Search:b live

Blang Records are thrilled to announce another two vinyl album re-releases from Jeffrey Lewis's back catalogue: The debut classic The Last Time I Did Acid I Went Insane (originally Rough Trade 2001) and The critically acclaimed 4th album 12 Crass Songs (originally Rough Trade 2007). 12 Crass Songs (VV004LP): Astonishingly transformed covers of songs originally written by the band Crass in 1978-1984, this 2007 LP is the most rare and sought-after vinyl in Jeffrey's catalogue and is also now completely out of stock. "Weird? Very_ _ but it's also downright inspiring" (4 of 5 stars) - Rolling Stone. "The record presents Crass's lyrics calmly, often demonstrating how sane and practical they are; it proves once again, and kind of thrillingly this time, that no music is immune to interpretation" - The New York Times. "Folk maverick raids anarchist commune and finds catchy tunes_ Works wonderfully" - Spin "Jeffrey Lewis' talents appear without end_ (on 12 Crass Songs he) magically makes the anarcho-rockers' anti-establishment savagery his own, by wrapping their barbed sentiments in his trademark mottled tea-towel warmth" - NME. "12 Crass Songs succeeds utterly_ eerily beautiful and strangely affecting" - Plan B Magazine "He's taken hold of any number of my old stormy favourites and breathed fresh life and fire into them. . . Man, I'm in awe of Jeffrey right now. Who'd have thought he could have done that?" - Everett True/ Village Voice "Quite brilliant" - (4 of 5 stars) MOJO. "It's no mean feat to transform such abrasive harangues into lush, tuneful folk_ without defusing their righteous anger_ but Crass's intelligent and indignant screeds could not hope for a more sympathetic translator." (4 of 5 stars) - THE GUARDIAN. Blang Records and Jeffrey Lewis have history: before Blang was a label, it started life as a live night at the 12 Bar Club in Denmark Street, hosting many a set of the NY Antifolk artists over on UK shores, including Jeffrey Lewis. Now 20+ years since Jeffrey first played Blang. Native New Yorker Jeffrey Lewis is a comic book writer/artist and a musician. A cult hero birthed from the now infamous antifolk movement that sprung up on Manhattan's Lower East Side in the 90s, Jeffrey has released dozens of albums showcasing his unique blend of bleakly witty observations, scratchy, lo-fi punk and croaky folk/anti-folk, all firmly rooted in a strong DIY sensibility. Jeffrey and his band have toured the world multiple times over, released albums on Rough Trade, Moshi Moshi and Don GIovanni Records, and have been featured by NPR, The History Channel, The NY Times and more.

Blang Records are thrilled to announce another two vinyl album re-releases from Jeffrey Lewis's back catalogue: The debut classic The Last Time I Did Acid I Went Insane (originally Rough Trade 2001) and The critically acclaimed 4th album 12 Crass Songs (originally Rough Trade 2007). The Last Time I Did Acid I Went Insane (VV001LP) : The fragile poetry and lo-fi warmth of JL's home-recorded debut paint vivid scenes of downtown Manhattan life with cracked sincerity, comic book absurdity and charm. This groundbreaking album continues to charm listeners but has completely run out of stock. Press Quotes: "Jeffrey Lewis: `The Last Time I Did Acid I Went Insane' - Best Indie Album of 2002; like his drawings, his music is witty, animated and true." - New York Daily News "Bizarre but brilliant_ slugging it out to be New Rock capital of the universe, Jeffrey Lewis could well be New York's ace in the hole."- Uncut "Modestly brilliant." [Critic's Choice]- The Village Voice "He claws through the bullshit and pretence ingrained in society. [Jeffrey Lewis' work] _should be cherished."- TimeOut London "Jeffrey Lewis isn't simply a singer, but a creative comic mastermind_ brilliant_ a staggering work of_ genius." - (9 stars of 10) Addicted to Sound Blang Records and Jeffrey Lewis have history: before Blang was a label, it started life as a live night at the 12 Bar Club in Denmark Street, hosting many a set of the NY Antifolk artists over on UK shores, including Jeffrey Lewis. Now 20+ years since Jeffrey first played Blang. Native New Yorker Jeffrey Lewis is a comic book writer/artist and a musician. A cult hero birthed from the now infamous antifolk movement that sprung up on Manhattan's Lower East Side in the 90s, Jeffrey has released dozens of albums showcasing his unique blend of bleakly witty observations, scratchy, lo-fi punk and croaky folk/anti-folk, all firmly rooted in a strong DIY sensibility. Jeffrey and his band have toured the world multiple times over, released albums on Rough Trade, Moshi Moshi and Don GIovanni Records, and have been featured by NPR, The History Channel, The NY Times and more.

Get ready to trim your tree with a rollicking mix of mid-century Rhythm & Blues holiday gems. This vinyl is packed with everything from soulful longing to boisterous celebration, featuring legendary artists like Charles Brown's heart-wrenching "Please Come Home for Christmas" and the Dominoes' gorgeous "Christmas in Heaven" with a young Jackie Wilson on vocals. Dive into the bluesy mischief of Jimmy Butler's playful "Trim Your Tree" and the fiery gospel of Marvin Williams' "When Was Jesus Born." From the sweet soul stomp of Big Dee Irwin & Little Eva's "I Wish You a Merry Christmas" to Lightnin' Hopkins' funky "Happy New Year," each track captures a unique holiday spirit. This lively collection is sure to be a December favourite, filled with both cheer and heartbreak, grit and grace_an unforgettable Christmas party on vinyl!

180 Gram Vinyl Celebrate the holiday season with this fiery collection of vintage R&B, gospel, and soul, guaranteed to bring the Christmas spirit to life! This vinyl release features a handpicked lineup of legends like Chuck Berry, Sonny Boy Williamson, and Charles Brown, delivering everything from foot-stomping hits to soulful serenades. Highlights include Freddy King's heartfelt "Christmas Tears," Lightnin' Hopkins' gritty "Merry Christmas," Carla Thomas' soulful "All I Want For Christmas Is You," and the lively classic "Run Rudolph Run." With rare holiday gems spanning raw blues, swinging gospel, and smooth soul, this album is the ultimate soundtrack for a cool Yule.

Pink vinyl. Get ready to trim your tree with a rollicking mix of mid-century Rhythm & Blues holiday gems. This vinyl is packed with everything from soulful longing to boisterous celebration, featuring legendary artists like Charles Brown's heart-wrenching "Please Come Home for Christmas" and the Dominoes' gorgeous "Christmas in Heaven" with a young Jackie Wilson on vocals. Dive into the bluesy mischief of Jimmy Butler's playful "Trim Your Tree" and the fiery gospel of Marvin Williams' "When Was Jesus Born." From the sweet soul stomp of Big Dee Irwin & Little Eva's "I Wish You a Merry Christmas" to Lightnin' Hopkins' funky "Happy New Year," each track captures a unique holiday spirit. This lively collection is sure to be a December favourite, filled with both cheer and heartbreak, grit and grace_an unforgettable Christmas party on vinyl!

180 Gram, Yellow Vinyl Celebrate the holiday season with this fiery collection of vintage R&B, gospel, and soul, guaranteed to bring the Christmas spirit to life! This vinyl release features a handpicked lineup of legends like Chuck Berry, Sonny Boy Williamson, and Charles Brown, delivering everything from foot-stomping hits to soulful serenades. Highlights include Freddy King's heartfelt "Christmas Tears," Lightnin' Hopkins' gritty "Merry Christmas," Carla Thomas' soulful "All I Want For Christmas Is You," and the lively classic "Run Rudolph Run." With rare holiday gems spanning raw blues, swinging gospel, and smooth soul, this album is the ultimate soundtrack for a cool Yule.

Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums wird Fools Gardens zweites Album Dish of the Day, inclusive der
zeitlosen Hitsingle “Lemon Tree”, am 24. Oktober 2025 als erstmalig auf Vinyl erscheinen. Neu aufgelegt
als Doppelt-LP und sorgfältig für Vinyl remastert, beinhaltet die Deluxe Edition sowohl das Originalalbum
über 11 Songs, sowie weitere 11 Songs, bestehend aus B-Sides, Live-Aufnahmen und Demos.
1995 veröffentlicht auf dem Höhepunkt der 90er-Alternative-Pop-Bewegung veröffentlicht, bereitete Dish
of the Day Fools Garden dank des Charmes und der globalen Anziehungskraft der Hit-Single „Lemon Tree“
internationalen Erfolg. Der Song stürmte die Charts in ganz Europa und Asien. Die bevorstehende Jubiläumsausgabe ist ein absolutes Muss für Sammler*innen und bietet einen vollständigen Einblick in den
kreativen Prozess und die klangliche Vielfalt der Band während dieser prägenden Zeit.
LP1 präsentiert die komplette Original-Tracklist – liebevoll remastert für bestmögliche Tonqualität auf
Vinyl. LP2 öffnet das Archiv: Eine sorgfältig kuratierte Sammlung bislang unveröffentlichter Songs, LiveAufnahmen und Demos – ebenfalls erstmals auf Vinyl erhältlich. Das Ergebnis ist eine stimmige und
audiophile Würdigung des bedeutendsten Werks der Band. Dieses Album beinhaltet nicht nur einen WeltHit, welcher dank seines hohen Widererkennungswerts auch nach drei Jahrzehnten noch begeistert, sondern
lädt die Hörer*innen ein, tiefer in die Welt von Fools Garden einzutauchen und das musikalische Spektrum
der Band anhand exklusivem Zusatz-Material zu entdecken.
Verpackt im hochwertigen Gatefold-Sleeve mit restauriertem Artwork und exklusiven Archivfotos aus der
Entstehungszeit des Albums und Folgejahren, richtet sich dieses umfangreiche Produkt sowohl an nostalgische Fans als auch an eine ganz neue Generation, die die Band zum ersten Mal für sich entdeckt.
Die Neuauflage von Dish of the Day bildet das Herzstück der Jubiläumskampagne des Albums, begleitet
von der Veröffentlichung der Band-Autobiografie und einer neuen Headliner-Tour im Frühjahr 2026.

Bloodred Hourglass (BRHG) meldet sich zurück mit ihrem mittlerweile siebten Studioalbum „We Should Be Buried Like This“. einem kompromisslosen Statement einer Band. die sich über die Jahre zu einer der eindrucksvollsten Kräfte im modernen Death Metal entwickelt hat. Beheimatet im finnischen Mikkeli wurden BRHG bekannt für ihre Fähigkeit. die rohe Wucht von Thrash- und Groove-Metal mit den atmosphärischen Sounds von Metalcore. Alternative Metal und Melodic Death Metal zu verschmelzen. Ihr Sound ist so kraftvoll wie emotional. so mitreißend wie facettenreich - eine Mischung. die ihnen regelmäßig positives Feedback. eine internationale Fangemeinde sowie den Ruf explosiver Live-Shows eingebracht hat. Mit „We Should Be Buried Like This“ schlägt die Band nun ihr bislang dunkelstes und schonungslosestes Kapitel auf. Ein Werk. das sie selbst als „Lieder für das Ende der Zeit“ beschreiben - ohne Trost. ohne Erklärungen. Stattdessen erwartet uns eine Geschichte vom Zerfall von Hoffnung. dem Verlöschen von Liebe. der Wiederholung familiärer Fehler und einer Welt. geprägt von Egozentrik. Entfremdung und Gleichgültigkeit. „Hier wird nicht gebettelt. nichts beschönigt“. erklärt die Band. „Wir wollen nichts beweisen. Dieses Album ist aus dem inneren Drang entstanden. Dinge aufzureißen und sie beim Namen zu nennen.“ Musikalisch ist „We Should Be Buried Like This“ das aggressivste und kompromissloseste Album. das BRHG je geschaffen haben. ohne dabei ihre charakteristische Melodik zu verlieren. Heftige Riffs. brachiale Energie und tiefe Emotionen ziehen sich wie ein roter Faden durch das gesamte Album.

Gastauftritte und neue klangliche Elemente sorgen für frische Akzente. doch der Kern bleibt unverkennbar BRHG - verfeinert über Jahre. einzigartig und intensiv

What began as a nostalgic nod to Camden Market’s bootleg culture has become the next chapter of in the Running Back Mastermix series. At once deeply personal and openly communal, it shows how a lifetime of production can be condensed into 90 minutes without losing its edge — proof that the mixtape, even in 2025, still has stories left to tell.
What followed was a patient excavation. Old DATs were pulled out of storage, forgotten files surfaced from hard drives, and new material was written to sit alongside them.
Together, these fragments revealed a body of work stretching back more than 25 years — tracks that moved across the spectrum of house and techno but shared a common thread of character and atmosphere.
In May of this year, the archive finally found its form. Recorded live on three decks using Serato, the resulting mix brings together 24 tracks: unreleased material from the past and brand new productions, all stitched together into a continuous narrative. It’s equal parts retrospective and statement of intent — less a museum piece than a living document.
Here the vinyl edition features a curated selection of 11 tracks from the mix.

Motorjesus aus Mönchengladbach sind zurück – und mit „Streets of Fire“ drehen sie den Motor weiter auf Anschlag! Ihr mittlerweile achtes Studioalbum führt ihren unverkennbaren High Octane Heavy Rock in eine neue, noch explosivere Dimension. Mit Vollgas voraus präsentieren sie eine Mischung aus Motörhead-infiziertem Rotzrock, hymnischem 80er-Jahre-Metal im Stil von Judas Priest und Iron Maiden sowie einer starken Prise Punk-Attitüde. Das Ergebnis: Ein kompromissloses HeavyRock-Feuerwerk, das sowohl alte Fans als auch neue Hörer mitreißen wird. Motorjesus haben den Tank randvoll gefüllt und treten das Gaspedal durch! Nach ihrem letzten Album „Hellbreaker“, das Platz 20 der deutschen Albumcharts erreichte und der Band Festival-Auftritte auf Summer Breeze, Rock Hard Festival und vielen weiteren Bühnen sicherte, setzen sie mit „Streets of Fire“ neue Maßstäbe. Das Album strotzt nur so vor kraftvollen Hymnen, die zum Mitsingen und Fäuste-in-die-LuftRecken einladen. Diesmal bewusst ohne Balladen, sondern mit noch mehr Speed, Groove und treibenden Riffs, die sofort ins Ohr gehen. Produzenten-Legende Dan Swanö (Opeth, Dissection, Edge of Sanity) ist begeistert: „Diese Songs haben einen neuen Fokus und eine unglaubliche Energie – ich habe mir beim Mischen buchstäblich den Fuß wundgetreten!“ Mit ihrem unverwechselbaren Sound, der Hard Rock, Metal und Punk-Einflüsse vereint, beweisen Motorjesus einmal mehr, dass sie zu den beständigsten und kraftvollsten Heavy-Rock-Bands Deutschlands gehören. Ihre unbändige Live-Energie konnten sie bereits auf Touren mit Motörhead, Anthrax, Mustasch und Prong unter Beweis stellen – und auch auf „Streets of Fire“ liefern sie wieder pure Rock’n’RollPower ohne Kompromisse!

Gegründet von Sänger/Gitarrist Askhan Avagchuud im Jahr 2010 in der autonomen Region Innere Mongolei in China, sind Nine Treasures eine einzigartige Kombination aus Heavy Metal und traditioneller mongolischer Instrumentierung. Die Band nutzt sowohl konventionelle Gesangstechniken als auch mongolischen Kehlkopfgesang und erschafft ein klangliches Kaleidoskop, in dem Gitarren, Bass und Schlagzeug auf traditionelle Saiteninstrumente wie Balalaika und Morin Khuur (Pferdekopfgeige) treffen.Mit vier Alben und über 100 Festival-Shows pro Jahr in Asien vor Publikum von bis zu 50.000 Menschen sind Nine Treasures bereit, Nordamerika und Europa zu erobern. Seeking the Absolute markiert ihr Metal Blade Records Debüt und ihre erste LP mit weltweiter Veröffentlichung - der Höhepunkt ihrer künstlerischen Entwicklung und ihr bisher ehrgeizigstes Werk.Aktuelle Besetzung:• Askhan - Gitarren, Gesang, Balalaika, Tovshuur• Orgil - Bass, Backing Vocals• Saina - Balalaika, Backing Vocals, Gitarren• Namra - Schlagzeug• Nars - Morin Khuur, Backing VocalsGenre: Progressive Metal / Indie Metal (kein Folk Metal) Aktiv seit: 2010 Land: China (Innere Mongolei) Sprache: Mongolisch Sales Points/Treiber (Karriere-Highlights/Fakten/Marketing-Info):• Metal Blade Records Debüt - Erste weltweite Veröffentlichung der mongolischen Metal-Pioniere• Einzigartige kulturelle Fusion - Die einzige Band, die traditionelle mongolische Instrumente (Morin Khuur, Balalaika, Tovshuur) mit Progressive Metal kombiniert• Authentischer Kehlkopfgesang kombiniert mit modernen Metal-Vocals• Massive asiatische Fanbasis - Auftritte vor bis zu 50.000 Fans in ganz Asien• 100+ Shows pro Jahr beweisen ihre Live-Stärke und Hingabe• TOOL-beeinflusster progressiver Ansatz - Komplexe Kompositionen ohne Kompromisse bei der Zugänglichkeit• Kulturübergreifende Anziehungskraft - Musik überwindet Sprachbarrieren durch pure Emotion und Energie• Kritikerlob von großen Metal-Publikationen wie The Quietus, At The Barrier und Noizze UK• Kulturbotschafter bringen mongolisches Erbe in die globale Metal-Szene

MANU LANVIN, der wohl angesagteste Sänger und Gitarrist der französischen Blues-Szene, veröffentlicht am 24.10.2025 sein neues Album „Man On A Mission“ (GEL Productions/PIAS).
Der Franzose, der es in seiner Karriere mittlerweile auf über 900 Liveshows in ganz Europa und in den USA gebracht, bereits mit Kollegen mit Taj Mahal, Beverly Jo Scott, Johnny Gallagher, Popa Chubby, Paul Personne und Calvin Russell zusammengearbeitet hat und dessen bisherige Album-Releases allesamt den 1. Platz der französischen Blues Charts erreicht haben, präsentiert auf seinem neuen Album „Man On A Mission“ 13 Songs, die den Blues mit Einflüssen aus Rock, Soul und Pop auf moderne Weise interpretieren und die Vielseitigkeit des Musikers und Produzenten MANU LANVIN aufzeigen. Aufgenommen wurde „Man On A Mission“ in Paris, Nashville, Montreal, Fort Lauderdale und Sheffield.

Yazmin Lacey returns with Teal Dreams - her soulful, fearless second album, rich with real-life storytelling and sonic flair.

Following the breakout success of her debut album Voice Notes, praised by Billboard, Fader and Pitchfork (who likened her to Erykah Badu and Lauryn Hill), Yazmin’s star continues to rise. Last year saw her headline London’s Village Underground and KOKO, as well as perform with Ezra Collective on Strictly Come Dancing and Radio 1’s Live Lounge, the unforgettable voice behind firm festival favourite “God Gave Me Feet for Dancing.”

With Teal Dreams, she builds on her signature sound blending soul, ska, lover’s rock and indie into a vivid, emotionally sharp record shaped by real life, late-night reflections, and a last-minute trip to Thailand.

Collaborating with some of the best in class Miles James (Lotus), Barney Lister, Matt Maltese and more, Yazmin has expanded and elevated her sound on this album. Teal Dreams is a bold, honest evolution, and proof that Yazmin Lacey is only just getting started.



Classic and timeless, the Teal Dreams 12” black vinyl LP comes housed in a beautifully designed sleeve with a foldout lyric booklet. Artwork shot by Wukda brings the album’s mood to life with bold, striking design from Lauren Harewood.

Teal Dreams eco-friendly digipack CD, featuring an 8-page lyric booklet. Elegant photography by Wukda and striking design by Lauren Harewood complete this elevated package.

First time release on vinyl of the breathtaking songs Patty Waters recorded with engineer Steve Atkins in 1970 at the Coast Recordings studio, together with the unreleased single 'My One And Only Love' and a recorded live session at Lone Mountain College in 1974.

The album 'You Loved Me' is the missing link between her two groundbreaking pioneering and highly acclaimed ESP-Disk records from the end of the 60's and her post 90's releases. The missing link between the radical ingenue of the 1960s and her late 90's songs wherein she expressed the resolution of all of her life's moments through mature readings of traditional songs and jazz standards. This collection aims to provide that missing link and to finally complete the picture of her storied recording career.

In what would have been her third LP, the 'You Loved Me' album serves as the inverse of Patty's debut. While her debut "Sings" concerned itself with themes of heartbreak, loneliness and yearning, there's an abundance of love, joy and togetherness on "You Loved Me".

Or in Patty's own words:

"I was a young girl alone at age 19, I was longing for love and dreaming of how wonderful love could be"

On 'You Loved Me' Patty Waters velvet voice captures this longing for love, straight from her soul to your heart. Crossing the border of the avant garde jazz entering a strange zone, somewhere between spiritual jazz, early folk vibes on the songs on the A-sides while the 14 minute composition 'Touched By Rodin In A Paris Museum' on the B-side is (dixit David Stubbs for Uncut in 2004) a brilliant extended showcase for the uneasy Cageian minimalism of her piano playing.

'You Loved Me' proves also again why Albert Ayler introduced her to ESP-Disk president Bernard Stollman, impressed Miles Davis, Pharoah Sanders and Henry Grimes with her concerts and can count Patti Smith and Yoko Ono (to name a few) amongst her fans.

Le Motel and Bruce Wijn met at school, during a school art trip to Munich. They went separate ways for a long time.

Hailing from Brussels, Le Motel's world is a vortex of sight and sound that takes in the many and varied corners of the planet. As a music producer and film composer his versatility has taken him to festivals and clubs in every direction as naturally as he has ventured out to the less accessible areas of the globe as a field recordist. It's somewhere in between these spaces that Le Motel operates, gathering unique experiences and sounds to channel through his studio.

Bruce Wijn is a Brussels-based guitarist who played in several postrock kind projects such as Sound Film, 52 Commercial Road, or more shoegaze Lazy Sin. These collaborations gave him the opportunity to perform in various locations in Belgium, France, England, and the USA. As a musician, his focus has always been attracted by progressively built rhythmic melodies, which would eventually turn into long reverberated or distorted swells, or the otherway round.

All these experiences brought them both to the idea of scoring movies with different yet similar approaches.

That's how their first collaboration happened as Le Motel was working on the soundtrack of the movie Binti, and invited Bruce Wijn for the track Exode, in 2018. Since then, they've been working on other scoring projects, such as the feature film 'Aller Retour' more recently.

Alongside the movie scoring activities another audiovisual live project was born, in collaboration with Antoine de Schuyter and his mesmerizing images.

This one is more focusing on tape textures, field recordings and glitchy effects in order to build atmospheric tracks that they decided to bring together in a first E.P. 'MAAR'.

'MAAR' is elaborated as a soundtrack for an imaginary journey between cold seas and volcanoes explorations.

From the first echoing sounds of playing kids on the shoreside in the opening track 'La Perche' Le Motel & Bruce Wijn let you slide in a technicolor dreamworld, reverbing slowly innocent childhood memories into a chilled, out of range, future.

'MAAR' dives deep into a kaleidoscopic microcosmos watching Nautilus playing hide and seek with 'Captain Ahab' floating on sonic breaking waves, while seagulls gently spread their wings flying through the breezy and misty clouds of Blankenberge.

Lava vulcanica slowly melts in the sad euphorica of the cold North Sea, crystallizing sounds only Le Motel and Bruce Wijn can deliver.

OK EG turn inwards on Silent Green, their new release on Kia's ambient label Cirrus. Written for a live performance in Berlin, Silent Green finds balance between intimate post club dream states and low tempo rhythmic workouts. Fragmented voices harmonise with delicate synths and organic textures on open sky. Wooden machinery clicks and whirs on veil, opening into an inner expanse. Optimistic warmth and melancholy blend on spirit, knitted with resonant hi hats, scrolling wavetables and dubbed claves. Sequenced hand drums and piccolo snares create structure for rising pads and analog bass on death adder, as subtle grooves unfurl under the watchful gaze of digital crows. The artwork, created by the Amsterdam based digital artist Tharim Cornelisse, finds the cycle of life and death in the artificial environment of a greenhouse, digitally blended with patch notes from the first time the music was performed.

Feiern Sie 30 Jahre „Pieces of You“ mit dieser limitierten Pressung auf violettfarbenem Vinyl. Jewels legendäres Debütalbum enthält Hits wie „Who Will Save Your Soul“, „You Were Meant for Me“ und „Foolish
Games“, die die Ära prägen. Das Album, das rohe Emotionen mit poetischer Lyrik verbindet, bleibt eines
der meistverkauften Debüts aller Zeiten und ein prägendes Werk der Singer-Songwriter-Ära der 1990er
Jahre.
Seit Jewel vor 25 Jahren international bekannt wurde, hat sie sich mit 13 Studioalben und vier GRAMMY®-
Nominierungen zu einer charismatischen Live-Performerin und angesehenen Songwriterin entwickelt.
Unter Vertrag genommen noch bevor sie 19 Jahre alt war, verdankt sie dies ihren großen Mentoren Bob
Dylan und Neil Young, die sich die Zeit nahmen, sie als junge Künstlerin zu fördern und zu unterstützen.
„Pieces of You“ wurde 1995 veröffentlicht, aufgenommen in einem Studio auf Neil Youngs Ranch und mit
Youngs Begleitband, The Stray Gators. Das Album hielt sich zwei Jahre lang in den Billboard 200 Charts
(bis auf Platz 4) und brachte Top-10-Hits hervor, darunter die mit Platin ausgezeichnete Single „You Were
Meant for Me“, „Who Will Save Your Soul“ und „Foolish Games“. Danach veröffentlichte sie 12 weitere
Studioalben, während sie sich auch mit dem Schreiben und der Schauspielerei beschäftigte.

Der international gefeierte Schlagzeuger und Produzent Makaya McCraven meldet sich mit einem besonderen Projekt zurück: Vier neue EPs - Techno Logic, The People"s Mixtape, Hidden Out! und PopUp Shop, die gebündelt als Doppel-LP und Doppel-CD unter dem Titel Off the Record (via XL Recordings) veröffentlicht wird. Es sind McCravens erste Studioarbeiten seit In These Times (2022), mit denen er zu seiner charakteristischen Mischung aus Live-Improvisation und Studio-Nachbearbeitung zurückkehrt. Schon jetzt geben die Singles "Imafan", "Away", "Technology" und "Choo Choo" einen Vorgeschmack auf das Projekt. Die vier EPs greifen auf verschiedene Live-Momente der letzten zehn Jahre zurück: Aufnahmen aus London, Berlin und New York (Techno Logic), ein Jubiläumskonzert in Brooklyn (The People"s Mixtape), eine Residenz im Chicagoer Hideout (Hidden Out!) sowie McCravens Los-Angeles-Debüt 2015 (PopUp Shop). "In einer Zeit, in der vieles virtuell und ungreifbar ist, bleibt es etwas Besonderes, wenn Menschen in einem Raum zusammenkommen und Musik teilen", sagt McCraven. "Diese Energie möchte ich festhalten - roh, menschlich, spontan." Mit Off the Record beweist der als "kultureller Synthesizer" und "Beat Scientist" bezeichnete Musiker erneut, warum er zu den prägenden Stimmen einer neuen Generation zählt, die den Jazz ins 21. Jahrhundert führt.

This is the merging hydra of these two dubby-eletronicky-cheeky experimentators.

Jonquera (half of Pilotwings, thrisd of Jeza-Bel and many more) jazzy-poppy-variété rythms crunches Officium dreamy-hazy-bass dubs in a gaze.

These 6 tunes have been recorded live during a jam session, mixed by the duo for a tape project.

But the Tioma Tchoulanov's mastering conviced us to press a small batch of 300 copies.

Paolo Viscogliosi painted some artowrks elements and they enjoyed the layout with Maya Bellemin.

Reflecting years of listening from behind the drum kit with Animal Collective, Boredoms, Dan Deacon, and Lifted arrives Low Air, the first solo LP from Jeremy Hyman.

The record is collected from home studio sessions, taken on the road, and sequenced through reflections of the live experience. Building on previous dance-floor-tuned outputs for Max D’s Future Times label, Low Air moves into a broader compositional arena: pared-down rhythms guide a wash of understated harmony, and compositions surface from a stream of purling noise. There were no standard operations across the music, but one key to the sound is the doubling and tripling of playback speed to fit musical passages into old sampling equipment. This process opened up a new line of inquiry into fidelity and pitch that can be heard throughout the LP.

A reissue of a cassette that was originally released on Uramado in 2020, this is the first time this live session appears on vinyl. The performance, featuring Kudo on piano and 3C123 on clarinet, was recorded on October 18, 2009, at the Uramado venue in Shinjuku. A beautiful and quixotic forty-minute set, that reconnects both Kudo and 3C123 with various musical histories, including those of classical composition and free improvisation.

The performance documented on Tori Kudo & 3C123 is a curious one. While they both appear to slip into improvised ruminations at times, for the most part, Kudo performs pieces by Erik Satie on the piano, over which 3C123 teases an excoriating stream of improvisation from the clarinet. His playing here is wild in its poetry: sometimes lushly nestly alongside Satie’s melodies, elsewhere loosing Ayler-esque squalls from the instrument, it’s a bravura performance that is matched, in an indirect manner, by the poise and pacing of Kudo’s generous, fluent recital.

When asked about the thinking behind the performance documented here, Kudo explains by describing the historical juxtaposition of Satie with Takehisa Kosugi’s improvised violin as “an essence of the Japanese art of collective improvisation.” The playing here, as within Japanese collective improvisation, is about sitting ‘alongside’ each other, not necessarily in direct (or even indirect) reference, but rather sharing the space; “just being there together,” Kudo says, and letting go of the need for performers to engage in interplay.

Tori Kudo & 3C123 is certainly part of that tradition, and this is where its curious poetry resides; in that ‘third space’ that sits in between, but not directly connecting, the two performers. Kudo makes an analogy with Fluxus, which is appropriate. But you can also hear their shared history here, somehow, as Kudo and 3C123 have known each other since the eighties, when they shared a house in Kunitachi City, Tokyo. Their musical paths have been multiple – Kudo, of course, best known perhaps for his Maher Shalal Hash Baz ensemble; 3C123 as a member of Vedda Music Workshop, and with other Japanese musicians like Koichiro Watanabe.

Huayno has its roots in the Andes during the colonial era, when indigenous peoples began to blend their music with influences brought by European settlers. During this process the Spanish guitar naturally became very prevalent, incorporating the tunings, finger-style and rhythms of the traditional Andean harp along with it.

The late Alberto Juscamaita Gastelú, known as Raktako, was a renowned guitarist, composer and mentor to generations of guitarists from his home in Ayacucho, southern Peruvian Andes. His unique style also blended techniques from the Spanish lute and other instruments brought by colonisers, such as the violin and accordion. For over a century, Raktako preserved Ayacucho's musical traditions and the Andean guitar form.

In 2022, the last disciple of Raktako, Gustavo Yashimura, shared with Sound of the Andes' Hánkel Bellido a series of astonishing home recordings made by Raktako between approximately 1930 and 1940. These recordings, made with the sparsest of equipment, had never been published before and represent an invaluable cultural treasure. The guitarist, who lived for over 100 years and passed away in 2023, had been largely forgotten until recently, when the Ministry of Culture of Peru officially recognised him as Meritorious Personality of Culture. His legacy, which includes a profound influence on Peruvian music, especially the Ayacucho guitar tradition, is finally being acknowledged.

English composer Andy Cartwright aka Seabuckthorn uses picking & bowing techniques combined with various open tunings on string instruments to form a mixture of approaches, often with layered accompaniments. Generally the songs lean towards to the experimental genre, whilst on the edge of the ambient and folk.

Having grown up in Oxfordshire, Cartwright studied sound engineering in Cornwall and then lived in the cities of London, Paris & Bristol working as a broadcast wireman. He now resides in the French Southern Alps making music.

Cartwright has been actively touring internationally for several years performing in festivals and events throughout Europe. Since 2009, he has released several releases on some labels such as Lost Tribe Sound, IIKKI, Fluid Audio and recently Quiet Details. Various songs have featured in documentaries, film, websites and contemporary dance, as well as making original scores for film.

Doc Pavlonium – Quattro EP marks the artist’s fourth release on La Sabbia and the label’s tenth overall. Blending electro, house, and techno influences, the record highlights the continuous evolution of his sound. Recorded entirely live and drawn from performances during the 2024/2025 season, the tracks capture the raw energy of Doc Pavlonium’s sets, translating the stage experience into an authentic and powerful listening journey.

Mister Water Wet returns to Soda Gong with "Things Gone and Things Here Still," an album that radically expands the project’s purview while preserving the homespun warmth and oblique tactility that have long defined Iggy Romeu’s work. Where earlier records tilted toward the dusty swing of sample-based beatcraft or spectral minimalist jazz, here Romeu opens the frame to a more ensemble-minded approach, inviting a stellar cast of supporting musicians, including SG alumni Memotone and K. Freund, into the fold.

The result is an album that feels both broader and more intimate, with live instrumentation such as piano, strings, and reeds woven into MWW’s signature lattice of hand percussion, production sleights, and slippery time signatures. Acoustic and electronic textures bend toward each other like plants angling for the same light: bowed strings blur into vaporous pads, brushed drums scatter under riffing guitars, a horn phrase lingers in the same space as a cracked cassette loop.

A tension between decay and presence - the “things gone” and the “things here still” - runs throughout the record. At times, the music evokes a chamber session refracted through waterlogged tape; at others, it recalls the afterimage of a hip-hop instrumental slowed into an oneiric haze. In the world of MWW, memory functions less as nostalgia and more as a living fabric - mutable and resonant. "Things Gone and Things Here Still" finds Iggy Romeu at his most expansive, offering up a generous record of open spaces and porous boundaries.

Grizzly Bear haben sich nie aufgelöst. In den sechs Jahren seit ihren letzten Auftritten haben sich die vier Mitglieder, die vor zwei Jahrzehnten als lose Freunde und sogar völlig Fremde zur Gruppe stießen – Chris Bear, Ed Droste, Daniel Rossen, Chris Taylor – anderen Dingen zugewandt. Sie haben andere Musik gemacht, andere Karrieren verfolgt, andere Familien gegründet und andere Leben jenseits dieser Band geführt. Und nun, zum ersten Mal seit 2019, kehren diese vier Musiker und Freunde zu Grizzly Bear zurück, um die Bande, die sie zu einem der fesselndsten und beliebtesten Acts dieses Jahrhunderts gemacht haben, auf die Probe zu stellen und zu sehen, wohin diese alten Verbindungen noch führen. Da sich Grizzly Bear nie aufgelöst haben, sind ihre ersten Auftritte seit sechs Jahren keine Reunion; sie sind Ankunft und Aufbruch zugleich, ihr nächstes Ziel noch unbekannt.

Diese Art von offenem Ansatz ist es schließlich, der Grizzly Bear noch immer zu einem der prägenden Acts dieses jungen Jahrhunderts macht. Vor zwanzig Jahren wandelten sie sich rasant von einem Lo-Fi-Songwriter-Projekt zu einer vollwertigen Band mit einem sofort einzigartigen Sound, unheimlichen Harmonien, die sich um Arrangements schmiegten, die den Glanz eines Kammerorchesters mit der Härte einer Rockband verbanden. Sie trugen dazu bei, die Möglichkeiten des Indie-Rock neu zu definieren, indem sie Üppigkeit mit Lockerheit, technische Exzellenz mit emotionaler Offenheit in Einklang brachten. Ihre musikalischen Spuren sind nach wie vor allgegenwärtig, Teile ihrer unorthodoxen Sicht auf Klang und Textur sind heute fester Bestandteil des musikalischen Erbes. Diese Songs im Jahr 2025 live zu hören, wird sich also weniger wie ein Händedruck mit der Vergangenheit anfühlen, als vielmehr wie das erste Mal, ihre Fingerabdrücke in der Gegenwart zu sehen.

Begleitet werden diese Live-Shows von Neuauflagen der Alben Yellow House, Veckatimest, Shields und Painted Ruins auf farbigem Vinyl.

Romain has been a key innovator in the Hong Kong & Asian music scene for the past 18 years in various different facets, building bridges between cultures and erasing borders through music. He has since taken a step into the world of production and his music has been played by some of the biggest acts in the game such as DJ Harvey, The Black Madonna, Gerd Janson, Horse Meat Disco, Skatebärd, Lauer, Tornado Wallace, Lipelis, Orpheu The Wizard, Kamma & Masalo and many more. Here his musical production story continues with his latest collection of works coming via the esteemed Tokyo imprint, Sound Of Vast.

Leading the release is title-cut ‘Musique De Maison’, a five-minute excursion through organic percussion grooves, snaking elongated bass tones, intricately intertwined vintage-leaning synth melodies and an overall cosmic disco aesthetic that reflects Romain’s borderless, cross-cultural sound. ‘Tonal Spices’ follows and ups the energy levels with a sturdy rhythm section, squelchy acid licks, murky bass stabs, Indian vocals and cinematic strings ebbing and flowing throughout.

Monkey Timers take on ‘Musique De Maison’ next with their interpretation extracting the core essence of the original and reshaping it into a dynamically unfurling rework, fusing fragments of the original with expansive delays, heavy reverberations and modulating synth work. The ‘Psych-O-Delic (Live Mix)’ then concludes the release with off-kilter drums running in combination with, as the name would suggest, tripped-out melodies, processed spoken word and warbling synth licks — a nod to Romain’s playful, surrealist edge.

JP
東京とアムステルダムを股にかけながら、The People In FogやRed Pig Flower、GǼG (Monkey Timers & Keita Sano) 等のリリースを手掛け、オルタナティヴなディスコ/ハウス・レーベルとして存在感を放つSound Of Vast。その最新作は、Romain FXの12インチ！

フランスで生まれ香港/台湾/アメリカで育ったRomain FXはプロデューサーとしてのデビュー以降、自身が主宰するFauve Recordsや禁 JIN、Black Jukebox等で、イタロ・ディスコやプロト・ハウス、アジア産音源等を現代的に昇華したサウンドを展開。特に2024年にSound Metaphors Recordsの傘下から発表したイタロ・ディスコ金字塔"Spacer Woman"のカヴァーは、DJ HarveyやOrpheu the Wizardらのアーリープレイによってディガーたちに衝撃をもたらすと同時に、Romain FXの評価を確固たるものとした。

本作には、溌剌としたシンセの掛け合いにラテン・パーカッションが並走しドリーミーなクライマックスに向かうプロト・ハウス"Musique De Maison"、アフロ/コズミック影響下の初期プログレッシヴ・ハウスが現代のピークタイムとシンクロした"Tonal Spices"、バイレファンキやエレクトロ・ファンクの化合物がバッドトリップ直前まで交錯する"Psych-O-Delic (Live Mix)"といった3つのオリジナル曲を収録。更に今回は、ユニットGǼGとしての怪作を経てPanorama BarをはじめとしたEUツアーを敢行した日本人デュオ、Monkey Timersによる"Musique De Maison"のリミックスも搭載。Droid作品を彷彿とさせるFX処理やグルーヴ脱構築の技法により、本EPにダークな一面を持たせた。

本作に収録されたいずれの楽曲も、Romain FXが辿ってきた陽性のエネルギー溢れる遍歴と練磨されたスタジオ・スキル、現代のダンスフロアのムードが交差しオリジナリティの獲得を目指す、インパクト溢れる仕上がりとなった。近頃はライヴアクトとしても成長を遂げるRomain FXが如何にクラウドを熱狂に陥れているか、想像に難くないであろう。

Grizzly Bear haben sich nie aufgelöst. In den sechs Jahren seit ihren letzten Auftritten haben sich die vier Mitglieder, die vor zwei Jahrzehnten als lose Freunde und sogar völlig Fremde zur Gruppe stießen – Chris Bear, Ed Droste, Daniel Rossen, Chris Taylor – anderen Dingen zugewandt. Sie haben andere Musik gemacht, andere Karrieren verfolgt, andere Familien gegründet und andere Leben jenseits dieser Band geführt. Und nun, zum ersten Mal seit 2019, kehren diese vier Musiker und Freunde zu Grizzly Bear zurück, um die Bande, die sie zu einem der fesselndsten und beliebtesten Acts dieses Jahrhunderts gemacht haben, auf die Probe zu stellen und zu sehen, wohin diese alten Verbindungen noch führen. Da sich Grizzly Bear nie aufgelöst haben, sind ihre ersten Auftritte seit sechs Jahren keine Reunion; sie sind Ankunft und Aufbruch zugleich, ihr nächstes Ziel noch unbekannt.

Diese Art von offenem Ansatz ist es schließlich, der Grizzly Bear noch immer zu einem der prägenden Acts dieses jungen Jahrhunderts macht. Vor zwanzig Jahren wandelten sie sich rasant von einem Lo-Fi-Songwriter-Projekt zu einer vollwertigen Band mit einem sofort einzigartigen Sound, unheimlichen Harmonien, die sich um Arrangements schmiegten, die den Glanz eines Kammerorchesters mit der Härte einer Rockband verbanden. Sie trugen dazu bei, die Möglichkeiten des Indie-Rock neu zu definieren, indem sie Üppigkeit mit Lockerheit, technische Exzellenz mit emotionaler Offenheit in Einklang brachten. Ihre musikalischen Spuren sind nach wie vor allgegenwärtig, Teile ihrer unorthodoxen Sicht auf Klang und Textur sind heute fester Bestandteil des musikalischen Erbes. Diese Songs im Jahr 2025 live zu hören, wird sich also weniger wie ein Händedruck mit der Vergangenheit anfühlen, als vielmehr wie das erste Mal, ihre Fingerabdrücke in der Gegenwart zu sehen.

Begleitet werden diese Live-Shows von Neuauflagen der Alben Yellow House, Veckatimest, Shields und Painted Ruins auf farbigem Vinyl.

Grizzly Bear haben sich nie aufgelöst. In den sechs Jahren seit ihren letzten Auftritten haben sich die vier Mitglieder, die vor zwei Jahrzehnten als lose Freunde und sogar völlig Fremde zur Gruppe stießen – Chris Bear, Ed Droste, Daniel Rossen, Chris Taylor – anderen Dingen zugewandt. Sie haben andere Musik gemacht, andere Karrieren verfolgt, andere Familien gegründet und andere Leben jenseits dieser Band geführt. Und nun, zum ersten Mal seit 2019, kehren diese vier Musiker und Freunde zu Grizzly Bear zurück, um die Bande, die sie zu einem der fesselndsten und beliebtesten Acts dieses Jahrhunderts gemacht haben, auf die Probe zu stellen und zu sehen, wohin diese alten Verbindungen noch führen. Da sich Grizzly Bear nie aufgelöst haben, sind ihre ersten Auftritte seit sechs Jahren keine Reunion; sie sind Ankunft und Aufbruch zugleich, ihr nächstes Ziel noch unbekannt.

Diese Art von offenem Ansatz ist es schließlich, der Grizzly Bear noch immer zu einem der prägenden Acts dieses jungen Jahrhunderts macht. Vor zwanzig Jahren wandelten sie sich rasant von einem Lo-Fi-Songwriter-Projekt zu einer vollwertigen Band mit einem sofort einzigartigen Sound, unheimlichen Harmonien, die sich um Arrangements schmiegten, die den Glanz eines Kammerorchesters mit der Härte einer Rockband verbanden. Sie trugen dazu bei, die Möglichkeiten des Indie-Rock neu zu definieren, indem sie Üppigkeit mit Lockerheit, technische Exzellenz mit emotionaler Offenheit in Einklang brachten. Ihre musikalischen Spuren sind nach wie vor allgegenwärtig, Teile ihrer unorthodoxen Sicht auf Klang und Textur sind heute fester Bestandteil des musikalischen Erbes. Diese Songs im Jahr 2025 live zu hören, wird sich also weniger wie ein Händedruck mit der Vergangenheit anfühlen, als vielmehr wie das erste Mal, ihre Fingerabdrücke in der Gegenwart zu sehen.

Begleitet werden diese Live-Shows von Neuauflagen der Alben Yellow House, Veckatimest, Shields und Painted Ruins auf farbigem Vinyl.

Eine halbe Dekade nach der Veröffentlichung ihres Albums "Anak Ko" (2019) hat sich Melina Duterte, alias Jay Som, sich selbst und ihren Erinnerungen geöffnet und Songs geschrieben, die den Klang ihrer Jugend wieder aufleben lassen, und dabei ihre Erfahrung als Musikerin, Produzentin und Performerin einfließen lassen. Kein vorheriges Jay-Som-Album klingt so wie "Belong", ein packendes 11-Song-Set über Selbstdefinition und Zugehörigkeit, das zwischen kraftvollen Power-Pop-Hits und verschwommenen Balladen, zwischen elektronischen Kuriositäten und aufheiternden Hymnen schwebt.

Melina wuchs mit Alternative-Rock außerhalb von San Francisco auf und lernte als Teenager die Hits des Pop-Punk/Emo der frühen 2000er auswendig. Passenderweise ist es Jim Adkins (Jimmy Eat World), einer dieser Kindheitshelden, der bei "Float" die backing vocals übernimmt. Während Hayley Williams sanfte Harmonien auf dem schwungvollen "Past Lives" beisteuert und Lexi Vega (Mini Trees) zu "Cards On The Table" beiträgt, sind diese drei Jay Soms allererste Gastsänger*innen und repräsentieren Dutertes Bestreben, mit Menschen ihres Vertrauens Neues auszuprobieren.

Seit ihrem letzten Album hat Melina beschlossen, sich selbst und ihrem lebenslangen Interesse am Recording etwas zu gönnen. Mit dem Kauf einer alten Neve-Konsole nahm sie sich vor, mehr zu werden als nur ihre eigene Tontechnikerin zu Hause. Fünf Jahre später kann sie nun auf eine umfangreiche Liste an Produktions- und Mixing-Credits zurückblicken, darunter auf Lucy Dacus’ neuestem Album "Forever Is A Feeling", Gastauftritte an der Seite von Troye Sivan, No Rome und beabadoobee, einen Beitrag zum Soundtrack von A24s "I Saw The TV Glow" und einen Grammy für ihre Arbeit an "The Record" von boygenius, der Band, der sie später als Tourmitglied beitrat.

In 2005, Felt 2: A Tribute to Lisa Bonet brought together two of underground hip-hop’s most respected voices of the time—Murs and Slug—for a second collaboration that felt looser, livelier, and more charismatic than its predecessor. The album captures a moment of creative freedom, where both MCs were firing on all cylinders, trading verses with sharpness, humor, and effortless chemistry. Their interplay reflects a deep mutual respect and a shared drive to push boundaries while keeping things rooted in style and substance.

Working with different producers for each volume allowed Murs and Slug to bring a unique energy to each release, and Ant’s masterful production was central to the chemistry of Felt 2.


With roots in classic soul and West Coast bounce, his beats created a warm, funk-laced foundation that allowed both rappers
to experiment with new cadences and ideas. Rather than lean on moodiness or melodrama, the soundscape of Felt 2 is expansive, colorful, and rooted in rich, infectious rhythm—an aesthetic that has aged gracefully and continues to draw new listeners into its orbit. While undeniably fun, Felt 2 is also structurally tight and full of moments that reward repeat listens. The chemistry between Murs and Slug is effortless, and their shared sense of humor, timing, and respect for the craft creates a lasting impression. It’s a standout entry in the canon of early-2000s indie hip-hop, and one that’s long overdue for a proper vinyl reissue.

"Rumah Sakit 25" vereint das Debütalbum von Rumah Sakit und ihre lange vergriffene EP Travels In Constants in einem außergewöhnlichen Paket. Die Band hat sich erneut mit Bob Weston zusammengetan, um die Original-Masterbänder sorgfältig zu remastern. "Rumah Sakit 25" enthält neues Cover-Artwork von alten Freunden und Mitarbeitern, Jeremiah Maddock und Marty Anderson. Die umfangreiche 180-Gramm-Gatefold-2xLP in Audiophile-Qualität enthält vollfarbige Innenhüllen mit Hunderten von bisher unveröffentlichten Fotos, die die inspirierte Anfangszeit der Band dokumentieren, sowie ein massives 24-seitiges Kunstbuch im Format mit bisher unveröffentlichten Kunstwerken von Maddock. Es ist ein exquisites Werk, das eine Band meisterhaft einfängt, die letztendlich die nachfolgenden Künstler inspirierte und deren spätere Zusammenarbeit mit Foals, Pinback, Sweep the Leg Johnny, Sleeping People und HEY!TONAL unterstreicht, wie einzigartig vielfältig und produktiv Rumah Sakit wirklich waren. Rumah Sakit war eine vierköpfige Rockband aus San Francisco, Kalifornien. Die Gruppe begann 1998 Gestalt anzunehmen, nachdem Gitarrist John Baez, Bassist Kenseth Thibideau und Schlagzeuger Jeff Shannon alle von Redlands nach San Francisco gezogen waren. Nachdem Gitarrist Mitch Cheney schnell hinzukam, war die Band komplett und entschied sich für den Namen Rumah Sakit - eine wörtliche indonesische Übersetzung von ,Krankenzimmer" (alias Krankenhaus) - und einen Sound, der die frenetische Energie von King Crimson aus der "Red"-Ära mit einer meditativen Melodik verband, die in starkem Kontrast zu den meisten ,Math-Rock"-Bands dieser Zeit stand. Bald darauf betrat Rumah Sakit zum ersten Mal das Studio, um ihr gleichnamiges Debütalbum aufzunehmen. "Rumah Sakit" wurde 1999 im ehrwürdigen Music Annex Studio in zwei etwas geheimen Nachtsessions mit den Studio Praktikanten/guten Freunden/angehenden Toningenieuren Jay & Ian Pellicci aufgenommen. Das Album entstand nach einer ,No Tricks"-Philosophie, die den Ansatz der Band beim Spielen und Aufnehmen ihrer Musik prägen sollte. Aufgenommen vollständig live ohne Overdubs in nur wenigen Takes, nutzte die Band die Kunst, die natürliche Präsenz des Raumes und die strategische Platzierung der Geräte, um die reinste und genaueste Darstellung dieser Songs in diesen Momenten einzufangen. In einer Zeit, die schnell durch die aufkommende Popularität von ProTools und akribisch manikürten, maximalistischen Mixes verändert wurde, war die Welt von Rumah Sakit eine erfrischende Atempause. Ein Jahr später, im Herbst 2000, flog Rumah Sakit den renommierten Chicagoer Toningenieur und Shellac-Bassist Bob Weston nach San Francisco, um zwei kurze Tage lang eine neue EP im schäbigen Tiny Telephone Recording aufzunehmen. Diese EP wurde Teil der Abonnement-CD-Reihe ,Travels In Constants" von Temporary Residence (neben Veröfffentlichungen von Mogwai, Low, Explosions In The Sky, Eluvium und MONO). Abgesehen von der Originalauflage von 1.000 CDs, die für Abonnenten reserviert waren, waren die Studioaufnahmen auf Travels In Constants bis jetzt nie wieder erhältlich.

For her sophomore outing on Razor-N-Tape, Megatronic drops There’s Truth in Gospel, an extended concept EP built around the idea of a modern-day gospel congregation, reimagined through the lens of soulful, high-energy club sounds. Its six soulful house tracks explore vibrant layers of live instrumentation, from trumpets, flutes, and diverse percussion styles that breathe warmth into the sonic palette of the record. Featuring the voices of Fawziyya Heart, Aku, and Chiqo Casidi, and gorgeous artwork that perfectly captures the rich concept of the music, There’s Truth in Gospel is an ode to unity, joy, and collective celebration.

God = doG is the collective around Belpop icon Rudolf Hecke and consists of Nikkie van Lierop (Erotic Dissidents, Praga Khan), Toon Derison (Steven De Bruyn, El Fish), Klaas Tomme (Iskander Moon, Illuminae), and Yassin Joris (Jokke, Naima Joris).

Rudolf Hecke's LP “God is doG spelled backwards” was voted the best Belgian album of 1989 by De Morgen. Humo crowned him “The Nick Cave of Flanders”.

36 years and many musical adventures later, he is back with a strong, dark, and atmospheric album comparable to the works of, for example, This Mortal Coil: different styles of songs sung by different band members. The album is produced by Hecke, David Poltrock, and Ian Caple. Additional lead vocals are by Elsje Helewaut.

Rudolf has also proven to be a gifted author and speaker. On 26 October 2024, he published his ninth book, How Rough is the Stone?, in which he immerses himself in Freemasonry. The journey to that book was accompanied by the recording of new God=doG songs. Mutual influence, symbolism, questioning, insights, and reflection emerged.

Thus, in the fascinating live shows, storytelling is never far away…

In 2005, Felt 2: A Tribute to Lisa Bonet brought together two of underground hip-hop’s most respected voices of the time—Murs and Slug—for a second collaboration that felt looser, livelier, and more charismatic than its predecessor. The album captures a moment of creative freedom, where both MCs were firing on all cylinders, trading verses with sharpness, humor, and effortless chemistry. Their interplay reflects a deep mutual respect and a shared drive to push boundaries while keeping things rooted in style and substance.

Working with different producers for each volume allowed Murs and Slug to bring a unique energy to each release, and Ant’s masterful production was central to the chemistry of Felt 2.


With roots in classic soul and West Coast bounce, his beats created a warm, funk-laced foundation that allowed both rappers
to experiment with new cadences and ideas. Rather than lean on moodiness or melodrama, the soundscape of Felt 2 is expansive, colorful, and rooted in rich, infectious rhythm—an aesthetic that has aged gracefully and continues to draw new listeners into its orbit. While undeniably fun, Felt 2 is also structurally tight and full of moments that reward repeat listens. The chemistry between Murs and Slug is effortless, and their shared sense of humor, timing, and respect for the craft creates a lasting impression. It’s a standout entry in the canon of early-2000s indie hip-hop, and one that’s long overdue for a proper vinyl reissue.

Many Amerindian cultures share the belief that the future lies behind us, while the past is what we face ahead. This challenge to Western chronology is, however, rooted in common sense: the open possibilities of what is to come are, in theory, what we cannot see—the uncertain—whereas the events that have already happened unfold before our eyes and are available for us to learn from.



This second album by Chilean producer, live performer, and DJ Valesuchi could be described as an experiment with time through music. Some years after relocating to Rio de Janeiro, she released Tragicomic LP (2019) on MAMBA rec—a label founded by the boundary-pushing Brazilian party Mamba Negra—and the self-released EP Cascada (2024). In both works, we can already appreciate her musical imprint: rhythmic and emotional timbral lines—wet, filtered, mathematical,

devotional, multilingual, fantastic, and unreal. However, in Futuro Cercano (Discos Nutabe, 2025), we can hear a leap: the sedimentation of her lived experiences in electronic communities across Latin America, her search for a universal yet personal language to convey emotion and new spiritual meaning, finds in this release a consistency and spontaneity that is rarely heard these days.



In a time when all cultural expression is not only expected to be taggable, but is also increasingly produced from templates that precondition our perception—favoring categorization and connections to works or scenes of the past—the tracks on this album are generically unclassifiable. They represent an openness to experiment without prejudice with electronic instruments and rhythms that are asancestral as they are futuristic. They publicly reveal an intimacy born from the compositional process, a bond formed through the encounter—sometimes tense, sometimes harmonious—between human will and that of the machines themselves. Or, as Valesuchi put it, "cyborging my friendship with the machine and becoming a tempest." Tempest as an eruption of the unknown into the present, the result of opening oneself to a nearly meditative state to uncover the deepest feelings through improvisation on cybernetic feedback and loops. And in that improvisation, to develop “técnicas para estirar o medir el tiempo”

“techniques to stretch or measure time” as she sings in 22, the album’s first track. “Connecting knowledges” as a portal to access that future so near it lies behind us, and to anticipate it as intuition and prospection.



That’s why Futuro Cercano is more than just electronic music: it is a technological ritual, an immersion into the secrets that machines hold as artifacts of human and non-human knowledge, as mysterious objects that allow us to connect with our own otherness—the personal alien hiding beneath the skin that opens us up to uncertainty as possibility rather than catastrophe.

Clear Vinyl. Mit ihrem Debüt The Empty Space Between A Seamount And Shock Headed Julia hinterließen The Black Cat's Eye 2023 ein bemerkenswertes Echo in der Szene - ein energetisches und atmosphärisches Werk, das Psychedelic- und Postrock-Elemente auf einzigartige Weise vereinte und schnell vergriffen war. Nun, zweieinhalb Jahre später, präsentiert das Frankfurter Quintett sein neues Album Decrypting Dreams Of Weird Animals And Strange Objects. Auch diesmal lotet die Band die Grenzbereiche zwischen Psychedelic-, Kraut- und Post-Rock aus. Die Musik oszilliert zwischen hypnotischem Drive, verträumten Gitarrenflächen und dynamischen Spannungsbögen. Das Album umfasst sechs Songs, deren Spannweite von fünf- bis zehnminütigen Klangreisen reicht. Neu ist, dass diesmal zwei Bandmitglieder Kompositionen beisteuerten: Neben Gitarrist und Bandgründer Christian Blaser stammt die Hälfte des Materials von Bassist Jens Cappel. Sein kraftvoller, direkter Stil ergänzt Blasers atmosphärischen Ansatz ideal. Blaser: ,Auf dem Debütalbum stammten alle Stücke von mir. Als Gründer der Band lag mein Fokus zunächst darauf, eine musikalische Vision und Richtung vorzugeben. Jens war zu diesem Zeitpunkt noch nicht so in die kreativen Prozesse eingebunden, obwohl er ein außerordentlich talentierter und umtriebiger Musiker ist. Er veröffentlicht regelmäßig großartige neue Musik auf den Bandcamp-Seiten seiner eigenen Projekte, zum Beispiel The Black Black Paint. Als es dann an das Schreiben neuer Songs für das zweite Album ging, brachte Jens einige wirklich tolle Demos mit ein." Stilistisch verbindet das Album, wie schon der Vorgänger, klassische 70er-Einflüsse mit zeitgenössischer Rockmusik - man hört Anklänge an Can, Motorpsycho, Neu!, Indie- und Stonerrock, aber auch an David Gilmours Gitarrenästhetik. Die Musik ist instrumental, einzig im finalen Stück ,The Magic Balloon" übernimmt Jens Cappel den Gesang. Ähnlich rätselhaft wie bei der ersten Platte klingt der Albumtitel: Decrypting Dreams Of Weird Animals And Strange Objects. Blaser erklärt: ,Der Titel ist inspiriert von einem faszinierenden Aspekt der US-amerikanischen TV-Serie Westworld. Dort werden humanoiden Robotern Gefühle und Träume einprogrammiert. Doch weil diese Androiden dadurch immer menschlicher werden, geraten sie außer Kontrolle - die Programmierer suchen daraufhin den Fehler in den von ihnen geschriebenen Quellcodes, analysieren die künstlichen Gefühle, Gedanken und Träume mithilfe ihrer Computerprogramme. Übertragen auf unsere Realität ist der Titel durchaus ironisch gemeint. Unsere moderne Technik vermittelt den Eindruck, wir könnten jeden Bereich unseres Lebens vollständig steuern. Selbstoptimierung und die Kapitalisierung des eigenen Ichs werden zum obersten Prinzip. Eine trügerische Illusion, denn wir sind nur winzige Teile eines größeren, für uns unergründlichen Ganzen. Vor diesem Hintergrund stellt sich die Frage: Was kann Kunst zu unserer Wahrnehmung der Welt beitragen? Welche Bedeutung hat es, sich mit musikalischen Mitteln auszudrücken? Durch Technik, Mathematik, Physik und reine Vernunft kommen wir dem Wunder des Lebens und dem Sinn unserer Existenz nicht wirklich näher. Was uns bleibt, ist das Ritual, die Beschwörung, die Ekstase. Musik, Tanz, Malerei, Geschichten - sie offenbaren für kurze Momente den wahren Kern des Lebens, richten unser Verhältnis dazu neu aus und verbinden uns mit dem Universum." Aufgenommen hat die Band wieder im Tonstudio Bieber in Offenbach am Main. Oli Rüger, Studiobetreiber und selbst Musiker, hat langjährige Erfahrung mit dem Aufnehmen von Gitarrenbands. Innerhalb von drei Tagen spielte die Band die Basic Tracks live ein, anschließend ergänzten sie diese durch Overdubs. Rüger war auch als Co-Produzent beteiligt. Cappel: ,Oli hat das richtige Händchen für die perfekte Balance zwischen rohen, heftigen und filigranen Sounds, ohne gleichzeitig den Blick für das große Ganze zu verlieren." Das Werk wurde final von Krautrock-Legende Eroc gemastert - eine passende Wahl für eine Band, die sich nicht nur als Erben der 70er sieht, sondern diese Tradition aktiv in die Gegenwart weiterdenkt. Das monochrome Cover-Artwork unterstreicht eindrucksvoll die dunkle Atmosphäre der Musik. Es verdeutlicht den konzeptionellen Ansatz der Band, Musik nicht nur als Klang, sondern als Raum, Konzept und visionäre Erzählform zu begreifen. Das Titelbild - eine scheinbar endlose Spirale, Symbol für DNA-Strukturen und Ewigkeit - wurde vom italienischen Grafiker Daniele Stochino entworfen. Die Innenseite des Gatefolds verbindet dieses Motiv mit einer Illustration des in Berlin lebenden Grafikers und Musikers Max Emil Hurlebaus. Durch farbige Akzente eröffnet sie kontrastreich neue Perspektiven.

Chrissie Hynde & Pals kündigen neues Studioalbum an Duets Special Veröffentlichung am 17. Oktober über Parlophone Mit Beiträgen von k.d. lang, Mark Lanegan, Lucinda Williams, Dave Gahan, Cat Power, Rufus Wainwright, Carleen Anderson, Brandon Flowers, Julian Lennon, Debbie Harry, Alan Sparhawk, Shirley Manson und Dan Auerbach. Die gefeierte Musikikone Chrissie Hynde hat ein neues Album unter dem Namen „Chrissie Hynde & Pals” angekündigt, das den Titel „Duets Special” trägt und am 17. Oktober über Parlophone veröffentlicht wird. Das Album besteht aus 13 außergewöhnlichen Duetten mit einer Reihe von Weltklasse-Künstlern, darunter k.d. lang, der verstorbene Mark Lanegan, Dave Gahan, Cat Power, Brandon Flowers, Debbie Harry, Shirley Manson, Alan Sparhawk und viele mehr. Die erste Single „Always On My Mind” wurde zusammen mit Rufus Wainwright aufgenommen. „Duets Special“ ist nicht nur Chrissie Hyndes viertes Studioalbum unter ihrem eigenen Namen. Die neue Platte präsentiert eine aufregende und unerwartete Wendung inmitten eines der kreativsten Kapitel von Chrissie Hyndes Karriere. Duets Special folgt dicht auf das letzte Studioalbum von The Pretenders, Relentless, das von The Guardian als „melodisch am besten“ beschrieben wurde. Die anschließende Welttournee führte auch zu einem neuen Live-Album, Kick 'em Where It Hurts. Als Chrissie letztes Jahr beim Mark Lanegan 60 Celebration Concert im Roundhouse auftrat, meinte The Times, Chrissies Stimme „sollte mittlerweile zum UNESCO-Weltkulturerbe gehören“.

From the bellows of a galactic abyss, n-trip offers their first solo EP release on DU:RA. The label boss reveals 4 deep techno tracks cultivated from an appreciation of the stylings of Valentino Mora, Ntogn and Simone Bauer adjacent sound palettes. Attending festivals such as Organik and experiences with deep techno doofs out in the Aussie bushland has also heavily influenced this release.

Reservation and propulsive sound design shape the tracks for the most part, while aspects of field recordings are littered throughout the release of rocks, leaves and sticks from recent travels. The structural simplicity and minimalistic elements make for perfect DJ tracks to accompany swamp-like sets and throbbing sub basslines are sure to shake any doof or club system.

‘Domina’ opens the release with chiming pads and heavily delayed artefacts invoking an ethereal cosmos of which the kicks and bass gently reinforce in movement. A broken snare beat follows as gradually layers of percussion increase in intensity.

‘MML’ takes what energy has built and adds pounding toms to the rhythm. Harsh live synthesis swells in the backdrop as hi-hats and clicks pan around the white noise and minimal yet intentional synth work.

‘dddBBB’ drops the tempo as it comes in full of field recordings. Taking you on a bushwalk through a desolate dreamscape – it slowly grows and pulsates like a giant snake writhing through the cosmic jungle, stalking its prey.

‘MR13’ then takes these ideas and jacks up the tempo to finish off the release. Shakers pan about as sticks, rocks and leaves reinforce the rhythm. FM chords slowly add life to the beat and are accompanied by giant bassy pads that gradually coalesce into its humble yet driving finale.

All tracks have been produced on Gadigal Land. Always was, always will be Aboriginal Land.

Atua Blues is the meeting of two rare talents, two diverse yet highly complementary cultures, and a deeply rooted desire to blend it all into a kind of communal pot where blues (for the backbone), soul (for the interpretation), and country (for the "exotic" touch) come together to give birth to an album that is simply exceptional. Atua Blues thus brings together Grant Haua, the brilliant Maori bluesman who needs no introduction, and David Noël, the charismatic singer of the Supersoul Brothers, the Paubased band everyone is talking about. Carried by standout tracks such as "River Blues," "No Competition," "I Get The Blues," "What Have We Done," and the moving rendition of "Amazing Grace," this "Two Roots" lives up to its name beautifully, marking a summit encounter of two cultures bound by a shared passion-a sentiment perfectly encapsulated by the surprising cover of "My Sweet Lord," sung in English, Maori, and Occitan.