Cerca:blitz

Robb Weir ist nie ein Mann, der das, was er hat, als selbstverständlich ansieht. Nachdem er die TYGERS OF PAN TANG seit ihrem ersten Album durch eine Reihe von Besetzungswechseln geführt hat, weiß er, dass die aktuellen Tygers wahrscheinlich die stärksten sind, seit sie an der Spitze der NWOBHM standen. Weir, der stets optimistisch war, gründete eine neue Version der Band, um sowohl das alte Material zu spielen als auch Songs zu schreiben, die diese "neuen" Tygers repräsentieren sollten. Das Rückgrat der Band - Craig Ellis am Schlagzeug und Jack Meille am Gesang - sind nun schon wesentlich länger zusammen als die ersten Tygers und wurden kürzlich durch Francesco Marras an der Gitarre und Huw Holding am Bass ergänzt.

Francesco kam über Solo- und Session-Arbeiten, die ihn zu einem gefragten Gitarristen gemacht haben, und Huw hat bereits mit
NWOBHM-Bands wie Blitzkrieg, Avenger und Holosade gearbeitet. Jetzt ist die Band bereit für die Veröffentlichung ihres neuen Albums "Bloodlines".

Das Album wurde komplett von den Musikern der aktuellen Besetzung aufgenommen und ist eine Tour de Force dessen, was die NWOBHM zu einer solch starken Kraft in der Musik machte. Die Songs, die alle aus eigener Feder stammen, zeigen erfolgreich, wie gut der Kern von Weir, Meille und Ellis mit den neuen Jungs harmoniert hat. Der neue dänische Produzent Tue Madsen (The Haunted, Moonspell, Sick Of It All) hat dem traditionellen Tygers-Sound eine zeitgemäße Note verliehen und sich sofort mit der Band angefreundet, da er genau erkannt hat, wonach sie gesucht hat.
Der melodische Gesang und die vorbildlichen Gitarrensoli sorgen dafür, dass die Songs mit den besten Songs aus ihrem Backkatalog mithalten können.

Robb Weir ist nie ein Mann, der das, was er hat, als selbstverständlich ansieht. Nachdem er die TYGERS OF PAN TANG seit ihrem ersten Album durch eine Reihe von Besetzungswechseln geführt hat, weiß er, dass die aktuellen Tygers wahrscheinlich die stärksten sind, seit sie an der Spitze der NWOBHM standen. Weir, der stets optimistisch war, gründete eine neue Version der Band, um sowohl das alte Material zu spielen als auch Songs zu schreiben, die diese "neuen" Tygers repräsentieren sollten. Das Rückgrat der Band - Craig Ellis am Schlagzeug und Jack Meille am Gesang - sind nun schon wesentlich länger zusammen als die ersten Tygers und wurden kürzlich durch Francesco Marras an der Gitarre und Huw Holding am Bass ergänzt.

Francesco kam über Solo- und Session-Arbeiten, die ihn zu einem gefragten Gitarristen gemacht haben, und Huw hat bereits mit
NWOBHM-Bands wie Blitzkrieg, Avenger und Holosade gearbeitet. Jetzt ist die Band bereit für die Veröffentlichung ihres neuen Albums "Bloodlines".

Das Album wurde komplett von den Musikern der aktuellen Besetzung aufgenommen und ist eine Tour de Force dessen, was die NWOBHM zu einer solch starken Kraft in der Musik machte. Die Songs, die alle aus eigener Feder stammen, zeigen erfolgreich, wie gut der Kern von Weir, Meille und Ellis mit den neuen Jungs harmoniert hat. Der neue dänische Produzent Tue Madsen (The Haunted, Moonspell, Sick Of It All) hat dem traditionellen Tygers-Sound eine zeitgemäße Note verliehen und sich sofort mit der Band angefreundet, da er genau erkannt hat, wonach sie gesucht hat.
Der melodische Gesang und die vorbildlichen Gitarrensoli sorgen dafür, dass die Songs mit den besten Songs aus ihrem Backkatalog mithalten können.

Der blitzartige Aufstieg von Freya Ridings mit ihren Singles „Lost Without You“ und „Castles“ aus ihrem selbstbetitelten Debütalbum machte sie zu einem der internationalen Überraschungserfolge der letzten Jahre. Mit „Lost Without You“ wurde Freya zur ersten weiblichen Künstlerin, die einen komplett selbst geschriebenen UK Top-10-Hit seit Kate Bushs „Running Up That Hill“ im Jahre 1985 feiern durfte.

Das ebnete ihrem Debütalbum den Weg zu einem immensen weltweiten Erfolg: Platz 3 der britischen Charts, über eine Milliarde Streams und phänomenale 47 Platin- und Goldauszeichnungen aus aller Welt.

Das mit Spannung erwartete zweite Album ”Blood Orange” wurde von Freya geschrieben. Dazu kamen ausgesuchte Kollaborationen mit Steve Mac (Ed Sheeran, Lewis Capaldi), Kamille (Dua Lipa, Little Mix), Will Bloomfield (Alfie Templeman, The Vaccines), LostBoy (Mimi Webb, Rita Ora), Phil Plested (Lewis Capaldi) und Scott Harris (Camila Cabello, Shawn Mendes). Das Ergebnis ist ein Album, das in 14 lebensbejahenden Songs alles auf den Tisch legt, was sie ist, was sie durchgemacht hat und was sie geworden ist.

Fresh off his explosive Boiler Room performance in Liverpool, the dust is yet to settle from the electronic eruptions caused by GTOWN head-honcho and energy inducer, KETTAMA. Namely, the damage caused by his latest armoured artillery; ‘GTOWN004’, a radioactive EP with devastatingly euphoric consequences.

‘Samba Soccer 2001’ is the track that opens the door to ‘GTOWN004’, as we’re welcomed by an anonymous voice that insults the listener; a perfect introduction to a project that is wildly unapologetic in its character, and utterly ruthless in its delivery. Released as the first single from the ‘GTOWN004’ EP, ‘Samba Soccer 2001’ has already been greatly received by the GTOWN faithful, and sets the tone for what is arguably KETTAMA’s most complete, and anticipated project yet.

The EP starts as it means to go on, as KETTAMA drops another bombshell with ‘Blitz Zuruck.’ With a euphoric soundscape which the producer partners with a punishing bassline, this track is deeply nostalgic, embodying a time-capsule in the thick of a modern rave-renaissance. Further elements of revamped rave-nostalgia are seen in ‘Slaap Lekker’, before we’re taken deep into the belly of the Galway beast with the atomic ‘GTOWN IN EFFEKT’, and finally killed off with the ‘Rock Da Cliffe Mix’ of ‘Blitz Zuruck.’

‘GTOWN004’ features an ungodly blend of sounds, and in the process, creates an atmosphere that is both ecstatic enough for heaven, and sinister enough for hell. Purpose built for dance-floor destruction, KETTAMA’s infusion of stomach-churning bass, hypnagogic synthesisers, soulful vocals and contagious drum patterns result in an utterly pure, addictive sound.

From Galway to Vienna, Liverpool to New York, the track will be road tested amongst an armoured artillery of records, with dance-floor devastation an inevitable outcome. With his name boldly imprinted on the lineups for the likes of AVA Festival in Belfast, CRSSD in Miami, 121 Festival in New Zealand and Terminal V Festival in Edinburgh, KETTAMA’s worldwide domination of sound-systems continues.

Die US Horropunk Band DARKER DAYS aus Salem, Massachusetts, präsentiert ihr Debütalbum "The Burying Point" - ein Muss für Fans von The Misfits, Blitzkid oder AFI!

DARKER DAYS, aus der Halloween-Hauptstadt Salem, Massachusetts, präsentieren ihr Debütalbum "The Burying Point"!
Die Band hat ihr ganzes Herzblut, in dieses Album gesteckt und sich dabei von einigen ihrer Lieblingsbands inspirieren lassen: AFI, The Misfits oder Blitzkid.
In den Texten von DARKER DAYS geht es um ihre Lieblings-Horrorfilme, aber auch um alltägliche Herausforderungen.
Die düstere Geschichte ihrer Heimatstadt Salem und ganz New Englands - mit Nathaniel Hawthorne in Salem, H.P. Lovecraft in Providence und Stephen King in Bangor - sowie die trostlose Landschaft hatten ebenfalls einen großen Einfluss auf sie.

Kaizers Orchestra bringen ihre Alben auf 180g Gatefold-Vinyl neu heraus. Remastered von den Originalproduzenten, explodiert ihr facettenreicher Balkan-Punk-Sound, klingt offener & lauter, hat mehr Punch & Dynamik und atmet Live-Energie & Schwung ihrer Kultkonzerte. Auf dem dritten Album 'Maestro' (2005) führten Live-Erfahrung, Songwriting, Selbstvertrauen, Timing und Reife die Band zu neuen musikalischen Höhepunkten, begeisterte Kritiken und einen #1 Direkteinstieg in Norwegen. Meilensteine wie 'KGB', 'Maestro', "Knekker Deg Til Sist' und 'Dieter Meyers Inst' fanden einen festen Platz in ihren Live-Sets.

Kaizers Orchestra bringen ihre Alben auf 180g Gatefold-Vinyl neu heraus. Remastered von den Originalproduzenten, explodiert ihr facettenreicher Balkan-Punk-Sound, klingt offener & lauter, hat mehr Punch & Dynamik und atmet Live-Energie & Schwung ihrer Kultkonzerte. Auf dem dritten Album 'Maestro' (2005) führten Live-Erfahrung, Songwriting, Selbstvertrauen, Timing und Reife die Band zu neuen musikalischen Höhepunkten, begeisterte Kritiken und einen #1 Direkteinstieg in Norwegen. Meilensteine wie 'KGB', 'Maestro', "Knekker Deg Til Sist' und 'Dieter Meyers Inst' fanden einen festen Platz in ihren Live-Sets.

ALADDIN SANE erscheint als limitierte 50th Anniversary Edition im Half Speed Mastering. Diese neue Pressung wurde auf einer speziell angefertigten Neumann VMS80-Drehmaschine mit rundumerneuerter Elektronik aus den restaurierten 192kHz-Mastern der Original-Masterbänder der Trident Studios von John Webber in den AIR Studios geschnitten, ohne zusätzliche Bearbeitung bei der Übertragung. Nicht nur das Album, auch sein Cover hat einen festen Platz in der Geschichte der Rockmusik inne. Es zeigt Bowie in seinem heute längst ikonischen Make-up mit dem rot-blauen Blitz im Gesicht – ein Bild, das sich weltweit unauslöschlich ins kulturelle Gedächtnis eingeprägt hat (bis hin zum offiziellen Emoji). Das Coverfoto wurde von Brian Duffy geschossen, der auch die Cover von LODGER (1979) und SCARY MONSTERS (AND SUPER CREEPS) (1980) fotografierte.

Limited 1 x 140g 12" picture vinyl album.

ALADDIN SANE erscheint als limitierte 50th Anniversary Edition als Picture Disc LP. Diese neue Pressung wurde auf einer speziell angefertigten Neumann VMS80-Drehmaschine mit rundumerneuerter Elektronik aus den restaurierten 192kHz-Mastern der Original-Masterbänder der Trident Studios geschnitten, ohne zusätzliche Bearbeitung bei der Übertragung. Nicht nur das Album, auch sein Cover hat einen festen Platz in der Geschichte der Rockmusik inne. Es zeigt Bowie in seinem heute längst ikonischen Make-up mit dem rot-blauen Blitz im Gesicht – ein Bild, das sich weltweit unauslöschlich ins kulturelle Gedächtnis eingeprägt hat (bis hin zum offiziellen Emoji). Das Coverfoto wurde von Brian Duffy geschossen, der auch die Cover von LODGER (1979) und SCARY MONSTERS (AND SUPER CREEPS) (1980) fotografierte.

Like many debut solo albums from musicians in bands, Jared Mattson’s Peanut didn’t originally come from a need to break away. As a composer for the Mattson 2, Jared Mattson was working up a batch of new songs through the winter of 2019-2020, looking ahead to the next album he and brother Jonathan Mattson, the blitzkrieging drummer, would record. As the pandemic hit stateside, Jared holed up in his home studio and kept developing the new music. And during that process it became increasingly clear to them that this wasn’t shaping up to be the next Mattson 2 album. This was a Mattson 1 album.

Jared had been absorbing the guitar work on records by reggae stalwarts Aswad and Burning Spear, and also the Police’s Andy Summer and the ways he gives songs space. And Jared wanted a prominent bass sound, too, where the guitar itself sometimes settles into the passenger seat so that the bass can drive. Lyrically, the album taps into our rattled world, where anxiety, loss, violence, and regret are sometimes pierced by the promise of love. The time spent working on the album was a profoundly introspective time as he reflected on past relationships while living through and writing during the pandemic, he also never lost sight of this truth about himself: Life is great with music.

One of the album’s standout highlights is “Burn Down Babylon,” which is propelled by the bass’s funk-you-say groove. You don’t often encounter many pop songs with so blunt an opening line as, “I got punched in the face last night by a neo-Nazi,”—a true experience that was delivered many years ago in a bar brawl in Carlsbad, California. But to hear the music that goes along with this tale manages a vibe that is less melee and more backyard jubilee.

When “Please Come Here,” with an intro that slinks along like a Cadillac on a Sunday morning drive, kicks in, it’s typical of the album’s melodic pop flourishes, but the twist here is that the vocals are in Japanese (The Mattson 2 have toured Japan 20 times and covered many Japanese pop songs on 2018’s Vaults of Eternity: Japan). Ween’s “She Wanted to Leave” is the lone cover, but the way Jared reimagines the song makes it fits seamlessly within the album’s sonic template. The song’s inclusion was also a personal way to honor one of Jared’s best friends, who died from cancer two years ago. The two had always bonded over the song and marveled at its inherent beauty. Ultimately, Mattson’s solo debut unfolds like a string of fascinating clouds: These are not songs in a hurry; they shift around as they float by, and, most notably, they carry their unique kind of electric charge.

The Space Lady began her odyssey on the streets of San Francisco in the late 70s, playing versions of contemporary pop music an accordion and dressed flamboyantly, transmitting messages of peace and harmony. Following the theft of her accordion, The Space Lady invested in a then-new Casio keyboard, birthing an otherworldly new dimension to popular song that has captured the imaginations of the underground and its lead exponents ever since, with the likes of John Maus, Erol Alkan and Kutmah being devotees.

Of her early street sets, only one recording was made, self-released originally on cassette and then transferred to a home-made CD. "The Space Lady’s Greatest Hits"(LSSN021) features the best of these recordings - mostly covers but with some originals - pressed on vinyl for the first time and features archival photographs and liner notes from The Space Lady herself. “Greatest Hits” contains The Space Lady’s personal favourites; her haunting take on The Electric Prunes’ “I Had Too Much To Dream (Last Night),” a frantic “Ballroom Blitz” amidst other reconstructed pop music. Included are also 4 originals that easily match for the Pop canon. Following the release of this archive, The Space Lady will be issuing new material and travelling the world to present her message outside the United States for the first time.

Auf ihrem 15. Studioalbum "We Are Motörhead" ist eine Coverversion des Sex Pistols-Songs "God Save The Queen" zu hören, für die die Band ein Video auf einem offenen Londoner Routemaster-Bus aufnahm.

Das Album ist bezeichnend für die grimmige Einstellung der Band
und ist dicht, blitzschnell und typisch für ihren lang etablierten Sound.

Das Album erscheint erstmals auf transparentem, grünem Vinyl und neu als Digipak.

After several years of intense performance activity, the Italian sound artist and
vocalist SARA PERSICO releases her debut EP "Boundary", to be followed by a full album.


Born and raised in Naples, Berlin-based sound artist / vocalist SARA PERSICO cut her teeth
experimenting on the fringes of Naples' fiery underground experimental/noise scene, developing a
technique that would integrate her voice with analogue electronics, field recordings, and samples.
PERSICO holds a BA from the Conservatory of Napoli and a Master's Degree from the
Conservatory of Bologna and gained several residencies and scholarships like Temp Studio,
Lisbon (2018), Amplify Berlin (2021), Sonoscopia, Porto (2022), Sardegna Teatro - V2 Unstable,
Argentiera (2022). She presented her work in festival and events like Ballroom Blitz Beirut, CTM
Festival, Ortigia Sound System Festival/Bosco Colto, Codex Club, Documenta Fifteen, Dancity
Festival, Radical DB, Life Libertas Festival, among others.


As improviser and performer, she has collaborated with a wide spectrum of artists, joining EVELYN
SAYLOR's vocal ensemble for CATERINA BARBIERI's acclaimed "light-years" show at Rewire
Festival and London's Southbank Centre, and worked on projects alongside THE EX's ANDY
MOOR, TONY ELIEH (KARKHANA), LUDWIG WANDINGER, DIRAR KALASH, ELVIN BRANDHI,
RECORDAT, and many others.

She's also a fearless DJ who's able to straddle vastly different worlds, offering just as much
attention to abstract electronic sounds as she does bass-heavy club music, noise, and vocal
experiments. She is currently a resident on Bethlehem's Radio Alhara.

All this energy and experience radiates from her solo debut "Boundary": PERSICO's expressive
vocals play a central role, but her command of precisely sculpted electronic textures and dynamic
rhythmic structures is just as crucial to the overall experience.
Deconstructed beats, experimental voice, harmonic music, distorted rhythms craft a dense
introspective work that explores intimately the boundaries of the self. Identity rupture as a survival
technique, a voice-research climax with an unconventional approach - multi-faceted ideas melt in a
heavy-aesthetical 6 track solo EP that brings together different styles like noise and clubby sounds.

Algiers haben sich eine Crew zugelegt: Für ihr viertes Album "SHOOK" versammelte die Band eine Schar gleichgesinnter Künstler um sich herum. Der Nachfolger zum gefeierten Album "There Is No Year" (2020) ist ein musikalischer wie inhaltlicher Blitzableiter in bewegten Zeiten und mit seinen 17 eindringlichen Songs schon jetzt eines der aufregendsten Alben aus 2023. Das komplette Album entstand, als Fisher und sein Bandkollege Ryan Mahan für einige Monate in ihre Heimatstadt Atlanta zurückkehrten, wo sie unter dem wachsenden Druck litten, was schließlich in einem Burnout gipfelte. Eine extreme Zeit für die Band und für die Freundschaft der beiden Musiker, in der sie schließlich auch persönlich wieder zueinander fanden. Sie hörten viel alten Hiphop und eine Neuauflage von DJ Grand Wizard Theodores 1970er Punk-beeinflusstem New Yorker Rap-Meisterwerk "Subway Theme" diente als spirituelles und thematisches Moodboard für das Album. Während Gemeinschaft und Zusammenarbeit schon immer ein wesentlicher Bestandteil der Arbeitsweise von Algiers war, kommt dies bei "SHOOK" nun voll zum Tragen. Die Liner Notes lesen sich wie ein Who is Who der zeitgenössischen Underground-Musik, mit Zack de la Rocha, Big Rube (The Dungeon Family), Billy Woods, Samuel T. Herring (Future Islands), Jae Matthews (Boy Harsher), LaToya Kent (Mourning A BLKstar), Backxwash, Nadah El Shazly, DeForrest Brown Jr. (Speaker Music), Patrick Shiroishi, Lee Bains III, und Mark Cisneros (The Make-Up, Kid Congo Powers). Dank ihrer Beiträge wird "Shook" aus verschiedenen Blickwinkeln neu geformt und kontextualisiert. "Es vertieft und erweitert die Welt von Algiers", so Schlagzeuger Matt Tong. Atlanta, der Ort, an dem die Platte entstanden ist, steht schließlich im Mittelpunkt. Das Album beginnt mit einer robotergesteuerten Zugdurchsage vom Hartsfield Airport, die vielen Einwohnern von Atlanta ein Begriff ist und Fisher als Kind immer eine Heidenangst gemacht hat. "Wir haben in einer Umgebung gearbeitet, an die wir gewöhnt waren", sagt Gitarrist Lee Tesche. "Es fühlt sich an wie die beste Algiers-Platte, die wir je gemacht haben." Dass diese Platte überhaupt entstanden ist, grenzt an ein kleines Wunder, da die Band immer wieder vor der Auflösung stand. Algiers haben jedoch Reibung in Energie umgewandelt und mit "SHOOK" ein außergewöhnliches und kraftvolles Album produziert, das am Ende von seiner starken Gemeinschaft lebt. "Ich glaube, mit dieser Platte haben wir unser Zuhause gefunden", sagt Mahan, und Fisher fügt hinzu: "Es war eine ganz neue, positive Erfahrung - eine erneuerte Beziehung zu der Stadt, aus der wir kommen, und Stolz dafür zu haben. Mir gefällt der Gedanke, dass diese Platte uns auf eine Reise mitgenommen hat, die aber in Atlanta beginnt und endet."

"Bernhard von Siluh Records hat mich gebeten, einen Hype-Text über die neue BAD WEED-Platte zu formulieren, und ich fühlte mich zunächst geschmeichelt, hatte dann aber doch Zweifel... Wie kann ich euch dieses Powerpop-Juwel in wenigen Worten erklären und näher bringen? Es ist nicht nur das übliche Jangle-Pop-Ding oder noch schlimmer, nicht etwas, das man heutzutage "Garage-Punk" nennt, nein, Sir! Es ist echter Powerpop im Stil der 70er Jahre, aber wie mein Chef immer zu sagen pflegt: Man kann den Leuten nicht erzählen, wie großartig eine Powerpop-Platte ist - man muss sie sich anhören, am besten mit einem Getränk der Wahl in der Hand, und bald wird sie ihre Besonderheit enthüllen (oder auch nicht). Was liebe ich an BAD WEED, außer der Tatsache, dass sie die hübschesten Jungs der Welt sind, die - nachdem sie 20 Jahre lang in verschiedenen Bands gespielt haben - endlich gelernt haben, ihre Instrumente zu spielen? Es sind die Songs! Es geht nur um die Songs! Die erste Single aus dem Jahr 2015 war etwas anderes, man kann es sogar Garagenpop nennen, ihr Debütalbum vor ein paar Jahren und etwa 100 Shows später war nur der Anfang, hier ist ihr zweites Album mit dem schlichten Titel "II", das Talent, Songwriting-Fähigkeiten und Pop-Handwerkskunst zeigt! Einige dieser 12 Originalsongs erinnern mich an Alben/Bands, die längst vergessen sind, wie z.B. "If you ever pt. 1" könnte eine frühe THE FRESHIES-Single sein, "Breaking Lines" könnte von einer RUDI-Setlist sein oder "Who's gonna love me" klingt wie einer dieser THE COLD-Ohrwürmer. Die meisten Songs haben diesen 80er-Jahre-UK-Indie-Punk-Vibe, der direkt in mein Gehirn und mein Herz geht! Sie haben sogar die Frechheit, TOWNES VAN ZANDT zu covern - und schaffen es, dass es nicht so deprimierend klingt wie das Original, nur ein bisschen traurig vielleicht. Zu behaupten, dies sei ein Wohlfühlalbum, ist nicht ganz richtig, so einfach ist es nicht. Es ist eine Platte, die Lust macht, die Band in einem kleinen Club live zu sehen, eine Platte, die einen einfach lächeln lässt und an gute Zeiten erinnert. BAD WEED ist eine Band für die Hosentasche, eine Band, die man liebt und von der man Freunden erzählen möchte, aber nicht zu vielen, denn die Band sollte klein und in der Hosentasche bleiben und nicht in den Playlists von jedem Tom, Dick und Harry vorkommen_" (Elmar / Bachelor Records) "Debüt-Scheiblette von Wiens Blitzpopgroup. Mitreißender Powerpop-Punk mit ganz viel early UK- vs semi-modern Texas-Sound in den Venen. Buzzcocks , Exploding Hearts, The Jam, Bad Sports, Marked Men, .... Schweine-tight gespielte, tolle Melodien, die einen sofort abholen, bissi Saxophon hier und Orgel da!! Die Platte strotzt vor Energie und Spielfreude, findet einen steilen Breakeven zwischen Witz, Charme und Klassenbewusstsein. Stark!" (FLIGHT13)

Algiers haben sich eine Crew zugelegt: Für ihr viertes Album "SHOOK" versammelte die Band eine Schar gleichgesinnter Künstler um sich herum. Der Nachfolger zum gefeierten Album "There Is No Year" (2020) ist ein musikalischer wie inhaltlicher Blitzableiter in bewegten Zeiten und mit seinen 17 eindringlichen Songs schon jetzt eines der aufregendsten Alben aus 2023. Das komplette Album entstand, als Fisher und sein Bandkollege Ryan Mahan für einige Monate in ihre Heimatstadt Atlanta zurückkehrten, wo sie unter dem wachsenden Druck litten, was schließlich in einem Burnout gipfelte. Eine extreme Zeit für die Band und für die Freundschaft der beiden Musiker, in der sie schließlich auch persönlich wieder zueinander fanden. Sie hörten viel alten Hiphop und eine Neuauflage von DJ Grand Wizard Theodores 1970er Punk-beeinflusstem New Yorker Rap-Meisterwerk "Subway Theme" diente als spirituelles und thematisches Moodboard für das Album. Während Gemeinschaft und Zusammenarbeit schon immer ein wesentlicher Bestandteil der Arbeitsweise von Algiers war, kommt dies bei "SHOOK" nun voll zum Tragen. Die Liner Notes lesen sich wie ein Who is Who der zeitgenössischen Underground-Musik, mit Zack de la Rocha, Big Rube (The Dungeon Family), Billy Woods, Samuel T. Herring (Future Islands), Jae Matthews (Boy Harsher), LaToya Kent (Mourning A BLKstar), Backxwash, Nadah El Shazly, DeForrest Brown Jr. (Speaker Music), Patrick Shiroishi, Lee Bains III, und Mark Cisneros (The Make-Up, Kid Congo Powers). Dank ihrer Beiträge wird "Shook" aus verschiedenen Blickwinkeln neu geformt und kontextualisiert. "Es vertieft und erweitert die Welt von Algiers", so Schlagzeuger Matt Tong. Atlanta, der Ort, an dem die Platte entstanden ist, steht schließlich im Mittelpunkt. Das Album beginnt mit einer robotergesteuerten Zugdurchsage vom Hartsfield Airport, die vielen Einwohnern von Atlanta ein Begriff ist und Fisher als Kind immer eine Heidenangst gemacht hat. "Wir haben in einer Umgebung gearbeitet, an die wir gewöhnt waren", sagt Gitarrist Lee Tesche. "Es fühlt sich an wie die beste Algiers-Platte, die wir je gemacht haben." Dass diese Platte überhaupt entstanden ist, grenzt an ein kleines Wunder, da die Band immer wieder vor der Auflösung stand. Algiers haben jedoch Reibung in Energie umgewandelt und mit "SHOOK" ein außergewöhnliches und kraftvolles Album produziert, das am Ende von seiner starken Gemeinschaft lebt. "Ich glaube, mit dieser Platte haben wir unser Zuhause gefunden", sagt Mahan, und Fisher fügt hinzu: "Es war eine ganz neue, positive Erfahrung - eine erneuerte Beziehung zu der Stadt, aus der wir kommen, und Stolz dafür zu haben. Mir gefällt der Gedanke, dass diese Platte uns auf eine Reise mitgenommen hat, die aber in Atlanta beginnt und endet."

Algiers haben sich eine Crew zugelegt: Für ihr viertes Album "SHOOK" versammelte die Band eine Schar gleichgesinnter Künstler um sich herum. Der Nachfolger zum gefeierten Album "There Is No Year" (2020) ist ein musikalischer wie inhaltlicher Blitzableiter in bewegten Zeiten und mit seinen 17 eindringlichen Songs schon jetzt eines der aufregendsten Alben aus 2023. Das komplette Album entstand, als Fisher und sein Bandkollege Ryan Mahan für einige Monate in ihre Heimatstadt Atlanta zurückkehrten, wo sie unter dem wachsenden Druck litten, was schließlich in einem Burnout gipfelte. Eine extreme Zeit für die Band und für die Freundschaft der beiden Musiker, in der sie schließlich auch persönlich wieder zueinander fanden. Sie hörten viel alten Hiphop und eine Neuauflage von DJ Grand Wizard Theodores 1970er Punk-beeinflusstem New Yorker Rap-Meisterwerk "Subway Theme" diente als spirituelles und thematisches Moodboard für das Album. Während Gemeinschaft und Zusammenarbeit schon immer ein wesentlicher Bestandteil der Arbeitsweise von Algiers war, kommt dies bei "SHOOK" nun voll zum Tragen. Die Liner Notes lesen sich wie ein Who is Who der zeitgenössischen Underground-Musik, mit Zack de la Rocha, Big Rube (The Dungeon Family), Billy Woods, Samuel T. Herring (Future Islands), Jae Matthews (Boy Harsher), LaToya Kent (Mourning A BLKstar), Backxwash, Nadah El Shazly, DeForrest Brown Jr. (Speaker Music), Patrick Shiroishi, Lee Bains III, und Mark Cisneros (The Make-Up, Kid Congo Powers). Dank ihrer Beiträge wird "Shook" aus verschiedenen Blickwinkeln neu geformt und kontextualisiert. "Es vertieft und erweitert die Welt von Algiers", so Schlagzeuger Matt Tong. Atlanta, der Ort, an dem die Platte entstanden ist, steht schließlich im Mittelpunkt. Das Album beginnt mit einer robotergesteuerten Zugdurchsage vom Hartsfield Airport, die vielen Einwohnern von Atlanta ein Begriff ist und Fisher als Kind immer eine Heidenangst gemacht hat. "Wir haben in einer Umgebung gearbeitet, an die wir gewöhnt waren", sagt Gitarrist Lee Tesche. "Es fühlt sich an wie die beste Algiers-Platte, die wir je gemacht haben." Dass diese Platte überhaupt entstanden ist, grenzt an ein kleines Wunder, da die Band immer wieder vor der Auflösung stand. Algiers haben jedoch Reibung in Energie umgewandelt und mit "SHOOK" ein außergewöhnliches und kraftvolles Album produziert, das am Ende von seiner starken Gemeinschaft lebt. "Ich glaube, mit dieser Platte haben wir unser Zuhause gefunden", sagt Mahan, und Fisher fügt hinzu: "Es war eine ganz neue, positive Erfahrung - eine erneuerte Beziehung zu der Stadt, aus der wir kommen, und Stolz dafür zu haben. Mir gefällt der Gedanke, dass diese Platte uns auf eine Reise mitgenommen hat, die aber in Atlanta beginnt und endet."

Die Meister des hymnischen Rock'n'Roll Black Star Riders sind stolz, ihr neues Album mit dem Titel »Wrong Side Of Paradise« ankündigen zu können. Das Album mit 11 Tracks wurde im Herbst 2021 im Studio 606 in Northridge, Kalifornien und Toochtoon Sound in Redmond, Oregon mit dem Produzenten und langjährigen BSR-Mitarbeiter Jay Ruston aufgenommen.

Mit Ricky Warwick (Leadgesang/Gitarre), Robert Crane (Bass), Christian Martucci (Gitarre) und Schlagzeuger Zak St. John veröffentlicht die Band 2022 ihre erste Single und ein Video mit dem Titel »Better Than Saturday Night« (mit Backing Vocals von Joe Elliott von Def Leppard). Das Video zeigt eine blitzschnelle Performance der viermaligen UK Top 25 Band und lässt den Betrachter ein Standard-Rockvideo-Klischee vermuten, bevor es mit dem Auftritt der rauen Roller Derby Dolls auf den Kopf gestellt wird.

Über das Album sagt Ricky: »Ich bin sehr stolz auf dieses Album, Black Star Riders fünfte Veröffentlichung und die erste mit unserer neuen und aufregenden Beziehung zu Earache Records. Wie alle BSR-Alben ist auch ›Wrong Side Of Paradise‹ eine hymnische Absichtserklärung, angetrieben von wilden Gitarren und donnernden Drums. Ich kann nur über meine eigenen persönlichen Erfahrungen schreiben, über meine Familien, meine Freunde und darüber, wie ich eine Welt sehe, die sich schneller verändert, als wir sie begreifen können. Davon abgesehen glaube ich fest an die Kraft der Positivität, etwas, das in diesem Album widerhallt

Die Meister des hymnischen Rock'n'Roll Black Star Riders sind stolz, ihr neues Album mit dem Titel »Wrong Side Of Paradise« ankündigen zu können. Das Album mit 11 Tracks wurde im Herbst 2021 im Studio 606 in Northridge, Kalifornien und Toochtoon Sound in Redmond, Oregon mit dem Produzenten und langjährigen BSR-Mitarbeiter Jay Ruston aufgenommen.

Mit Ricky Warwick (Leadgesang/Gitarre), Robert Crane (Bass), Christian Martucci (Gitarre) und Schlagzeuger Zak St. John veröffentlicht die Band 2022 ihre erste Single und ein Video mit dem Titel »Better Than Saturday Night« (mit Backing Vocals von Joe Elliott von Def Leppard). Das Video zeigt eine blitzschnelle Performance der viermaligen UK Top 25 Band und lässt den Betrachter ein Standard-Rockvideo-Klischee vermuten, bevor es mit dem Auftritt der rauen Roller Derby Dolls auf den Kopf gestellt wird.

Über das Album sagt Ricky: »Ich bin sehr stolz auf dieses Album, Black Star Riders fünfte Veröffentlichung und die erste mit unserer neuen und aufregenden Beziehung zu Earache Records. Wie alle BSR-Alben ist auch ›Wrong Side Of Paradise‹ eine hymnische Absichtserklärung, angetrieben von wilden Gitarren und donnernden Drums. Ich kann nur über meine eigenen persönlichen Erfahrungen schreiben, über meine Familien, meine Freunde und darüber, wie ich eine Welt sehe, die sich schneller verändert, als wir sie begreifen können. Davon abgesehen glaube ich fest an die Kraft der Positivität, etwas, das in diesem Album widerhallt

Die Meister des hymnischen Rock'n'Roll Black Star Riders sind stolz, ihr neues Album mit dem Titel »Wrong Side Of Paradise« ankündigen zu können. Das Album mit 11 Tracks wurde im Herbst 2021 im Studio 606 in Northridge, Kalifornien und Toochtoon Sound in Redmond, Oregon mit dem Produzenten und langjährigen BSR-Mitarbeiter Jay Ruston aufgenommen.

Mit Ricky Warwick (Leadgesang/Gitarre), Robert Crane (Bass), Christian Martucci (Gitarre) und Schlagzeuger Zak St. John veröffentlicht die Band 2022 ihre erste Single und ein Video mit dem Titel »Better Than Saturday Night« (mit Backing Vocals von Joe Elliott von Def Leppard). Das Video zeigt eine blitzschnelle Performance der viermaligen UK Top 25 Band und lässt den Betrachter ein Standard-Rockvideo-Klischee vermuten, bevor es mit dem Auftritt der rauen Roller Derby Dolls auf den Kopf gestellt wird.

Über das Album sagt Ricky: »Ich bin sehr stolz auf dieses Album, Black Star Riders fünfte Veröffentlichung und die erste mit unserer neuen und aufregenden Beziehung zu Earache Records. Wie alle BSR-Alben ist auch ›Wrong Side Of Paradise‹ eine hymnische Absichtserklärung, angetrieben von wilden Gitarren und donnernden Drums. Ich kann nur über meine eigenen persönlichen Erfahrungen schreiben, über meine Familien, meine Freunde und darüber, wie ich eine Welt sehe, die sich schneller verändert, als wir sie begreifen können. Davon abgesehen glaube ich fest an die Kraft der Positivität, etwas, das in diesem Album widerhallt

'What if Blitz hailed from Los Angeles and sang in Spanish’ isn’t a question you hear all that often. Fortunately, we don’t need to ask - the answer is provided by Generacion Suicida’s latest album, which rages and rattles in all the right places, drenched in the memorable brilliance that powered the Killed By Death compilations (ask yer dad - and if he doesn’t know or care, burn his terrible records and make some space to track down the KBD LPs). The band’s slogan is ‘musica del barrio, para el barrio’ - music from the neighbourhood, for the neighbourhood - but it sounds like they could use these hooks to take on the world. That’s a pretty accurate sentiment as well, because this album was written during the Covid-19 lockdown of 2020, while the world bubbled over with carefully managed misinformation, police violence and the sickening overspill of white supremacy’s foul brew. If Regeneracion sounds potent, it’s because there was a lot to be angry about, and the result is arguably their best album yet. Those chorused-out guitar lines carry shades of deathrock, hints of Manchester circa 1980, elements of something you might call goth if it was several degrees less furious. But there’s no doomed romance to this music; it’s an all-out attack. Street punk with the smarts turned up and an ear turned to the lessons learned from post-punk (but crucially, not the ‘post-punk revival’ that is essentially shirtless beardy lads chanting non-sequiturs over landfill indie). Chiefly, it’ll make you wanna get out of your chair, unite your local community and march on down towards your government’s centre of operations with a simple-to-use molotov cocktail kit. Its rage is infectious. It’s inspired by bleak moments in our recent shared history, but it revels in humans’ capacity to find strength in each other. And the tunes? Oh damn, they’re good.' Will Fitzpatrick.

Compiling all E.P.'s by Bootlicker, "Lick The Boot, Lose Your Teeth" presents 24 tracks originally released over four 7"s dating back to 2017. From the earliest incarnation of the band and the start of their signature production and sound to where they are now. With the overblown martial drumming, completely pinned clean guitar attack, Bootlicker has been a fresh take on D-Beat tradition with a handful of Oi/UK82 and American Hardcore influence on the side. Each 7" is compiled here and represents a different phase of the band. The completely broken speaker aggression of "Who Do You Serve", the slight Rock 'n' Roll influenced "Nuclear Family" and bare bones approach of the "Six Track E.P." all paved the way to a more realized sound in "How To Live Life". Instead of tracking down each out of print, individual E.P. Here they are for the taking.

1971 entstand unter der Leitung von Jürgen Dollase, der auch alle Titel komponierte, dieses Album, welches 1972 veröffentlicht wurde. Aufgenommen wurde in den Dierks Studios durch Dieter Dierks selbst. Dollase und der Schlagzeuger Harald Grosskopf waren später auch Mitglieder der legendären Cosmic Jokers. Das Debütalbum wurde von treuen Krautrock Fans eher im Bereich des Progressiv Rock verortet, womit sie dem Album nicht wirklich gerecht wurden. Opulente langatmige Werke wie Lunetic mit einer Spieldauer von 12 Minuten zählen heute zu den Highlights dessen was unter Krautrock zusammengefasst wird. Von den originalen analog Bändern transferiert und sorgfältig remastert, ohne den Charakter der Aufnahmen zu zerstören. Absolut hörenswert! ENG In 1971, under the direction of Jürgen Dollase, who also composed all the tracks, this album was recorded and finally released in 1972. It was recorded at Dierks Studios by Dieter Dierks himself. Dollase and drummer Harald Grosskopf were later also members of the legendary Cosmic Jokers. Loyal Krautrock fans labelled this album as Progressive Rock - but that doesn't really do justice. Opulent, lengthy works like Lunetic with a playing time of 12 minutes are today among the highlights of what is summarized as Krautrock. Transferred from the original analog tapes and carefully remastered without destroying the character of the recordings. Absolutely worth listening to!

September 2012, the 4 turntablist djs from C2C (20syl, Greem, Atom and Pfel) released their first and only album to date : Tetr4.

This album was about to conquer the world: following heavy radio rotations with the hits "Down The Road" and "Happy", the band then toured in the biggest french venues before hitting the most renowned festival stages around the world (Coachella, Roskilde, Fuji Rock…).

For its 10th anniversary, the album comes on a new setting in its double LP vinyl version. Transparent color discs and silver sleeve to celebrate its first decade!

Limited Green Vinyl Edition of Munich-based quintet Fazer’s second album.
Nadi' follows the underground success of their self-released debut 'Mara', which quickly sold out on vinyl and became one of the most streamed jazz records of the year. Moving freely between composition and improvisation, the band's spacious, organic sound pitches lyrical melodies from guitar and trumpet over double-drummer polyrhythmic grooves and dub-like basslines. The album title 'Nadi' references a term rooted in traditional Indian medicine. Nadis are channels that connect points of intensity within the body. This reflects the band's feeling while playing of moving as one body. Contrary to the creation of the group's debut album 'Mara', both the writing and recording sessions for 'Nadi' were completed in relatively short periods of time.

dreamcastmoe is the recording project of singer, songwriter, producer, and DJ Davon Bryant, a lifelong resident of Washington, DC. His music moves freely between moods and modes, hypnotic, romantic, traversing electronic, R&B, funk, soul, and hip-hop... Resident Advisor dubs it "soulful, cross-genre dance music." This ability to adapt and finesse, to twist in different directions while staying true and coherent in vision, can be traced to his home city and its complex cultural history. "Most Black kids in DC don't ever get to this point," he says. "This is what I am making this music for, in the DC tradition of soul and empathy and love that is rooted in this city. My music is for real people dealing with shit every day." A versatile, modern artist and collaborator, dreamcastmoe has thrived in the underground since his first uploads to Soundcloud and Bandcamp in 2017 and subsequent releases with labels like People's Potential Unlimited, Trading Places, and In Real Life Music. Bryant's laid-back personality, emotional honesty, and infectious energy shine through his work and how he talks about it, as Crack Magazine notes in their 2021 Rising feature: "a steady combination of confidence, creativity, and calmness." He grew up playing drums in church; he's worked dead-end jobs, had ups and downs, even sold off all his gear one time, but never stopped reinvesting in himself. He is quick to praise his co-producers, rattle off influences _ the visual feel of NBA 2K, the comedic timing of Bernie Mac, the savvy legacy of Duke Ellington, for starters _ and credit resourceful DC breakouts like Ankhlejohn that showed him the roadmap. His voice, a steady instrument, seemingly connects it all, capable of slow falsetto flow, swaggering talk-rap, and outright croon. His storytelling style is choppy yet fluid, like a mixtape, which is how Bryant sees Sound Is Like Water, his debut on Ghostly's International's freeform label, Spectral Sound. The two-part project culminates as a full-length LP release in November 2022. The first side, released as Part I, opens on the blurred beats of "El Dorado," which dreamcastmoe dedicates to his journey. It's a head-nodder, an off-kilter earworm co-produced by Max D (Future Times, RVNG Intl, etc.), with Bryant harmonizing hooks with synth jabs and a pitched-down presence. "Complicated" is the slow jam, delivered smoothly from a Saturday night crossroads. dreamcastmoe is contemplative and committed... gliding and locking ad-libs into skittering rhythms courtesy of co-producer Zackary Dawson _ but also willing to let something go, "acknowledging that everything in life IS NOT easy." "RU Ready" takes off from the jump as a tribute, challenge, and promise to his partner and his city ("The times you sat with me when I needed you the most / Told me the things that I needed to see / Young black man, really trying to be what I can be / And I'm really from DC). In its potent two-plus minutes, the sonics (co-produced by ZDBT) press the message, all cymbal crashes, breakbeats, and serrated synth lines. "Cloudy Weather, Wear Boots" is a blitzing dance-punk track made in collaboration with Jordan GCZ on Bryant's first trip to Amsterdam. The album's flipside opens on "Much More," the first of two synth-and-beat ballads co-produced by ZDBT. Later on "Long Songz," he claims, "I'm not writing love songs no more," prioritizing the vibe with "all my day ones." He calls it "a cry for more normal moments. Everything doesn't have to be a fantasy love story, more time spent getting to the money, growing, and making a way." He saves two of his most propulsive cuts for the finale, co-produced by Sami, co-founder of DC dance label 1432 R. As their titles suggest, "Take A Moment" and "Make Ya Mind" operate as anthems for movement, with Bryant free-flowing commands above wildly-styled percussion. Per Bryant, the latter is both "wake & bake jam" and a "dance floor bomb." His parting line: "Action / You got to show me action / Reaction." The world of dreamcastmoe straddles virtual reality and the realness of DC, images both imagined and lived-in. Bryant has a knack for unexpected melodies but what makes his music so exciting is his capacity to defy the expectations of genre and image. A fluid ingenuity and vulnerability bottled by Sound Is Like Water, and this is just the beginning.

THERION have always been a band that have challenged themselves to explore new paths, while remaining true to their musical core values. For their 17th studio album, mastermind Christofer Johnsson and his collaborator Thomas Vikström have created something that has been previously unthinkable to the guitarist and the singer. "We have done the only thing that was left of all the different angles to explore", explains Christofer. "We have decided to give the people what they kept asking for. 'Leviathan' is the first album that we have deliberately packed with THERION hit songs."

True to the Swede's words, the album opens with the catchy and swift tune 'The Leaf Of The Oak Of Far' featuring female and male antiphonal singing as well as a choir that seems to have evolved straight out of THERION's breakthrough full-length "Theli" (1996). This is immediately followed by the obvious highlight 'Tuonela', in which Christofer cleverly underscores this hit-track's Finnish vibe by employing NIGHTWISH’s "metal voice" Marko Hietala. Next up in this parade of future fan-favourites is the title track 'Leviathan' that offers classic THERION material with operatic female vocals and a massive choir.

Christofer Johnsson's passion for classic voices, choirs, and orchestral elements as well as his penchant for epic melodies in combination with rock and metal shines clearly through the following sing-along ballad 'Die Wellen Der Zeit', which indicates another nod to German romantic composer Richard Wagner. "Ever since 'Theli', Wagner has been and will always be at the core of THERION", emphasises Christofer. "When we started to combine metal and opera, it was something new and original. Today, symphonic metal has long been a firmly established genre." When THERION came into being in 1988 by changing name from the already existing band BLITZKRIEG, which was founded a year earlier, Christofer had rather taken inspiration from SLAYER's "Reign In Blood" among other classic metal albums.

At the beginning, the Swedes were firmly rooted in death metal, a genre which they helped to define, as witnessed by their debut album "Of Darkness...." (1991). Yet even back then, there were hints of "something else" lurking beneath the rough surface. The use of female vocals is another core ingredient of THERION today, which developed gradually. CELTIC FROST had basically introduced the female element to extreme metal on "To Mega Therion" in 1985. THERION began with both a female and male vocalist emulating a church like choir already in their sophomore full-length 'Beyond Sanctorum' (1992). With Symphony "Masses: Ho Drakon Ho Megas" (1993) and "Lepaca Kliffoth" (1995), Christofer continued to developed his trademark sound by gradually drifting towards cleaner vocals and more keyboards.

With "Theli", the Swedes had firmly established a reputation of pushing the boundaries of metal in the 90s –among such acts as their compatriots TIAMAT, THE GATHERING, and MOONSPELL that were often referred to as "gothic metal" at the time. THERION continued to break new ground leaving inspiration for others to follow in their wake: On "A'arab Zaraq -Lucid Dreaming" (1997), Christofer further explored the use of Near Eastern music in metal which he had already begun in 1992, while "Secret Of The Runes" (2001) dared to have Swedish lyrics in some songs.

While critics were left confused and fans challenged, THERION were often ahead of their times and vindicated in hindsight. Even the band's 25th anniversary excursion "Les Fleurs Du Mal" has by now overcome the initial shock the album caused and is only beaten in terms of streaming by the classic "Vovin" (1998). When Christofer faced the question of where to go next after the dramatic "Beloved Antichrist" (2018) had finally fulfilled his musical mission, his answer is "Leviathan" named after a giant sea monster from Judeo-Christian myth that has roots in Babylonic lore: THERION have created a giant hit album –and for the first time in the history of the Swedes, their fans are not asked to explore something new, but simply to lean back and enjoy the best from their band!

Italian duo Agents Of Time have been incredibly busy over the past few years, from releasing a string of classic singles – including their recent single for Afterlife, “The Mirage”, which earned more than five million views on Instagram – to remixing The Weeknd’s “Take My Breath”, which appeared on his recent Dawn FM (Alternative World). But the biggest news is here now – their second album, Universo, is ready. Elevating their trademark melodic techno with an exquisite pop-ness, Universo has found its ideal home with Kompakt, following their Music Made Paradise 2020 debut EP for the label. It’s a meeting of minds that makes perfect sense.

Andrea Di Ceglie and Luigi Tutolo, the two members of Agents Of Time, used their time during the pandemic to work on Universo, an album loosely conceptualised around their ‘personal universo’, a manifestation of the world Di Ceglie and Tutolo built both within and around their studio. This accounts for the sparkle and brightness of Universo – it’s full of personality, vim and vigour, the duo experimenting with their music, exploring its furthest corners. If you come to Universo expecting just another album of melodic techno, get ready to be pleasantly surprised – there’s a whole lot more going on here, and it’s all equally compelling.

After a typically poetic opening gesture – the swirling, synaesthetic, self-titled intro track – expectations are immediately blindsided with the two-step pop of “Fallin’”, sung with gentle clarity by guest Audrey Janssens, a dream of a song that harks back to the glory days of early ‘00s UK garage. “Interstellar Cowboy” is a confident, lithe, disco-fied strut; the gentle minor-key piano of “Liquid Fantasy” spirals into a gorgeously melancholy techno-pop epic, Vicky Who?’s voice rich with yearning. Janssens also reappears on the electro-swirl of “Poison”; “Dream Vision” revisits their single “The Mirage”, soft with sweeping strings, loaded with drama; “Part Of Life” sashays into view with a schaffel-stomp.

This rich variety throws the more dancefloor-focused tracks, like “Ciao”, into even starker relief – they’re more decisive, streamlined, yet rich with detail, chugging, Moroder-esque bass meeting strobe-lit synths that fire melodies out into the firmament. Universo feels texturally dense, but it still breathes, its sounds so tactile you want to reach out and grab them, its tunes so seductive you can’t get them out of your head. Universo is a fiercely beautiful album, brave in its spirit, a perfectly poised meeting-point of pop melody and stylish, lush techno: Agents Of Time in excelsis.

Das italienische Duo Agents Of Time war in den letzten Jahren unglaublich fleißig, von der Veröffentlichung einer Reihe klassischer Singles - darunter ihre jüngster Beitrag für Afterlife, "The Mirage", der mehr als fünf Millionen Aufrufe auf Instagram erhielt - bis hin zum Remix von The Weeknds "Take My Breath", der auf dessen aktuellen Album “Dawn FM (Alternative World)” erschien. Aber die bahnbrechendeste Neuigkeit ist erst jetzt endlich da - ihr zweites Album "Universo" ist fertig! “Universo" verbindet ihr Markenzeichen, melodischen Techno, mit einer besonderen Pop-Haltung und findet nach der EP "Music Made Paradise 2020" sein ideales Zuhause bei Kompakt. Eine Seelenverwandtschaft, die absolut Sinn macht.

Andrea Di Ceglie und Luigi Tutolo, die beiden Mitglieder von Agents Of Time, nutzten die Zeit während der Pandemie, um an "Universo" zu arbeiten, einem Album, das lose um ihr "persönliches Universum" herum konzipiert ist, eine Manifestation der Welt, die Di Ceglie und Tutolo in und um ihr Studio herum aufgebaut haben. Das macht den besonderen Glanz und die strahlende Helligkeit von "Universo" aus - es strotzt nur so von Persönlichkeit, Elan und Kraft, das Duo experimentiert mit Musik und erkundet auch noch deren entfernteste Ecken. Wer bei "Universo" nur ein weiteres Album mit melodischem Techno erwartet, wird angenehm überrascht sein - hier ist viel mehr los, und alles ist gleichermaßen spannend.

Nach einer poetischen Eröffnungsgeste - dem wirbelnden, synästhetischen, selbstbetitelten Intro-Track - werden mit dem 2-Step-Pop von “Fallin” alle Erwartungen sofort über den Haufen geworfen. Mit sanfter Klarheit von Gastsängerin Audrey Janssens gesungen, ist “Fallin” ein Traum von einem Song, der an die großen Zeiten von UK-Garage in den frühen 00er Jahre erinnert. "Interstellar Cowboy" ist ein selbstbewusstes, geschmeidig über den Laufsteg stolzierender Disco-Track; das sanfte Moll-Klavier von "Liquid Fantasy" entwickelt sich zu einem wunderbar melancholischen Techno-Pop-Epos, mit Vicky Who?’s Stimme voller Sehnsucht . Danach taucht auch Janssens Gesang auf dem Elektro-Wirbel von "Poison" wieder auf; "Dream Vision" greift die Single "The Mirage" auf, sanft und mit schwungvollen Streichern, voller Dramatik; "Part Of Life" dagegen ist ein echter Schaffel-Stomp.

All der Abwechslungsreichtum lässt eher tanzflächenorientierte Tracks wie "Ciao" noch deutlicher hervortreten - sie wirken noch entschlossener, stromlinienförmiger und dennoch reich an Details, pluckernde, Moroder-eske Bässe treffen auf stroboskopisch blitzende Synths, von denen aus die Melodien ins Firmament schießen. “Universo” fühlt sich textlich dicht an, aber es atmet trotzdem, seine Klänge sind so greifbar, dass man sie anfassen möchte, seine Melodien so verführerisch, dass man sie nicht mehr aus dem Kopf bekommt. “Universo” ist ein wunderschönes, mutiges Album, ein perfekter Treffpunkt von Pop-Melodien und stilvollem Techno: Agents Of Time in excelsis.

Sublime unreleased soundtrack by Ron Geesin, to one of the most important and controversial films in British cinema history.
Standard black vinyl (750 Copies) with sleeve art taken from the 1971 film poster. Cool as fuck.
Side One is the score for Sunday Bloody Sunday, the controversial 1971 drama directed by John Schlesinger. Starring Peter Finch, Glenda Jackson and Murray Head, it tells the story of an open love triangle between a gay Jewish doctor, a divorced woman and a bisexual young male artist who makes glass fountains. Daniel Day Lewis also makes his uncredited screen debut as a yobbo scratching up posh cars. The films significance at the time of release lay in the depiction of a mature gay man who was both successful, well adjusted and at peace with his sexuality.

The music on Side Two comes from two different sources: tracks one to four are from the 1985 Channel Four documentary about Viv Richards. Simply called “Viv” it was directed by Greg Lanning, with words and narration by Darcus Howe. It was (and still is) a fascinating film recounting Richards’ rise from young talented Antiguan to global cricket superstar. It also explored the long history of West Indian players through the English game. Howe later recalled how seeing Viv Richards walking out to bat at the Oval (just down the road from where Howe lived in Brixton) without a helmet on no matter how fast the bowler was - and wearing his Rasta sweatbands of gold, green and red, was inspirational. The documentary was later re-titled ‘Viv Richards - King Of Cricket’ for the video market, and let’s face it, that’s a more commercial title. I’d strongly recommend trying to track it down to spend an hour or so in the company of Viv and Darcus. As I write this it’s still up on a popular online streaming site for free.

The last six cues of Side Two are from a 1970 BBC Omnibus film ‘Shapes In A Wilderness’. Directed by Tristram Powell this was a documentary about the importance and influence of art therapy in mental hospitals, tracing its origins from a painting hut in a wartime military hospital to its successful and widespread incorporation in institutions. It featured fascinating medical insights, disturbing imagery and Ron’s finely tuned accompaniment. On its original transmission John Schlesinger saw it and was heard to say “I must have that composer for my new film!”. And he got his way.

I could spend another paragraph analysing the music and stuff like that but you can listen and work all that out for yourself. But I will say that all the music just confirms the fact that Ron Geesin is one of the most underrated, inventive and versatile composers (and musicians) we have.

In 1994, Sator released the cover album "Barbie-Q-Killers" where the band made their own versions of "obscure" punk songs!
The album quickly became a favorite among the band's fans and the demand for a sequel have followed the band ever since.

Now, the wait is over! We proudly present the album "Return of The Barbie-Q-Killers" the long-awaited sequel, which is the band's tribute to bands like Redd, Kross, Devo, Blitzkrieg Bop, 999, The Waves, Pointed Sticks, The Undertones, The Boys, Zero boys, The Last, Unnatural Ax, White Flag, Screamers, The Go-Go's, The Young Lords, Darby Crash Band, The Normals and many more!

Saturday Night pogo rules OK!

Sound Like: the nomads, wilmer x, docenterna, ksmb, dundertåget, mimikry, the scams, union carbide productions

Dies ist das wichtige zweite Album von DARKANE. Nach dem Debütalbum "Rusted Angel", bei dem DARKANE noch nicht wussten, wie sie klingen wollten, hatten sie dieses Mal einen Stil zu entwickeln.
Christofer sagte 2001 in einem Interview: "Ich mag es, Musik zu schreiben, die aus technischen, brutalen Teilen besteht, die sich zu einem eingängigeren Refrain auflöst, bei dem man sich von all dem schwierigen Input erholen kann".

DARKANE wollten, dass "Insanity" schneller und melodischer wird, einfach mehr von allem im Vergleich zu "Rusted Angel". Diesmal luden sie auch einen größeren Chor und ein Orchester ein, um das Intro ("Calamitas") aufzunehmen, das auch als Intro für kommende Live-Shows dienen sollte. Lawrence Mackrory hatte DARKANE nach den Aufnahmen zu "Rusted Angel" und vier Liveshows verlassen, und sein Platz wurde von Andreas Sydow eingenommen. Nach fünf intensiven Aufnahmewochen bei Dug Out Productions in Uppsala, Schweden, wiederum mit dem Produzenten Daniel Bergstrand, war das Album endlich fertig.

In der letzten Nacht im Studio schlug ein Blitz in das Studio ein und zerstörte das Mischpult. Das war der Zeitpunkt, an dem DARKANE beschlossen, das Album "Insanity" zu nennen.

Nach der Veröffentlichung von "Insanity" spielten DARKANE unter anderem ihren allerersten US-Auftritt auf dem Milwaukee Metal Fest XV.

A journey to the center of tinnitus and inebriation! TJSA's debut album
caterwauled like a drunk banshee through the final decade of the most
prosperous century on Planet Earth
A local rock band that conquered the world in its own modest fashion, Bait And
Switch perfected a homegrown approach to making raw, truly no-frills rock n' roll
culminating in the uproarious minute-and-a-half blitzkrieg of "RnR Hall Of Fame."
First ever reissue, pressed on Clear color vinyl!

Athens’ CHAIN CULT return with their first full length following a great Demo and 7” from last year. Recorded at Ignite Music by George Christoforidis during May and July of 2019, Shallow Grave shows the progression of a band who have played non-stop for two years, covering pretty much all of Europe. CHAIN CULT’s post punk is anthemic, militant and idealistic, putting music to a very dark and bleak time and place. You can hear echoes of early THE CURE, THE SOUND, Second Empire Justice era BLITZ or WIPERS in their music but also the passion and conviction of locals METRO DECAY, STRESS or ANTI… Very much a perfect reflection of what springs to mind thinking about the current Athens scene. Shallow Grave comes housed in a reverse board sleeve including a printed inner sleeve with lyrics, all designed by CHAIN CULT’s collaborator Aris Panagopoulos of A.D.

Since its original release in 1984, Piledriver's bolt-from-the-blue debut
'Metal Inquisition' has found a legion of fans worldwide, over successive generations and spanning all stripes of metal


The album was the work of one metal maniac named Gord Kirchin, who became the selfsame "Pile Driver" so eloquently depicted on the album's cover art, and a certain "Bud Slaker" - AKA Leslie Howe, whose resume did not include any heavy metal before nor after. Nevertheless, together the duo recorded a crude 'n' rude document of blitzkrieg Metal spirit, spit forth across songs that encompassed scuzzy speed metal and pounding traditional metal. The fact that the band was Canadian figured into this style of sound, as one could detect the likes of Anvil AND Exciter here.

Taut and tight, the 37 minutes of 'Metal Inquisition' ,demanded repeat plays…and now it will demand those repeat plays as Shadow Kingdom officially releases the album for the first time in over 20 years! The CD version will contain the full master of the album, including a "Crazy On You"- style intro to "Pile Driver" as it was originally intended, while the vinyl version will stay how they were in the '80s.


Absolutely mandatory metal madness!

Vordergrundmusik’s Rittik Wystup returns with a slightly-so avant-garde collage of Piano and Beats. Little melodies awake spuriously, welcoming Spring; they interplay with sizzling cymbals and flamboyant drums. The usage of wind is the carrier throughout the record, just as coastlines bring a strong breeze of cool or warm air.

The overture "Rhythm of the Wind" opens a space of gusts and drafts which circle the EP’s leitmotif. Shifting keys only slightly, it’s a calm prelude to the following track.

"Drums in the Deep" tells the story of a drifting wanderer, voiced by Stepan Terteryan, at the shore of Armenia’s Lake Sevan. His poem can be heard throughout the track, mumbling away as he feels the ground beneath him shaken by roaming bears.

"Three Droplets in Space" presents falling water drops, lifted by a steady, sharp beat. As they approach a large pool, they increase in size and weight, becoming more round and abundant. A gnarly FM bass and frozen hi-hats make way for the passage through the thickening air, blitzing the little leitmotif here and there.

Staying in key, "I Exhale" whispers an ascending piano phrase into the air, which upon reaching for the sky reforms into an unwavering, repeated, slightly melancholic expression. A homage to a valley of bells and chimes, it bursts and blasts into tiny fractions before it evaporates.

Traditional drums and plucked strings progress through "Might y Mist". Before they lose themselves in a faraway landscape, feet stomp and heads bob. As they meld into a fog, carrying debris of the wanderer’s voice and his melody, they spread like a mist: over the water’s surface.

Finally, Timo Maas drops a hefty and punchy remix of "Drums in the Deep". He picks up on the poem and its inclinations but keeps the dancefloor in mind when shattering glassy bits over distorted fragments of the melody. A splendid pumpy finisher to a fairly eccentric EP.

Italy’s up and coming power rock trio Cripta Blue were
formed in 2019 by members of bands like Desert
Wizard, Rising Dark and Talismanstone.

 Being no strangers to the heavy music scene, the trio
skilfully play an enthralling and vibrant blend of dark
though funky and fuzzy psych rock, jamming heavy
power blues and a remarkable primordial sound of
NWOBHM doom.

 Cripta Blues‘ debut full-album has the psychedelic
mood you can’t help but to dive into, with gloomy lyrics
and the hint of a cult horror classic. The baritone
vocals of frontman and bassist Andrea Giuliani are
shrouded by acid and fuzz rock soundscapes, full of
power blues and with the soul of doom.
 Andrea Giuliani says: “Our dark creature is finally
alive. Our personal blend of doom and psych rock
looks back on the past. On the exciting wild end 60’s
and the dark early 70’s with their proto type of heavy
rock and doom metal. We use no occult lyrics, but
instead distorted and horrible metaphors of what it
means to taste life and to live it sinking deep,
surrounded by the living dead.”

 ‘Tombstone’ features Witchwood-vocalist Ricky Dal
Pane.

 For fans of Blue Cheer, Witchfinder General, Budgie,
Cream, The Stooges, Saint Vitus, Black Sabbath,
MC5, Iron Claw, Motorhead, Vanilla Fudge, May Blitz,
Mountain, Pentagram, The Obsessed.

 LP pressed on red vinyl

”The Slow Rush”, das vierte Album von Kevin Parker als Tame Impala, wurde im Februar 2020 mit großem Erfolg veröffentlicht. Parker erreichte seine zweite Nr. 1 in Australien und sein bisher höchstes Chart-Album sowohl in den USA als auch in Großbritannien sowie 14 Top-10-Chartplatzierungen weltweit.

Die neue Farbversion von ”The Slow Rush” in limitierter Auflage, die zum ersten Mal seit der Erstveröffentlichung neu aufgelegt wurde, erscheint auf 180 Gramm cremeweißem Vinyl.

Mit ”Lost In Yesterday”, ”Borderline”, ”It Might Be Time”, ”Breathe Deeper” und ”Is It True” taucht Parker auf ”The Slow Rush” in die Tiefen des Ozeans der Zeit und beschwört das Gefühl eines Lebens in
einem Blitzmoment herauf, über wichtige Meilensteinen, die vorbeisausen, während man auf sein Handy schaut, ist es ein Loblied auf Schöpfung und Zerstörung und den unendlichen Kreislauf des Lebens.

Les Disques du Crepuscule presents a new double vinyl remaster of two seminal albums by German synth wave pioneers Gina X Performance, whose groundbreaking singles Nice Mover, No G.D.M. and Kaddish remain enduring electroclash staples after four decades of club supremacy.

Remastered for vinyl in 2021 by Zeus B. Held and Lars Lafeyette Fassbender, the double album set is housed in a gatefold sleeve with new artwork and pressed on clear and green vinyl + digital copy. This pressing is limited to 1000 copies only worldwide. The inner sleeve features a brand new interview with Zeus.


Formed in Cologne in 1978, the core of Gina X Performance composed vocalist Gina Kikoine and producer/keyboard/vocoder wizard Zeus B. Held. ‘I had in mind science fiction-inspired tracks,’ explains Zeus.‘Really cold sounding music, with no blues-ey chords or melodies, no guitar and nothing rocky.’

Originally issued on German imprint Crystal 1979, icy, noirish debut album Nice Mover spawned two radical Eurodisco hits, with gender-bending single No G.D.M. becoming a firm favourite at the legendary Blitz Club in London’s Soho. At the same time Zeus B. Held also became an in-demandproducer, working with John Foxx, Fashion, Rockets and Dead or Alive.

The third GXP long player, Voyeur, from 1981, followed a brief spell on EMI and saw the duo return to their experimental, avant-gardist roots, the material by turns seductive, provocative and confrontational. Since then countless electronic artists have acknowledged or betrayed the influence of Gina X Performance, including Depeche Mode, Propaganda, Ladytron and Peaches.
Critical praise for Gina X Performance: “Pioneering electro-pop from 1979 with hints of Kraftwerk, Nico and Studio 54-era Grace Jones” (Mojo); “Like an artier Moroder” (Uncut); “No G.D.M. is one of the most influential songs to come out of the Continent” (Q); “Disco for the intellect” (NME)

After a quarter century of nearly nonstop activity, dystopian Detroit synth-punk institution ADULT. have perfected a strain of stylistic cohesion in the album format, "but for this we wanted something that's falling apart." Becoming Undone, the 9th official full-length by cofounders Nicola Kuperus and Adam Lee Miller, explicitly succeeds in this aim, simultaneously rejecting and reflecting the planetary discord that inspired it. Begun in the latter half of 2020 against a backdrop of unprecedented flux and seismic isolation, the duo kickstarted their muse by sourcing fresh additions to the rig: a vocal loop pedal for Kuperus and Roland percussion pads for Miller. Reconnecting with legacy influences like the politicized industrial percussion of Test Department and the queasy miscreant synthetics of TG's 20 Jazz Funk Greats sparked a series of fruitfully frenetic sessions, centered on themes of impermanence and dissonance. Miller's rationale is blunt: "We weren't interested in melody or harmony since we didn't see the world having that." From the tense technoid blitz of "Undoing / Undone" to the twitchy EBM of "Fools (We Are_)" and "I Am Nothing," the sides bristle with strident acidic revolt and black leather sequential circuits, unhinged and unforgiving. Elsewhere, slower tempos of purgatorial unraveling ("Normative Sludge," "She's Nice Looking") showcase a breadth of vocal FX, Kuperus sounding alternately indignant and possessed, decrying the crimes, fears, and failings of a deluded world. Throughout, the band's chemistry crackles with revulsion and strobe-lit dissent, equal parts exorcism and denunciation. "Humans have always been pretty terrible," Kuperus explains. "But every year the compromises of culture just accelerate." Becoming Undone is also freighted with a more personal pain, as Kuperus' father passed away during the height of the pandemic, just before the album took root. As his hospice caretakers, she and Miller faced the banality of finality, surrounded by objects drained of meaning, "the joy of having a body, but also the drudgery of having one." The record's bewitching closing track, "Teeth Out Pt. II" - which happens to be the first ADULT. song in the group's history without drums - speaks to this sense of doomed corporeal mass and the looming, lightless unknown that binds us all. A seasick haze swells and subsides in slow, low waves, flickering with ring modulation, above which Kuperus sings in a dazed, brooding, transcendent state, as if having finally glimpsed beyond the pale: "Some day / some day I will be silent and free / of this relentless gravity."