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Black Tusk kennen sich schon lange. Gitarrist Andrew Fidler und Schlagzeuger James May sind beide in den Sümpfen von Savannah, Georgia, aufgewachsen, wo sie seit 19 Jahren gemeinsam auf die Pauke hauen.
Obwohl sie oft in einem Atemzug mit Baroness und Kylesa genannt werden, sind Black Tusk ein ganz anderes Kaliber. Diese Sumpfmonster haben sich nie weit von ihren Wurzeln im Metal, Sludge und Punk entfernt, obwohl sie auf ihrem letzten Album nach dem Tod von Bassist Jonathan Athon darum kämpfen mussten, weiter zu bestehen.
The Way Forward ist das Ergebnis des gewonnenen Kampfes. Das Album stürmt mit neuer Besetzung (zu der auch die ehemaligen Mitstreiter Chris "Scary" Adams und Bassist Derek Lynch gehören) direkt nach vorne. Gemeinsam bahnt sich die Band einen Weg in die Zukunft, indem sie sich auf das verlassen, was Black Tusk am besten kann. Die Leadsingle "Brushfire" kommt mit einem fiesen, hässlichen, mit den Füßen stampfenden Riff daher. Der raue und ruppige Gesang lässt die Boxen durch "Dance on Your Grave" trampeln, während "Breath of Life" mit erhobener Faust lostrommelt, als ob ein Gewitter rollt und kracht.

Black Tusk kennen sich schon lange. Gitarrist Andrew Fidler und Schlagzeuger James May sind beide in den Sümpfen von Savannah, Georgia, aufgewachsen, wo sie seit 19 Jahren gemeinsam auf die Pauke hauen.
Obwohl sie oft in einem Atemzug mit Baroness und Kylesa genannt werden, sind Black Tusk ein ganz anderes Kaliber. Diese Sumpfmonster haben sich nie weit von ihren Wurzeln im Metal, Sludge und Punk entfernt, obwohl sie auf ihrem letzten Album nach dem Tod von Bassist Jonathan Athon darum kämpfen mussten, weiter zu bestehen.
The Way Forward ist das Ergebnis des gewonnenen Kampfes. Das Album stürmt mit neuer Besetzung (zu der auch die ehemaligen Mitstreiter Chris "Scary" Adams und Bassist Derek Lynch gehören) direkt nach vorne. Gemeinsam bahnt sich die Band einen Weg in die Zukunft, indem sie sich auf das verlassen, was Black Tusk am besten kann. Die Leadsingle "Brushfire" kommt mit einem fiesen, hässlichen, mit den Füßen stampfenden Riff daher. Der raue und ruppige Gesang lässt die Boxen durch "Dance on Your Grave" trampeln, während "Breath of Life" mit erhobener Faust lostrommelt, als ob ein Gewitter rollt und kracht.

Ltd Fanbox mit: 1x LP light blue Vinyl Emilio – Blessings / CD Emilio – Blessings / Cap (unisex, onesize, navy) / Gewinnspielzugang für ein Meet&Greet mit Emilio in Kooperation mit Lacoste am 27.04.24 in Berlin / Notizbuch mit 80 Seiten, liniiert / Kunstdruck / DIN A5 StickerbogenDas langersehnte, dritte Studioalbum des deutschen Ausnahmekünstlers Emilio ist vielschichtig. "Blessings" kommt mit weder straightem Pop, noch R&B, noch Rap, noch mehr als "Roter Sand" und "1996" mit einem ganz eigenen Vibe daher. Smooth im Klang, trotzdem immer wieder auch über allen Maßen detailverliebt, dann wieder mit dem Mut zur Lücke und immer mit genug Raum für Emilios Stimme, Stories und Songs.

Das langersehnte, dritte Studioalbum des deutschen Ausnahmekünstlers Emilio ist vielschichtig. "Blessings" kommt mit weder straightem Pop, noch R&B, noch Rap, noch mehr als "Roter Sand" und "1996" mit einem ganz eigenen Vibe daher. Smooth im Klang, trotzdem immer wieder auch über allen Maßen detailverliebt, dann wieder mit dem Mut zur Lücke und immer mit genug Raum für Emilios Stimme, Stories und Songs.

The new album from the 'DeaThrash' trailblazers CARRION VAEL. Melodic Death Metal collides with furious Trash in an essential offering for fans of Alterbeast, The Black Dahlia Murder, At The Gates and Benighted!

Superb maxi dancefloor hardbreak 1 hardtek Dancefloor

Der OST zu Paul Kings Film 'Wonka' (2023), einem Prequel zu dem bereits mehrfach verfilmten Kinderbuch 'Charlie und die Schokoladenfabrik' von Roald Dahl. Die Partitur enthält sowohl köstliche Originalmusik, vorgetragen von Protagonist Timothée Chalamet und der phänomenalen Ensemblebesetzung mit Hugh Grant, Calah Lane und Keegan-Michael Key, sowie neue Musik des gefeierten Komponisten Joby Talbot und des Songwriters Neil Hannon. Braunes und cremefarbenes Doppelvinyl in Nagaoka-Stil-Innenhüllen samt Einleger im Hochglanz-Gatefold mit Obi-Strip.

Necrot continue their ascent to the forefront of American aural extremity, pushing the boundaries of style and continuing to recast metal in their image. Founded by bassist, vocalist and principal songwriter Luca Indrio and drummer Chad Gailey in 2011 – guitarist Sonny Reinhardt joined the next year – the Oakland, California, trio offer Lifeless Birth (in continued collaboration with Tankcrimes) as a culmination of their to-date efforts to encapsulate and push forward the deathly stylings of 2020’s Mortal and their 2017 debut, Blood Offerings. It’s not about giving up a ferocity that’s helped make them a household name among the converted. Instead, Necrot use that same, by-now-characteristic intensity as the backdrop for an expanded songwriting palette. They’ve always been a band who stood out. The maturity they show on Lifeless Birth confirms that’s been the plan all along. It is a vision of what metal can be and do in 2024, tearing down old barriers and keeping those traditional elements that make it stronger. Recorded with Grammy-winning producer Greg Wilkinson (who has helmed all three Necrot albums) and mastered by Brad Boatright at Audiosiege, Lifeless Birth pivots fluidly between technical intricacy, progressive poise and all-out brutality. Scouring lead work will have thrash heads nodding knowingly, and an overarching groove reaches out across the metal microgenres with a righteous call to worship. Its songs are memorable and varied, unpretentious but able to rear up with statelier violence. At the same time, “Drill the Skull,” “Cut the Cord,” “The Curse” and others prove that just because a song is beating you into the ground doesn’t mean it can’t also be forward-thinking. Or catchy. After having their Mortal tour plans scuttled owing to the covid pandemic, family health issues that led Luca, who became a US citizen in 2016 and currently lives in Mexico, to return to Italy for a time canceled what would have been their first tour post-plague. Still, despite this and Chad suffering a broken back, requiring multiple surgeries and intense physical therapy to be able to drum again, period, Luca being struck with Bell’s Palsy the night before he was originally due to fly to the studio to record, and Sonny requiring multiple surgeries on his hands in the months since they finished, Necrot charge forward with material distinguished in its real-world point of view and willingness to look beyond extreme metal tropes in lyrics, the melodies of its guitar solos, and unbridled audience engagement. For a collection of songs that feel so much written for the stage, it should be no surprise tours early in 2024 and summer festivals are to be announced. Mortal (2020, Tankcrimes) was #2 on Billboard's Top New Artist chart, #30 on the Top Current Albums chart, #4 on the Current Hard Music, and #10 on the Heatseeker Albums chart for week of release. Necrot have toured in North America, Europe, Australia and Japan, and shared the stage with Cannibal Corpse, Immolation, The Black Dahlia Murder, Suffocation, Morbid Angel, and hundreds of others. Expect no letup as Lifeless Birth brings Necrot all the more to their own place among metal’s superlatively aggressive proliferators. – JJ Koczan

Das neueste Projekt der X Ambassadors ist von ihren eigenen Lebenserfahrungen inspiriert, die sie gemacht haben, als sie in einer Kleinstadt im Bundesstaat New York aufwuchsen (daher auch der Albumtitel ”Townie”). Die Texte sind zwar sehr spezifisch auf die Heimatstadt der Band bezogen, aber die Stimmung ist universell. Nostalgie nicht nur für die eigene Heimatstadt, sondern auch für die eigene Jugend und die glückselige Naivität der Jugend. Das Bedauern darüber, dass man mit zunehmendem Alter und der damit verbundenen klaren Rückschau wünscht, man hätte die Dinge anders gemacht oder sie als das gewürdigt, was sie zu jener Zeit wirklich waren. Das Gefühl, vergessen und zurückgelassen zu werden, während die Freunde kommen und gehen. Die Erleichterung, es überstanden zu haben. Die Schuld des Überlebenden, es geschafft zu haben

30 Jahre nach der Veröffentlichung des selbstbetiteln Debütalbums erscheint "Electric Orange" nun endlich auch auf Vinyl gepresst. Die Doppel LP kommt auf 180g schwerem, orange-marbled Vinyl und im Gatefold-Sleeve daher. Dirk Jan Müller interessiert sich seit 1988 für die deutsche Underground-Musik der 70er Jahre, und seine Leidenschaft für Bands wie Amon Düül, Tangerine Dream, Nektar, Neu! und Can führte dazu, dass er Synthesizer, Keyboards, Verstärker und verschiedene Musikgeräte aus den 70er Jahren sammelte. Von seinem Heimstudio aus veröffentlichte er einige Underground-Kassetten mit elektronischer Musik, die im Kassettennetzwerk zu kursieren begannen ("Octopus's Garden" und "Time Signals"), bis 1992 eine britische Firma namens Electronic Dreams "Time Signals" veröffentlichte. In der Zwischenzeit begann Dirk mit der Arbeit am Debütalbum "Electric Orange", zu dem er eine Reihe anderer Musiker und eine Fülle von Instrumenten wie Hammondorgel, Saxophon, Flöte, verschiedene Schlaginstrumente, Samples und E-Gitarren hinzuzog. Im März 1994 veröffentlichte das deutsche Underground-Elektronik-Label "Manikin" das Album auf CD. Es hieß schlicht "Electric Orange" und war eine atemberaubende Mischung aus Krautrock der frühen 70er Jahre und psychedelischem Space Rock, aber mit einem völlig modernen Sound, der das Genre mit neuen Technologien und Produktionswerten aktualisierte. Das Album wurde schnell zu einer begehrten Veröffentlichung, allerdings haperte es am Vertrieb und schien somit zum Kultstatus verdammt zu sein, bis Delerium Records es entdeckte und die Rechte erwarb. Auch 30 später fasziniert der Electric Orange-Sound noch immer und es war überfällig, dieses Juwel endlich auch auf Vinyl zu veröffentlichen.

Curacao-blaues Vinyl, bedruckte Innenhülle. Farbe ltd auf 500 Exemplare

Hi! Spencer, plötzlich leicht wie eine Wolke? Cover und Titel des neuen Albums lassen das vermuten. Aber keine Sorge! „Wir machen immer noch furchtbar melancholische Songs“, sagt die Band, die sich traditionell in keine Schublade stecken lässt, sondern sich irgendwo zwischen Indie, Pop, Rock und Punk befindet. Und doch gibt es in „oben“ einen Twist, der neu ist für die Osnabrücker: Die Songs bleiben inhaltlich nicht da stehen, wo sie beginnen, bohren sich nicht immer tiefer rein in das Gefühl – sondern zeigen Lösungen und Ausblicke auf. Und so schließt „oben“ nahtlos an das letzte Album „memori“ an, denn wie hieß es dort so schön? „Doch das geht, fängt man an, die Perspektive zu drehen.“ Eine andere Sicht einnehmen, eine Situation so annehmen, wie sie ist – das ist ein wesentliches Thema in den neuen Hi! Spencer-Songs.

Das Wechselspiel aus oben sein, oben bleiben und immer mal wieder abzufallen bringt Frontsänger Sven Bensmann gewohnt stimmgewaltig zum Ausdruck. Und das Wissen darum: Es gibt keine pauschal gute Zeit, es gibt nur ein Akzeptieren der Tatsache, dass man irgendwann einen Umgang mit seinen Themen findet. Und sich dadurch oben hält. Nicht die Umstände sind es, die sich ändern – sondern der Blick darauf: „Es tut anders weh, weil ich jetzt versteh …“ („Vermissen“). In „oben“ geht es auch um den Erhalt des Guten und die Gewissheit, dass man immer mal wieder abdriften kann und wird. Und, etwa in Songs wie „Nebel“ oder „Juno“, dass auch andere einen aus einem Tief holen können – und es sich daher immer lohnt, Gutes hochleben zu lassen!

Passend dazu zeigt das Artwork der Platte erstmalig ein gemeinsames Foto der Fünf. Zentrales Element auf dem Cover ebenso wie bei Merch und Co ist die Wolke – denn kaum etwas ist weiter „oben“. Wolken sind leicht. Sie schweben. Sind hell, oft durchsichtig. Und doch können sie uns die Sicht vernebeln und regenschwer am Himmel hängen. Sie verschwinden, bilden sich neu. Driften ab. Lösen sich auf. Sie können alles sein.

"Das größte Problem, das die Kunst heutzutage hat, ist, dass sie nicht mehr weh tut", sagt GHØSTKID-Sänger und Provokateur Sebastian "Sushi" Biesler. "Vor allem hier in Deutschland haben die Leute so viel Angst davor, Grenzen zu überschreiten. Kunst zu machen, die zum Nachdenken und Fühlen anregt." So ist es nicht verwunderlich, dass Sushi und Co. mit dem zweiten Album von GHØSTKID, HOLLYWOOD SUICIDE, die Grenzen ihres Heimatlandes verlassen haben, um ihren energiegeladenen, hakenreichen Nu-Metalcore weiterzuentwickeln. Das Ergebnis ist ebenso aufrichtig wie musikalisch ambitioniert und klanglich makellos. GHØSTKID liefern Goth-Nu-Rock-Core, der die ohnehin schon hohe Messlatte, die GHØSTKID 2020 mit ihrem selbstbetitelten, von Pandemie überschatteten Century Media-Debüt gelegt haben, noch höher legen wird. Von den Trap-Metal-inspirierten Beats und dem erdrückenden Metalcore-Riffing, das den Titeltrack des Albums eröffnet, bis hin zu den beunruhigenden Melodien des elegischen Schlussstücks "Helena Drive" ist "HOLLYWOOD SUICIDE" ein perfekter Schnappschuss eines Künstlers, der aus seinen eigenen persönlichen Trümmern vor einem zerfallenden, mythischen kalifornischen Milieu kriecht. "HOLLYWOOD SUICIDE" ist erhältlich als: transparent-rote 180g LP

With his new EP "Popcorn" the Italian rapper/singer Done chooses to hybridize his hip-hop roots, leaving himself influenced by house and new jack swing. Done's flow blends with the sounds of 909, 808, Korg M1, Juno 106, giving birth to a record with a strongly swingbeat heart but which also flirts with boogie funk and smooth jazz. Music produced by Francesco Fisotti feat. Andrea Rossetti, Issam Dahmani, Filippo Bubbico, Vincenzo Destradis.

Hinter dem Bandnamen Potato Beach versteckt sich ein Wiener Indie-Surf Kollektiv rund um Mastermind Jannik Rieß. Bislang gab es eine EP, die als Tape erschienen ist. Der Strand ist für alle da! "Back on the road, driving slowly, sipping coke" - Mit den ersten Zeilen auf "DIP IN" legt Jannik Rieß direkt ein Geständnis ab. Der deutsche Wahlwiener und Multiinstrumentalist hinter dem Musikprojekt Potato Beach, bekennt sich mit seinem Debüt zum Softdrink bei Einhalten des Tempolimits - und damit zur eigenen Kartoffeligkeit. Sympathisch! Potato Beach's durchaus nostalgischer Garage-Rock versucht gar nicht erst, dem Bravado und Machismo alter (The Kinks) oder neuer (Foxygen) Inspirationen nachzueifern. Rieß erzählt lieber seine eigenen Geschichten in der lähmenden Sommerhitze Wiens, irgendwo zwischen zu lang jung bleiben und zu früh alt werden. Die Platte braucht keine waghalsigen Salti vom Zehner schlagen, um in die Tiefe zu gehen. Vielmehr lädt sie uns dazu ein, mit baumelnden Füßen am Beckenrand tief ins Rot-Weiß der Freibadpommes zu tauchen. Schmeckt vertraut - und ziemlich lecker. So wabern simple, aber sorgfältig arrangierte Vintage-Riffs und schrullige Orgeln wie Hitzeschlieren am Horizont, wenn Rieß "Why are we feeling guilty for not doing anything?" oder "How can anyone go to work?" die blöden Fragen stellt, über die wir alle rätseln. Potato Beach's Selbstreflexionen sind am Puls der Zeit getaktet und sprechen dabei ganz ungezwungen 0,5 bis 2,5 Kartoffelgenerationen von der Pelle. So handeln sie nicht etwa von Heroin und Manic Pixie Dream Girls, sondern von Ghosting, Fernbeziehungen oder dem Gefühl der Einsamkeit unter Vielen. Potato Beach befreit den Küstenrock der 60er vom alten Rost und verleiht ihm mit ehrlichen, nachdenklichen und bodenständigen Anekdoten einen zeitgenössischen Anstrich. Dass Potato Beach mit "DIP IN" nicht dem Mackertum seiner Blaupausen folgt, ist kein Zufall. Nachdem Rieß' musikalische Vorbilder durch ihren Sexismus unhörbar wurden, sah er sich gezwungen, seine Lieblingsmusik selbst neu zu schreiben. Dass er das komplette Instrumentarium und den Gesang der 11 Tracks im Alleingang aufgenommen hat, zeigt: Dem ist das wirklich wichtig. Hingabe, Leidenschaft und Weltschmerz hallen jedenfalls deutlich hörbar aus dem Röhrenverstärker. Nur vereinzelt tauchen Vertraute Musiker:innen der Schwesterbands Peter the Human Boy oder Gardens auf, um ein Cello hier oder ein Keyboard dort einzuspielen. Die sind auch dabei, wenn die Freibäder Wiens warm genug werden, um die Platte live zu performen. Bis dahin sorgt "DIP IN" mit seiner warmen Melancholie für süße Tagträume vom Sehnsuchtsort Strand. "DIP IN" erinnert uns: Ob Potaetoe oder Potahtoh, every Body is a Beach Body!

Mit dem Album „Nina’s Back“, das erstmals 1985 erschien, macht Verve Records nach „Fodder On My Wings“ von 1982 ein zweites ungewöhnliches Nina-Simone-Album aus den 1980er Jahren wieder erhältlich. „Nina’s Back“ ist Nina Simones Pop-orientiertestes Album, mit Black Music, World Music und sogar Disco-Einflüssen. Bei Puristen hat es daher lange Zeit unterschiedlichen Ruf genossen. Mit heutigen Ohren gehört, ist „Nina’s Back“ jedoch ein packendes Werk, das es vierdient hat wiederentdeckt zu werden, nicht zuletzt wegen einiger großartiger Songs aus der Feder der Musikerin.

Dostrotime ist Spaß im Squarepusher-Stil. Schwere, intensive, herausreissende, experimentelle, elektronische Musik für pures Hochgefühl. Keine Entschuldigung nötig, eine für das Squarepunter-Massiv! Anfang 2020 hatte Squarepusher gerade sein letztes Album 'Be Up A Hello' mit großem Erfolg veröffentlicht und bereitete sich auf eine weltweite Tour mit einigen seiner bisher größten Shows vor. Dann kam die Pandemie und alles war vorbei ... Ohne Ablenkung begab sich der Künstler direkt in sein Studio, um mit neuen Aufnahmen zu beginnen. Er sagt: 'Ohne die üblichen Unterbrechungen verlief die Zeit anders.' Es ist eine Episode, die er Dostrotime nennt. Daher ist Dostrotime ein Versuch, die Besonderheit der durch den Lockdown katalysierten Musik als Teil der Feier des Endes des Lockdowns einzufangen.

In 20 Jahren hat Sänger und Gitarrist Thomas Gurrath ein ganzes Banduniversum aus Debauchery, Blood God und Balgeroth erschaffen und vereint diese Trinity of Blood Gods nun unter dem Namen BLUTGOTT. Musikalisch genreübergreifend gibt es stampfenden Death Metal, klassischen Heavy Metal und groovigen Hard Rock, mal mit kreischenden Vocals, mal mit der markanten Monsterstimme, mal clean und alles dazwischen.
Die Texte - mal deutsch-, mal englischsprachig - handeln von Gurraths eigenem Dark Fantasy Universum, der World of Blood Gods, benannt nach den Blutgöttern - biomechanischen Vampirdrachen mit dämonischen Fähigkeiten.

Jeder der 10 Songs kommt auf einer separaten CD erstmalig in der deutschen Balgeroth-Version, in der Blood God Heavy Metal-Version und in einer alternativen Debauchery-Version daher und ist somit eine Sammlung mit Gurraths persönlichen Favoriten in einem neuen Gewand.

On the find list of many vinyl aficionados, this VITAMIN D produced funk jam, initially on the CHERRIES label is back after 13 years. Remastered with instrumental and acapella versions. On the B-side is another funk ditty titled "I LIKE," alongside "MAKE IT BETTER" feat. DAHLIAM. 7 tracks in all. Fans of his releases on STAR CREATURE & ALL NATURAL should dig this. Full pic sleeve.

Das neue Album der englischen Punkband The Chisel:
„Die Band wurde einst als ‚verdammter Albtraum‘ beschrieben, aber obwohl wir nette Menschen sind, akzeptieren wir das Chaos, das mit all dem
einhergeht, und fanden es daher passend, unser nächstes Album so zu betiteln. Die Lieder selbst folgen hauptsächlich diesem Thema, beziehen sich
aber auf alle Aspekte des Lebens. Textlich gibt es keine metaphorischen Bedeutungen, kein fantastisches Geschichtenerzählen, keinen prätentiösen
Blödsinn … einfach Geschichten über ein Leben, das so gelebt wird, wie es immer sein wird.“

Das neue Album der englischen Punkband The Chisel:
„Die Band wurde einst als ‚verdammter Albtraum‘ beschrieben, aber obwohl wir nette Menschen sind, akzeptieren wir das Chaos, das mit all dem
einhergeht, und fanden es daher passend, unser nächstes Album so zu betiteln. Die Lieder selbst folgen hauptsächlich diesem Thema, beziehen sich
aber auf alle Aspekte des Lebens. Textlich gibt es keine metaphorischen Bedeutungen, kein fantastisches Geschichtenerzählen, keinen prätentiösen
Blödsinn … einfach Geschichten über ein Leben, das so gelebt wird, wie es immer sein wird.“

Riding the Low are fronted by actor Paddy Considine, who was inspired to start a band after seeing Guided by Voices play live. "Robert Pollard's songwriting is just incredible. The immediacy of it just blew me away. His presence on stage... Being a fan felt like being in a gang. I wanted my own gang". The name Riding The Low came from a biography on Lee Marvin that Paddy read before the idea of having a band was even conceived. "There was a section in the book where it described the way Lee felt after he’d completed a movie. He used to see a psychiatrist who advised him that after movies he should fill his time doing the things he enjoys to take his mind off things and settle him back into normal life. The psychiatrist called this period 'Riding the Low'." 'Riding the Low' initially came about as a hobbyist outlet for Paddy's musical interest and ability; writing Pavement inspired songs on acoustic guitar on his own, before developing them with The Leisure Society's Nick Hemming.

Artillery ist keine Band mit vielen Live-Alben. Tatsächlich haben sie in über vier Jahrzehnten nur ein einziges herausgebracht. Bis jetzt. Wenn es schon
passieren muss, dann sollte es etwas Besonderes sein. Hier kommt "Raw Live (At Copenhell)". Aufgenommen im Jahr 2022, gerade nach der
Pandemie-Sperre, auf einem der größten Metal-Festivals in ihrem Heimatland (und einem der größten Metal-Festivals in Europa!), war das Live-Set
der Dänen tadellos. Leider war es auch einer der letzten Live-Auftritte des Schlagzeugers Josua Madsen, der im Jahr darauf bei einem Autounfall ums
Leben kam. Es markiert auch einen Wendepunkt für die altgedienten Thrasher, die sich kürzlich von Sänger Michael Bastholm Dahl und Gitarrist Kraen
Meier verabschiedet haben und sich auf eine neue Ära freuen. Aber verbeugen wir uns erst einmal vor Josuas Monsterauftritt auf der Copenhell 2022
und hören wir uns an, was Artilleries Gitarrist und Gründer Michael Stützer über die Veröffentlichung zu sagen hat.
"Es war das Jahr 2022, als wir das Angebot bekamen, auf einem der absolut coolsten Metalfestivals der Welt zu spielen: Copenhell. In den Jahren
zuvor war alles von COVID-19 zerstört worden. 2022 war also das Jahr, in dem wir aktiv wurden. Große Festivals kontaktierten uns, das deutsche
Fernsehen und so weiter. Rockhard, Sweden Rock, Brutal Assault und Copenhell. Die Bühne mit Bands wie KISS, Metallica, Iron Maiden, Mercyful
Fate, Judas Priest zu teilen, größer geht es kaum. Wir haben uns hingesetzt und beschlossen, das Konzert mitzuschneiden, es sollte so roh wie möglich
sein, so authentisch wie möglich, und die Hoffnung war, die Tracks als Bonus für zukünftige Veröffentlichungen verwenden zu können. Als wir die
Aufnahme erhielten, dachten wir, dass die Aufnahme als Konzert und nicht als Bonustracks veröffentlicht werden sollte."

180g, schwarzes Vinyl. Gatefold-Sleeve. Es ist ein bisschen schade, dass das Album von Monta erst jetzt kommt. Denn es wäre ein so perfekter Begleiter durch den Sommer gewesen. Für die guten und die verregneten Tage, die wachgelegenen Nächte und die Ohrstöpsel-Fahrradfahren ins Gegenlicht hinein. Diese Songs entwickeln ihre Wirkung in den (metaphorisch oder wörtlich) betrunkenen Momenten mit anderen, mit denen man gern zusammen möglichst laut die Refrains aus der Bluetooth-Box mitsingt. Genauso gut aber auch in den Zeiten, in denen man von all dem Sonnenlicht und Rausgeh-Trubel eher ein wenig Herzschmerz kriegt. Weil man plötzlich an Menschen denken muss, die weit weg sind oder gar nicht mehr da. Und man sich plötzlich den Super-8-Film anschaut, der im eigenen Kopf abläuft, und auch den findet man eigentlich schön. Monta, das ist und war schon immer Tobias Kuhn. ,Pacific" ist sein erstes neues Album seit 2007, und obwohl das wirklich eine lange Zeit ist, erinnert man sich noch sehr gut: Tobias Kuhn war immer schon ein Sänger, Songschreiber und Musiker, der das Intime und Hymnische, das psychedelisch Nachglühende und die große, alles vereinende Melodie zusammenbringen konnte. Nicht abwechselnd, sondern beides in einem. Und die beste Nachricht: Auf den neun Songs von ,Pacific" gelingt ihm diese hohe Kunst noch glänzender, vielschichtiger und bildstärker als je zuvor. Und die noch bessere: Es gibt ja bald wieder einen Sommer. Bis dahin können wir die Songs dann auch auswendig mitsingen, also beste Voraussetzungen.

Die Crystal Fighters melden sich mit ihrem fünften Album „LIGHT+“ zurück! Das Konzept hinter „LIGHT+“ war einfach: Eine Neu-Definition der Crystal Fighters, indem sie zu ihren Grundwerten zurückkehren. Daher ist ihr neues Album voller Ideen – von Rave-Workouts bis hin zu tropischem Pop, von Anklängen an kolumbianischen Cumbia bis hin zu köstlichen Popmelodien. „Mehr Licht. Mehr Positivität. Mehr Klarheit. Wir alle brauchen mehr Hoffnung in unserem Leben.“ Crystal Fighters sind wie ein Lichtstrahl in der Dunkelheit – bald geht die Sonne auf und die Party kann beginnen. Passend dazu erscheint das Album auf „Glow In The Dark“ Vinyl und als CD!

VEMOD sind alles andere als eine Durchschnittsband. Die Norweger existieren vielmehr in musikalischen und lyrischen Grenzbereichen. Das zweite Album des Trios, "The Deepening", ist aus demselben tonalen Granit gemeißelt, aus dem schon der Vorgänger "Venter på stormene" vor über einem Jahrzehnt geschlagen wurde. Das klangliche Grundgestein lagert im Ort Namsos, wo VEMOD um die Jahrhundertwende vom damals 12-jährigen Jan Even Åsli als lebenslanges Projekt aus musikalischer Leidenschaft ins Leben gerufen wurden. Die nächstgelegene Großstadt ist Trondheim, wo die eigenwillige lokale Nidrosian Black Metal Szene, die sich auf den ursprünglichen Namen der Stadt bezieht, die ersten musikalischen Bezugspunkte für VEMOD lieferte - wie das erste Demo "Kringom fjell og skog" (2004) eindeutig belegt.
Als die Norweger sieben Jahre später mit dem Track "Moestæ Qverelæ" auf einer Split-Single sowie dem Demo "Vinterilden" im Jahr 2011 erneut auftauchten, hatten sie sich signifikant verändert. Das Trio hatte Elemente verstärkt, die schon zuvor vorhanden waren: Eine Prise Erhabenheit, die an frühe IN THE WOODS... erinnert, ein Schuss Melancholie und eine Messerspitze introvertierter Kontemplation inmitten einer breiten Palette emotionaler und dunkelfarbiger Klangbilder. VEMODs musikalischer Wandel findet Parallelen in der Entwicklung der französischen Brüder im Geiste, ALCEST, obwohl es in beide Richtungen keinen direkten Einfluss gab. Im Nachhinein können die Norweger als Vorreiter für aktuell so populäre Stile wie Blackgaze und Post-Black Metal gelten, obwohl sie sich beides nie auf ihre Fahne geschrieben haben. Mit ihrem Debütalbum "Venter på stormene" öffneten VEMOD im Jahr 2012 ihre Musik für neue Orte: Auf einen denkwürdigen Auftritt beim renommierten Beyond the Gates Festival in Bergen im Jahr 2013 folgte die legendäre Show im Vigeland Mausoleum beim Osloer Inferno Festival, die ein Jahr später VEMODs exzellenten Ruf sogar jenseits des Atlantiks zementierte.
"The Deepening" kommt nun mit einer veränderten Produktion daher, die ein neues Klangbild erzeugt, ohne sich von den Wurzeln der Band zu lösen. Auch stilistisch beschreiten die Norweger neue Wege, indem sie ihrem Sound weitere Elemente hinzufügen. Die lyrischen Themen, die sich durch "The Deepening" ziehen, erzählen von Veränderung, Vergänglichkeit, Transformation und Wachstum. "The Deepening" will die Möglichkeit bieten, lang gehegte Überzeugungen und tröstliche Illusionen zu überwinden. Wahrheit kann schmerzen. Und eine Wahrheit ist, dass an der Wegkreuzung, die VEMODs zweites Album erreicht hat, ein vertieftes Verständnis ihrer musikalischen Welt wartet.

VEMOD sind alles andere als eine Durchschnittsband. Die Norweger existieren vielmehr in musikalischen und lyrischen Grenzbereichen. Das zweite Album des Trios, "The Deepening", ist aus demselben tonalen Granit gemeißelt, aus dem schon der Vorgänger "Venter på stormene" vor über einem Jahrzehnt geschlagen wurde. Das klangliche Grundgestein lagert im Ort Namsos, wo VEMOD um die Jahrhundertwende vom damals 12-jährigen Jan Even Åsli als lebenslanges Projekt aus musikalischer Leidenschaft ins Leben gerufen wurden. Die nächstgelegene Großstadt ist Trondheim, wo die eigenwillige lokale Nidrosian Black Metal Szene, die sich auf den ursprünglichen Namen der Stadt bezieht, die ersten musikalischen Bezugspunkte für VEMOD lieferte - wie das erste Demo "Kringom fjell og skog" (2004) eindeutig belegt.
Als die Norweger sieben Jahre später mit dem Track "Moestæ Qverelæ" auf einer Split-Single sowie dem Demo "Vinterilden" im Jahr 2011 erneut auftauchten, hatten sie sich signifikant verändert. Das Trio hatte Elemente verstärkt, die schon zuvor vorhanden waren: Eine Prise Erhabenheit, die an frühe IN THE WOODS... erinnert, ein Schuss Melancholie und eine Messerspitze introvertierter Kontemplation inmitten einer breiten Palette emotionaler und dunkelfarbiger Klangbilder. VEMODs musikalischer Wandel findet Parallelen in der Entwicklung der französischen Brüder im Geiste, ALCEST, obwohl es in beide Richtungen keinen direkten Einfluss gab. Im Nachhinein können die Norweger als Vorreiter für aktuell so populäre Stile wie Blackgaze und Post-Black Metal gelten, obwohl sie sich beides nie auf ihre Fahne geschrieben haben. Mit ihrem Debütalbum "Venter på stormene" öffneten VEMOD im Jahr 2012 ihre Musik für neue Orte: Auf einen denkwürdigen Auftritt beim renommierten Beyond the Gates Festival in Bergen im Jahr 2013 folgte die legendäre Show im Vigeland Mausoleum beim Osloer Inferno Festival, die ein Jahr später VEMODs exzellenten Ruf sogar jenseits des Atlantiks zementierte.
"The Deepening" kommt nun mit einer veränderten Produktion daher, die ein neues Klangbild erzeugt, ohne sich von den Wurzeln der Band zu lösen. Auch stilistisch beschreiten die Norweger neue Wege, indem sie ihrem Sound weitere Elemente hinzufügen. Die lyrischen Themen, die sich durch "The Deepening" ziehen, erzählen von Veränderung, Vergänglichkeit, Transformation und Wachstum. "The Deepening" will die Möglichkeit bieten, lang gehegte Überzeugungen und tröstliche Illusionen zu überwinden. Wahrheit kann schmerzen. Und eine Wahrheit ist, dass an der Wegkreuzung, die VEMODs zweites Album erreicht hat, ein vertieftes Verständnis ihrer musikalischen Welt wartet.

Phobocosm aus Montréal setzen ihre karriereübergreifende Zusammenarbeit mit Dark Descent Records mit ihrem dritten Album Foreordained fort.

Foreordained ist eine Verschmelzung von allem, was vor ihm kam. Eine perfekt ausbalancierte Verschmelzung der düsteren Death-Metal-Verderbtheit des Debüts Deprived, gemischt mit dem verheerenden Doom von Bringer Of Drought. Bemerkenswerterweise war dies von Anfang an der Plan: Als wir "Deprived" schrieben, beschlossen wir, dass unsere ersten drei Alben eine Trilogie sein würden, und "Foreordained" ist das letzte Kapitel dieser Trilogie. Wir haben uns bewusst bemüht, alle drei Alben auf ähnliche Weise zu gestalten, da wir wollten, dass sie miteinander verbunden sind - beginnend mit einem langsamen, erdrückenden Doom-Song und endend mit einem langen, epischen, depressiven Song. Das ist kein Zufall", verrät Gitarrist Samuel Dufour.


Wie die Wahl des Genres vermuten lässt, geht es in den lyrischen Konzepten von Foreordained um den Tod und die Vergeblichkeit, die eigene Sterblichkeit zu leugnen. Daher auch der Name des Albums: "Da der Tod unvermeidlich ist, ist auch das Ende allen Lebens und unseres Planeten unvermeidlich, also gibt es auch apokalyptische Themen. Der Schlusspunkt 'For an Aeon' handelt von einer möglichen Art und Weise, wie die Welt, wie wir sie kennen, enden könnte."

Eingehüllt in ein Artwork des unnachahmlichen Lauri Laaksonen von Desolate Shrine, Convocation und Pestilent Hex, wird Foreordained ein Death Metal-Highlight des Jahres 2023 werden.

„Little Rope” ist eines der besten und vielschichtigsten Alben in der fast 30-jährigen Karriere von SleaterKinney. Das Album als makellos zu bezeichnen, wäre eine Beleidigung für seine Intention - es stürzt sich kopfüber in Fehler und Gebrochenheit - eine Meditation darüber, was das Leben in einer Welt der ständigen Krise aus uns gemacht hat und was wir im Gegenzug der Welt antun. Oberflächlich betrachtet, reichen die 10 Songs des Albums von sparsam bis hymnisch, von eingängig bis absichtlich hart.

Dahinter verbergen sich jedoch die vielleicht komplexesten und subtilsten Arrangements aller Sleater-Kinney-Alben und ein lyrischer und emotionaler Kompass, der fest in die Richtung von etwas sowohl Befreiendem als auch Erschreckendem weist: das Gefühl, dass der einzige Weg, die Kontrolle zu gewinnen, darin besteht, sie loszulassen.

„Little Rope” ist eines der besten und vielschichtigsten Alben in der fast 30-jährigen Karriere von SleaterKinney. Das Album als makellos zu bezeichnen, wäre eine Beleidigung für seine Intention - es stürzt sich kopfüber in Fehler und Gebrochenheit - eine Meditation darüber, was das Leben in einer Welt der ständigen Krise aus uns gemacht hat und was wir im Gegenzug der Welt antun. Oberflächlich betrachtet, reichen die 10 Songs des Albums von sparsam bis hymnisch, von eingängig bis absichtlich hart.

Dahinter verbergen sich jedoch die vielleicht komplexesten und subtilsten Arrangements aller Sleater-Kinney-Alben und ein lyrischer und emotionaler Kompass, der fest in die Richtung von etwas sowohl Befreiendem als auch Erschreckendem weist: das Gefühl, dass der einzige Weg, die Kontrolle zu gewinnen, darin besteht, sie loszulassen.

The incomparable trumpeter Clifford Brown recorded two leader sessions for Blue Note in 1953—a co-led quintet date with Lou Donaldson and his own sextet date—that were compiled on the 12" LP Memorial Album (BLP 1526) shortly after his tragic death in 1956. Brownie’s star burns bright from the blistering ‘Cherokee’ to the stunning ballad ‘Easy Living’. This Blue Note Classic Vinyl Edition is mono, all-analog, mastered by Kevin Gray from the original master tapes, and pressed on 180g vinyl at Optimal.

Ist es eine spukhafte Welt, die der/die/das (ominöse) EZ bewohnt? Eine unheimlich-geisterhafte? Mysteriös-beängstigende? Das Wortfeld eerie gibt zahlreichen Interpretationen Raum - genau so wie Ulrike Haages wundervolle Musik, der hier einmal mehr das Zusammenspiel aus Anstrengung und Leichtigkeit, aus konzeptioneller Schwere und melodieseliger Leichtigkeit, aus Schönheit und Gefahr zu eigen ist. Da wird als Grundmotiv ein zunächst leicht wirkendes Thema wiederholt und entwickelt so - auch und gerade durch das einem stetigen Wandel unterliegende KlangDesign - eine immersive Kraft. Hier vom dunklen gedämpften "Grand Piano", dort als thereminhafter SchaltkreisZauber, gern auch mit Glasharmonika oder Glockenspiel: das bekannte und doch immer neue Prinzip aus Wiederholung und (Ab)Wandlung in feiner Balance. Mal entrückt und von feenhafter Gelassenheit, dann wieder voller Dramatik und Spannung skizziert Ulrike Haage eine immer ein wenig verschwommene und dabei doch sehr luzide Landschaft aus Tönen. Unter all dem findet sich vereinzelt auch eine seltsam angespannte Rhythmik, die dann zwar nicht hektisch aber doch irgendwie bedrohlich daherkommt. Der nervöse Beat von Rebel (2) z. B. scheint mir klar zu signalisieren: EZ ist auf der Jagd. Auch Deceptive Methods prägt ein - hier eher gespannt-schleppendes - elektronisches Metrum. Kurz: uns begegnet hier impressionistische Filmmusik in Vollendung. Ja, diese (nur auf Vinyl erhältliche) Platte ist "eigentlich" Filmmusik. Filmmusik, die nicht (nur) begleitet, sondern aus sich selbst heraus Stimmungen zu erzeugen vermag. Filmmusik, die ergänzen und nicht illustrieren will. Filmmusik, die sicher primär dem Film dient, für den sie geschrieben wurde, die aber auch für sich steht, weil sie zuallererst und vor allem Musik ist, die uns, auch aus jedem Zusammenhang gelöst, im Innersten anspricht.

Swiss Label Black Pattern Records with their 1st year anniversary vinyl release featuring 4 deep houses gems.

Paradise:
Dexter's latest piano house track blends subtle vibes, a house rhythm, and festive charm for a dancefloor bomb that marries lively beats with modern elegance.

Sunday Night:
The boss of Black Pattern Records delivers ‘Sunday Night’ a fast, bewitching groove combining jazz and minimal elements, designed specifically for the club scene.

Showcase:
‘Showcase’ is a genre-blurring odyssey, seamlessly weaving minimal house rhythms and soulful UK garage vibes. Melodic breaks add an emotive layer, creating a hypnotic house anthem.

Shakin’:
Stelvio returns on BPR with ‘Shakin' a floor-to-the-floor house beat featuring a minimal groove, evolving synth, damaging bassline, and a quality vocalist from the funky scene.

Mit ihrem neuen Heavy Rock Album "2024" legen RAVENSTINE noch eine Schippe drauf und präsentieren sich musikalisch noch reifer und geschlossener als auf ihrem selbstbetitelten Debüt. Diesmal übernahm John die Hauptaufgaben als Komponist, aber alle Bandmitglieder trugen zum großen Ganzen bei. RAVENSTINE sind ihrem eigenen Stil treu geblieben, die Texte handeln von Themen, die sie in ihrem Alltag beschäftigen, wie z.B. Depressionen ("Black Is The Brightest Color"); über eine verlorene Heimat sowie das Gefühl, dass Heimat gar nicht mehr existiert ("A Long Way Home"); die Aussicht auf den eigenen Untergang ("When I'm Dead And Gone") oder die mögliche Verbindung zwischen Social Media und Amokläufen ("Killing Spree"). Die Band hat mit ihrem Song "Fly Eagle Fly" auch ein lupenreines Juwel komponiert, das alles bietet, was ein Hit braucht: Ein gutes Riff, einen Groove, der einen packt und einen Killer-Refrain! Auch Fans von Balladen werden sich freuen: Während "Signs By The Roadside" von seiner Atmosphäre lebt, kommt "When I'm Dead And Gone" mit einem Refrain daher, der den Hörer dazu bringt, ein Feuerzeug hochzuhalten und es von links nach rechts zu bewegen.

Mit ihrem neuen Heavy Rock Album "2024" legen RAVENSTINE noch eine Schippe drauf und präsentieren sich musikalisch noch reifer und geschlossener als auf ihrem selbstbetitelten Debüt. Diesmal übernahm John die Hauptaufgaben als Komponist, aber alle Bandmitglieder trugen zum großen Ganzen bei. RAVENSTINE sind ihrem eigenen Stil treu geblieben, die Texte handeln von Themen, die sie in ihrem Alltag beschäftigen, wie z.B. Depressionen ("Black Is The Brightest Color"); über eine verlorene Heimat sowie das Gefühl, dass Heimat gar nicht mehr existiert ("A Long Way Home"); die Aussicht auf den eigenen Untergang ("When I'm Dead And Gone") oder die mögliche Verbindung zwischen Social Media und Amokläufen ("Killing Spree"). Die Band hat mit ihrem Song "Fly Eagle Fly" auch ein lupenreines Juwel komponiert, das alles bietet, was ein Hit braucht: Ein gutes Riff, einen Groove, der einen packt und einen Killer-Refrain! Auch Fans von Balladen werden sich freuen: Während "Signs By The Roadside" von seiner Atmosphäre lebt, kommt "When I'm Dead And Gone" mit einem Refrain daher, der den Hörer dazu bringt, ein Feuerzeug hochzuhalten und es von links nach rechts zu bewegen.

Ow yeah just after the great party last weekend now its time to officially release this vinyl!

KID FRANCESCOLI, leader of the French Riviera Touch is back with the stellar album SUNSET BLUE out Sept 22nd 2023.

After a first sold-out world tour (over 200 concerts in Europe, USA, Asia...), and successful hits such as Nopalitos, Blow Up or Moon (now certified diamond, with more than 200 millions streams), the Marseille-based producer, crooner and multi-instrumentalist, Mathieu Hocine, is eager to share his most accomplished LP ever. This fine collection of soulful songs honor his Mediterranean roots, with elegant and pop melodies. His most recent success and the creation of his first original soundtrack with AZURO, installed him as one of the best French songwriters of his generation, with a unique signature sound.

"I live in Marseille, I spent my childhood in Corsica, I have Algerian origins, my first vacations with friends were in Barcelona, vacations with my first girlfriend in Roma,... Then, I had the chance to perform in Morocco, Greece, Turkey and Egypt: each time I spent time in the Mediterranean region, the people I met there made me feel like I was part of the same country. This shared multiculturalism is really comforting, it has its own poetry and strength, bringing uniqueness and empathy to the people. It is essential for me. I love my city: it’s the perfect place to feel good with sun, sea, family, friendships, love... It gets me emotional, bringing tears with a smile".

With his new musical gem, Mathieu Hocine unveils 11 elegant tunes of his finest craft: sunbathed French Touch (Run Run, 1986), romantic chillwave (Corsica), uplifting synthpop (You Are Everywhere, Like Magic), electronic-soul (Casino Soul), cinematic disco (Solaris), cosmic R&B (Sweet and Sour, Take Time), … Everything is in this record.

For the first time ever, Kid Francescoli paid tribute to his mixed origins with his collaboration with world-renowned lute and mandolin player Hakim Hamadouche (Rachid Taha, Patti Smith, Brian Eno, Tricky...), whom added Algerian patterns to the introspectives songs Drift in Blue and The Morning After.

"My ambition is to create pictures in people's heads with music, to transport them instantly into a movie"

SUNSET BLUE is an instant-crush album: crystal-clear, strong, personal but universal at the same time.

It's an ecstatic soundtrack for this moment when time is suspended, the golden hour when everything seems possible. It feels like Love is in the air, you're living your best life and you're at the right place at the right time. This album embodies this magic moment where we would like to last forever… Like an epiphany, Kid Francescoli's new album is a moment of pure pleasure, a soothing way to escape reality.

"I see myself as a melodist.I would like my music to feel like velvet. There's something cinematic, classy about it, and yet comforting. It's very simple, popular and synonym of love and passion"

His friend French 79 co-produced the album, while the american rapper Bamby H2O brought his NYC swag (on Sweet & Sour), Stan Neff (Polo & Pan, Kungs, Christine and the Queens...) took care of the mix and Alex Gopher (Daft Punk, The Blaze, Bon Entendeur...) added a final touch of magic when mastering. Nicolas Despis (known for his work with Etienne Daho, Hoshi, Juliette Armanet... and many famous French rappers) later joined this dream-team to craft custom-made artworks. SUNSET BLUE is a deeply personal quest, a human adventure for Mathieu Hocine (whom explores his maghrebian origins, his feminine side, his subconscious space, ...). It's a male's work, but don't get it wrong, this LP would be nothing without women’s touch : Julietta (on Run Run and Take Time), Sarah Gaugler from Turbo Goth (on You Are Everywhere and Like Magic), and iOni (on Drift in Blue).

“Music has this magical power to broaden your vision of the world. It's fascinating because, like dreams, it's the kind of irrational things science can't explain and that makes life exciting."

Planets aligned perfectly on this project and thanks to this five-star cast of collaborators, Kid Francescoli achieved his personal holy grail : he orchestrated a great 21st century pop-music album.SUNSET BLUE is a new turning point between organic and electronic, both a mediterranean travel and a Californian dream, a bridge between Ennio Morriconne and modern electronic music.

Also, while it might be called SUNSET BLUE in honor of the sea and the Portuguese / Brazilian concept called “saudade”, but it is a really optimistic album, whose true colors would rather be "yellow-orange-red" in nod to the sun.

Created in the midst of the world tour, SUNSET BLUE is a direct result of the lives’ energy and fans’ joyful vibes: going back in the studio after smiling, singing and dancing with people all around the world inevitably gave Kid Francescoli the desire to retranscribe this ecstatic feeling in music. This album is a sensitive experience, from sunrise to sunset, from first track to last one. It’s an exploration of an everlasting summer, reaching its climax in the very final seconds of the track Corsica, making us want to press play and dive into this jewel all over again.

A beautiful cosmic trip, whether you like to stay in bed cocooning, to travel far, far away or to dance ‘till dawn, to catch the first rays of light.

Make sure to catch Kid Francescoli on his next world tour to have a good time.

Epischer Metal kollidiert mit Folk und NWOBHM in einem Album voller Fantasie und Allegorie! Das Debütalbum der zypriotischen Heavy-Metal-Band Receiver ist ein von Melodien dominiertes Abenteuer! Receiver haben es sich zur Aufgabe gemacht, reinen, schweren, epischen Metal mit einer Portion Folk-Einflüssen zu liefern. Die Band ehrt Legenden wie Iron Maiden, Warlord, Manilla Road, Omen, Black Sabbath, Dio, Heaven's Gate, Riot, Savatage und Saracen, aber auch die traditionelle Musik der Insel Zypern und Folk aus aller Welt wie The Dubliners und Sandy Denny. Diese einzigartige Mischung hat in Receivers lang erwartetem Debütalbum 'Whispers of Lore' seinen Höhepunkt gefunden. Textlich thematisiert die Band die Übel der Menschheit: soziale Ungerechtigkeit, Imperialismus und die schändliche Erniedrigung des menschlichen Zustands, die Krieg ist. Durch Fantasie und Allegorie drücken Receiver diese Bedenken aus und begibt sich auf eine Reise voller Schlachten und Überlieferungen.

Rock Hard:
"...RECEIVER mögen mit ihrem Debüt vielleicht noch nicht in der Oberliga spielen, sind aber auf einem guten Weg dahin. (Ich finde das in seinem Bereich bereits Champions League - wunderschöne Platte!"

Das zweite Kapitel von Suzan Köchers musikalischer Reise, die vor zwei Jahren mit dem Debütalbum "Moon Bordeaux" Fahrt aufnahm, begann Anfang diesen Jahres mit der Single "Peaky Blinders" und einem neuen Namen. Suzan Köcher's Suprafon heißt das mittlerweile zur festen Band zusammengewachsene Ensemble, das so HLJHQZLOOLJHZLHHLQJlQJLJH0XVLNPDFKW0LW3RLVRQRXV,YXQG+ODYQt1iGUDåtIROJWHQZHLZHLWHUH6LQJOHVGLHDNWXHOOJlQJLJH0XVLNPXVWHUOLQNVOLHJHQODVVHQXQG sich lieber ganz auf die eigene Inspiration und Ideen-Welt verlassen. Verspielte Psychedelik, düstere Krautrock-Anleihen, melancholischer Dream Pop - all diese Elemente verweben zu einer unwiderstehlichen Klangwelt. Suzan singt dabei mit einer leichten und unaufgeregten Schwere, die sich wohl am ehesten mit Sängerinnen wie Francoise Hardy oder Dusty Springfield vergleichen lässt. Dazu spielt ihre Band neue Musik auf alten Instrumenten und klingt dabei zeitlos und aus der Zeit gefallen zugleich. Aufgenommen haben sie die Platte in Austin, Texas. Auf der B-Seite gibt es einen Song-Zyklus über einen Tag in Prag - die Bandmitglieder haben Wurzeln in der Türkei, Indonesien und Deutschland. Grenzen sind in der Kunst meistens Hindernisse - Suzan Köcher's Suprafon haben diese daher bewusst ignoriert.

HEY,

after receiving so many requests as to whether the Tulpa Ovi releases could also be released on vinyl, we decided to just put ALMOST everything out on record. There will also be an exclusive song called LOSS BREDA FEAT. LYSANN ZANDER, and a damn brilliant edit by KAPOX GRAPÉN by JIMI JULES.

!!!! ALTER ALERT !!!!

Tulpa Ovi Records Bio:

My music and I in the spirit of the times? But not before and neither behind? More like in between somewhere? A side street maybe; I like these better than the busy main streets anyways, as you can still discover things. That’s exactly where I want to be.

Robag Wruhme HEY,

nachdem wir so viele Anfragen erhalten haben, ob die Tulpa Ovi Releases nicht auch als Vinyl veröffentlicht werden könnten, haben wir uns dazu entschieden, einfach FAST alles auf Platte rauszuhauen. Es wird zudem ein exklusives Lied geben, welches
 LOSS BREDA FEAT. LYSANN ZANDER heißt, und ein verdammt genialer Edit von KAPOX GRAPÉN von JIMI JULES.

!!!! ALTER ALERT !!!!

Tulpa Ovi Records Bio:

Meine Musik und ich im Geist der Zeit? Aber nicht davor und auch nicht dahinter? Eher irgendwo dazwischen? 
Eine Seitenstraße vielleicht; die mag ich sowieso lieber als die belebten Hauptstraßen, da kann man noch was entdecken. Genau da möchte ich sein."

Robag Wruhme