandsfähigkeit. Es ist die Hülle, die wir uns zulegen, damit unser menschlichstes, zerbrechlichstes Selbst überleben kann. Es ist ein Album für alle, die versuchen, offen zu bleiben, auch wenn die Welt das unmöglich erscheinen lässt.

Transmitter ist Max Clarkes viertes Album als Cut Worms. Produziert von Jeff Tweedy im Loft Studio von Wilco, zeigt Transmitter, wie Clarke seine Fähigkeiten weiterentwickelt hat und wie zwei Künstler zusammenkommen, die in ihrer Arbeit nach Anmut inmitten von Entwurzelung suchen. Es sind Orte, die vom Mythos der Selbstständigkeit geprägt sind, an denen Menschen, die die Idee der Verbindung durch Technologie verkauft haben, zu stillen Sendern reduziert wurden - Datenpunkte, die gekauft und verkauft, manipuliert und gemessen werden und deren Leben durch genau die Netzwerke verzerrt wird, die sie eigentlich verbinden sollten. Die ersten Anzeichen für Transmitter gab es, als Cut Worms im Sommer 2024 als Vorgruppe von Wilco unterwegs waren. Am Ende der Tour lud Tweedy die Band ein, im legendären Loft in Chicago aufzunehmen, und schon bald wurden Pläne geschmiedet, im Herbst damit zu beginnen. In der gemütlichen Unordnung aus Gitarren, Verstärkern und Büchern im Loft fanden Clarke und Tweedy schnell eine gemeinsame musikalische Basis und eine gemeinsame Vorliebe für komplexe Songs. Während Clarkes Stimme und Texte den Rahmen bildeten, skizzierten Tweedys Gitarren- und Basslinien die Räume, in denen die Songs leben. Tweedys Präsenz als Produzent zeigte sich nicht in hartnäckigen Entscheidungen, sondern darin, wie er Räume kolorierte und immer wieder neue Texturen anbot. Zwischen ihnen überbrückte ihre gleichgesinnte Sensibilität eine Generationskluft, um etwas zu schaffen, das nuancierter war, als es jeder von ihnen allein hätte schaffen können. Wenn frühere Veröffentlichungen von Cut Worms von der Dekadenz des Brill Building und verrückter Americana geprägt waren, wirkt der Sound auf Transmitter dunkler, reichhaltiger und gesättigter mit der Angst des modernen Lebens. ,Long Weekend" beschleunigt die Zeit und hat die melodische Dringlichkeit von Big Star oder Dwight Twilley. ,Evil Twin" kämpft mit bitterer Enttäuschung, seine gesprächigen Gitarren erinnern an den klirrenden Herzschmerz von The Replacements und The Go-Betweens, und ,Windows on the World" neigt sich mit einer Melancholie, die irgendwo zwischen Elliott Smith und Miracle Legion schwebt, der Sonne der Zukunft zu. Der letzte Titel ,Dream" bringt uns zurück auf eine vertraute Ebene: Clarke allein am Klavier, zart und unentschlossen, grübelt er über das Schicksal von Träumen und das Risiko, zu kurz zu kommen oder sich auf dem Weg zu verlieren. Transmitter zeigt Clarke in voller Fahrt, der mit der Überzeugung eines Menschen schreibt, der seinen Frieden mit der Ungewissheit gemacht hat. Diese Songs setzen sich mit den Kosten des Komforts auseinander und kehren zu der Idee zurück, dass Schönheit, Verbundenheit und Liebe keine Luxusgüter sind, sondern Überlebensnotwendigkeiten. Clarke fühlt sich zu Paradoxien hingezogen - der Reibung zwischen Intimität und Flucht, Glauben und Zweifel, Schatten und Licht. Seine Vergebung kommt, wie die des abgeschnittenen Wurms, durch Übertragung zustande: durch den Akt, etwas Zerbrechliches in den Lärm zu entlassen und darauf zu vertrauen, dass es noch immer spürbar ist.

Transmitter ist Max Clarkes viertes Album als Cut Worms. Produziert von Jeff Tweedy im Loft Studio von Wilco, zeigt Transmitter, wie Clarke seine Fähigkeiten weiterentwickelt hat und wie zwei Künstler zusammenkommen, die in ihrer Arbeit nach Anmut inmitten von Entwurzelung suchen. Es sind Orte, die vom Mythos der Selbstständigkeit geprägt sind, an denen Menschen, die die Idee der Verbindung durch Technologie verkauft haben, zu stillen Sendern reduziert wurden - Datenpunkte, die gekauft und verkauft, manipuliert und gemessen werden und deren Leben durch genau die Netzwerke verzerrt wird, die sie eigentlich verbinden sollten. Die ersten Anzeichen für Transmitter gab es, als Cut Worms im Sommer 2024 als Vorgruppe von Wilco unterwegs waren. Am Ende der Tour lud Tweedy die Band ein, im legendären Loft in Chicago aufzunehmen, und schon bald wurden Pläne geschmiedet, im Herbst damit zu beginnen. In der gemütlichen Unordnung aus Gitarren, Verstärkern und Büchern im Loft fanden Clarke und Tweedy schnell eine gemeinsame musikalische Basis und eine gemeinsame Vorliebe für komplexe Songs. Während Clarkes Stimme und Texte den Rahmen bildeten, skizzierten Tweedys Gitarren- und Basslinien die Räume, in denen die Songs leben. Tweedys Präsenz als Produzent zeigte sich nicht in hartnäckigen Entscheidungen, sondern darin, wie er Räume kolorierte und immer wieder neue Texturen anbot. Zwischen ihnen überbrückte ihre gleichgesinnte Sensibilität eine Generationskluft, um etwas zu schaffen, das nuancierter war, als es jeder von ihnen allein hätte schaffen können. Wenn frühere Veröffentlichungen von Cut Worms von der Dekadenz des Brill Building und verrückter Americana geprägt waren, wirkt der Sound auf Transmitter dunkler, reichhaltiger und gesättigter mit der Angst des modernen Lebens. ,Long Weekend" beschleunigt die Zeit und hat die melodische Dringlichkeit von Big Star oder Dwight Twilley. ,Evil Twin" kämpft mit bitterer Enttäuschung, seine gesprächigen Gitarren erinnern an den klirrenden Herzschmerz von The Replacements und The Go-Betweens, und ,Windows on the World" neigt sich mit einer Melancholie, die irgendwo zwischen Elliott Smith und Miracle Legion schwebt, der Sonne der Zukunft zu. Der letzte Titel ,Dream" bringt uns zurück auf eine vertraute Ebene: Clarke allein am Klavier, zart und unentschlossen, grübelt er über das Schicksal von Träumen und das Risiko, zu kurz zu kommen oder sich auf dem Weg zu verlieren. Transmitter zeigt Clarke in voller Fahrt, der mit der Überzeugung eines Menschen schreibt, der seinen Frieden mit der Ungewissheit gemacht hat. Diese Songs setzen sich mit den Kosten des Komforts auseinander und kehren zu der Idee zurück, dass Schönheit, Verbundenheit und Liebe keine Luxusgüter sind, sondern Überlebensnotwendigkeiten. Clarke fühlt sich zu Paradoxien hingezogen - der Reibung zwischen Intimität und Flucht, Glauben und Zweifel, Schatten und Licht. Seine Vergebung kommt, wie die des abgeschnittenen Wurms, durch Übertragung zustande: durch den Akt, etwas Zerbrechliches in den Lärm zu entlassen und darauf zu vertrauen, dass es noch immer spürbar ist.

"No Regrets" wurde 2003 veröffentlicht und ist das vierte Album der schwedischen Hardrock-Band Hardcore Superstar. Das Album setzt ihre charakteristische Mischung aus Sleaze-Rock, Glam-Metal und Punk-Energie fort und liefert eine Sammlung von rohen und hochoktanigen Tracks.

Herausragende Songs wie "Still I'm Glad", "Honey Tongue" und "No Regrets" zeigen das Gespür der Band für ansteckende Melodien, düstere Gitarrenriffs und rebellische Attitüde. Während sie ihren unverkennbaren Sound beibehalten, ist das Album im Vergleich zu seinem Vorgänger etwas härter und düsterer ausgefallen.

Obwohl "No Regrets" ihr letztes Album vor einer kurzen stilistischen Veränderung war, bleibt es ein Fan-Favorit und ein wesentlicher Teil der Entwicklung von Hardcore Superstar. Vollgepackt mit Attitüde und hymnischen Hooks festigte das Album ihren Ruf als eine der führenden schwedischen Hardrockbands, die Fans von Sleaze und Classic Rock gleichermaßen anspricht.

"No Regrets" ist in einer limitierten Auflage von 666 einzeln nummerierten Exemplaren auf Translucent Red Vinyl erhältlich

Die französisch-afrikanische Künstlerin Amy Gadiaga (AH-mee GAH-dee-ah-gah) ist eine in London lebende Bassistin, Sängerin und Komponistin. Ihre Debüt-EP "All Black Everything" hatte eine wichtige neue Stimme in der Londoner Jazzszene angekündigt. Mit ihrem neuen Projekt "BabyGoated" macht Gadiaga einen mutigen Schritt in Richtung Farbe und Selbstbewusstsein. Sie folgt ihrem Instinkt, über den Jazz hinaus zu expandieren und Musik zu machen, die sich weitläufig, grenzenlos und ihren Wurzeln treu anfühlt. "BabyGoated fasst zusammen, wer ich bin", erklärt Gadiaga. "Sowohl verletzlich (Baby) als auch mutig (Goated). Es ist niedlich und liebenswert, aber auch ein bisschen arrogant." Der Titel spiegelt die Dualitäten wider, die das Projekt prägen: zwischen Demut und Stolz, Sanftheit und Stärke, göttlicher Energie und menschlicher Unvollkommenheit. ,Das ganze Projekt ist ein ständiger Kampf zwischen Selbstbewusstsein und Verlorenheit - aber immer voller Anmut." Während "All Black Everything" sich auf erweiterte Jazz-Instrumentierung stützte, tauscht "BabyGoated" diese gegen Direktheit ein. Gadiagas Stimme rückt in den Vordergrund und verleiht ihrem inneren Dialog mit ungeschützter Klarheit Gestalt. "BabyGoated" setzt auf organische Texturen und nutzt warmes Klavier, Trompete und folkige Gitarrenklänge. Zum ersten Mal schreibt sie auch in französischer Umgangssprache. Das ist eine befreiende Wendung, die ihre französische und afrikanische Identität verbindet. "Normalerweise schreibe ich auf Französisch poetisch und extravagant", sagt sie. "Aber dieser Song entstand aus der Absicht, etwas zu schaffen, mit dem sich mein jüngeres Ich identifizieren und das es genießen kann." Die EP ist durchzogen von einer überschwänglichen Stimmung, sowohl in der Musik als auch in den Bildern. In Zusammenarbeit mit einem Kreis enger Mitarbeiter, die sie liebevoll ihre African Baddies nennt, ließ sich Gadiaga von ihrem afrikanischen Erbe inspirieren, um die Welt von "BabyGoated" zu einer farbenfrohen Vision zu formen, die Individualität und panafrikanischen Stolz zelebriert. Letztendlich ist "BabyGoated" eine Geschichte über Selbstvertrauen, Verwandlung und Freude.

Headline: Alexis Taylor von Hot Chip setzt seine Soloreise fort.

Alexis Taylor zählt zu den markantesten Singer-Songwritern des UK, der mit seiner unverwechselbaren Stimme ein beachtliches Solowerk geschaffen hat. "Paris In The Spring" ist sein bisher persönlichstes Album, das individuelle wie auch universelle Gefühle offenbart. Die Texte scheuen sich nicht vor eindringlichen Themen, doch musikalisch präsentiert sich die LP unbeschwert, beschwingt und zeitgemäß, mit eleganten Disco-House-Elementen, sinnlichen Basslinien und von Vangelis inspirierten Klanglandschaften.

Taylor hat für diese lebendige Klangwelt namhafte Künstler ins Boot geholt, darunter Nicolas Godin (Air), The Avalanches, Lola Kirke, Oli Bayston, Étienne de Crécy, Elizabeth White (Pale Blue) und Green Gartside (Scritti Politti). In dieser Welt trifft ein intimer Country-Stil auf die eingängige Popmelodie von Paul McCartney, den futuristischen Funk von Sly & The Family Stone und, so Taylor, "Synthesizer, die im Regen stehen gelassen wurden". Hier verschmelzen britisches Americana und französisches Flair – irgendwo auf dem Mars. Das Ergebnis ist ein Album über die Freiheit von Zwängen, von Vorurteilen, von Genregrenzen. Taylor experimentiert mit verschiedensten Musikstilen – Country, Folk, Disco – und hat sie zu etwas Einzigartigem verwoben.