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„The 90’s are back!“ – 30 Jahre später ist das beliebte Jahrzehnt musikalisch wieder voll im Trend! Auf der „FETENHITS - The Real 90’s“ sind die Originale der größten Party-Hymnen der Dekade vereint.

Ob die groovigen Sounds von „No Diggity“, der absolute Ohrwurm „Wannabe“ oder die Kult-Nummer „Mambo No. 5“ - Der bunte Mix der besten Party-Songs und Klassiker der 90‘s ist voller „Good Vibrations“!

Mit dabei sind u.a. U2, Britney Spears, Salt-N-Pepa, 20 Fingers & Gillette, Freddie Mercury, La Bouche, DJ Bobo, TLC, Backstreet Boys und viele mehr.

„We Bring It All Back“ mit den größten Party-Hits der 90er! Erhältlich als 4LP, 4CD und eAlbum ab dem 29. September 2023!

Excellent banging Hardcore, autoproduction first shot ! Big bass Frenchcore tracks, full of dancefloor tricks, banging shit !

Excellent banging Hardfloor. Listen to dis and get convinced !

Happycore Tribe dancelfoor, Les Musclés remix... Party time baby !!!

All Analogue Audiophile 180g Vinyl LP!
Remastered & Cut to Lacquer by Kevin Gray from the Original 1961 Analog Master Tape!

Mastered with the Original Analogue Master Tapes by Kevin Gray at Cohearent Audio!

Impex Records is pleased to announce a new, audiophile HQ-180 LP release of Bud Shank's pivotal 1961 classic, Barefoot Adventure.

Featuring original compositions arranged by Shank for Bruce Brown's surf film of the same name, this is a swinging, hard-driving jazz session by six top-flight musicians at the height of their careers: Bud Shank (alto and baritone), Bob Cooper (tenor), Carmell Jones (trumpet), Dennis Budimir (guitar), Gary Peacock (bass), Shelly Manne (drums).

The original Pacific Jazz recording features excellent sonics and showcases Shank at his most adventurous, playing with an advanced confidence and sophistication.

Remastered and cut to lacquer by Kevin Gray from the original 1961 analogue master tape, this ultimate vinyl edition of Barefoot Adventure will satiate the most demanding audiophile and jazz enthusiast alike!

Sublime ethereal minimalism from Hiroyuki Onogawa on this retrospective compilation album for
Mana, the first dedicated release and remaster of his soundtrack compositions.

The album August in the Water: Music for Film 1995-2005 plots a decade of Onogawa’s compositions for films by the renowned filmmaker Gakuryū Ishii (formally known as Sogo Ishii). Ishii’s leftfield and trailblazing cinema has proven highly influential - Crazy Thunder Road (1980) is frequently cited as the starting pistol for the Japanese cyberpunk genre - and unfathomably difficult to source outside of Japan. This, coupled with the mysterious and artistic nature of the films, has seen him build a cult-like following. Most of his oeuvre remains undistributed outside Japan, though Third Window Films has recently taken great strides toward making some titles available internationally.

This retrospective publication, sequenced into an album by Onogawa himself, spans a fertile period of collaboration with Ishii, through soundtracks for three remarkable films: August in the Water (1995), Labyrinth of Dreams (1997), and Mirrored Mind (2005). Each feels texturally and sensually linked with the spiritual, ambient, dreamlike quality that lingers in Onogawa’s music.

The sound Onogawa conjures for these films is elegant and patient, often minimal or essential in form, but saturated in a poetic emotion and atmosphere that feels strange and otherworldly, touched by the metaphysical in subtle ways. Boundaries are crossed between New Age and science fiction, locating a blissfulness, melancholy and paranoia within the same spectrum, and moving toward an enchanting sense of mood and colour.

It’s notable that the compositions on this album straddle the millennium, and the mix of divine and uncertain themes in the music carry that currency. New listeners might hear links to Mark Snow’s compositional work for the X-Files and Millennium, or other celebrated future-facing and future-fearing Japanese anime or cyberpunk.

Onogawa’s music adds great depth and tenor to the sensory experience of the films themselves, but it stands just as strongly as a listening experience on its own terms, a virtuosic example of ambient that changes in hue when turned in the light. Remarkably, and in similar circumstances to Ishii, Onogawa’s work has never been widely available outside of (always highly enthusiastic) underground fan posts, usually sourced from extremely limited and private CDs limited to Japan. This retrospective seeks to remedy that, and hopes to achieve recognition for Onogawa as one of the great composers of the last three decades.

Onogawa continues to work in film, both in the creation of soundtracks, and now as a producer and director. He composed the music for Koji Fukada’s Harmonium (2016), which won the Jury Prize in the Un Certain Regard section at the Cannes Film Festival, as well as for Fukada’s A Girl Missing (2019). As a director, he received the Grand Prize for Best Short Film in the Noves Visions category at the Sitges Festival in 2022 for Flashback Before Death (Guu), co-directed with Rii Ishihara.'

“Bumpers” is the latest EP on T4T LUV NRG by DJ Autopay, the alias of musician and DJ Russell E.L. Butler. All of these tunes were written with DJs and blending in mind—like bumper cars, they are fun yet emotionally charged and built for unexpected collisions of sound. “More Femme, More Masc” is a queer non-binary anthem with heavy Baltimore-influenced vibes, written by Russell during the pandemic in a time of peak vulnerability, their voice cracking throughout. The track is an interpretation of “Fast Car” by Tracy Chapman and “Sometimes I Rhyme Slow” by Nice & Smooth but sounds like nothing we have heard before. Tropes 1, 2 & 3 are all house instrumentals in the spirit of the golden age of American house music yet interpreted through Russell’s unique lens. These cuts would have been as at home on Guidance records years ago as they are today on T4T LUV NRG, evoking the swinging dance beats and heady vibes of producers like Callisto and the early Large records by Kerri Chandler and DJ Rasoul. Russell has created something truly special for the contemporary dance floor with this timeless EP.

Wewantsounds is delighted to release 'Sharayet el Disco' a selection of
Egyptian '80s disco and boogie tracks curated by Egyptian DJ Disco
Arabesquo from his vast collection of cassettes and officially released on
vinyl for the first time
Remastered for vinyl and including colour insert with liner notes by Moataz Rageb
(Disco Arabesquo). Most tracks have never been released on any other format
and are making their vinyl debut with this set. A journey through the funky sound
of 80s Egypt, Sharayet El Disco (which can be translated by "Disco Cassettes")
features Simone, Ammar El Sherei and more obscure names from Cairo's
cassette culture.
The audio has been remastered for vinyl by David Hachour/Colorsound Studio in
Paris and the LP features artwork by young Egyptian graphic designer Heba Tarek
and a 2-page insert featuring artwork of the original cassettes plus insightful liner
notes by Moataz Rageb.
The set is a unique insight into the diversity of the Egyptian Disco sound, from the
pulsating Disco of "Hezeny" by Hany Shenouda's Al Massrieen band to the boogie
of Simone's "Merci," via Firkit El Asdekaa's tongue-in-cheek "Eklib el Sheriet" ("turn
the cassette to the other side"), produced by legendary Egyptian musician Ammar
El Sherei.

Some info on the background for the upcoming album, "Police Deranged For Orchestra"."Copeland explains that the “derangement” of The Police’s music “began as the score for a movie I made out of Super8 footage of the band that I had shot during our rise to glory. Film puts capricious demands on music, so I had to carve up the songs to serve the scenes in the movie, and once the scalpel was out, a whole new frenzy of inspiration from Police music began.” He shares that “delving into the multi-tracks of our original recordings and live performances revealed lost guitar solos, bass lines, and vocal improvisations that were just too cool to leave in obscurity... this discovery is what brings us to this performance: Sting’s songs, Andy’s inventions, and my impunity; all on the page for a wild ride with orchestra and unique musicians from around the world to adapt some of the most loved The Police hits for old and new audiences alike.

Changing Channels ist das neue, zweiteilige Album des britischen DJ/Produzenten Pangaea (aka Kevin McAuley), sein erstes seit der gefeierten Debüt-LP In Drum Play (2016). Die Tracks sind galoppierend, ansteckend und hypnotisch und fangen Pangaeas Fähigkeit ein, Banger mit einer experimentellen Neigung zu konstruieren, ohne auf Wirkung zu verzichten. Ihr Fokus auf den Dancefloor ist dringend, nachdrücklich und von einer unbestreitbaren Präzision. Die beeindruckenden, unaufhaltsamen Grooves glänzen wie Marmor auf Beton: glatt und doch rau, attraktiv und doch aggressiv. Wie ein Zwielicht mitten in der Nacht, mit mysteriösen Elementen, die sich nicht als Bedrohung anfühlen, versprüht die Musik eine Wärme, die die Dunkelheit durchdringt.

Rainbow Generator are Australia’s first true experimental electronic music group. Consisting of David Labuschagne AKA Mojo, and Rob Greaves AKA Ras. Starting in the mid-70’s, the pair took it upon themselves to begin exploring the possibilities of the sonic dimension and with an ‘open mind’ began investigating the interface between psyche and sound.

In 1976 David established the ‘Lectric Loo’ studio in Woolloomooloo, Sydney. Known to the ‘heads’ as simply the “Loo”, the 3-story building was owned by the Department of Main Roads, and slated for demolition. So, it was that the entire block became a haven for squatters, and while Mojo had the main 3-story building to himself, the rest of the buildings were taken by a hotch-potch of people that included Anarchists, a Clown School and a collection of other random squatters.

Recording in the ‘Lectric Loo’ provided them the ability to record freely. In 1975 they began to experiment, putting Mojo’s Fender Strat through effects pedals, playing with sounds while manipulating shortwave radio stations and also challenging convention by playing the insides of instruments. By 1976 they had built a kit synthesizer and shortly after purchased a full Roland 100 Synthesiser set-up and were on their way.

In 1978, with little resources, or any form of distribution they released their sole LP ‘Dance of the Spheres’. As Mojo puts it, “we were intent on making music with whatever we could beg, borrow, buy, and liberate. Albeit with scant regard for the rules or conventions or niceties of the game. Ultimately, it was all an act of love, of joy. Not just an adventure; it was a musical odyssey”.

This odyssey continued their exploration of the interface between psyche and sound.
Fusing genres and boundaries, Dance of the Spheres incorporates elements of 70’s psych and folk with spoken-word and of course the emerging sounds of the synthesizer and drum machines. Furthermore, the addition of traditional instruments such as the didgeridoo and the classical Indian instrumentation technique of a Raga add a timeless layer, all seamlessly complementing the other elements and launching the album to another dimension.

Didattica is the first album from Zetas, a female rap duo coming straight out of the city of Salerno, on the south west coast ofItaly. Entirely produced by beatmaker, rapper and DJ/producer Tonico 70, a true veteran of Southern Italian hip-hop,the full-lengthdebut isreleased on DJ's Choice, a partner label of Four Flies Records.

Born between the 90s and 2000s, rappers Annarella and Miriade were exposed to the world of underground hip-hop from an early age, jamming and freestyling. Rather than going for the sounds of trap and auto-tune that are so popular in their age group, however, they immediately embraced the spirit of old school rap, withitsboom bap vibes. As suggested by the album's title itself (which translates as 'teaching' or 'learning') they view of rap as a school – that is, as an art form where constant training is key if you want to stay true to your values and identity.

With the help of producer Tonico 70, Zetas have created a record that is fresh and contemporary, while paying tribute to the past.They rap about everyday urban life in the exuberant dialect and slang of their native city, delivering raw rhymes with a tightand very expressiveflow, while Tonico70 uses a classic sampling approach but also incorporates real instruments into his beats–Antonio D'Apolito's guitar, Peppe Maiellano's keyboards, Giuseppe Desiderio's bass and Giuseppe Limpido's drums.

The result is an excitingcombination of funk, soul, dub, R'N'B, reggae, and even electronic influences,one where deep bass and syncopated rhythms blend wonderfully with the melody, urgency and authenticity of dialect rhymes.

Introducing the eagerly awaited second instalment of Fabio's meticulously curated collection of liquid Drum & Bass classics - 'Generation Liquid.'

Fabio, a true legend in the music industry for over three decades, kickstarted his illustrious career as a Pirate Radio DJ in the mid-80s. Throughout the years, he masterfully evolved his style across various musical genres, ranging from Dub and Hip Hop to House, until he ultimately solidified his position as one of the pioneering forces behind Jungle and Drum and Bass. Fate played a remarkable role in Fabio's extraordinary musical journey. Serendipitously, he landed a pivotal spot on the pirate radio station Phase One, all thanks to a connection through a close friend. This opportunity allowed Fabio to showcase his raw talent and hone his early skills. As destiny continued to guide him, Fabio formed a powerful partnership with Grooverider, and together, they soared to fame, headlining numerous major outdoor raves and orbital M25 parties during the late '80s acid house boom. The duo's magnetic presence and innovative sound captivated audiences, setting them apart as trailblazers in the electronic music scene.

As club culture blossomed, Fabio and Grooverider became the distinguished residents at the iconic club night RAGE, hosted at Heaven in the heart of London. Their influence was immense, as they were credited with moulding the early Jungle sound and orchestrating the world's first-ever weekly Jungle night. Fabio's unwavering passion and dedication to music have not only left an indelible mark on the industry but have also inspired countless aspiring artists. His boundless creativity and willingness to push the boundaries continue to shape the ever-evolving landscape of electronic music, solidifying his status as a true pioneer and a living legend.

After the Jungle scene declined and underwent a distinct shift in sound and style, Fabio took the initiative to establish London's first dedicated soulful deep Drum and Bass night, known as Speed. Week after week, Fabio shared the decks with LTJ Bukem, and their skilful sets eventually garnered immense popularity, drawing in not only junglists but also celebrities, club kids, record label A&R representatives, and the who's who of the West End at that time. When the curtain fell on Speed Fabio's legacy continued to flourish with the inception of his legendary Swerve weekly residency at The Velvet Rooms, which later relocated to the iconic club, The End. The influence of Swerve was profound, serving as a catalyst for the creation of influential labels like Hospital Records, Tony Coleman (also known as London Elektricity) became a regular attendee, further contributing to the scene's growth and innovation.

The term 'Liquid', was born out of Fabio's deep admiration and support for his protégé, the talented Northern Irish producer and DJ, Dominick Martin, famously known as Calibre. This inspiration led to the creation of his acclaimed 14-year radio show on BBC Radio 1, 'The Liquid Funk Show', which drew from Calibre's masterful productions that Fabio likened to "liquid gold" for the ears. Through this show, Fabio played a crucial role in breaking numerous iconic records, and artists such as Chase & Status, High Contrast, and many many more.

Now, 'Generation Liquid' takes the baton from the legacy of Speed, Swerve, and 'The Liquid Funk show', capturing the essence of the era and the soulful, deeper music that Fabio has championed throughout his illustrious career. This meticulously curated collection celebrates records that embody the spirit of soulful D&B, making it a must-have for anyone who has followed Fabio's musical journey since the vibrant days of the 1990s up until now.

The second volume of this immersive exploration into the soulful realm of Drum & Bass is just as indispensable as its predecessor. It boasts a curated collection of rarities, timeless classics, and straight-up anthems from the vibrant liquid D&B scene. Esteemed artists such as DJ Marky, Calibre, Calyx & TeeBee, and dBridge all contribute to what is undeniably becoming a seminal anthology of the subgenre. The track selection and seamless programming are expertly guided by none other than Fabio himself, providing listeners with a nostalgic glimpse into the electrifying atmosphere of being right on the dance-floor at iconic events Speed and Swerve.

'Capital Punishment is the debut studio album by Puerto Rican rapper Big Pun, released by RCA Records, Loud Records and Fat Joe's Terror Squad Productions. Released on April 28, 1998, it is the only album released during his lifetime and was regarded as "super groundbreaking" upon release. The album peaked at number five on the Billboard 200 charts and number one on the Top R&B Albums chart for two weeks. It was nominated for Best Rap Album at the 1999 Grammy Awards. Ltd double Black LP Vinyl

Zum 25-jährigen Jubiläum von Big Puns legendärem Debütalbum "Capital Punishment" erscheint diese 2xLP-Edition auf schwarzem Vinyl. Das ursprünglich 1998 veröffentlichte Album etablierte Big Pun als einen der begabtesten Songschreiber in der Geschichte des Hip-Hop und zeigt seinen unglaublichen Flow und seinen brillanten Wortwitz. Durch die Zusammenarbeit mit Hip-Hop Schwergewichten wie Fat Joe, Inspectah Deck und Busta Rhymes enthält "Capital Punishment" einige der kultigsten Hip-Hop Tracks, darunter "I'm Not A Player", "Twinz (Deep Cover 98)" und "You Came Up".

Leonard Grandsons 'The Sands Of Zanzibar' ist ein klassischer, sehr seltener Floater, der schwer fassbar geblieben ist, obwohl sein Sound ihn zu einer äußerst beliebten Variante für Soulies, Disco- & Rare-Groove-Fans machen kann. Der Verleger Steve Trebbin geht davon aus, dass der Tune 1977 in einem Studio in Hollywood nahe des Capitol Records-Gebäudes aufgenommen wurde.

Keita Sano is a prolific Japanese producer who has released on revered labels such as Mister Saturday Night, Lets Play House, Morris Audio and 1080P. His fusion of dark, distorted, acidic textures and crunchy disco beats gives his produc tions a unique sound which works perfectly for Delusions Of Grandeur and the label is proud to welcome him for his debut DOG EP entitled Love Is Emotion.

The title track comes on like a proverbial runaway train with heavy, pounding beats and bassline forging things ahead while the most twisted, tripped out FX rise and fall creating an absolute juggernaut of a track which takes no prisoners. A decept ively simple DJ tool which is loaded with drama for maximum impact on the more left of centre dance floors.

Up next we have Violet which takes a low-slung deep house approach but with the grit and dirt that Keita always brings to the party. The first half of the track teases with tension-building chords and syncopated bassline which bounces around a massive four on the floor kick drum. Things fall away in the middle of the track to reveal a beautiful, heartwarming piano part, setting the scene before things get truly epic with orchestral strings bringing a touch of the film noir to proceedings.

I’m A Man picks up the pace again for an intense acid work out which pushes the sonic boundaries to the limits with seriously warped FX creating mayhem around a simple, percussive disco groove. As secret weapon DJ tools go, this is right up there.

Closing out this mind-bending release Keita remains in experimental mode on Love Is Emotion offsetting melodic arpeggios and sweet chords with off-kilter sonic madness ensuring things remain dark, dirty and deep.

Der in Yorkshire geborene und in London lebende Sänger, Songwriter und Produzent Ethan P. Flynn kündigt Details zu seinem Debütalbum "Abandon All Hope" an. Das Album, das am 6. Oktober bei Young erscheint, vereint die Erfahrung von 24 Jahren in acht eklektischen Tracks. Mit der aufstrebenden Sängerin Ava Gore als Backgroundsängerin ist "Abandon All Hope" ein kühnes Statement, das Ethan P. Flynn zu einem eigenständigen Künstler macht. "Abandon All Hope" ist der Höhepunkt einer äußerst fruchtbaren Periode persönlicher Kreativität, in der der junge Künstler mit einer Reihe bekannter Namen wie David Byrne, FKA Twigs, Jockstrap und Vegyn zusammengearbeitet hat. 44 Minuten lang, 22 Minuten auf jeder Seite (was absichtlich der traditionellen Länge einer 12"-LP entspricht), aufgenommen in den Narcissus Studios in 12 Tagen, wird das Album durch ein verbindendes Thema zusammengehalten: ein Album im altmodischen Sinne. Es erinnert an 70er-Jahre-Größen wie Randy Newman und Harry Nilsson, während es sich mit der Sehnsucht und dem Verlust der Macht über die Hoffnung in Bezug auf Beziehungen, Liebe, Angstbewältigung und dem Erwachsenwerden im 21 Jahrhundert beschäftigt. Der gleichnamige Titelsong ist die erste Single, die heute zusammen mit einem von Ethan P. Flynn selbst gedrehten Musikvideo veröffentlicht wird, das vom CHILD Studio (Pa Salieu, Anaiis, The xx) produziert wurde. Das Video zeigt Ethan P. Flynn und Ava Gore auf einer Reise durch die Yorkshire Dales, während sie sich von den Fesseln der Hoffnung befreien. Über die Single sagt Ethan P. Flynn: "Am Anfang stand die Geschichte eines Wegelagerers in Amerika, der Leute ausraubt. Er stirbt, und im Fegefeuer ist er gezwungen, den Raubüberfall auf seine eigene Familie zu wiederholen, auf der Straße, für alle Zeit, bis er bereut und in die Hölle kommt. Das Lied wird verdunkelt und mit dem Thema der Hoffnungslosigkeit verlassen. Wir leben in einer hoffnungslosen Zeit: Krieg in Europa, Covid davor, und ich wollte, dass es als Antwort darauf schwer klingt. Vielleicht ist es zu rockig, aber ich wollte auf diesem Album zur Gitarre zurückkehren. Die Gitarre ist der Fokus." Und das ist nur die erste Geschichte, die man von Ethan P. Flynns bereicherndem und ehrgeizigem Debütalbum erfahren wird.

Der in Yorkshire geborene und in London lebende Sänger, Songwriter und Produzent Ethan P. Flynn kündigt Details zu seinem Debütalbum "Abandon All Hope" an. Das Album, das am 6. Oktober bei Young erscheint, vereint die Erfahrung von 24 Jahren in acht eklektischen Tracks. Mit der aufstrebenden Sängerin Ava Gore als Backgroundsängerin ist "Abandon All Hope" ein kühnes Statement, das Ethan P. Flynn zu einem eigenständigen Künstler macht. "Abandon All Hope" ist der Höhepunkt einer äußerst fruchtbaren Periode persönlicher Kreativität, in der der junge Künstler mit einer Reihe bekannter Namen wie David Byrne, FKA Twigs, Jockstrap und Vegyn zusammengearbeitet hat. 44 Minuten lang, 22 Minuten auf jeder Seite (was absichtlich der traditionellen Länge einer 12"-LP entspricht), aufgenommen in den Narcissus Studios in 12 Tagen, wird das Album durch ein verbindendes Thema zusammengehalten: ein Album im altmodischen Sinne. Es erinnert an 70er-Jahre-Größen wie Randy Newman und Harry Nilsson, während es sich mit der Sehnsucht und dem Verlust der Macht über die Hoffnung in Bezug auf Beziehungen, Liebe, Angstbewältigung und dem Erwachsenwerden im 21 Jahrhundert beschäftigt. Der gleichnamige Titelsong ist die erste Single, die heute zusammen mit einem von Ethan P. Flynn selbst gedrehten Musikvideo veröffentlicht wird, das vom CHILD Studio (Pa Salieu, Anaiis, The xx) produziert wurde. Das Video zeigt Ethan P. Flynn und Ava Gore auf einer Reise durch die Yorkshire Dales, während sie sich von den Fesseln der Hoffnung befreien. Über die Single sagt Ethan P. Flynn: "Am Anfang stand die Geschichte eines Wegelagerers in Amerika, der Leute ausraubt. Er stirbt, und im Fegefeuer ist er gezwungen, den Raubüberfall auf seine eigene Familie zu wiederholen, auf der Straße, für alle Zeit, bis er bereut und in die Hölle kommt. Das Lied wird verdunkelt und mit dem Thema der Hoffnungslosigkeit verlassen. Wir leben in einer hoffnungslosen Zeit: Krieg in Europa, Covid davor, und ich wollte, dass es als Antwort darauf schwer klingt. Vielleicht ist es zu rockig, aber ich wollte auf diesem Album zur Gitarre zurückkehren. Die Gitarre ist der Fokus." Und das ist nur die erste Geschichte, die man von Ethan P. Flynns bereicherndem und ehrgeizigem Debütalbum erfahren wird.

Der in Yorkshire geborene und in London lebende Sänger, Songwriter und Produzent Ethan P. Flynn kündigt Details zu seinem Debütalbum "Abandon All Hope" an. Das Album, das am 6. Oktober bei Young erscheint, vereint die Erfahrung von 24 Jahren in acht eklektischen Tracks. Mit der aufstrebenden Sängerin Ava Gore als Backgroundsängerin ist "Abandon All Hope" ein kühnes Statement, das Ethan P. Flynn zu einem eigenständigen Künstler macht. "Abandon All Hope" ist der Höhepunkt einer äußerst fruchtbaren Periode persönlicher Kreativität, in der der junge Künstler mit einer Reihe bekannter Namen wie David Byrne, FKA Twigs, Jockstrap und Vegyn zusammengearbeitet hat. 44 Minuten lang, 22 Minuten auf jeder Seite (was absichtlich der traditionellen Länge einer 12"-LP entspricht), aufgenommen in den Narcissus Studios in 12 Tagen, wird das Album durch ein verbindendes Thema zusammengehalten: ein Album im altmodischen Sinne. Es erinnert an 70er-Jahre-Größen wie Randy Newman und Harry Nilsson, während es sich mit der Sehnsucht und dem Verlust der Macht über die Hoffnung in Bezug auf Beziehungen, Liebe, Angstbewältigung und dem Erwachsenwerden im 21 Jahrhundert beschäftigt. Der gleichnamige Titelsong ist die erste Single, die heute zusammen mit einem von Ethan P. Flynn selbst gedrehten Musikvideo veröffentlicht wird, das vom CHILD Studio (Pa Salieu, Anaiis, The xx) produziert wurde. Das Video zeigt Ethan P. Flynn und Ava Gore auf einer Reise durch die Yorkshire Dales, während sie sich von den Fesseln der Hoffnung befreien. Über die Single sagt Ethan P. Flynn: "Am Anfang stand die Geschichte eines Wegelagerers in Amerika, der Leute ausraubt. Er stirbt, und im Fegefeuer ist er gezwungen, den Raubüberfall auf seine eigene Familie zu wiederholen, auf der Straße, für alle Zeit, bis er bereut und in die Hölle kommt. Das Lied wird verdunkelt und mit dem Thema der Hoffnungslosigkeit verlassen. Wir leben in einer hoffnungslosen Zeit: Krieg in Europa, Covid davor, und ich wollte, dass es als Antwort darauf schwer klingt. Vielleicht ist es zu rockig, aber ich wollte auf diesem Album zur Gitarre zurückkehren. Die Gitarre ist der Fokus." Und das ist nur die erste Geschichte, die man von Ethan P. Flynns bereicherndem und ehrgeizigem Debütalbum erfahren wird.

10th Anniversary Edition auf Limited SPLIT-COLOURED Vinyl!

"Run the Jewels - die herausragende Kollaboration der Hip-Hop-Veteranen El-P und Killer Mike - haben sich seit der Veröffentlichung ihres Debüts Run The Jewels im Jahr 2013 von einem launenhaften Underground-Rap-Projekt zu einer weltweiten Sensation entwickelt. Sie mischen den industriellen Dreck von New York City mit dem pulsierenden Bounce des dreckigen Südens und schmieden die Zukunft des Hip-Hop, während sie an den Grundpfeilern seiner Basis festhalten: gymnastische Darbietungen von Fähigkeiten, aufrührerische politische Rhetorik, gnadenlose Angeberei, kampferprobtes Arschlochgehabe, Punchlines mit Altersfreigabe und ein Hin und Her, das das Zusammenspiel der Adidas-Ära schreiend in unseren heutigen Albtraum bringt. Ihr selbstbetiteltes Debütalbum aus dem Jahr 2013 wurde ursprünglich über eine Reihe von kostenlosen Downloads auf der Website veröffentlicht und zerreißt das Regelwerk der Musikindustrie. Mit Big Boi von Outkast auf "Banana Clipper" und Prince Paul auf "Twin Hype Back" ist es ein "rauer und tollwütiger Ritt"; eine "auftrumpfende Siegesrunde für zwei Künstler auf dem Höhepunkt ihrer Kreativität"; und wurde als "eine der besten
Hip-Hop-Platten des Jahres 2013" betitelt

Was als Lockdown Homerecording Projekt von Lars Schmidt Subterfuge begann, ist mittlerweile zu einer passablen Band aus alten Bekannten herangewachsen durch Christoph Schneider Klee, Clayton Farlow, Soccer, Philipp Breuer [Pale] und Mark Specht [ehem. Subterfuge]). Mit Don'ts and Dos liegt nun das Debut-Album vor, welches am 25. August digital sowie als CD und Anfang Oktober auf Vinyl über Subjangle und Less Records erscheint und über Cargo vertrieben wird. Nach der hochgelobten Simple EP im letzten Jahr (drei dieser Tracks sind als neue Versionen auf diesem Album zu finden) ist The Radio Field zurück, um uns mit ihrem Debüt "Don'ts and Dos" eine Art musikalische Archäologie des Jangle-& Twee-Pop der 80er und 90er Jahre zu liefern, mit herrlich knackigen, klaren, hochmelidiösen Riffs plus des den einehmenden Vibes des College-Rocks, welcher nie weit entfernt anklingt. "Die Songs von The Radio Field bohren sich wie ein kleiner fieser Alien-Wurm durch meinen Gehörgang direkt in das Wohlfühlzentrum meines Gehirns - und bleiben dort für immer! Schon das Debüt 'Simple EP', die Lars (man kennt ihn von der institutionellen Düsseldorfer Band Subterfuge) noch ganz alleine eingespielt hat, war grandios, jetzt kommt endlich das erste Album. Die zehn im Domblick Studio von Bassist Christoph in Köln eingespielten und mit einigen prominenten Gästen (Robert Stadtlober, Stefanie Schrank, Phantom Handshakes, Bukahara) veredelten Stücke sind durch die Bank weg Hits! Und Ohrwürmer! Und Meilensteine! Oder wie nennt Ihr denn Songs, die ihr sofort mitsingen und niemals vergessen könnt?" MARK KOWARSCH (ANTIKÖRPER AUF BYTE FM, SHARON STONED)

Carole Kings klassisches Weihnachtsalbum "A Holiday Carole" erschien 2011. Die 12 Songs des von ihrer Tochter Louise Goffin produzierten Albums vereinen kunstvoll das Spirituelle und das Weltliche mit einer bunten Mischung aus Christmas-Klassikern und neu geschriebenen Songs. Goffin hat drei Titel des Albums mitgeschrieben, darunter "Christmas in Paradise", bei dem sie mit den Grammy-Preisträgern George Noriega und Jodi Marr zusammengearbeitet hat, die erhabene Goffin/Marr-Komposition "Christmas In The Air" und das tief bewegende "New Year's Day", das sie gemeinsam mit dem renommierten Songschreiber Guy Chambers geschrieben hat. "Als erfahrene Produzentin", erinnert sich King, "war Louises erste Frage an mich als Künstlerin: 'Welche Songs magst du?'" Nachdem sie eine Liste ihrer Favoriten zusammengestellt hatte, machte sich Goffin auf die Suche nach ungewöhnlicheren Stücken und stieß dabei auf Stücke wie den Stax-Klassiker Every Day Will Be Like A Holiday" von William Bell & Booker T. Jones. King drückt der Musik ihren eigenen, unverwechselbaren Stempel auf und verleiht ihr ein weihnachtliches Flair. Für King ist der emotionale Höhepunkt des Albums zweifellos "Chanukah Prayer". "Louise hatte die brillante Idee, das Chanukka-Gebet zu nehmen, das ich von meinen Eltern gelernt habe und sie von ihren Eltern, und zwar über Generationen hinweg", erklärt sie. "Sie sagte: 'Ich möchte dich aufnehmen, wie du das singst, und ich werde einen Song darum herum komponieren.'" Das Ergebnis ist ein warmes, von Jazz geprägtes Stück, das drei Generationen gesanglich vereint: King, ihre Tochter und ihren Enkelsohn.

2012, 12 Jahre nach Gründung wagte sich das Freisinger Quintett RPWL an ihr erstes Konzeptalbum. 'Beyond Man And Time' war eine musikalische Reise durch die Welt außerhalb von Platons Höhle - und der erste Chart-Entry von Deutschlands bester Artrock-Band. Die Band schaffte Themen für die einzelnen Charaktere des Konzept-Albums. Orientalische Percussions, ausgedehnte Moog-Soli oder indische Sitar sorgen wohlplatziert für eine atmosphärische und farbenfrohe Umsetzung. So ist es nur natürlich, dass diese musikalische Reise in einem 16-Minuten-Werk wie 'The Fisherman' gipfelt, um schließlich mit einem äußerst nachdenklichen, ruhigen 'The Noon' zu enden'. Der Song 'Somewhere In Between', auf der CD noch mit 2.04 Min kurz gehalten, ist nun erstmalig in seiner Originallänge von 9.22 Min enthalten. Die Doppel-LP kommt somit auf eine Gesamtspielzeit von über 81 Min.
Erstmalig erscheint das Album nun auf Vinyl, in wertiger Ausstattung als 180Gr. Doppel-LP im Gatefold Sleeve mit wattierten, schwarzen Innenhüllen sowie 4-seitiger Textbeilage!

Nach dem Ausstieg von Sänger Matti bei den "GUMBLES" beschlossen die übrigen Mitglieder das Erbe der seit über 20 Jahren erfolgreichen Band fortzuführen. Mit der Umbenennung in "Barney Army" (einen der kultigsten Gumbles-Lieder) und neuem Sänger (Paul von "Rotz & Wasser") meldete sich die Band 2020 mit der schnell ausverkauften Mini-LP "Ein kleines bißchen Oi-Punk" zurück. Drei Jahre später nun endlich ihr brandneues Album "BA positiv", denn den "Barney Army"-Virus wird man nicht so einfach los: Ein Dutzend neuer frenetischer Oi/Punk/ Hymnen leicht angereichert mit etwas Metal, perfekt eingebauten Leadgitarren und dem prägnanten neuem Gesang, der wie die Faust aufs Auge passt.Pogo-taugliche Gassenhauer treffen auf melodische Singalong-Hymnen von smart bis hart, die sich sofort in den Gehörgängen festsetzen. Manchmal mit dem Finger in die Wunde der Gesellschaft, manchmal unter der Gürtellinie mit dem typisch Norddeutschen Humor und jeder Menge Spaß. Der "Neuanfang" hat der Band spürbar gut getan und den beliebten Gumbles-Sound nicht nur spielerisch auf ein neues Level gesteigert. Lieder wie "Stiefelemotionen", "Heimathafen" oder den komplett neu arrangierten "Kneipenüberfall" belegen das eindrucksvoll und dürften bald in jeder Punkrock-Playlist ein fester Bestandteil sein! Barney Army machen einfach Spaß, sind aber beileibe keine Spaß-Kapelle.

Melanie De Biasio veröffentlicht ihr viertes Album 'Il Viaggio' (italienisch für 'Die Reise') und begibt sich auf die titelgebende Reise zu ihren familiären Wurzeln in Italien. Zum einen aufgenommen in ihrer belgischen Heimat und zum anderen in Italien, beschreibt 'Il Viaggio' die Suche nach musikalischer Erneuerung. Melanie De Biasios sanfte Stimme, wunderschöne Melodien und atmosphärische Klangteppiche laden dazu ein, sich voller Gelassenheit mit ihr auf diese sinnliche Reise zu begeben.

Hayfitz' erzählt auf seinem zweiten Album 'Everything Else' einfühlsam von seinem Coming Out
Hayfitz nimmt uns mit auf die Reise seiner queeren Selbsterfahrung. Die Entstehung des Albums selbst spielt darin eine entscheidende Rolle, war es doch die unerwiderte Liebe zu seinem Mitproduzenten Sam Cope, die den ganzen Prozess erst in Gang gesetzt hat. 'Everything Else' sind 11 Tracks voller intimer Geschichten über queere Identität, die beizeiten an Sufjan Stevens, Adrianne Lenker oder Nick Drake erinnern.

Claudia Koreck liefert den Soundtrack des Jahres:
Wie verändern sich Stimmungen, Umgebung, Landschaft und die ganz eigene Wahrnehmung im Wandel der Monate?
Claudia Koreck hat sich bei ihrem neusten musikalischen Projekt auf genau diese Suche begeben.

Herausgekommen ist eine Art musikalischer 'Kalender' mit 12 abwechslungsreichen Songs bei denen Claudia Koreck ihre gesamte musikalische Bandbreite entfaltet.
Parallel erscheinen auf dem Youtube Channel der Künstlern monatlich die dazugehörigen Videos.

Crystal Clear w/Black Marble

Das britische Alternative Metal-Quartett SVALBARD meldet sich mit seinem neuen Album "The Weight Of The Mask" zurück, dem Nachfolger des von der Kritik hochgelobten "When I Die, Will I Get Better?", das sowohl bei Kerrang als auch bei Metal Hammer in die Top 10 der Alben des Jahres 2020 aufgenommen wurde.
Seit ihrer Gründung im Jahr 2011 haben SVALBARD die Dynamik eines fahrenden Güterzuges erreicht - sie haben drei Alben veröffentlicht und dabei ihre vielfältigen musikalischen Einflüsse weiter verfeinert: Black Metal, Hardcore und Post-Metal, Anleihen aus Videospiel-Soundtracks, sogar Grindcore und Dream Pop, alles eingebettet in einen verzerrten und doch dynamischen Sound. Dabei bringen SVALBARD die Realität psychischer Erkrankungen und die Auswirkungen von Depressionen auf Beziehungen und Kommunikationsfähigkeit auf den Punkt.
Mit "The Weight Of The Mask" werden SVALBARD immer stärker - nicht nur als einer der hellsten Funken im Metal und Zeitgenossen einer aufkeimenden modernen britischen Metalszene, sondern auch als Verfechter der psychischen Gesundheit.

Mit ihrem fünften Album "Calling the Dogs" setzen Citizen ihre Bemühungen fort, melancholische, energiegeladene Rockmusik zu machen, die sich nicht auf einen einzigen Sound festlegen lässt, sondern eine Vielzahl von Einflüssen einbezieht. Produziert von Rob Schnapf (Saves the Day, Joyce Manor, Elliott Smith) ist "Calling the Dogs" ein Album, das mit dem Blick nach innen beginnt und mit dem Blick nach außen schließt. Es ist ein Album, das sich mit den Menschen beschäftigt, die wir durch die Menschen um uns herum werden. Es läutet nicht nur personell eine neue Ära der Band ein, sondern atmet auch thematisch neue Luft. Es ist ein Album der Selbstreflexion, aber auch eines, das die Wut auf direktere Weise als je zuvor zum Ausdruck bringt. Mit Einflüssen von Künstlern wie den Ramones, Violent Femmes und Bloc Party fühlt sich "Calling the Dogs" wie ein neues Kapitel für Citizen an. Songs wie der Opener "Headtrip" und die Leadsingle "If You're Lonely" wirken wie typische Citizen-Songs, die von Produzent Rob Schnapf mit einer neuen Energie versehen wurden. Wie schon bei ihrem 2021er Album "Life In Your Glass World" ist bei Songs wie "Hyper Trophy" und dem groovigen "Can't Take It Slow" ein deutlicher Einfluss des NYC-Garage-Rock-Revivals zu erkennen. Aber Citizen lässt auf "Calling the Dogs" nie eine einzige Stimmung zu lange bestehen - auf der Platte gibt es Momente der Pop-Seligkeit, der Punk-Aggression und der üblichen Citizen-Melancholie. Auf der Grundlage ihrer persönlichen Erfahrungen und ihres kollektiven musikalischen Könnens haben Citizen ein Album geschaffen, das Grenzen überschreitet und den Hörer herausfordert, seine eigenen emotionalen Landschaften zu erkunden. Für Fans von Turnstile, Fiddlehead, Angel Du$t, Militarie Gun, Drug Church, Narrow Head.

Die multidimensionalen Künstler:innen und Produzent:innen yeule kündigen ihr neues Album, „softscars“, an, das am 22. September 2023 über Ninja Tune erscheinen wird. „softscars“ repräsentiert eine neue Richtung für yeule, da sie weichere Texturen und körperlose Arrangements erforschen, die ihre ätherischen Vocals in den Vordergrund stellen. Das Projekt untersucht die Anatomie ihrer lang gehegten emotionalen Wunden für ihr bisher verletzlichstes Werk. Obwohl die Thematik schwer und geheimnisvoll ist, strahlt das Projekt, das von yeule und ihren Kolleg:innen Kin Leonn geschrieben und produziert wurde, mit zusätzlicher Produktion von Mura Masa und Chris Greatti (Yves Tumor, Willow Smith) ein Gefühl der freudigen Katharsis aus. Angetrieben wird das Album von yeules sich verändernden Vocals, die mit all ihren Ecken und Kanten und ihrem eindringlichen Flüstern sicherer denn je klingen und den unvollkommenen Prozess der Heilung widerspiegeln.
Das neue Album folgt auf das von der Kritik gefeiertes Album, „Glitch Princess“, aus dem Jahr 2022, das von Pitchfork mit dem Prädikat „Best New Music“ ausgezeichnet wurde und auch hierzulande sehr wohlwollend abgefeiert wurde, u.a. mit 5 von 6 Sternen im Musikexpress, mit 4 von 5 Punkten bei laut.de und 8 von 10 Punkten bei Plattentests. yeule machen sowohl Musik als auch visuelle Kunst, das Projekt wurde ins Leben gerufen, um als Portal oder Spalt zu fungieren, der es ihnen ermöglicht, ihre Kunst der Außenwelt mitzuteilen, während sie gleichzeitig in ihrer inneren Hülle geschützt sind. yeule wurde als Manifest ihrer eigenen Identitäten konstruiert, in denen sie immer Zugang zu multiplen Avataren und der Freiheit hatten, sich nach Belieben zu verändern oder zu verformen - Trost durch die Verkörperung von wandelbaren, chamäleonartigen Vielfältigkeiten.

Im Herbst 2023 erscheint bei Erased Tapes das Album Give It to
the Sky: Arthur Russell"s Tower of Meaning Expanded. Bei der
vom Komponisten und Producer Peter Broderick und dem 12-
köpfigen Ensemble 0 aus Frankreich aufgenommenen Version,
handelt es sich um eine erweiterte Neuinterpretation von Arthur
Russells minimalistischer Orchesterkomposition "Tower of
Meaning", die erstmals im Jahr 1983 veröffentlicht wurde. "Give
It to the Sky.." vereint zudem auch unveröffentlichte Stücke von
Russell, die überarbeitet und neu aufgenommen wurden. Mit
ihrer umwerfenden, insgesamt 80 Minuten langen Hommage
hauchen Broderick und Ensemble 0 dem "Tower of Meaning"
neues Leben ein und verknüpfen diesen minimalistischen
Meilenstein mit etlichen verlorenen Songideen aus Russells
Nachlass. Das komplette Album, das so gut wie ohne Overdubs
auskommt, wurde live in einem kleinen Theater im Südwesten
Frankreichs eingespielt. Gewiss war Russell nie ein Freund
endgültiger Versionen. Er dachte kontinuierlich über die
Möglichkeiten eines Stücks nach und fragte sich, was es sonst
noch alles sein oder werden könnte. "Give it to the Sky" knüpft
ganz klar an diese Herangehensweise an, indem es "Tower of
Meaning" als grobes Framework nutzt, um darauf aufzubauen,
diesen atmenden Kern nach oben und nach außen zu erweitern
- und insgesamt etwas entstehen zu lassen, das man ganz klar
in Russells wundersam-paradoxer Welt verorten kann. Auch
"Give it to the Sky" kann somit keineswegs als letztes Wort oder
ultimative Interpretation gedacht sein. Broderick und Ensemble
0 sind längst darüber im Austausch, welche Formen es auf der
Bühne annehmen oder wohin es sonst führen könnte.

Im Herbst 2023 erscheint bei Erased Tapes das Album Give It to
the Sky: Arthur Russell"s Tower of Meaning Expanded. Bei der
vom Komponisten und Producer Peter Broderick und dem 12-
köpfigen Ensemble 0 aus Frankreich aufgenommenen Version,
handelt es sich um eine erweiterte Neuinterpretation von Arthur
Russells minimalistischer Orchesterkomposition "Tower of
Meaning", die erstmals im Jahr 1983 veröffentlicht wurde. "Give
It to the Sky.." vereint zudem auch unveröffentlichte Stücke von
Russell, die überarbeitet und neu aufgenommen wurden. Mit
ihrer umwerfenden, insgesamt 80 Minuten langen Hommage
hauchen Broderick und Ensemble 0 dem "Tower of Meaning"
neues Leben ein und verknüpfen diesen minimalistischen
Meilenstein mit etlichen verlorenen Songideen aus Russells
Nachlass. Das komplette Album, das so gut wie ohne Overdubs
auskommt, wurde live in einem kleinen Theater im Südwesten
Frankreichs eingespielt. Gewiss war Russell nie ein Freund
endgültiger Versionen. Er dachte kontinuierlich über die
Möglichkeiten eines Stücks nach und fragte sich, was es sonst
noch alles sein oder werden könnte. "Give it to the Sky" knüpft
ganz klar an diese Herangehensweise an, indem es "Tower of
Meaning" als grobes Framework nutzt, um darauf aufzubauen,
diesen atmenden Kern nach oben und nach außen zu erweitern
- und insgesamt etwas entstehen zu lassen, das man ganz klar
in Russells wundersam-paradoxer Welt verorten kann. Auch
"Give it to the Sky" kann somit keineswegs als letztes Wort oder
ultimative Interpretation gedacht sein. Broderick und Ensemble
0 sind längst darüber im Austausch, welche Formen es auf der
Bühne annehmen oder wohin es sonst führen könnte.

French label and promoter Much More recordings is proud to present the second vinyl of its collection. This vinyl features 6 tracks ranging from breaks to techno and passing electronica, designed for soundsystem and anchored in their proper original and analogic techno sound.

- In the cosmos of techno, a pear takes height,
As Hawking once mused, our past's pear-shaped light.
Evoking the essence of techno's design.
From acid's lemon embrace to bitter-sweet's delight,
Techno's past and future, in pear-shaped swirl.
Upon the tree stump, a glimpse of starlight,
A timeless journey, through cosmic embrace.
Techno's essence, expanding through space,
Techno's soulful evolution, a work of art. -

AudioKast joins, promoting sheer delight. Intelligent, smooth, with a touch of piano, A break-infused track, atmospheric glow. Falling Echoes, from France's southern land, Techno that lingers, both fresh and grand. Straight, mental, efficient, it ensnares, A captivating sound, with eternal affairs. Ricardo Garduno, Mexico's pride, Illegal Alien's head, his track provides heavy, straightforward, 4-to-the-floor, A dancefloor bomb, demanding much more. Johannes Astrup,
from Copenhagen's embrace, Smart-stepping techno, a timeless grace. Killing beats that reverberate and flow, Infinite rhythms, an everlasting show. Joton and Aicrag, a powerful duo, Break smart-stepping techno, boomy and true. Their collaboration, a vibrating spell, Moving bodies, a dancefloor's sweet swell. The Blackmailer, a friend tried and true, Driving, big room, a relentless beat, Techno's love, a symphony complete. Dear friends, in this cosmic dance we partake, Love and techno, our souls awake.We are back to the essence, and yet, much more.

Innocent Eyes is the debut studio album by Australian singer Delta Goodrem. It became the highest-selling album of the decade in Australia and is one of the highest-selling debut albums in the country's history. The album topped the Australian Albums charts, spending a record-breaking 29 weeks at #1 and reaching 23x Platinum in sales. It also performed very well in Europe and sold over 4,5 million copies worldwide.

Innocent Eyes features five of Delta's hit singles, including “Lost Without You”, “Born To Try”, and “Not Me, Not I”. All of which made it to the #1 spot on Australian charts. Since her debut, Delta Goodrem has experienced massive success, winning three World Music Awards, 9 ARIA Music Awards, an MTV Video Music Award, and several other awards. Goodrem has also served as a coach on The Voice Australia for 8 seasons.

Innocent Eyes is available as a 20th anniversary edition of 2000 individually numbered copies on crystal clear vinyl, housed in a gatefold sleeve.

Ein Todesfall und zwei Abschiede: Das neue und sechste Joy-Denalane-Album erscheint am 6. Oktober 2023. »WILLPOWER« erzählt vom Loslassen, von Trauer, aber auch von einer neu gewonnen Freiheit - und von Selbstermächtigung. Ein Sprung ins Unbekannte mit wild oszillierendem Happysad-Soul von unbändiger Intensität. 11 neue Tracks, darunter ein Feature mit Wu-Tang Clan Legenda Ghostface Killah und produziert von Roberto Di Gioia - sowie mit Max Herre. Bei einigen ausgewählten Stücken auf »WILLPOWER« spielt kein Geringerer den Bass als der US-amerikanische Jazzmusiker Tim Lefebvre, der zuletzt unter anderem die Band geleitet hatte, mit der David Bowie sein letztes Album »Blackstar« aufgenommen hat. Auf »WILLPOWER« geht es nun um die Dinge, die noch kommen, den Weg, der vor ihr liegt. Das Flirrende und das Gravitätische, scheinbar wiederstrebende Pole, aus denen das Kraftzentrum entsteht, das diese Frau in elf schwerelos der Unendlichkeit entgegengleitenden Songs errichtet hat. Mit Willenskraft, Resilienz, aber auch und vor allem Akzeptanz. Das Album erscheint als farbige 180g Vinyl mit 16 seitigem Vinyl-Booklet oder im viertseitgem Digisleeve mit Booklet, beide Ausführungen in hoher Papiergrammatur.

Manchmal fühlt es sich so an, als würde Dilla inmitten eines Films leben. Er spielt in einem Aperol-orangenen Universum, ist eine chaotische Kreuzung aus romantischer Coming-of-Age-Komödie und ausgeflipptem Actioner. Der rote Faden, der sich durch den Streifen zieht: Die kesse, fantasiegeladene Vertreterin der Gen-Z - Dilla eben - spaziert leichtfüßig eine schier endlose Avenue entlang. Immer wieder biegt sie kurz ab, feiert hier bis zum Sonnenaufgang, erkennt da Sinn im Banalen und fährt dort ein bisschen Gefühlsachterbahn. Über absurde Umwege landet sie schließlich in der großen Stadt, wo sie unverhofft zur gefeierten Musikerin avanciert.Im Spätsommer 2023 geht Dillas Reise in die nächste spannende Phase: Ihr lang ersehntes Debütalbum steht in den Startlöchern. Auf 11 Tracks verewigt die junge Musikerin die letzten 2 Jahre: Nicht chronologisch, eher anarchisch, augenzwinkernd und gespickt mit Perspektivwechseln. Dillas Debüt "Also bin ich" erscheint am 06.10.2023 auf orangefarbenem Vinyl.

Ursprünglich von der Sängerin und Multi-Instrumentalistin Cathy Lucas im Jahr 2015 gegründet, ist VANISHING TWIN nach einer Reihe von Besetzungswechseln nun das eingespielte Kollektiv aus Lucas, der Schlagzeugerin Valentina Magaletti und dem Bassisten Susumu Mukai. Mit den unterschiedlichen Hintergründen und Berührungspunkten ihrer Mitglieder - Lucas' linkes Songhandwerk, Magalettis einzigartige Herangehensweise an der Perkussion und Mukais lange Erfahrung in der Produktion elektronischer Musik - hat die Band seit 2016 auf fast einem Dutzend Veröffentlichungen einen hypnotischen Sound an der Schnittstelle von Minimalismus, Kosmischer Musik, Post-Punk und traumbeladenem, psychedelischem Pop entwickelt. "Afternoon X" zeigt VANISHING TWIN inmitten einer ausgeprägten kreativen Veränderung, in der jedes Mitglied weniger definierte Rollen übernahm und einen kollaborativen Ansatz verfolgte, der eher an die Arbeit dreier Co-Produzenten als an die einer Band erinnert. Das Album, das Ende 2022/Anfang 2023 aufgenommen wurde, ist das Ergebnis einer Reihe von Marathon-Aufnahmesitzungen, an denen das Trio in verschiedenen Konfigurationen teilnahmen. Mit einer spielerischen Balance aus Humor und Strenge, bei der jedes Mitglied die Rolle des Multiinstrumentalisten und den Prozess über das Ergebnis stellt, setzt "Afternoon X" den Weg der Erkundung fort, der ihre letzten Veröffentlichungen bestimmt hat. Metronomische, zyklische Patterns und pulsierenden Basslinien bilden nach wie vor das Herzstück ihres Sounds, aber diese verwurzelten Rhythmen ergeben nun die Grundlage für das Streben nach einer größeren klanglichen und strukturellen Bandbreite. Somit begeben sich VANISHING TWIN auf eine neue, facettenreiche Reise, die in ihrer Gesamtheit ihr bisher spannendstes Werk veröffentlichen.

Die Serie der Depeche Mode 12"-Vinyl-Singles als Sammleredition wird mit der Veröffentlichung von "Delta Machine - The 12" Singles" am 6. Oktober 2023 fortgesetzt. Das Deluxe Boxset "Delta Machine - The 12" Singles", enthält sechs 12"-Vinylscheiben, mit den Single-Auskopplungen von "Delta Machine", dem 13. Studioalbum von Depeche Mode (und dem ersten für Columbia Records). Ursprünglich im März 2013 auf Mute/Columbia veröffentlicht, präsentierte "Delta Machine" den Fans "Heaven" (als Leadsingle im Januar 2013 veröffentnlicht), "Soothe My Soul" (im Mai 2013 veröffentlicht) und "Should Be Higher" (im Oktober 2013 veröffentlicht). Das "Delta Machine - The 12" Singles" Box-Set enthält Repliken der originalen 12"-Single-Veröffentlichungen plus drei neu zusammengestellte Discs mit Remixen, Dub-Mixen, Instrumentalversionen, Live-Sessions und Radio-Mixen der Singles sowie den Bonustrack "Goodbye (Gesaffelstein Remix)".

Die Heavenly Remixes-Reihe präsentiert weiterhin die besten Remixe, Versionen, Meditationen, Re-Rubs und Dubs von Künstlern aus der ganzen Welt, die auf der Liste des aufregendsten Plattenlabels des Landes stehen. In den meisten Fällen handelt es sich bei den Alben um die erste physische Veröffentlichung eines Remixes, die sie von den Streaming-Playlisten in ihr rechtmäßiges, spirituelles Zuhause auf superschwerem Vinyl (oder glänzender, supergepackter Compact Disc) befördert.

Heavenly Remixes Volume 8 beginnt mit Space Afrikas üppiger, ambienter Neuinterpretation von BEAM/S der Orielles, bevor Justin Robertson Amber Arcades' Turning Light zu acht Minuten elektronischem Dub dehnt.

Erste Vinylreissue eines Harold Budd-Klassikers, der ursprünglich 1988 erschien. 'The White Arcades' wurde teilweise im Studio der Cocteau Twins aufgenommen und mit Hilfe von Robin Guthrie und Brian Eno produziert. Die ungezwungene Mischung aus glitzernden Synthesizern, klaren Klaviertönen, nebligen Texturen und Raum ergibt ein wunderschönes, kontemplatives Ganzes.

'Obwohl ihre Aura ätherisch und weltfremd ist, ist Buddhas Musik tatsächlich eine beispielhafte Form von menschlich nützlicher Musik. Wenn die alltäglichen Dringlichkeiten des Lebens oder der Unsinn unserer politischen Kultur einen aus der Fassung bringen, was heutzutage so gut wie jeden Tag der Fall ist, kann man diese Musik auflegen und ihre Stille und Anmut in sich aufnehmen. Seine Platten sind genau die Art von Musik, die man bei einem Trauerfall spielen würde, um Ruhe und Trost zu finden - oder bei einer Trauerfeier, bei der jemand zur letzten Ruhe gebettet wird. Harold Budd klingt wie der Himmel auf Erden.' - Simon Reynolds

Ltd. Auflage auf transparentem Vinyl im Gatefold mit Archivmaterial - Harold Budd im Interview mit Carl Stone - plus Download-Code.