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Zwei Plattenspieler und ein Mikrofon. In der Klarheit dieser einfachen Schlussformel liegt eine Wahrheit - eine Wahrheit, die zugleich erahnen lässt, wie groß die Möglichkeiten innerhalb dieser Grenzen sind. Manchmal muss man daran erinnert werden.I Guess U Had To Be There, das neue Album des New Yorker Rappers ELUCID und des erfahrenen Produzenten Sebb Bash, ist genau so ein Fall. So frisch, als wäre es morgen entstanden - und doch kann man darauf wetten, dass man es auch 1989 hätte auflegen können und sofort alle Köpfe mitgenickt hätten.Es gibt Momente in der Musik, in denen Meister ihres Fachs sich auf dem Höhepunkt ihrer jeweiligen Schaffenskraft begegnen - Alben wie Madvillainy, Liquid Swords, Dr. Octagonecologyst oder Hell Hath No Fury -, bei denen das Ergebnis mehr ist als die Summe seiner Teile. ELUCID und Sebb Bash bewegen sich auf I Guess U Had To Be There genau in dieser berauschenden, scheinbar mühelosen Sphäre.Alles wirkt zugleich vertraut und bahnbrechend. Die Beats verschieben und wenden sich unter ELUCIDs Füßen, doch er balanciert sie wie auf einem Drahtseil - seine Performance so beweglich wie die einer Bergziege, Produzent und Rapper in perfekter Synchronität. Einige leuchtende Stars haben unvergessliche Gastauftritte: billy woods, Breezly Brewin, Estee Nack und Shabaka Hutchings. Doch im Kern ist dies eine Zwei-Mann-Show, und das Duo hält den Fokus genau dort, wo er hingehört.I Guess U Had To Be There ist ein fesselndes, konventionssprengendes Hörerlebnis und ein neuer Höhepunkt im Schaffen zweier der besten Künstler dieses Genres.

Ora Cogans Musik ist wie Alchemie: teils Instinkt, teils Ritual und immer aus den Ecken entstanden, wo das Leben am intensivsten ist. ,Hard Hearted Woman", ihr Debüt bei Sacred Bones, ist wie ein Zauber für alle, die in einer immer härter werdenden Welt wild bleiben wollen. Mit einer Mischung aus eindringlichem Folk, Psych Rock und einem Hauch von Country schafft Cogan eine Welt, in der Katharsis üppig, geheimnisvoll und lebenswichtig ist. Geschrieben im ,Twin Peaks"-ähnlichen Nanaimo, British Columbia, entstand ,Hard Hearted Woman" aus einer Mischung aus kalten Wasserbädern, langen Schwimmrunden im Fluss, nächtlichen Gesprächen mit Freunden über Kunst und Politik und langen Autofahrten durch die ländliche Landschaft von Lillooet, um ihre Patin zu besuchen. Sie nahm das Album mit ihrer geliebten Band und Gästen aus der Country- und Experimentalmusikszene zusammen mit David Parry (Loving) im Dream Club in Victoria, British Columbia, sowie in ihrem Studio in Nanaimo und aus der Ferne mit Tom Deis auf. Das Ergebnis ist ein Album, das wie etwas aus Rauch und Meerwasser geglänzt ist - intim, schimmernd und ebenso von Witz wie von Trauer geprägt. Es ist eine wirbelnde, juwelenfarbene Ode an alle Engel und Dämonen. Das Album beginnt mit ,Honey", einem langsam aufblühenden, brennenden Song, der auf warmen Streichern und lockeren, treibenden Percussions aufgebaut ist. Cogans Stimme ist ruhig, rauchig und tröstlich und richtet sich an die ,hartgesottene Frau", die das Album prägt. Der Song, der als Reaktion auf die Anti-Trans-Gesetzgebung geschrieben wurde, strahlt Widerstandsfähigkeit aus, ohne jemals seine Zärtlichkeit zu verlieren. ,The Smoke" steigt auf einem hypnotischen Rhythmus empor, der an JJ Cale erinnert, während er die Form auseinanderzieht. Es ist ein Groove für die Endzeit, in dem Congas, Shaker, geknackte Gitarren und geisterhaft verwitterte Texturen aufeinanderprallen, während Cogan die dunkleren Ecken unserer gemeinsamen Menschlichkeit durchforstet. In ,Division" hallt ihre Stimme durch eine karge, hallende Landschaft. Der Song baut sich auf wie eine Leuchtrakete in der Nacht, ein Plädoyer gegen die betäubende Grausamkeit, die heutzutage zur Routine geworden ist. ,Hard Hearted Woman" ist ein Werk der Hingabe an das Geheimnisvolle, an die Gemeinschaft, an die seltsame Kraft, in einer zerbrochenen Welt Kunst zu schaffen. ,Das ist der wichtigste Teil, die Magie", sagt Cogan. Trotz seines Titels geht es in Hard Hearted Woman nicht darum, sich zu verschließen, sondern um Härte als Widerstandsfähigkeit. Es ist die Hülle, die wir uns zulegen, damit unser menschlichstes, zerbrechlichstes Selbst überleben kann. Es ist ein Album für alle, die versuchen, offen zu bleiben, auch wenn die Welt das unmöglich erscheinen lässt.

With Figures of Glass (Piano Etudes – Edits), Vanessa Wagner offers a new listening perspective on Philip Glass’s Piano Études, shaping a curated selection of edited versions drawn from her acclaimed recording of the complete cycle. These edits do not alter the substance of the works; rather, they refine their temporal focus, revealing their emotional force with renewed clarity.

Conceived in parallel with Figures of Glass, a hybrid project developed with visual arts collective Scale, the release extends a dialogue between piano and light, sound and space. Between piano and light, Vanessa Wagner interprets Glass’s Études at the heart of a scenographic installation, exploring the visual imagination embedded in the composer’s music. Minimal structures become spatial gestures; repetition opens onto perception, colour, and resonance. Taken together, these edits form a coherent arc through Glass’s language: from tension and propulsion to suspension and introspection, from rhythmic urgency to contemplative stillness. Wagner’s approach is marked by precision, restraint, and a deep attention to resonance, allowing each piece to unfold with an assumed expressive sobriety.

Figures of Glass also exists as a live creation, presented for the first time in Paris at the Théâtre du Châtelet on April 7, 2026. In both recorded and staged forms, the project invites contemporary listening contexts — from focused headphone listening to immersive visual environments — while reaffirming the Piano Études as a major landmark of 21st-century repertoire. Bridging modern classical piano, minimalist writing, and spatial listening formats, Figures of Glass (Piano Etudes – Edits) speaks equally to traditional classical audiences and new listeners discovering Philip Glass through curated, editorial-driven experiences.

Over the decades, Numero has excavated a metric ton of recordings from the depths of Detroit. From all manner of mini Motowns we’ve uncovered soul, R&B, funk, disco, boogie, and by nature of proximity—gospel. Previous examinations of the Revival and Big Mack la- bels turned up more than a few new apocryphal hymns, and Great Lakes Gospel Vol. 2 compiles a dozen curious church groups devotionally reaching towards the genre’s frayed edge. Get lost in ecstatic choir funk, pulpit rappin’, direct-injection guitar solos, and the holy spirit, should it move you. Look around the room. You could start a church with this thing.

From the windswept streets of Edinburgh comes a sound that gallops wild through the night — equal parts jungle heat and Highland haze. Los Chichanos, a fiercely multicultural collective formed in 2021 under the spirited direction of guitarist Sandino Borges. Never ones to wait for an invitation, the band have carved out a scene of their own in Edinburgh, a home for tropical rhythm and nocturnal joy amid Scotland’s long dark nights. Their devotion to the electrifying pulse of Peruvian tropical music, cumbia and chicha, intertwined with Afro-Latin rhythms and vintage psychedelia runs deep.
Add the soul Cuban son, the swing of Brazilian grooves and a hint of spaghetti western melodrama, and you begin to hear the distinct voice of Los Chichanos. Caballo Salvaje gallops forward with fuzzed- out guitar, echo-drenched organ, and the untamed spirit of the Andes. Cumbia de la Noche was written during a harsh winter season when daylight became a distant memory.

Das Hamburger Duo Das Pack veröffentlicht ihr nunmehr sechstes Studioalbum "Das Weise Album", ein wuchtiges Manifest musikalischer Reife, gepaart mit der unververwechselbaren Mischung aus Humor, Haltung und brachialem Rock. Gegründet wurde Das Pack 2006 von Sänger und Gitarrist Pensen Paletti (Monsters of Liedermaching). Schnell entwickelte sich das Duo, später Trio, zu einer festen Größe der deutschsprachigen Rockszene. Mit ihren schweißtreibenden Liveshows, ehrlicher Attitüde und einem Sound zwischen Punk, Metal und Alternative Rock hat sich die Band eine treue Fanbase erspielt.

Das Hamburger Duo Das Pack veröffentlicht ihr nunmehr sechstes Studioalbum "Das Weise Album", ein wuchtiges Manifest musikalischer Reife, gepaart mit der unververwechselbaren Mischung aus Humor, Haltung und brachialem Rock. Gegründet wurde Das Pack 2006 von Sänger und Gitarrist Pensen Paletti (Monsters of Liedermaching). Schnell entwickelte sich das Duo, später Trio, zu einer festen Größe der deutschsprachigen Rockszene. Mit ihren schweißtreibenden Liveshows, ehrlicher Attitüde und einem Sound zwischen Punk, Metal und Alternative Rock hat sich die Band eine treue Fanbase erspielt.

Solid Ball of Rock is the tenth studio album by legendary heavy metal band Saxon and was originally released in 1991. Five of its eleven tracks were written by new bassist Nibbs Carter, who co-wrote another three songs.

The addition of young bassist Nibbs Carter seemed to inject new life into the group, which unleashed some of its most aggressive songs in years, including the full-on thrashing "Altar of the Gods" and positively scorching "Baptism of Fire."

"For our audience – and without an audience there is no band – our focus returned on Solid Ball of Rock…" noted singer Biff Byford. "Since then, we've been right on it."

Solid Ball of Rock is available as a limited edition of 1000 individually numbered copies on silver vinyl and includes an insert.

Wewantsounds is delighted to release for the 1st time on vinyl Brion Gysin's cult recordings, produced by Ramuntcho Matta in the 80s and early 90s. The release features the hypnotic 32-minute journey "Dreamachine," which transforms the effects of Gysin's legendary light art device into a mesmerizing audio experience, alongside the track "The Door," featuring the visionary saxophonist Steve Lacy. A towering figure in avant-garde art, literature, and sound, Gysin influenced generations of creators, from William Burroughs to David Bowie and Laurie Anderson. Newly remastered and accompanied by liner notes by Gysin scholar Jason Weiss, this LP edition coincides with a major exhibition dedicated to Gysin at the Museum of Modern Art in Paris, opening Spring 2026, underscoring his lasting impact on contemporary culture.

Headline: Alexis Taylor von Hot Chip setzt seine Soloreise fort.

Alexis Taylor zählt zu den markantesten Singer-Songwritern des UK, der mit seiner unverwechselbaren Stimme ein beachtliches Solowerk geschaffen hat. "Paris In The Spring" ist sein bisher persönlichstes Album, das individuelle wie auch universelle Gefühle offenbart. Die Texte scheuen sich nicht vor eindringlichen Themen, doch musikalisch präsentiert sich die LP unbeschwert, beschwingt und zeitgemäß, mit eleganten Disco-House-Elementen, sinnlichen Basslinien und von Vangelis inspirierten Klanglandschaften.

Taylor hat für diese lebendige Klangwelt namhafte Künstler ins Boot geholt, darunter Nicolas Godin (Air), The Avalanches, Lola Kirke, Oli Bayston, Étienne de Crécy, Elizabeth White (Pale Blue) und Green Gartside (Scritti Politti). In dieser Welt trifft ein intimer Country-Stil auf die eingängige Popmelodie von Paul McCartney, den futuristischen Funk von Sly & The Family Stone und, so Taylor, "Synthesizer, die im Regen stehen gelassen wurden". Hier verschmelzen britisches Americana und französisches Flair – irgendwo auf dem Mars. Das Ergebnis ist ein Album über die Freiheit von Zwängen, von Vorurteilen, von Genregrenzen. Taylor experimentiert mit verschiedensten Musikstilen – Country, Folk, Disco – und hat sie zu etwas Einzigartigem verwoben.

Eine Stadt voller Flimmern. Ein Herz voller Sehnsucht. Und ein Sound, der sich weigert zu verschwinden. Nachdem Andreas Kraemer mit seinen Synthpop-Versionen von Nightshift und See My Dream sowie dem gefeierten Remix zu PLEXIPHONES – In The Unreal die Radiostationen im Sturm erobert hat, meldet sich sein Synthwave-Projekt AuraWave zurück – und erhebt sich mit RISE auf ein neues, strahlendes Level!

Dies ist kein Album - Dies ist ein Aufbruch! Zehn Tracks, pulsierend wie Neonadern, schimmernd wie die Nächte einer Stadt, die niemals schläft. Zwischen Melancholie, futuristischem Glanz und der unendlichen Suche nach Licht im Dunkel. Vom aufsteigenden Titeltrack Rise, über das treibende Run Into the Dark,die verregnete Großstadtromantik von Whispers in the Rain,bis hin zur hypnotischen Tiefe von Ghosts Never Sleep und der verführerischen Dunkelheit von Poison Lips – jeder Song erzählt einen eigenen Moment eines Films, der sich direkt in dein Gedächtnis einbrennt. Synths schweben, Drums pulsieren, und irgendwo zwischen Erinnerung und Zukunft öffnet sich ein neonfarbenes Tor in eine andere Welt

Mit ihrer ersten Veröffentlichung seit sieben Jahren kehren MONSTROSITY eindrucksvoll zurück und präsentieren ein Album, das ihre unverwechselbare Mischung aus purer Aggression, technischer Brillanz und ungebändigter Intensität eindrucksvoll auf den Punkt bringt. Angeführt von Drummer, Gründer und Mastermind Lee Harrison, zeigt sich die Band stärker denn je. Mit Langzeit-Gitarrist Matt Barnes, der triumphalen Rückkehr von Originalbassist Mark Van Erp und der markerschütternden Stimme von Ed Webb (ex Massacre) entfaltet Screams From Beneath The Surface eine Energie, die sofort packt und nachhaltig wirkt. Das Album festigt nicht nur MONSTROSITYs Status als Death-Metal-Institution, sondern erweitert das Genre um frische, mutige Facetten - innovativ und dennoch kompromisslos ihren Wurzeln treu. Die zehn Tracks dieses massiven Werkes verkörpern den rebellischen Geist, der MONSTROSITY seit Jahrzehnten definiert. Songs demonstrieren eindrucksvoll das Zusammenspiel aus vernichtenden Riffs, komplexem Drumming und eindringlichen, bildgewaltigen Texten. Gleichzeitig zeigen sie, wie vielseitig und weiterentwicklungsfähig die Band geblieben ist - neue klangliche Ebenen treffen auf ihre charakteristische, rohe Wildheit. Jeder Titel ist ein Statement, ein Beweis für MONSTROSITYs technische Überlegenheit und ihren kompromisslosen Anspruch, Death Metal auf höchstem Niveau zu liefern. 180g Black

Black Vinyl

Glacier Blue Colour Vinyl

Oxblood Color Vinyl

Shoreline’s new album Is This The Low Point Or The Moment After? is built around an unanswerable question: when you hit rock bottom, can you tell where things begin to turn? Meant to be heard front to back, the record starts in a subdued, reflective place, grows progressively heavier, and ultimately lands on a more hopeful note. Drawing from the current wave of emo and hardcore while reflecting the collision of Germany’s alternative scenes, the album shows a band with a clear musical vision focused on big melodies, heavy riffs, and an honest DIY punk foundation.

The Damned schrieben Geschichte, als sie am 22. Oktober 1976 als erste britische Punkband ihre Single
„New Rose“ veröffentlichten. Kurz darauf folgte das allererste britische Punkalbum, ihr legendäres Debütalbum „Damned Damned Damned“, das am 18. Februar 1977 von Stiff Records herausgebracht wurde. Das
Album erreichte bei seiner Veröffentlichung Platz 36 der britischen Charts und hat sich in den 45 Jahren
seit seinem Erscheinen zu einer Legende entwickelt. Mit nur einer halben Stunde Spielzeit ist „Damned
Damned Damned“ ein absoluter Klassiker des Rock ’n’ Roll. Zusammen mit der kompromisslosen Ästhetik
der Band überließen The Damned Rhetorik den Theoretikern und politisches Gehabe The Clash. Die vier
Musiker wollten einfach nur rocken. Die Originalbesetzung mit Dave Vanian, Captain Sensible, Brian James
und Rat Scabies hat sich letztes Jahr wiedervereint und wird das Album im kommenden November auf
einer einmaligen Tournee komplett live spielen.

Der aufstrebende Country-Künstler und Songwriter Drake Milligan meldet sich mit seinem brandneuen
Album „Tumbleweed“ zurück – ein einzigartiges und lang erwartetes Kunstwerk. Produziert von Trent
Willmon, umfasst „Tumbleweed“ 14 Titel, die traditionellen Texas Country, Western Swing und moderne
Nashville-Elemente perfekt vereinen und Milligans zeitlose Musikalität unter Beweis stellen. „Das ist genau
das Album, das ich immer machen wollte“, sagt Milligan. „Es fängt so ziemlich alles ein, was ich an CountryMusik liebe, und ich freue mich riesig, es endlich veröffentlichen zu können.“ Das Album zeigt Milligans
beeindruckende Vielseitigkeit durch sein fesselndes Storytelling, sein Können und seinen charmanten Humor
in „Goodbye Ain’t All That Bad“. Im Schlusssong „How Much Beer“ holt sich Milligan seinen texanischen
Landsmann Randall King ins Boot, um eine Ode an die Kneipe des Arbeiters zu schaffen – der Song ist
eine schräge Hommage an den Bierliebhaber aus der Arbeiterklasse, seinen Barhocker und die Neonlichter

Es war DIE Nachricht des Jahres. Nach dem sich der Graf vor neun Jahren von Bühne und Öffentlichkeit
verabschiedet hatte, kündigte er - einer der erfolgreichsten Musikkünstler der letzten Dekaden - im Februar
2025 sein Comeback an. Aus zunächst sechs geplanten Comeback-Konzerten wurden aufgrund der hohen
Nachfrage in kürzester Zeit 17 Termine.
Mit dem neuen Album “LIEBE GLAUBE MONSTER“ knüpft UNHEILIG dort an, wo sie 2016 aufgehört haben. Die insgesamt 16 neuen Songs des Konzeptalbums spiegeln die ehrlichen Gedanken, Erlebnisse
und Emotionen des Grafen, die er in den ausnahmslos von ihm selbst geschriebenen Texten verarbeitet. Die
Schlagworte des Albumtitels ziehen sich als Leitmotive durch das berührende Gesamtwerk und spannen die
Bögen zwischen den verschiedenen Dimensionen, die UNHEILIG auszeichnen. Auf dem Album geht es um
Liebe, Freundschaft, Hoffnung, Zuversicht und auch um die Monster, denen wir uns alle im Leben stellen
müssen.

Von der Disco in den Jazz Club - Flore Benguigui ist zurück!
2024 platzte in der Welt des französischen Pop eine Bombe, als Flore Benguigui ihren Ausstieg aus der
erfolgreichen Elektropop-Band L’Impératrice bekanntgab. Mit ihrem ersten Solo-Album ist sie jetzt in
Bestform zurück und verbindet swingende Jazz-Songs mit Pop- und Elektro-Elementen.
Die ausgebildete Sängerin und Pianistin hegte schon immer eine tiefe Liebe zu Evergreens und zu Unrecht vergessenen Klassikern von Nina Simone bis Chanson-Legende Barbara. Ihr erstes Album unter
eigenem Namen greift diese Musik jetzt auf und transportiert sie ins Hier und Jetzt. Ihre unverwechselbare
Stimme, flirrend und mädchenhaft, aber punktgenau und selbstbewusst, ist die Basis der Jazz-Ohrwürmer
mit einer Dosis Indie-Pop, die sie mit ihrer Band The Sensible Notes erarbeitet hat. Für Pop- wie für
Jazz-Fans ist ihr ein sehr hörenswertes Werk gelungen.

In seiner Besprechung von Mark Turners letztem Quartettalbum für ECM, Return From The Stars (2022),
bezeichnete Peter Rüedi in der Weltwoche das Programm als „die denkbar schlankste, konzentrierteste
und inspirierteste improvisierte Kammermusik.“ Eine treffende Beschreibung für die kraftvollen Quartettausarbeitungen des Tenorsaxophonisten, die auf Patternmaster ihre bislang ausgereifteste und zugleich
durchschlagskräftigste Form erreicht zu haben scheinen.
Kompromisslose Improvisation ebenso wie kühle Kontrolle sind die antreibenden Motoren einer Gruppe,
die ihr gemeinsames musikalisches Verständnis über Jahre hinweg auf Tour und im Studio weiterentwickelt
hat. Turner und Jason Palmer entfalten Themen mit weitreichenden harmonischen Implikationen, getragen von Joe Martin am Kontrabass und Jonathan Pinson am Schlagzeug – Musikern, die sich mit den
Bläsern auf melodischer, harmonischer und rhythmischer Ebene mit großer Intensität verzahnen. Den sechs
Originalkompositionen Turners wohnt eine zeitlose Qualität inne, die den Geist der klassischen Bebop-Ära
aufgreift und zugleich in die Zukunft weist.
Patternmaster, 2024 in Südfrankreich aufgenommen, wurde von Manfred Eicher produziert.

2026 wird der 100. Geburtstag von John Coltrane gefeiert, dessen bahnbrechende Kunst als Saxophonist,
Komponist und Bandleader ihn zu einer der einflussreichsten Musikpersönlichkeiten des 20. Jahrhunderts
machte. Zu Ehren seines unermesslichen Einflusses fängt „The Best of John Coltrane“ den legendären
Saxophonisten in seinen prägendsten und kreativsten Jahren bei Prestige ein. Diese LP wurde aus seinem
produktiven Schaffen der Jahre 1957–1958 zusammengestellt und enthält eine Auswahl, die Coltranes
rasante künstlerische Entwicklung als origineller Tenorsaxophonist beleuchtet. Mit Klassikern aus dem
American Songbook und Jazz-Standards ist sie sowohl die perfekte Einführung für neue Hörer als auch eine
wertvolle Anschaffung für Liebhaber, da sie die Aufnahmen präsentiert, die John Coltranes Vermächtnis
begründet haben.

Der US-amerikanische Musiker Anjimile Chithambo (ann-JIM-uh-lee) hat sich in den vergangenen Jahren als eigenständige Stimme etabliert. In der Indie-Szene Bostons bekannt geworden, entwickelte er einen persönlichen, ehrlichen Stil, der Spiritualität, Identität und Nähe miteinander verbindet. Mit dem gefeierten Album "Giver Taker" (2020) setzte sich Anjimile mit Zugehörigkeit und Selbstverständnis auseinander. "The King" (2023), sein erstes Album auf 4AD, thematisierte Selbstbestimmung und seine Erfahrungen als schwarze Trans-Person in einer Zeit tiefgreifender persönlicher und gesellschaftlicher Veränderungen. Diese Themen führt Anjimile auf seinem neuen Album "You"re Free to Go" weiter. Im Mittelpunkt steht die Frage, was geschieht, wenn man Kontrolle loslässt und neue Formen von Bindung und Freiheit zulässt. Das Album verarbeitet Trennungen, neue Beziehungen, Verluste und Neuanfänge und beschreibt einen Weg zurück zu Vertrauen ins eigene Leben. Der Titel spiegelt eine offenere Sicht auf Beziehungen wider, geprägt durch Erfahrungen mit non-monogamen Modellen. Produziert von Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) und unterstützt von Gästen wie Sam Beam (Iron & Wine), entfaltet sich "You"re Free to Go" organisch und intim. Musikalisch verbindet Anjimile Folk mit Alternative-Pop-Einflüssen der späten 1990er-Jahre. Auch stimmlich zeigt er sich weiterentwickelt - eine bewusste Veränderung, die der emotionalen Tiefe des Albums zusätzliche Kraft verleiht.

Lange bevor er jemals ein Studio von innen sah, war Sam Snitchy auf der Straße unterwegs und schrie unter dem Namen Maniporno Gedichte - roh, furchtlos und im Einklang mit dem Chaos um ihn herum. Dann begann er, diesen Lärm in Platten zu verwandeln - zuerst als Melker, später als Sam Snitchy. Im April 2026 erscheint nun das dritte Snitchy-Album bei Voodoo Rhythm Records - ein weiterer Schritt auf diesem Weg, tiefer hinein in den Lärm, den Puls, die Verwirrung, mit der alles begann. Das neue Album ist ein klanglicher Exorzismus, aufgenommen mit Marco Fuorigioco, der Bass, Synthesizer und Gitarren verzerrt und das Tonband zerreißt, Philipp Schlotter (Me&Mobi, Music Against Airports) der den Raum mit geisterhaften Synthesizer- Halluzinationen erfüllt, und Domi Chansorn (Sophie Hunger, Knackeboul, Fai Baba, Bonaparte, Marie Krüttli, Béatrice Graf) der die Drums wie einstürzende Türme hämmert. Gemeinsam zerren sie dich durch psychedelische Punkwut, verschmelzen mit den Schatten dunkler Waves, mutieren zu Industrial Noise und Dub-Nebel, verwandeln sich in einen verzerrten Techno-Puls, bis du nicht mehr unterscheiden kannst, wo das eine aufhört und das andere anfängt - alles nährt das Feuer. Und über diesem Sturm spuckt Sam Snitchy seine Worte wie zerbrochene Spiegel - verzerrte und selbstreflexive Geschichten über Menschen, die in ihren eigenen Widersprüchen gefangen sind, über leere Routinen und bedeutungslose Lebensstile, die als Erfolg getarnt sind, über den absurden Tanz zwischen Ekstase und Verzweiflung. Die Texte erklären nicht - sie verstören. Sie halten dir ein zerbrochenes Glas vor und zwingen dich, dich selbst anzusehen, bis du nicht mehr weißt, ob du lachen oder schreien sollst. In VVR's own words: "Sam Snitchy transforms chaos into sound. Once a street poet known as Maniporno, he now blends punk energy with techno pulse, industrial grit, dub tension, and psychedelic garage haze. It's raw and hypnotic _ words like broken glass, beats like heartbeat and collapse spring to mind."

"The Sophs sind quasi aus dem Nichts aufgetaucht", sagen Rough-Trade-Mitgründer Geoff Travis und Jeannette Lee über ihr neuestes Signing: eine sechsköpfige Band aus L.A. mit dem feinsinnigen Namen The Sophs. Die kompromisslose Ehrlichkeit und der weite Soundkosmos der Band überzeugten sofort. Als Sänger Ethan Ramon ein Demo an seine Lieblingslabels schickte, rechnete er nicht mit einer Reaktion - doch schon am nächsten Tag meldete sich Rough Trade mit der Bitte um ein Gespräch. In den frühen Songs hörte das Label genau jene Kreativität, Vielseitigkeit und den draufgängerischen "Don"t expect me to act pretty"-Spirit, den The Sophs auf jede Bühne bringen: Ethan Ramon (Gesang), Sam Yuh (Keyboards), Austin Parker Jones (E-Gitarre), Seth Smades (Akustikgitarre), Devin Russ (Drums) und Cole Bobbitt (Bass). Die fünf Demo-Tracks bildeten die Blaupause für ihr Debütalbum "GOLDSTAR". Musikalisch bewegen sich The Sophs im Zickzack: Pop-Punk trifft auf Funk, Delta Blues auf ZZ Top. Ramons warme, kraftvolle Stimme wandert dabei wie ein vokales Chamäleon durch die Genres. "Wir versuchen nie, so vielseitig zu sein, wie wir am Ende klingen", sagt Ramon. Songwriting verstehen sie als Pop Art - ein spielerisches Zitieren, Verformen und Neuerschaffen. Oft entstehen Songs aus spontanen Ideen, die im Bandprozess eine völlig neue Richtung nehmen. Der Track "THE DOG DIES IN THE END" erinnert an 2000er-Pop-Punk, getragen von düsteren Gedankenspiralen und Akkordeon. "DEATH IN THE FAMILY" kombiniert sonnigen Rock mit bitterem Humor und der Sehnsucht nach Mitleid als Schutz vor Verantwortung. "GOLDSTAR" stellt dabei einfache, aber unbequeme Fragen nach Anerkennung und Moral. Weitere Highlights wie "SWEETIEPIE" und "BLITZED AGAIN" zeigen die Band zwischen Selbstentlarvung und euphorischer Energie - roh, lebendig und kompromisslos kreativ.

Fast-rising Los Angeles band The Silvertone make a splash on the modern soul scene with Mistakes—their most soulful statement yet. Retro-laced and dripping with smoky vocals, dusty grooves, and late-night cool, this souldie record blends vintage R&B, classic soul, and a touch of psych—Sam Cooke meets Durand Jones under neon lights.

"The Sophs sind quasi aus dem Nichts aufgetaucht", sagen Rough-Trade-Mitgründer Geoff Travis und Jeannette Lee über ihr neuestes Signing: eine sechsköpfige Band aus L.A. mit dem feinsinnigen Namen The Sophs. Die kompromisslose Ehrlichkeit und der weite Soundkosmos der Band überzeugten sofort. Als Sänger Ethan Ramon ein Demo an seine Lieblingslabels schickte, rechnete er nicht mit einer Reaktion - doch schon am nächsten Tag meldete sich Rough Trade mit der Bitte um ein Gespräch. In den frühen Songs hörte das Label genau jene Kreativität, Vielseitigkeit und den draufgängerischen "Don"t expect me to act pretty"-Spirit, den The Sophs auf jede Bühne bringen: Ethan Ramon (Gesang), Sam Yuh (Keyboards), Austin Parker Jones (E-Gitarre), Seth Smades (Akustikgitarre), Devin Russ (Drums) und Cole Bobbitt (Bass). Die fünf Demo-Tracks bildeten die Blaupause für ihr Debütalbum "GOLDSTAR". Musikalisch bewegen sich The Sophs im Zickzack: Pop-Punk trifft auf Funk, Delta Blues auf ZZ Top. Ramons warme, kraftvolle Stimme wandert dabei wie ein vokales Chamäleon durch die Genres. "Wir versuchen nie, so vielseitig zu sein, wie wir am Ende klingen", sagt Ramon. Songwriting verstehen sie als Pop Art - ein spielerisches Zitieren, Verformen und Neuerschaffen. Oft entstehen Songs aus spontanen Ideen, die im Bandprozess eine völlig neue Richtung nehmen. Der Track "THE DOG DIES IN THE END" erinnert an 2000er-Pop-Punk, getragen von düsteren Gedankenspiralen und Akkordeon. "DEATH IN THE FAMILY" kombiniert sonnigen Rock mit bitterem Humor und der Sehnsucht nach Mitleid als Schutz vor Verantwortung. "GOLDSTAR" stellt dabei einfache, aber unbequeme Fragen nach Anerkennung und Moral. Weitere Highlights wie "SWEETIEPIE" und "BLITZED AGAIN" zeigen die Band zwischen Selbstentlarvung und euphorischer Energie - roh, lebendig und kompromisslos kreativ.

WHAT-A-NIGHT’S, formed by members of Minority Blues Band and I Excuse who spearheaded Snuffy Smile in the 2000s.
Their second album, infusing their solid rock sound into melodic punk, finally arrives from POWER ELEPHANT!"

Cambridge-based improv collective Concrete Gazebo present their latest collection of open-hearted, quantum splice-downs, via Goldsmiths University label NX Records.

"Acid Heath" documents the ebb and flow of a collective in flux; online and in-the-flesh improv sessions form the raw material to be welded into new and fantastic forms by the group's hive-mind. Instruments falling into the pot this time around include a heavily effected Harmonic Art Handpan, the Yamaha PortaSound PSS-50, live-triggered field recordings, and mobile phone recordings of the jams themselves.

The result is a murky, atmospheric stew, at different times suggesting a sort of Fenland psychedelia, lof-fi krautock, or a deconstructed Broadcast.

When not making music, the band have organised free, open-to-all improvisation nights, "Under The Concrete Gazebo", since 2018.

Alle größten Hits von Nat King Cole jetzt auf hochwertigem Doppel-Vinyl! Diese Edition vereint 24 zeitlose Klassiker des legendären Crooners - ein Muss für Liebhaber eleganter Jazz- und Popmusik. Mit seiner unverwechselbaren Stimme prägte Cole Generationen und schuf unvergessene Standards. Enthalten sind Meilensteine wie "Unforgettable", "When I Fall in Love", "Stardust" und viele weitere Songs, die Musikgeschichte geschrieben haben.

"Bad Sneakers and a Piña Colada" wurde 2000 veröffentlicht und ist das zweite Studioalbum der schwedischen Hardrock-Band Hardcore Superstar. Das Album mischt Elemente von Sleaze Rock, Glam Metal und Punk-Energie und trägt dazu bei, den typischen Sound der Band zu etablieren.

Mit herausragenden Titeln wie "Liberation", "Someone Special" und "You Will Never Know" bietet das Album ansteckende Hooks, energiegeladene Riffs und hymnische Refrains. Mit seiner rauen Attitüde und seiner melodischen Seite wurde ""Bad Sneakers and a Piña Colada"" von der Kritik gelobt und war vor allem in Schweden und Japan ein kommerzieller Erfolg.

Dieses Album spielte eine entscheidende Rolle bei der Wiederbelebung der Sleaze-Rock-Szene in den frühen 2000er Jahren und positionierte Hardcore Superstar als eine wichtige Kraft in diesem Genre. Für Fans von energiegeladenem, von Attitüde geprägtem Rock bleibt "Bad Sneakers and a Piña Colada" eine der wichtigsten Veröffentlichungen in der Diskografie von Hardcore Superstar.

"Bad Sneakers and a Piña Colada" ist in einer limitierten Auflage von 666 einzeln nummerierten Exemplaren auf weißem Vinyl erhältlich.

"No Regrets" wurde 2003 veröffentlicht und ist das vierte Album der schwedischen Hardrock-Band Hardcore Superstar. Das Album setzt ihre charakteristische Mischung aus Sleaze-Rock, Glam-Metal und Punk-Energie fort und liefert eine Sammlung von rohen und hochoktanigen Tracks.

Herausragende Songs wie "Still I'm Glad", "Honey Tongue" und "No Regrets" zeigen das Gespür der Band für ansteckende Melodien, düstere Gitarrenriffs und rebellische Attitüde. Während sie ihren unverkennbaren Sound beibehalten, ist das Album im Vergleich zu seinem Vorgänger etwas härter und düsterer ausgefallen.

Obwohl "No Regrets" ihr letztes Album vor einer kurzen stilistischen Veränderung war, bleibt es ein Fan-Favorit und ein wesentlicher Teil der Entwicklung von Hardcore Superstar. Vollgepackt mit Attitüde und hymnischen Hooks festigte das Album ihren Ruf als eine der führenden schwedischen Hardrockbands, die Fans von Sleaze und Classic Rock gleichermaßen anspricht.

"No Regrets" ist in einer limitierten Auflage von 666 einzeln nummerierten Exemplaren auf Translucent Red Vinyl erhältlich

Remastered and cut at 45 RPM, using a one step process for the highest fidelity. First batch of 300 are available now.The Break of Dawn marks the debut full-length from Japan's Blue In Green, a composer and guitarist whose work quietly bridges bossa nova, jazz, and hip- hop. Originally released in 2011, this newly remastered edition presents 11 tracks with unhurried rhythms, gentle piano and guitar lines, subtle horns, and warm analog tones, creating an atmosphere that feels both sophisticated and inviting -- perfect for late nights, slow mornings, or lazy summer afternoons.One step records stand out from regular vinyl by simplifying the traditional three step process down to just one.

With fewer steps, there's less loss along the way, giving these pressings high fidelity sound and a more lifelike listening experience.Mastered by Mark DannLacquers Cut by Misjah@24MasteringManufactured by MobinekoMetal Processing by FutonekoTaken from the original digital masters, remastered to tape, and cut to lacquers from digital files.

Featuring a topflight quintet, Healing Songs includes Texier's son Sebastien on alto sax and clarinet, rising US trumpet star Hermon Mehari, plus internationally acclaimed drummer Manu Katche guesting on two tracks. Henri Texier, born in Paris in 1945, is a highly respected French double bassist and composer who has played a pivotal role in shaping modern European jazz. He began his career in the vibrant Paris jazz scene of the 1960s, quickly gaining acclaim for his work alongside vanguard musicians such as Don Cherry and Daniel Humair.

Over the decades, Texier became known for blending jazz with influences from folk, African, and Middle Eastern music, giving his sound a unique global flavour. His work has earned him several prestigious awards, including multiple 'Victoires du Jazz' (France's top jazz honour) and widespread international recognition. In the words of The Guardian newspaper, "Texier is one of Europe's consistently inspired jazz musicians, with a career that continues to inspire new generations.

Recorded spontaneously in a single afternoon, the album captures an unguarded musical conversation between two of the most compelling voices of their generation. Born in Brixton and now based in Harlem, Ruben Fox has emerged as a major presence on the international jazz scene, renowned for the depth of his sound, the emotional clarity of his ballad playing, and a voice rooted in tradition while speaking firmly in the present. His work follows collaborations with artists including Wynton Marsalis, Barry Harris, Roy Hargrove, Jon Batiste, and George Coleman, and builds on the critical acclaim of his 2021 debut Introducing Ruben Fox.

Micah Thomas is one of the most celebrated pianists of his generation, praised for a style that is both restlessly inventive and deeply grounded in the history of the music. A Jerome L. Greene Fellow and Juilliard alumnus, Thomas has worked extensively with Immanuel Wilkins, Joshua Redman, Ambrose Akinmusire, and Billy Drummond, and has been recognised by DownBeat, Jazz Magazine, and The New York City Jazz Record as a defining contemporary voice. Fox and Thomas first developed their musical relationship while studying at Juilliard, where they regularly played duo sets. In Two Minds was recorded on a whim at Chris Pattishall's apartment in Washington Heights, with no rehearsal, no edits, and no agenda beyond mutual respect, listening, and shared musical values. Over three hours, the pair simply showed up and played.

The result is an intimate, conversational record that foregrounds generosity, empathy, and deep musical listening. Sparse, direct, and emotionally rich, In Two Minds offers a rare document of two artists meeting in real time, balancing history, intellect, warmth, and spontaneity.

With classics like "I've Got You Under My Skin," "Come Fly With Me," "The Lady Is A Tramp," "I Get A Kick Out Of You," and "Love And Marriage," he defined the art of popular singing. A master interpreter of song, Sinatra's influence extends far beyond music, symbolizing sophistication and enduring American cool.

The beauty, confusion, complexity, and intensity of their youth - lived under the shadow and around the scars of conflict - are entangled in the industrial dance-punk hybrid encoded in the record's DNA, aptly entitled Crystalpunk. "This record is us waving a flag for that generation -- the ones who inherited confusion, resilience, and a fractured sense of self." They're waving that flag as intensely as possible too. For the uninitiated, Chalk mainlines the reaction between genres, eras, and cultures, commuting this collision into their sound. The Belfast group could comfortably power an underground warehouse party after-dark, incite a mid-day festival mosh-pit, or shake an arena on any given evening.

Their power has seamlessly translated to the stage with the group packing venues and delivering alternately sweaty and electrifying performances to a growing rabid fan base. As a group, they've sold out shows across the UK, EU and USA, notched festival performances such as Glastonbury, SXSW, BBK, Trans Musicals and more across 11 countries and were handpicked to tour alongside IDLES and Fontaines D.C.. Coming from dissimilar backgrounds and rallying together naturally, Ben and Ross first crossed paths in film school. As the story goes, Ben had noticed a framed poster of Dublin disruptors Gilla Band in one of Ross's Instagram photos and felt a kinship before ever actually speaking to him.

"Nobody else at our school was into experimental noise guitar bands, so that was all I needed to see," laughs Ben. Emerging in 2022, Chalk initially made waves with songs like "Them," "Velodrome," and "Static." Ultimately, they come-of-age and tell a story that resonates beyond borders. Not just a portrait of the band, but one of their home, a complicated place where the sacrifices made and risks taken by activists, artists, ravers and punks created the only environment that a band like Chalk could emerge from. Crystalpunk is not about choosing a side, it's about choosing the future.

Kicked in the Teeth relies primarily on rip-roaring punk rock & roll guitar riffs and hardcore drum beats, the entire LP slashing by like a Japanese street bike on a rain-soaked highway -- blink your eye, and it's passed. Zeke does one thing, and that one thing they do very very well - incredibly fast, out of control punk rock & roll, executed with exceptional lead guitar work. There are, however, some slower-paced tunes on Kicked In the Teeth - after all, Zeke is not the typical snotty American punk or hardcore act -- and they are performed well. For example, the amped-up cover of Kiss' "Shout It Out Loud".

Kicked In The Teeth is available as a limited edition of 1000 individually numbered copies on red & black marble vinyl and includes an insert.