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Das Cover von ,Liquorice", dem dritten Album der australischen Indie-Pop-Künstlerin Hatchie, zeigt ein Nahporträt von Harriette Pilbeam, die lächelt, wobei ihr verschmierter roter Lippenstift auf die glorreiche Folge eines Kusses hindeutet. Das Bild wurde während eines spontanen Fotoshootings im Hinterhof mit einer einfachen Digitalkamera aufgenommen und fängt eine Erinnerung ein, die etwas unvollkommen ist und von Sehnsucht, Begierde und Bedauern geprägt ist Das Bild wurde während eines spontanen Fotoshootings im Hinterhof mit einer kleinen Digitalkamera aufgenommen und verkörpert ein Album, das rau und voller Freude ist und sich mit Themen wie Sehnsucht, Begierde und Reue befasst. Pilbeam begann ernsthaft mit dem Schreiben von ,Liquorice", während sie von 2022 bis 2023 in Brisbane lebte, und später in einem gemeinsamen Haus mit Agius in Melbourne, wo sie die Demos schließlich Mitte 2024 fertigstellte. Als Musikerin, die ihre Einflüsse bisher offen zur Schau gestellt hat, bemühte sich Pilbeam, von Grund auf neu zu schreiben, ohne bestimmte musikalische Einflüsse im Hinterkopf zu haben. Pilbeam begann ernsthaft mit dem Schreiben von ,Liquorice", während sie von 2022 bis 2023 in Brisbane lebte, und später in einem gemeinsamen Haus mit Agius in Melbourne, wo sie die Demos schließlich , und stellte die Demos schließlich Mitte 2024 fertig. Als Musikerin, die ihre Einflüsse bisher offen zur Schau gestellt hatte, bemühte sich Pilbeam, ganz von vorne anzufangen, ohne bestimmte musikalische Einflüsse im Hinterkopf zu haben, und ließ den Songs wochenlang Zeit zum Atmen, anstatt Ideen zu überstürzen. Sie fühlte sich von der melodischen Einfachheit ihrer frühen Songs angezogen und akzeptierte ihre musikalischen Unsicherheiten: ,Ich wollte meine Grenzen als Stärken betrachten, die meinen Stil prägen." Nachdem sie mit den Produzenten Jorge Elbrecht (Caroline Polachek, Japanese Breakfast, Sky Ferreira) und Dan Nigro (Olivia Rodrigo, Chappell Roan) an ,Giving the World Away" gearbeitet hatte, wollte Pilbeam ,Liquorice" mit einem einzigen Kollaborateur fertigstellen, idealerweise einem nicht-männlichen Produzenten, der auch sein eigenes Musikprojekt vorantreibt. Im September 2024 kehrten Pilbeam und Agius nach Los Angeles zurück, um mit Melina Duterte zusammenzuarbeiten, die unter dem Namen Jay Som Indie-Rock aufnimmt und an einer Reihe von Projekten mitgewirkt hat, darunter das mit einem Grammy ausgezeichnete Album ,The Record" von boygenius. ,Mein letztes Album ist sehr düster und introspektiv geworden, und das ist zwar ein Teil von mir, aber es gab noch eine ganz andere Seite, die ich nicht zum Ausdruck gebracht habe", sagt Pilbeam. ,Ich bin eine hoffnungslose Romantikerin und eine sehr alberne Person, manchmal sogar bis zum Äußersten." Die heute 32-jährige, verheiratete Pilbeam stellte fest, dass ,ewige Gefühle" der Sehnsucht und des Herzschmerzes schnell zurückkehrten, als sie über ihre Erfahrungen als jüngere Frau nachdachte. Gleichzeitig ließ sie ihre Vorliebe für tragische Liebesfilme einfließen, in denen die Figuren nicht unbedingt ein gemeinsames Happy End finden. Liquorice beschäftigt sich mit der Endlichkeit des Ewigen. Diese Songs fangen die überwältigenden, berauschenden und transformierenden Nebenwirkungen der Verliebtheit ein, auch wenn die gesamte Liebesgeschichte nur eine einzige magische Nacht dauert. Wie die reichhaltigen Aromen der gewundenen, titelgebenden Süßigkeit - süß, salzig und bitter in einem Bissen - bestätigt Liquorice, wie Sehnsucht und Besessenheit in der Selbstfindung einer jungen Frau miteinander verflochten sind.

Später, in den Tagen der funkelnden weißen Overalls, erreichte Elvis einen Höhepunkt, als die Musik ihn so tief bewegte, ihn in solche Höhen hob, dass es nur noch eines zu tun gab: "die umgekehrte Klaue". Wenn Musik dich dazu bringt, ist das ein wirklich großartiges Gefühl. "Die umgekehrte Klaue" ist das, worum es bei Deerhoof geht. Ihre jubelnde Musik zieht dich in den Moment hinein, und dort freust du dich. Auf dem transzendenten Album ,Friend Opportunity" überrascht die Musik immer wieder: Songs wie ,Perfect Me" haben drei oder vier Abschnitte mit atemberaubenden Offenbarungen des Erhabenen; ,Matchbook Seeks Maniac" zieht in der Mitte einen ,99 Luftballoons"-Breakdown-Move durch, rockt ein Brahms-Intervall im pop-narkotischen Refrain, und die Beach Boys und The Who sind überall im Mix zu hören - es ist eines der glorreichsten Dinge, die man je hören wird. Auf früheren Alben war eine der Hauptwaffen von Deerhoof der negative Raum - die atemberaubenden Stille zwischen den Beats und Akkorden schlugen härter zu als jedes Klirren und Klirren von Gitarren und Becken. Deerhoof waren wie Maler, die leere Stellen auf der Leinwand ließen, um ihre Pinselstriche hervorzuheben; jetzt neigen sie dazu, jeden Quadratzentimeter auszufüllen und laden uns ein, jeden brillanten Winkel zu genießen. Und Songs wie ,Perfect Me", ,Believe in E.S.P." und ,Choco Fight" sind weitaus groove-orientierter - und ja, auch sexier - als alles, was sie bisher gemacht haben. Das alles ist in Gegenüberstellungen integriert, die eigentlich irritierend sein müssten, aber einfach nur erstaunlich klingen. ,Believe E.S.P." beginnt mit Deerhoofs Interpretation von funkiger Slinkopation, aber der nächste Abschnitt klingt wie etwas aus Palestrina; wie so viele dieser Songs ist es eine malerische Fahrt, die von einer erstaunlichen Aussicht zur nächsten führt, von weiten, schimmernden Wüsten über neblige Schluchten bis hin zu atemberaubenden, schneebedeckten Berggipfeln. Wie Mike Watt einmal über seine Band The Minutemen sagte, schreiben Deerhoof keine Songs, sondern Flüsse. Woher kommt dieses Zeug? Da ist das hoch aufragende, ungerade getaktete Gitarrenriffarama von Chavez, der Heavy-Metal-Donner von Strawinsky, die beschädigten Schnörkel von Gastr del Sol, der Klang und Stomp von Led Zeppelin, Japans illustre Reihe atemberaubend innovativer, von Frauen dominierter Bands wie Ex-Girl und Melt Banana. Und jetzt gibt es diese Mensch-Maschine-Beatbox-Rhythmen, bei denen der titanische Schlagzeuger Greg Saunier die Technologie übertrifft wie ein John Henry mit zwei Holzstiften in den Händen anstelle eines Vorschlaghammers. Manchmal erinnern sie an The Who - wie ,Underture" aus Tommy oder die großartige Live-Version von ,A Quick One", eine Rockband, die die Arbeit eines Orchesters leistet, fesselnde Träumereien im Wechsel mit kraftvollen Ausbrüchen gewundener Melodien, lyrischen Machtspielen und Inverted Claws, die überwältigende Freude hervorrufen. Aber es gibt noch eine weitere wichtige Quelle: Seit mindestens 20 Jahren hat der Hip-Hop die ausgefallenste und experimentellste Musik hervorgebracht, die die Popmusik je gesehen hat. Warum kann Rockmusik nicht das Gleiche tun, auf ihre eigene Weise? Während ,Friend Opportunity" also tangential den Hip-Hop (und verschiedene Epochen des Rock in seiner abenteuerlichsten Form) zitiert, wendet es meist nur die gleiche Denkweise an - was wäre, wenn wir einfach unserer Fantasie freien Lauf lassen würden? ,Friend Opportunity" ist eine Meisterleistung der Neuerfindung, die nur von Künstlern kommen konnte, die bereit waren, alles zu überdenken. ,Es ist, als wäre man wieder ein Kind", sagte Saunier einmal zu Pitchfork, ,denn das ist es, was Kinder die ganze Zeit tun. Jeden Tag lernen sie neue Dinge, von denen sie nicht wussten, dass sie sie tun können." Mann, wenn man von Sonic Youth spricht - Deerhoofs Frühling ist ewig. - Michael Azerrad

Dub Spencer & Trance Hill once again realize their musical vision with their new release SYNCHRONOS: The perfect hybrid of dub and trance - analog, danceable and at the forefront of sound technology. With SYNCHRONOS, Dub Spencer & Trance Hill present an album that defies conventional categories. The new tracks surprise and guide the listener into a colorful world of sound - an acoustic kaleidoscope in which diversity becomes a principle. Musical components - dub, trance, dance, techno, rock, jazz - are put together by the musicians in new and unexpected ways. Experimental, multi-layered and always good for surprises, yet inevitably club-ready: That"s Dub Spencer & Trance Hill.

Recorded during that unique period in the late ‘60s when jazz, blues and rock musicians found common ground in London’s vibrant subterranean clubs, 1968s Definitely What! was the second of the run of the four ground-breaking Trinity albums. Showcasing Auger's open-minded approach and his masterful organ & piano skills, the album whips up a rich blend of jazz, R&B, psychedelic touches and soulful grooves, complemented by the tight, dynamic rhythm section of Dave Ambrose (bass) and Clive Thacker (drums).

After the previous year’s Open (1967) with its 'Summer of Love' feel and its melting pot of Mod R&B, cover versions of US soul hits led by Julie Driscoll’s inimitable vocals, Auger considered Definitely What! as his first solo album, and so he travelled deeper into jazz territory, balancing original pieces with audacious covers. Tracks include versions of Mose Allison's 'If You Live' and of Wes Montgomery’s ‘Bumpin’ On Sunset’. “I got a letter from Wes's wife,” recalls Auger, “saying that it was Wes' favourite version. Can you believe that, Wes's wife wrote to me!”

Elsewhere, we find a dramatic re-arrangement of The Beatles’ ‘A Day In The Life’ complete with orchestral strings and a punchy horn section, alongside a supercharged version of Booker T & The MGs’ ‘Red Beans & Rice’ . 'George Bruno Money' was dedicated to Auger's drinking pal of the era, Zoot Money, and 'John Browns Body' both combine prime Hammond jazz with the very British surrealist humour that was in vogue at the time. The title track goes further “out” in a sprawling instrumental piece rooted in experimentation. Brian himself specifically states in his sleeve notes that his concept “lies along a straight line drawn between pop and jazz and aims at the 'fusion' of both elements” - ‘fusion’ at that time was not even a recognised musical term, further reinforcing Auger’s credentials as an innovator.

That forward-thinking approach was developed in Open and Definitely What! would come to fruition a year later with the release of Streetnoise (1969) featuring the Trinity and Julie Driscoll. At the time, the move to bring together jazz, rhythm & blues, folk, gospel and pop into a progressive new sound may have annoyed the purists and confused the less open- minded, but these albums stand today as a testament to Auger’s unique position within British music, foreshadowing his future 1970s explorations with the Oblivion Express and beyond. Definitely What! remains a fascinating snapshot of 1960s musical experimentation - raw, eclectic, and unapologetically Auger!

This new Strut reissue is curated by Impressive Collective’s Greg Boraman in partnership with Brian and Karma Auger. The album is remastered by Cosmic Audio from the original tapes, and is packaged in Brian's favourite version of the 3 different sleeves the album was originally issued in.

When CRIMEAPPLE and Big Ghost Ltd first linked up on their "Aguardiente" collaboration in 2016, the two came to shake the game up. The iconic Antioqueño bottle left a mark in underground hip-hop that still stands strong to this day, and to follow up they cooked up the deadliest material to do that once again with "Bazuko".

Named after the deadliest and most addictive street drug in Colombia, basuco, the album embodies the raw, uncut and unfiltered essence of their artistic process, much like the gritty remnants of cocaine paste.

CRIMEAPPLE's razor-sharp lyricism cuts through Big Ghost Ltd's masterful, hard-hitting beats, creating a visceral, addictive and immersive soundscape. With "Bazuko," the two aren't just following up on "Aguar-diente"; they're raising the stakes, delivering a project that is as potent and unforgettable as its namesake.

When CRIMEAPPLE and Big Ghost Ltd first linked up on their "Aguardiente" collaboration in 2016, the two came to shake the game up. The iconic Antioqueño bottle left a mark in underground hip-hop that still stands strong to this day, and to follow up they cooked up the deadliest material to do that once again with "Bazuko".

Named after the deadliest and most addictive street drug in Colombia, basuco, the album embodies the raw, uncut and unfiltered essence of their artistic process, much like the gritty remnants of cocaine paste.

CRIMEAPPLE's razor-sharp lyricism cuts through Big Ghost Ltd's masterful, hard-hitting beats, creating a visceral, addictive and immersive soundscape. With "Bazuko," the two aren't just following up on "Aguar-diente"; they're raising the stakes, delivering a project that is as potent and unforgettable as its namesake.

Mardi Gras Marble Coloured Vinyl Sao Paulo, Brazil's Blind Pigs are excited to give an essential record in their renowned discography - 2006's Heróis ou Rebeldes (Heroes or Rebels) - the re-issue it deserves. Considered by many in the band's home country as their finest release, many fans around the world have yet to hear it. It was originally released only on CD in Brazil, with the lyrics written entirely in Portuguese. Consequently, the band released it under their Portuguese name: Porcos Cegos. However, when it was released, many fans did not realize it was the same band! On top of that, it has never had a release outside of Brazil_until now! Nevertheless, within Brazil, the album was an instant sensation that bridged the gap between punk, streetpunk, and Oi! - exposing the country to sounds influenced by contemporary US streetpunk bands such as Reducers SF, Dropkick Murphys, and the bands on TKO Records. In particular, the title track, for which the band made a music video, became a shout along anthem for the band's fans, AKA "The Legion of the Unconformed." After a 10" vinyl pressing quickly sold out in 2013, the album has been tragically out of print. The new edition on 12" Mardi Gras Marble Vinyl from Pirates Press Records has been remastered by Dan Randall (Subhumans, The Slackers, Fucked Up), bringing new life to a master that the band was never quite satisfied with. With the addition of a song cut from the original tracklisting - "Tiros No Escuro" ("Shots in the Dark") - this is truly the record the band have always wanted fans to hear. And with it finally bearing the name "Blind Pigs" on the cover, there will be no more confusion_and as the band's frontman Henrike Baliu proudly puts it, "the world can finally witness a record that was so important to the Brazilian punk rock scene."

Beloved for their cinematic songwriting and atmospheric blend of folk, rock, and psychedelia, MIDLAKE returns with their sixth studio album, A Bridge To Far—a sweeping, soul-stirring meditation on resilience and hope. Lead singer Eric Pulido describes the record as a reminder that, regardless of circumstance, there is a place—“not made of stone”—where one can find solace and strength. It’s a call to persevere, to “go bravely arm in arm and climb upon,” inviting listeners to transcend the darkness through connection and belief. This is MIDLAKE at their most inspired and intentional, weaving together mythic storytelling and emotional clarity with the signature textures that have made them a touchstone in modern independent music. Recorded in the band’s hometown of Denton, TX at The Echo Lab with acclaimed producer and mixer Sam Evian, A Bridge To Far captures the warmth and wildness of the band's earliest recordings while pushing into luminous new territory. The first single, “The Ghouls,” arrives as a haunting and propulsive introduction to the record’s themes—equal parts spectral and cathartic.

If there is one thing we at Real Gone have learned during our rollicking ride of reissuing The Donnas’ catalog, it’s that they never did anything halfway. And we’ve tried to do the same in bringing their music back to their devout fanbase. Now, by popular demand, and after years of pursuing the rights, we are thrilled to announce that we are releasing their last studio album, Bitchin’, in an expanded, newly annotated, and newly remastered edition! This 2007 release was put out by The Donnas’ own Purple Feather label, and marks a return to the girls’ glam metal and punk roots after the classic rock leanings of Gold Medal…they’ve escaped the major label machine, and are ready to have a good time! Singalong songs like “What Do I Have to Do” and “Don’t Wait Up for Me” have definitely entered The Donnas’ canon, and tunes like “Save Me” confirm that this band’s ability to set a hook in a chorus remains unabated. For this first-ever reissue, we’ve rounded up an entire side of bonus tracks, including the two songs (“Randi” and a cover of “Safety Dance”) that were only available on the vinyl release, a track (“New Kid in School”) that was previously available only as a download, two outtakes (“We Own the Night” and “She’s Out of Control”) that showed up on the Greatest Hits Vol. 16 comp, and a track that only came out in Japan (“Can’t Keep It a Secret”). The whole thing’s been remastered for vinyl by Mike Milchner at Sonic Vision, and our gatefold-plus-insert once again includes fresh commentary by Brett Anderson aka Donna A. Bitchin’ comes in a double scoop of strawberry with black swirl vinyl…we’re here for the party!

Heavyweight psychedelic improvisers EarthBall are back with their third and most monstrous record to date: ‘Outside Over There’, released on Upset The Rhythm (Nov 7th). Born from the haunted basements of Nanaimo, Canada, the quintet thrives on spontaneity, shaping improvisation into jagged hallucinations and ecstatic eruptions.
Recorded live-off-the-floor in 2024 in Jeremy, Izzy, and Kellen’s basement, and mixed by drummer John Brennan, ‘Outside Over There’ is an album that feels both summoned and inevitable. Each track lands with uncanny purpose, as if uncovered rather than written.
The opener, 100%, features a cameo from comedian and English icon Stewart Lee, who lent his blessing for the band to use a fragment of his stand-up. The album was mastered by John Dieterich (Deerhoof), with liner text contributed by longtime comrade John Olson (Wolf Eyes). Olson describes the album in his unmistakable style:
“This eight-track odyssey unfolds like a dreamscape, where whispered incantations brush against the shadowy fringes of the cosmos, and wild, Cézanne-inspired rock anthems erupt like geysers of color in the midst of a western warm and wet rain storm… culminating in the sprawling eleven minute masterpiece, ‘And The Music Shall Untune The Sky,’ aptly dubbed the Earth Crusher. A creation so utterly deconstructed and intertwined with the pulse of nature itself that if AI was called upon to conceive ‘Outside Over There’ anew, it would just spit back, “F.U. in Tree Font”. An enchanting invitation for even the flat-earthers to join the circle, if only just a little.”
EarthBall’s trajectory has been relentless. Their 2024 album ‘It’s Yours’ was praised by The Quietus as “fully aggressive and fully life-affirming,” and by The Wire as "a boisterous mind-melting album”. The band’s live double set LP ‘Actual Earth Music Vol. 1 & 2’ (2025) captured blistering performances: a performance opening for Wolf Eyes at the Fox Cabaret, and a Café OTO improvised throw-down featuring Chris Corsano and Steve Beresford. These releases on their own confirm them as one of Canada’s most vital experimental exports, not to mention the impressive self-released discography on their Bandcamp. The band’s reach has stretched far beyond their west coast roots with a UK tour May 2024, plus this past June, EarthBall closed Montreal’s Suoni Per Il Popolo Festival alongside Pulitzer Prize-winning composer Raven Chacon. This November they will perform at Le Guess Who? Festival in Utrecht, with a European tour to follow (tour dates below). Outside of EarthBall, each member carries their own torch. Jeremy Van Wyck, founding member of the legendary Shearing Pinx, has toured extensively, released over 100 records, and has been a vital force in the Vancouver and West Coast underground for the past 25 years. He and Isabel Ford (Izzy) play together not only in EarthBall, but also in Psychedelic Dirt, Shearing Pinx, Behaviours, and Crotch.
John Brennan collaborates widely, including recently with Endlings (Raven Chacon and John Dieterich), Evichen (Victoria Shen), Francesco Fonassi, Plan Your Future (with Greg Saunier of Deerhoof), Brennan/Corsano duo and Physics with John Dieterich. Kellen Maclaughlin performs with KVMP and Ora Corgan, while saxophonist Liam Murphy is a west coast staple, playing with the best across Vancouver Island and the mainland. On three of the tracks of ‘Outside Over There’, the band is joined by their comrade Justin Patterson, who also plays with Brennan in the duo Modale. This cross-pollination fuels EarthBall’s sound - a collective improvisation, psychically overdriven, and grinding into bloom.
Outside Over There’ is more than an album though, it is a ritual, a gathering of sound at the forest’s edge; where feedback, saxophone screams, and ecstatic vocals dissolve the boundary between chaos and clarity. EarthBall invite you into their circle, to share in the joyful terror of spontaneous creation. ‘Outside Over There’ will be released on November 7th through Upset The Rhythm digitally and as a limited blue-in-black vinyl LP.

Der Breakthrough-Artist sombr hat sein Debütalbum "I Barely Know Her" veröffentlicht. Das 10-Track-Album ist jetzt über Warner Records erhältlich und enthält die Hits „back to friends”, „undressed” und „12 to 12” (inklusive Musikvideo mit Addison Rae), die weiterhin international die Charts stürmen – darunter die globalen Spotify-Charts, die UK Official Singles Charts sowie die US-amerikanischen „Top 40 Radio“ und „Alternative Radio“-Charts. In diesen erreichte sombr schneller als jeder andere neue Künstler der letzten zehn Jahre Platz 1. Auch in den Billboard Hot Rock Songs setzte er ein Ausrufezeichen und verdrängte Hozier nach einem Jahr von der Spitze. In Deutschland befinden sich mit „back to friends”, "12 to 12" und „undressed” mittlerweile 3 Singles in den Top 30 der deutschen Single-Charts und das Debutalbum schoss auf Platz #16 der offiziellen deutschen Albumcharts!
"I Barely Know Her" wurde komplett von sombr geschrieben und vom 20-jährigen Künstler zusammen mit dem renommierten Produzenten Tony Berg (Phoebe Bridgers, The Replacements) co-produziert. Gegenüber i-D gibt er zu Protokoll, die Songs seien inspiriert von „young romance, dimly lit rooms, late nights, and love, loss, and life.” Die Veröffentlichung folgt auf die Nachricht, dass sombr sein Debüt bei den MTV Video Music Awards geben wird – live aus New York am 7. September –, wo er als Best New Artist und Best Alternative Artist nominiert ist.

sombr (bürgerlich Shane Boose) wuchs im New Yorker Stadtteil Lower East Side auf und entdeckte seine Liebe zur Musik als Teenager im eigenen Schlafzimmer. Parallel dazu studierte er klassische Musik an der renommierten LaGuardia High School. Mit dem viralen Hit „Caroline“ (2022) wurde er über Nacht zum Internetphänomen. Seitdem hat er mehrere EPs und Singles veröffentlicht und bringt es inzwischen auf über 400 Millionen monatliche Streams über alle Plattformen hinweg. Heute lebt sombr in Los Angeles und verarbeitet in seinen Songs die Höhen und Tiefen junger Liebe – alles selbst geschrieben, co-produziert und veröffentlicht über Warner Records.

Mit dieser exklusiven Picture Disc wird das musikalische Erbe von Aretha Franklin auf besonders stilvolle Weise gefeiert. Die Auswahl vereint einige der ikonischsten Songs ihrer Karriere - kraftvoll, emotional und zeitlos. Ob Soul, Gospel oder R&B - Aretha Franklins Stimme hat Generationen geprägt und ist bis heute unerreicht. Diese Edition bringt ihre größten Klassiker in einem hochwertigen Sammlerformat auf den Plattenteller - visuell eindrucksvoll und klanglich ein Genuss. Die kunstvoll gestaltete Picture Vinyl ist nicht nur ein musikalisches Erlebnis, sondern auch ein optisches Statement.

Das dritte Album der Londoner Band Sorry!

Seit ihrem Debüt "925" 2020 arbeiten Sorry an einer Topografie aus Anspielungen, Zitaten, falschen Fährten. Nun, mit COSPLAY (ab 7. November bei Domino), reißen sie die Landkarte ab, zeichnen alles neu. Ein Album als Maskenball: Jede Figur darf hier auftreten, lebend oder tot, real oder erdacht. Es ist das Werk, das Sorry von sich selbst befreit. Das Album fühlt sich an wie ein Spielzimmer für popkulturelle Geister. Ein Guided by Voices-Song mutiert zur Ballade über die Schmuddelecken des Ruhms, die berühmteste Cartoonfigur der Welt schleicht sich als Sirene ins Bild, theoretische Physik wird zu Rockmusik, die schwerer schlägt als jede Formel. Sorry haben das neue Material bereits live erprobt, erst auf eigener UK-Tour, dann als Support von Fontaines D.C., und man hört die Mischung aus Selbstsicherheit und Übermut, die dabei gewachsen ist.

Sie sind zurück. Lauter, klarer, größer – und »immer unter Feuer«. Frei.Wild schlagen 2025 das nächste, vielleicht sogar das stärkste Kapitel ihrer Bandgeschichte auf. Geschmiedet vom Leben, mit scharfer Zunge. Das neue Studioalbum ist ein Manifest – für alle, die mit ganzem Herzen brennen.

Voller Kraft, Schmerz, Hoffnung – ein wuchtiger Mix aus hartem Deutschrock und Gänsehaut-Balladen. Texte, die Mut machen, Grenzen sprengen, Brücken bauen. Echte Geschichten, keine leeren Phrasen. Mit Haltung, mit Tiefe – mit der Freiheit, auch unbequem zu sein. 2x 12 brandneue Songs bündelt das Doppel-Album im dreifach ausklappbaren Digipack plus 32 Seiten Booklet mit allen Songtexten, Band-Fotos und heißen Insider-Infos. Das Box-Set befeuert Frei.Wild noch dazu mit 6 weiteren, exklusiven Songs, die sich ausschließlich auf dieser Fan Edition eingebrannt haben. Wer aufs Streaming hofft, muss leider sehr, sehr lange warten … falls diese 6 Tracks überhaupt jemals den Weg auf die digitalen Plattformen finden.

Seit über 20 Jahren beweisen die Südtiroler, dass man mit klarer Haltung und Meinung Großes bewegen kann. Vom Proberaum im Kinderdorf bis an die Chartspitze, durch Gegenwind und im Feuer der Kritik – wo andere verbrannt sind, geht Frei.Wild aufrecht weiter. »Immer unter Feuer« ist ihr Dank an alle, die füreinander brennen. Und ein Antrieb für die, die noch kommen. Frei.Wild-Songs beugen sich nicht, nennen beim Namen, was unausgesprochen ist. Geliebt und gemieden. Es gibt gefühlt niemanden, der keine Meinung zu diesen Rock-Revoluzzern aus dem Grenzland hat. Südtirol ist nicht Berlin – doch im Kern lodert in Großstädten wie auf dem Land dieselbe Kraft. Frei.Wild zieht seine ungezähmte Energie aus der Heimat, den Familien, der Freundschaft. Gewachsen im Schmelztiegel von Kulturen und uralten Bräuchen und Geschichten haben sie ihre ganz eigene Prägung erfahren. »Immer unter Feuer« trägt das Album das Geweih so stark wie nie!

»Immer unter Feuer« erscheint als Doppelvinyl-Version im Gatefold Cover mit UV-Spotlack Parts und zwei weißen 180g Vinylplatten mit bedruckten Innenhüllen.

Das in Australien gegründete und in LA ansässige Duo VOWWS meldet sich mit I'll Fill Your House With an Army zurück, ihrem bisher ehrgeizigsten und am besten umgesetzten Album.

I'll Fill Your House With an Army ist der Höhepunkt der kühnsten Ideen der Band und zeigt, wie VOWWS, bestehend aus Rizz und Matt James, ihre charakteristische „Death-Pop“-Ästhetik vertiefen: eine genreübergreifende Mischung aus industrieller Elektronik, alternativem Rock, cineastischer Nostalgie und melancholischer Pop-Sensibilität. Co-produziert von Billy Howerdel (A Perfect Circle) und mit Gastauftritten von Josh Freese (A Perfect Circle, NIN, Devo) und James „Munky“ Shaffer (KORN), ist das Album eine Reise durch Sehnsucht, Entfremdung und die surreale Schönheit des Chaos.

Dieses Album zeigt perfekt die dynamische Bandbreite des Duos: von verzerrter Intimität bis hin zu gewaltigen Klangattacken reflektieren VOWWS ein zerbrochenes Spiegelbild des modernen Zustands - romantisch, aber desillusioniert, viszeral und doch seltsam erhebend.

Nachdem sie sich durch Touren mit den Deftones, Twin Temple und Poppy bereits eine kultige Fangemeinde erspielt haben und gerade einen bahnbrechenden Live-Auftritt im Golden Gate Park neben System of a Down und The Mars Volta absolviert haben, sind VOWWS bereit, ihr Vermächtnis mit dieser Veröffentlichung zu zementieren. Ihr künstlerisches Ethos, unbeugsam in einer Ära der Wegwerfbarkeit, hat sie auch in die Welt der High Fashion geführt, wo sie mit Comme des Garçons, Givenchy und Byredo zusammenarbeiten.

TRON: Ares (Original Motion Picture Soundtrack)
24 neue Tracks von Nine Inch Nails: das Duo aus Trent Reznor und Atticus Ross veröffentlicht am 19.
September 2025 sein Album zum Disney-Kultfilm „TRON: Ares“, inklusive der neuen Single „As Alive As
You Need Me To Be”. Damit setzt die Band eine erfolgreiche Soundtrack-Geschichte fort: ihre vorherigen
Untermalungen zu Filmen wie „The Social Network“ (2010), „Soul“ (2020) oder „Challengers“ (2024)
wurden unter anderem mit zwei Oscars, drei Golden Globes, einem Emmy und einem Grammy ausgezeichnet. Die düstere Industrial-Handschrift Trent Reznors fängt die Stimmung der Sci-Fi-Reihe „TRON“, für
deren letzten Film Daft Punk komponierten, perfekt ein. Reznors Einfluss auf die alternative Musikwelt ist
seit den späten 80ern ungebrochen: mit Hits wie „Closer“ und „Hurt“ sowie Alben wie „The Downward
Spiral“ kombinierte das Mastermind elektronische Sounds mit Rockmusik wie nie zuvor. „TRON: Ares“ ist
die erste NIN Veröffentlichung seit fünf Jahren und liefert gleich 70 Minuten neue Musik – erhältlich ab
dem 19.09. auf CD und Vinyl.

Orange Vinyl
After his acclaimed EP "Shiny Black Leather" and a dream collaboration with Dario Argento for the soundtrack of his new film "Occhiali Neri", Maestro Arnaud Rebotini is back on Mannequin Records with a new 4-tracks EP "I Drive East".

For this new EP, Arnaud started working more on a song form, deeply inspired by his rock'n'roll roots. Having heroes like Suicide or Alien Sex Fiend in mind, he was able to create the perfect link between EBM and Industrial Rock. The final production was orchestrated diving deep into percussive drums and digital synthesizers, a mega hybrid of analog and digital, recalling back our favourite mid-80's productions.

Downwards present Alexander Tucker in metamorphosis from psych folk to techgnostic bard, aided by notable guests – Justin K Broadrick, Regis, Phew, Karl D’Silva, JJOWDY, and Elvin Brandhi – in a quest for disordered convention and new thrills. One up to Tucker’s outings for Alter and The Tapeworm, and spiritual successor to his »Nonexistant« trio on Downwards, »Clear Vortex Chamber« is an enigmatic take on the brownfield edgelands where the eldritch intersects electronic heck. Decades of work spread between hardcore punk, psych rock, folk, and drone — including work with Stephen O’Malley (Ginnungap) and Neil Campbell (Astral Social Club, ESP Kinetic) — feed forward into this album’s unsteady machine rhythms and cranky junkyard atonalities, where Tucker panel-beats aspects of his previous sound with a newfound industrial thrust and cyber-punky lust that suits him dead well.

A crafty example of how to mutate without losing sight of yourself, the album’s eight parts feel like a cyborg patching itself into modernity. On opener »Udug« Tucker’s signature falsetto peals from a A Scanner Darkly-style scramble suit of stereo-strobing electronics, setting a melodramatic, neo-gothic tension that riddles the album thru the knotted, fractured industrial dancehall bullishness of »Mallets« with Yeah You’s feral gob Elvin Brandhi, via a pair of standout »Fedbck« parts with Tucker’s personal idol, Justin K Broadrick (Godflesh, Jesu, and the rest), featuring the Brum deity’s claw-handed riffs and howl on the first, and smeared with Karl D’Silva’s brass in its noctilucent second part.

Regis also proves a staunch foil for the album’s most robust, club-ready cut »Zona«, hammered out from buzzing metallic drums and monotone bass drones, and pitting his severed vox against Tucker’s own androgynous harmonies to recall aspects of The Ephemeron Loop via British Murder Boys, whilst scene legend, Can and Ryuichi Sakamoto spar Phew (aka Aunt Sally) ideally tempers the flow in a relatively soothing »Sansu«, sharing more cyber-romantic, recombinant sentiments with the channelling of Robert Wyatt gone Funk Bruxaria on »Folded«.

Zum 50. Jubiläum von Bad Company und anlässlich ihrer Aufnahme in die Rock and Roll Hall of Fame 2025 erscheint am 24. Oktober das erste von der Band autorisierte Tribute-Album:
„Can’t Get Enough: A Tribute to Bad Company“

Diese besondere Veröffentlichung vereint namhafte Künstler*innen aus Rock, Country und Americana – darunter The Pretty Reckless, Charlie Crockett, Slash, HARDY und Def Leppard – die Bad Companys Klassiker auf persönliche, frische Weise interpretieren.

Ein echtes Highlight: Frontmann Paul Rodgers und Drummer Simon Kirke wirken selbst an mehreren Songs mit – in Kollaboration mit den teilnehmenden Künstlern.

Ein Must-Have für Fans von Classic Rock und eine ehrwürdige Hommage an eine der einflussreichsten Rockbands der Musikgeschichte.

Die Nine Mile Section in der Gemeinde Saint Ann ist die Geburts- und Ruhestätte der Reggae-Legende Bob Marley. Das Mausoleum, das seine sterblichen Überreste beherbergt, ist eine wichtige Pilgerstätte für Fans aus der ganzen Welt. Nine Mile wird oft mit der Rastafari-Kultur in Verbindung gebracht, die die Reggae-Musik stark beeinflusst. Die Gemeinde spiegelt das langsamere Lebenstempo, die tiefe Verbundenheit mit der Natur und das afrozentrische spirituelle Ethos wider, das dem Roots-Reggae zugrunde liegt. Dies inspirierte Alborosie zu seinem neuesten Album, das seine persönliche Hommage „Trench Town Legend“ enthält.
„Come My Way“, die erste Single aus dem Album, ist eine Neubearbeitung von „King Tubby Meets Rockers Uptown“, einem weiteren Markenzeichen von Roots Reggae und Dub.

Die kommende Single „Calling Selassie“ liefert einen einheitlichen Roots-Sound und eine inspirierende Botschaft.
Alborosie ist im Frühjahr und Sommer 2025 auf Tournee und wird diese Songs bei seinen Live-Auftritten präsentieren.

Das 1970 veröffentlichte, selbstbetitelte Debüt von Funkadelic war eine radikale Kollision von psychedelischem Rock, Gospel, Blues und Soul - ein chaotisches, genreübergreifendes Statement, das die Möglichkeiten der schwarzen Musik neu definierte. Wo Motown auf Hochglanz und Crossover-Appeal abzielte, stürzten sich Funkadelic kopfüber in Verzerrungen, Improvisationen und spirituelle Zweideutigkeiten, mit einem Sound, der so düster und unberechenbar war wie die Ära selbst. Unterstützt von einer wilden jungen Band, lehnte das Album Konventionen zugunsten von rohem Groove und existentiellem Lärm ab. Als Teil der Westbound Records Reissue Serie von Org Music stellt diese Ausgabe die volle Wirkung des Albums wieder her. Die Deluxe-Doppel-LP, die von Dave Gardner direkt vom analogen Band mit 45RPM neu gemastert wurde, bietet das bisher beeindruckendste Hörerlebnis dieses Klassikers. Gardner und die Restaurationsspezialistin Catherine Vericolli archivierten und restaurierten die Original-Masterbänder in den 54 Sound Studios in Ferndale, Michigan, mit Unterstützung des hauseigenen Ingenieurs Nick King. Neben CD, Kassette und digitalen Formaten ist auch eine einfache LP-Ausgabe erhältlich, die von hochauflösenden Bandüberspielungen geschnitten wurde. Funkadelic waren zu ihrer Zeit eine klangliche Revolution mit bleibendem Einfluss, ihr selbstbetiteltes Album ist ein bahnbrechendes Zeugnis für Musik ohne Regeln und Freiheit ohne Grenzen.

Following the success of Highly Refined Pirates' forward-thinking guitar gymnastics and Menos El Oso's groundbreaking glitch rock, Seattle's premier pop revisionists Minus The Bear dug into some of rock music's most ostentatious years for inspiration for their 2007 album, Planet of Ice. The title alone conjures images of Yes's Relayer album art, and the influence of the elder statesmen's symphonic scope can be felt throughout Planet of Ice's lush and intricate arrangements. You can also hear the band channel the ominous instrumental interplay of Lamb-era Genesis on "Dr. L'Ling", the deceptively savvy musicianship and pristine production of Steely Dan on "White Mystery", and the tightrope walk between ethereal space and pre-metal riffage of Pink Floyd's "Echoes" on "Lotus". Not that Minus The Bear completely abandoned their earlier style_elements of Menos El Oso's sample-driven technique can be heard on the lead single "Knights". But the heart of the song ultimately belongs to the haunting Fripp-esque guitar lines spliced between verses. After being out of print on record since 2010, Suicide Squeeze is proud to reintroduce Planet of Ice's creative marriage of classic motifs and modern musical wizardry with a vinyl remaster courtesy of Bernie Grundman.

A cornerstone of soulful reggae, Lover’s Rock by Jamaican legend Delroy Wilson bridges his deep roots in ska and rocksteady with the smooth, romantic vibes of the UK’s lovers rock movement. It's a noteworthy entry in the lovers rock canon and a testament to Wilson's versatility. Originally released in 1978 by Burning Sounds, this album captures Wilson’s velvet-toned voice over laid-back riddims and heartfelt lyrics—a perfect entry point for fans of both classic reggae and tender love songs.
A must-have for collectors of golden-era reggae and lovers rock enthusiasts alike. Original UK pressing is increasingly rare and prized for its warm analogue sound and classic artwork.
Recommended if you like: John Holt, Gregory Isaacs, Dennis Brown, Sugar Minott.
Released on 180-gram vinyl including sleeve notes and 2 bonus tracks.

"The Bad Seeds and Zakary Thaks were mid ‘60s Texas garage rock bands formed in the wake of the British Invasion, influenced by The Rolling Stones, Kinks, Yardbirds and others, becoming top local live attractions at a time when the 13th Floor Elevators and Moving Sidewalks were leading the way into psychedelia. In late 1966 Rod Prince on guitar and Roy Cox on bass from Bad Seeds joined up with David Fore from Zakary Thaks on drums to create a new band out of San Antonio featuring two lead guitarists. Todd Potter filled out the quartet on second guitar and they chose the name Bubble Puppy, taken from Aldous Huxley’s 1932 dystopian novel Brave New World. Huxley was an early advocate of LSD, appropriately. In 1969 Bubble Puppy scored a top 20 hit single with “Hot Smoke & Sasafrass” which led to their LP “A Gathering Of Promises”. International Artists, the legendary Texas label that previously had unleashed mind expanding classics by the Elevators, Red Crayola, Golden Dawn and others was a perfect fit. After the LP and additional 45s didn’t repeat the success of “Hot Smoke & Sasafrass” the band hooked up with Nick St. Nicholas of Steppenwolf as their new manager and moved to Los Angeles. A new band name was in order, Nick St. Nicholas chose Demian, title of the 1919 novel by Herman Hesse. His books were popular with the counterculture at the time and had provided Steppenwolf with their new name after they changed it from the Sparrow and hit it big. Demian recorded the LP live in the studio at the Record Plant in one midnight to six session. They had their arrangements fully realized, allowing them to combine live show energy and economy with to-the-point delivery suitable for repeated listening. No doubt they were aiming for pop hit success, using proto hard rock skills in a radio friendly way without compromising the heavy guitar moves. The vocals have echoes of the earlier Bubble Puppy style in spots but are more melodic with vibrant harmonies reminiscent of Moby Grape, Buffalo Springfield, James Gang… at times flashing on Steve Stills/Richie Furay westcoast without being too sweet about it. It works terrifically when the radio friendly voices top off killer hard guitar ensemble action. Early hard rock that is too bluesy flashy can get tiresome with repeat listening, especially if overdosing on guitar solos with the band relegated to the background… Demian keep it interesting with inventive song structures allowing all four players to integrate constantly into an ever changing but focused whole. This LP is a grower, despite the basic two guitars, bass and drums lineup and no frills production you reach a lot of different places during the ride. Demian is deadly hard rock, a perfectly organized vibe straddling live energy and crafted itinerary, amongst the first obscure major label killers that commanded premium $$ with collectors even way back in the late ‘70s. It gets you there every time, even half a century later!"

The first-ever best of of Nim Vind is called Anthology 1 and is released by Sunny Bastards Records! This collection of audio medicinals created in a UFO vibrating in the Key of NV is guaranteed to blow your mind. Experience the energy and indulge in some Halloween candy with Nim Vind's 180-gram Vinyl album. This collection includes Nim Vind's most popular tracks from regular albums Fashion Of Fear, Stillness Illness & Saturday Night Seance Songs, along with some special versions or tracks that have never been released before. Nim Vind was introduced to Europe through Zillo Magazine and the Goth club "Pagan Love Songs". This led to the release of his first album, "Fashion of Fear", on Fiendforce Records Germany. The album was recognized by Metal Hammer UK, Maximum Rock n Roll and many other magazines that support underground artists. Rue Morgue Magazine (the world's biggest Horror Entertainment Print magazine) selected Nim's album "Saturday Night Seance Songs" as the Album of the Year. He has shared stages with the likes of Gary Numan, Filter, Blitzkid, The 69 Eyes, Todd Kerns (Slash with Miles Kennedy and the Conspirators), Peter Murphy of Bauhaus, and many more. The album kicks off with NV classic "Killing Saturday Night", which has garnered 1.7 million plays on Spotify and more than 330,000 views on YouTube. The collection attempts to showcase some of the songs that have been a part of his story, bringing us up-to-date with his current work. If you're a Horrorpunk, Goth, Post-Punk, Rock N Roll or Alternative collector, this collection is a must-have! Vinyl only compilation, for fans of MISFITS, JERRY ONLY, CHRIMSON GHOSTS, BLITZKID, THE OTHER.

Das Fantasy-Mittelalter-Metal-Phänomen CASTLE RAT präsentiert sein zweites Album! Castle Rat ist die NY Fantasy-Heavy-Metal-Band, die von der Rat Queen angeführt wird, welche die Mission verfolgt, ihr Refugium gegen diejenigen zu verteidigen, die es zerstören wollen. Ihr zur Seite stehen The Count, The Plague Doctor und The All-Seeing Druid. Gemeinsam stellen sie sich mit Heavy Magie dem unerbittlichen Zorn ihrer Erzfeindin - dem Tod in Form von The Rat Reaperess. Das zweite Album The Bestiary ist ein riffgeladenes Kompendium mystischer Kreaturen und vorwarnender Erzählungen aus einer vergessenen Welt. Es erzählt 13 allegorische Geschichten von mythischen Bestien und dem Zauberer, der sie beschwört, und verwebt kraftvolle Heavy-Hymnen und dunkle Verzückungen zu einer betörenden und unvergesslichen Heavy-Metal-Odyssee. Als ob Grace Slick mit Black Sabbath um ca. 1200 A.D. auf einem KISS-Konzert rumachen würde. Aufgenommen von Randall Dunn (Sunn O))), Wolves in the Throne Room, Björk) und gemischt von Jonathan Nuñez (Torche, Restless Spirit), bietet das Album fesselnde Tracks zwischen epischem Heavy-Gemetzel und doomy Hard Rock. The Rat Queen kommentiert das Album wie folgt: "The Bestiary' ist ein konzeptionelles Buch der Bestien, das von mystischen Kreaturen aus einer vergessenen Welt erzählt. Die letzten verbliebenen Seelen jeder dieser Kreaturen wurden von `The Wizard' gesammelt und aufbewahrt. Die Geschichten der einzelnen Bestien und des Zauberers selbst werden mit der Kraft traditioneller Heavy-Metal-Songs und Hard Rock-Magie verwoben." Hervorgegangen aus New Yorks abscheulichem, kreaturenverseuchtem Untergrund, schlugen die Fantasy-Heavy-Metaller zunächst mit ihren Live-Auftritten und später mit ihrem Debütalbum "Into The Realm" im Jahr 2024 große Wellen. Seit ihrer Gründung im Jahr 2019 haben CASTLE RAT ein lebendiges Labyrinth aus Erzählungen und Mythen geschaffen, welches sie nun rund um die Welt führt. The Bestiary auf CD (aufklappbares Digipak), MC (mit gefaltetem Inlay) und auf LP (farbiges Vinyl, inklusive ausklappbarem Lyrics-Insert)!

"It's a Beautiful Day" brings together 12 outstanding songs recorded between 1971 and 1976, reminiscent of sunshine pop, psych folk and soft rock with Peruvian touches, taken from extremely hard to find records, some of them reissued here on vinyl for the first time. A mindblowing look at a really stunning musical moment in Peru. Unusual instruments and exceptional vocal play also feature in the ten original songs and two cover versions, all performed by Lima-based groups. MAG has been, since its foundation in 1953, an essential label in the music scene of Peru, allowing the development of the careers of both tropical artists and musicians of other genres. At the head was Don Manuel Antonio Guerrero, its founder, whose name comes from the acronym of the label itself (M.A.G.). In 2021 MAG was acquired by the Spanish company Distrolux SL, owner of the Munster and Vampisoul record labels, after years of previous collaborations in which some of the most emblematic titles in the catalog were already reissued for the international market: Nils Jazz Ensemble, Sonora Casino, Traffic Sound, Al Valdez, Pax... Following our recent release "14 MAGníficos Bailables", comprising some of the best tropical music on MAG, this new compilation brings together 12 songs recorded between 1971 and 1976, reminiscent of sunshine pop, folk psych and soft rock but with Peruvian touches. The lyrics range from youthful reflections, environmental awareness, paradigm changes to all shades of love that the youth of the day experienced. Unusual instruments and exceptional vocal play also feature in the ten original songs and two cover versions, all performed by Lima-based groups.

X-Ray Spex was a British punk rock band that emerged in the late 1970s, known for their distinctive sound, socially conscious lyrics, and the dynamic frontwoman Poly Styrene. The band was active during the first wave of punk rock and played a significant role in the punk movement.
Lead vocalist and songwriter Poly Styrene was known for her unique vocal style and often cited as an influential figure in the punk scene.
Other band members on ‘Germfree Adolescents are Jak Airport: Guitarist / Paul Dean: Bassist / Rudi Thompson: Sax / B P Hurding: Drummer.
X-Ray Spex released their debut album, "Germfree Adolescents," in 1978, featuring the title track, "Germfree Adolescents." The album is considered a classic of the punk era.

Poly Styrene's lyrics often addressed social and consumerist issues, and her unconventional fashion sense and energetic stage presence added to the band's overall identity.

Holy Sons is the largely solo project of Emil Amos (Grails, Om, Lilacs & Champagne). Puritan Themes is his 17th album and his 4th for Thrill Jockey Records and a tentpole album in his wide-ranging output, including myriad private press LPs, collections of oddities, and conceptual series". Puritan Themes" relaxed vibes are influenced by the laid-back west coast rock sound of mid-period Fleetwood Mac, blended with a dose of psych distortion and imbued with the breeziness and ease of yacht rock. Puritan Themes is a record that knowingly, barely fits into the modern world. When mixing the record in Chicago, everyday Amos skated through Douglass Park listening to podcasts about the inner workings of The Band, listened to 70"s AM radio while washing dishes and went to sleep at night to early Bee Gees interviews. The earliest concept of the record was based around the track "Chain Gang" which was an imaginary take on if Cat Stevens had smoked a ton of salvia and taken a much darker route within that world of dense, story-telling/message-based songwriting. The track "Raw & Disfigured" borrows its name from the last Thrill Jockey Holy Sons record, in a referential move that"s stolen from the way Led Zeppelin separated the track "Houses of the Holy" from the record of the same name (once again harkening back to 70"s lore).

After returning from Australia, Brian Baker has wasted no time in making an impact on the NZ scene with much heralded and reviewed singles and film clips, and in particular his solo show which has seen him perform at gigs and Festivals across the country. Now he"s joined two local Whanganui Musicians, Stu Duncan and pro drummer Brad MacMillan, both seasoned performers. The act is called BB and The Bullets and has a focus on the blues, doing tracks by Albert King, BB King, Muddy Waters plus some Stevie Ray Vaughan and other blues classics. They also feature some of Brian"s excellent releases and have a few of their own recorded. These tracks make up their debut LP which will soon be released on vinyl, CD and digital through Nixon Street Recordings, Whanganui"s own international record label. Yes, the guitaring that made Brian"s solo show stand out is heavily on display here, now backed by a tight, live rhythm section. Their shows have been very well received wherever they have performed, getting standing ovations at the recent Bay Of Islands Jazz and Blues Festival where they played six standout shows over three days ! They are drawing crowds wherever they appear, have been invited back to the Capital Blues Inc in Wellington after a knock em dead show there, and were a solid crowd pleaser at Snells Beach this summer for Auckland city council"s Music In Parks series. They are delighting audiences with rock solid, emotive performances of classic blues tracks underlined by undoubtedly one of the finest guitarists New Zealand has produced !

THE ROCKABILLY MAFIA! 40 Jahre Rock'n'Roll, das Jubiläumsalbum "Ewigkeit", eine Vielzahl großartiger neuer Songs gepaart mit alten Klassikern in neuem Gewand. 20 erstklassige Tracks im Stil der 50er Jahre/Teddy Boys. Es kommt einem vor wie gestern, als Ende der 80er Jahre ihre Debüt-LP STREETS OF ELMSHORN auf den Markt kam, und all die Jahre über ist die Band ihrem ganz eigenen Rockabilly-Stil treu geblieben! Doppel-LP im Gatefold-Sleeve mit zwei Inserts

Hundredth haben sich über die Jahre als Band des Wandels etabliert. Mit jeder Veröffentlichung schlagen sie neue klangliche Wege ein – von ihren rohen Hardcore-Wurzeln über den verträumten Shoegaze von RARE (eines von Stereogums besten Alben 2017) bis hin zum cineastischen Synthpop von Somewhere Nowhere. Jeder Abschnitt ihrer Karriere fühlt sich an wie ein Neuanfang – mal hart, mal zart, aber immer mit dem Drang, voranzuschreiten.

Nach fünf Jahren Stille kehren sie nun mit Faded Splendor zurück: einer intensiven Mischung aus Post-Punk-Energie und weiträumigem Indie-Rock. Das Album vereint Einflüsse aus vier Jahrzehnten – von düsterem 80s-Post-Punk über das Indie-Revival der 2000er bis zum glitzernden 90er-Alternative-Rock und verträumtem Pop. Ein Hauch von Alt-Country klingt mit – vielleicht eine stille Erinnerung an ihre südliche Herkunft. Doch das ist keine Rückschau. Es ist ein Aufbruch.

Synthetica ist das fünfte Studioalbum der kanadischen Indie-Rock-Band Metric mit den Singles ”Youth
Without Youth” und ”Speed the Collapse”. Klanglich futuristisch und doch organisch klingt Synthetica wie
der Höhepunkt eines Jahrzehnts der Entwicklung, das die frühen Jahre der Band geprägt hat – ein Album,
das heute noch genauso mutig und nachhallend ist wie bei seiner Veröffentlichung im Jahr 2012.
Jetzt exklusiv in Opaque Baby Blue gepresst.

2025 Repress

Sean McCabe’s impressive Good Vibrations Music is back with its 3rd vinyl instalment and features 4 heavyweight, tried and tested soulful cuts.

Kicking off the 12 Inch is the Black Sonix & Sean McCabe Extended Mix of ‘Rise’ from the Matsiko World Orphan Choir, a moving and heart-felt orphan choir group based in Liberia. The choir is an initiative that aims to provide education and break the cycle of poverty for vulnerable children around the world. With a strong message embedded throughout and given the 5-star production treatment, ‘Rise’ has already been heavily pushed by a wide array of artists including Daniel Steinberg, Red Rack’em and The Shapeshifters.

Next up is Sean’s lush piano-laden remix of ‘Baby Don’t Make Me Wait’, from David Bailey and MissFly. David is a firm favourite amongst the London house music community and regular across labels such as Idris Elba's 7wallace, Makin Moves, Rhemi Music & Unquantize. MissFly is widely renowned for her soulful serenades and ability to write songs 'on the fly' in the studio as well as being found regularly on tour with the likes of Thelma Houston, Andrew Tosh, and The Notorious BIG. Sprinkled with luscious piano undertones and subtle string lines. With support from the likes of Dave Lee and Natasha Diggs.

On the flip is ‘Got It Bad’ from Ellis Aaron & Sean McCabe. Built on a rocksolid foundation of late-night, swing-heavy beats, ‘Got It Bad’ bubbles and froths with creamy Rhodes, lush organ swirls and a bassline that moves and grooves in all the right places. Ellis’ warm and rich soulful vocals are the perfect complement to that unmistakeable sound Sean has become renowned for. Early adopters include Ash Lauryn, Ralf GUM, and Mr V.

Rounding off the EP is Last Nubian’s ‘Dance Together’ which beautifully blurs the lines quite beautiful between Deep House, House and Broken Beat, Josh’s strikingly soulful vocals pair harmoniously with the lush, musical backdrop spear-headed with an abundance of Rhodes, soothing string & synth riffs and a tight, rhythmic drum arrangement that simply refuses to let your feet rest!

High Roller Records, transparent beer colored vinyl, ltd 450, 425gsm heavy cardboard cover, lyric sheet, download code Starlight Ritual wurden 2013 in Montréal, Québec, geboren, gegründet von den beiden Gitarristen J.F. Bertrand und Dan Toupin. Bertrand schwebte ursprünglich ein Doom/Psychedelic-Projekt vor, zu dem er Bassist Mat Forge und Schlagzeuger Louis Lecomte anheuern ließ. Dan und J.F. schreiben einen Haufen instrumentaler Doom-Heavy-Prog-Nummern, von denen einige 2015 auf dem ersten selbstbetitelten sowie selbstproduzierten Album landen (technisch gesehen mit vier Songs eine EP, allerdings mit einer Spielzeit von nahezu 40 Minuten). 2014 stößt Sänger Damien Ritual zur Band. Mit »Age Of The Universe« folgt zwei Jahre später eine weitere EP, gefolgt vom ersten offiziellen Album »Sealed In Starlight« auf Temple Of Mystery (2021). Starlight Rituals erste Veröffentlichung auf High Roller Records ist das neue Album »Rogue Angels« (auf dem Damien Ritual nicht nur singt, sondern auch Bass spielt). Seit den frühen Tagen hat sich der Stil der Band seiner Meinung nach doch recht nachhaltig verändert: Bei »Sealed In Starlight« war die Identität dann gefunden: traditioneller Heavy Metal mit Epic-Flair, ein Mix aus Manowar und Running Wild sowie alten Helden wie Thin Lizzy und Rainbow‘, Epic Hard Rocking Traditional Metal’

Mit "Plan 76" entwickeln The Orchestra (For Now) ihren maximalistischen Ansatz dessen, was sie selbst als "London Prog" bezeichnen, weiter. Die EP kombiniert avantgardistische Rock-Theatralik, komplexes klassisches Zusammenspiel, pastoralen Barock-Indie, Post-Hardcore-Dynamik, jazzige Freakouts und alles dazwischen und ist eine Meisterleistung in Sachen Spannung und Entspannung. Die Elemente, die ihr Debüt zu einem Durchbruch machten, sind immer noch vorhanden: Die Kompositionen sind unvorhersehbar und doch unverkennbar eingängig, und es gibt skurrile Referenzen an die Popkultur und die sie umgebende Welt. Doch hier wird alles auf ein höheres Niveau gebracht, die zugrunde liegende Fragilität in einen Mantel musikalischen Selbstvertrauens gehüllt, der nur mit solch großem Ehrgeiz entstehen kann.

Die Lead-Single "Hattrick" fasst ihre Entwicklung perfekt zusammen. Sättigung und Kontrast wurden gesteigert, die dunkleren Ecken akzentuiert, ihre breitere Palette lebendiger und farbenfroher. Labyrinthartige Instrumentierung schwillt an und explodiert in Momenten schamanischer Stimmkraft, filmischer Streicher, einer treibenden Rhythmusgruppe und ungezügelter Gitarren, bevor sie aufflammt und grüblerischen, nachdenklichen Versen weicht.

Zur EP erklärt die Band: "Plan 76 vervollständigt die Geschichte, die wir ursprünglich erzählen wollten. Sie führt die Themen unserer ersten Veröffentlichung fort, platziert das dort Bewährte aber in anderen Welten und Situationen. Instrumental gesehen ist sie für uns anspruchsvoller. Nicht, weil wir unglaublich komplizierte Parts spielen, sondern im Gegenteil – wir haben versucht, sie zu verfeinern, anstatt sie zu verkomplizieren. Es gibt unglaublich exponierte Momente, in denen wir die Instrumentierung reduziert haben (was für uns nicht selbstverständlich ist). Diese EP bereitet auch den Boden für das, was als Nächstes kommt."

In den letzten Jahren hat die Band einen Aufstieg erlebt, von dem die meisten neuen Acts nur träumen können. Sie spielten auf der Hauptbühne des Green Man Festivals, traten beim End Of The Road Festival auf und spielten mehrere ausverkaufte Headliner-Konzerte, bevor sie überhaupt eine Single veröffentlichten. Nachdem sie ihren Sound auf der Londoner Live-Tour verfeinert hatten, veröffentlichte die Band Anfang des Jahres ihre mit Spannung erwartete Debüt-EP "Plan 75", die sowohl bei Kritikern als auch bei ihrer Fangemeinde für Begeisterung sorgte.

Nach der Neuauflage von The Belair Lip Bombs' (dem ersten australischen Signing des Labels) Debütalbum ,Lush Life" im Jahr 2023 durch Third Man Records - das breite Anerkennung fand, darunter eine ?-Bewertung im NME, eine 7,8-Bewertung von Laura Snapes in Pitchfork, einen Artikel in der Rubrik ,Ones To Watch" im Guardian und eine Auszeichnung als ,Best Rock or Punk Work" bei den Victoria Music Awards erhielt, bereitet sich die vierköpfige Band aus Melbourne auf die Veröffentlichung ihres mit Spannung erwarteten zweiten Albums ,Again" am 31. Oktober vor. Unter der Leitung von Maisie Everett (Gitarre, Keyboard, Gesang) und ergänzt durch ein talentiertes Trio von Musikern bestehend aus Mike Bradvica (Gitarre), Jimmy Droughton (Bass) und Daniel Devvlin (Schlagzeug) wurde das Album mit Produzent Joe White von Rolling Blackout Coastal Fever aufgenommen. (,Again" festigt die Position von Lip Bombs (als feste Größe in der aktuellen Indie-Szene). ,Hey You", die erste Singleauskopplung aus dem Album, fängt das großformatige Songwriting und das angeborene Gespür der Band für mitreißende Melodien ein.

Nach der Neuauflage von The Belair Lip Bombs' (dem ersten australischen Signing des Labels) Debütalbum ,Lush Life" im Jahr 2023 durch Third Man Records - das breite Anerkennung fand, darunter eine ?-Bewertung im NME, eine 7,8-Bewertung von Laura Snapes in Pitchfork, einen Artikel in der Rubrik ,Ones To Watch" im Guardian und eine Auszeichnung als ,Best Rock or Punk Work" bei den Victoria Music Awards erhielt, bereitet sich die vierköpfige Band aus Melbourne auf die Veröffentlichung ihres mit Spannung erwarteten zweiten Albums ,Again" am 31. Oktober vor. Unter der Leitung von Maisie Everett (Gitarre, Keyboard, Gesang) und ergänzt durch ein talentiertes Trio von Musikern bestehend aus Mike Bradvica (Gitarre), Jimmy Droughton (Bass) und Daniel Devvlin (Schlagzeug) wurde das Album mit Produzent Joe White von Rolling Blackout Coastal Fever aufgenommen. (,Again" festigt die Position von Lip Bombs (als feste Größe in der aktuellen Indie-Szene). ,Hey You", die erste Singleauskopplung aus dem Album, fängt das großformatige Songwriting und das angeborene Gespür der Band für mitreißende Melodien ein.

Charmaine Lee ist eine in New York lebende Sängerin, Komponistin und Elektronik-Künstlerin, die für ihre furchtlosen Erkundungen von Stimme, Geräuschen und Improvisation bekannt ist. Zu ihren Kollaborationen zählen Ikue Mori, Conrad Tao, JACK Quartet, Spektral Quartet und Wet Ink Ensemble, mit Auftritten im Lincoln Center, MoMA und Storm King Art Center. Nach ihrem von der Kritik gefeierten Debüt KNVF (Erratum Musical , 2021) kehrt Charmaine Lee mit Tulpaa zurück, einem kühnen neuen Statement, das das Ausdruckspotenzial der menschlichen Stimme und der Elektronik bis an die Grenzen treibt. Während ihre früheren Arbeiten ruhige Texturen und gestische Nuancen erforschten, ist Tulpa viszeral und unmittelbar und verbindet rohe Stimmkraft mit dichten Schichten analoger und digitaler Bearbeitung. Inspiriert von der Körperlichkeit des Rock der 70er Jahre und den esoterischen Eigenschaften von Hochspannungs-Röhrengeräten, schafft Lee eine Klangwelt, die sowohl wild als auch futuristisch ist. Tulpa pulsiert mit gesättigten Obertönen, mikroskopischen Details und dynamischen Verschiebungen in der Skala, die zwischen Intimität und Unermesslichkeit hin- und herpendeln. Produziert und aufgenommen von Randall Dunn (SUNNO))), Kali Malone, Anna von Hausswolff), wurde Tulpa mit einer einzigartigen räumlichen Technik erstellt: Lees Stimme wurde in ein direktes Signal und mehrere Vintage-Röhrenverstärker aufgeteilt, die als Lautsprecher dienten, wodurch eine feedbackreiche, dimensionale Umgebung entstand. Das Ergebnis ist eine Aufnahme, die sich taktil und immersiv anfühlt - gleichzeitig geerdet und spektral. ,Ich war fasziniert von diesem Sound der 70er Jahre - wie lebendig und unvorhersehbar er sich anfühlte und doch so tief verkörpert war", sagt Lee. ,In Tulpa geht es darum, Grenzen aufzulösen: zwischen Körper und Maschine, Raum und Wahrnehmung, Klang und Illusion." Der Titel bezieht sich auf ein Konzept aus der tibetischen Mystik: Ein Tulpa ist ein Wesen, das durch konzentriertes Denken heraufbeschworen wird. Lee verwendet diese Idee als Metapher für ihre Praxis, in der Klang zu einem materiellen Akt der Vorstellungskraft wird, der zwischen Präsenz und Erscheinung wechselt. Das Album endet mit einem meditativen Duett mit dem weltberühmten Reed-Spieler Ned Rothenberg an der Bassklarinette , einem spärlichen und weitläufigen Track, der vom Noh-Theater inspiriert ist. Es bietet einen Moment der Stille, der noch lange nach dem Ende des Albums nachhallt.