Search:ans

Oceanhoarse mag ein Neuling auf dem Gebiet des Heavy Metal sein, aber schnell und laut werden sie die Szene im Sturm erobern! Die Helsinki-Band mit Ben Varon (ex-Amoral) an der Gitarre, Bassist Jyri Helko (Warmen, ex-For The Imperium), Oskari Niemi am Schlagzeug und Sänger Joonas Kosonen tourte bereits in Finnland, Tokio, Japan und ganz Europa.
Zweifellos macht die Heavy-Metal-Gruppe ein Statement gegen computerisierte Metal-Musik, bei der es schwer zu wissen ist, was real ist und was nicht: Mit Oceanhoarse, gelobt für ihre wilde Energie auf der Bühne, bekommst du, was du siehst, ohne Backing-Tracks; aber pur, roh und wild - eine Seltenheit in der Heavy-Musik-Welt heutzutage.
Im Juni 2020 veröffentlichten Oceanhoarse The Damage Is Done - LIVE!, ein Album mit 11 Straight-in-Your-Face-Heavy-Metal-Hymnen, die auf einer ausgedehnten Tournee mit Nightwish-Sänger und -Bassist Marko Hietala aufgenommen wurden. Die Singles von Oceanhoarse, die auch auf dem Soundtrack des beliebten Videospiels Wreckfest enthalten sind, wurden bereits fast zwei Millionen Mal allein auf Spotify gestreamt.
Im Jahr 2021 ging die Band mit dem deutschen Label Noble Demon einen Gang höher, das erste Studioalbum der Band veröffentlichte und das Follow-up ist bereits für Anfang 2023 geplant!


Mit ehemaligen und aktuellen Mitgliedern bekannter Bands wie Amoral, Warmen und anderen haben sich Oceanhoarse zu einer Band entwickelt, die bereit ist, die Dinge in ihrem eigenen Stil zu erkunden, anstatt sich an irgendeine Art von Durchschnittsformel zu halten. Nachdem sie 2021 ihr Debütalbum "Dead Reckoning" (Noble Demon) veröffentlicht haben, gefolgt von mehreren Single-Veröffentlichungen und ausgedehnten Tourneen, sind die aus Helsinki stammenden Vierer vielleicht einer der bemerkenswertesten und hart arbeitenden Newcomer. Also macht euch bereit für "Heads Will Roll", ein Album, das ihr im Jahr 2023 nicht verpassen solltet!
Als Bonus gibt es das Live Album von "The Damage is Done" als 2te CD dazu.

Die Versuchung ist groß, hoid als Sibylle Kefers "opus magnum" zu bezeichnen. Diese Sammlung von 13 Liedern ist ein eindrucksvolles, stimmiges und zugleich vielfältiges künstlerisches Statement der in Wien lebenden und arbeitenden Musikerin, eine Kulmination ihres ständigen Wachsens als Künstlerin. Die reichen Facetten von Kefers Zugang zu Musik, die Qualitäten und das ganze Spektrum dessen, was sie als Komponistin, Texterin und Instrumentalistin - Singer/Songwriterin oder Liedermacherin dafür als Beschreibung zu ungenau, zu eng - macht und zum Ausdruck bringt, macht diese Lieder aus ...hoid als seit 2020 entstandenes, geschriebenes und aufgenommenes Album ist eine Brücke, eine Klammer, für vermeintlich widersprüchliche Erfahrungen und künstlerische Reaktionen darauf. Unser aller spezieller Lebenssituationen durch die Corona-Pandemie, den unmenschlichen Krieg in der Ukraine und den drohenden ökologischen Kollaps sind sein so verunsicherndes größeres wie dynamisches Setting. Mit dem Sibylle Kefer in ihren Liedern nicht zuletzt Rücksprache hält, Fragen dazu stellt und Widerworte oder Anschlüsse sucht. Das Musikmachen, das Liederschreiben schon für sich ein Stück Normalität und Positionierung zugleich. So sehr Sibylle Kefer sich in diesen Liedern mit Ungleichbehandlung, Ungerechtigkeiten und Grenzüberschreitungen befasst, so sehr klingt dabei immer ihre prinzipiell positive, hoffnungsvolle Grundhaltung durch, baut sie immer bewusst "Hoffnungsanstöße" in ihre Lieder ein: "Damit man weiß, wogegen, woran, womit man arbeitet, es zu tun hat."Die Lieder des Albums hat Kefer dabei zunächst im home-recording aufgenommen und zu produzieren begonnen, sich dabei über das Schreiben der Texte und Musik hinaus ein zusätzliches Skill-Set erarbeitet. Da ein Wesen der Musik, des Musikmachens von Sibylle Kefer immer Zusammenarbeit und Austausch bleiben, fanden sich auch in der Immer-Wieder-Isolation der Pandemie Möglichkeiten, mit vielen befreundeten und geschätzten Musiker_innen zu arbeiten. Nicht zuletzt formierte Sibylle Kefer, selbst bei Ernst Molden & das Frauenorchester nicht wegzudenken, während der Arbeit an hoid ihr eigenes Trio, ihre Band. Mit E-Bassistin Sarah Brait und Schlagzeuger Chris Pruckner wird sie zukünftig (nicht nur) die Songs von hoid auf die Konzert-Bühnen bringen. Ganz zentral für die Fertigstellung des Albums die Arbeit mit Martin Siewert, gemeinsam mit dem Musiker und Komponisten wurden die Lieder schließlich in ihre endgültige Form gebracht, in der sie nun auf hoid zu hören sind und darauf warten ihrem Publikum zu begegnen.

Lovesick – everyone knows it, everyone hates it. Everyone feels alone. Everyone questions the previous relationship and what has been said during it. Everyone tries to numb the pain of this all-encompassing suffering with alcohol and drugs. Everyone calls at four in the morning and leaves embarrassing love confessions on the answering machine that will be never heard. Everyone feels alone and tries to find solace in casual acquaintances in bars, only to be turned away for being pushy. Everyone lays up for weeks stalking the likely reason this relationship ended, oh! It didn’t have to end, it was all so nice and this new one can’t be good and he/she won’t be good if the plans I’ve been making here for nights come true…oh how nice would this be! Oh it can’t be, maybe I just can’t be loved… maybe I just should…

Everybody knows it.

But from now on you never have to go through all that heartbreak alone again because we Herzschmerz Versicherungen have the solution! We are a band from Stuttgart, somehow only classified as dilletantic strange in the genre. We are at your side and take care of you when your heart hurts!

Book one of our numerous insurance packages today, or just listen to our songs – that helps too!

“Denn wenn du dir nicht sicher bist und deine Liebe bald zerbricht: Komm, schöner Mensch und kauf doch eine Versicherung bei mir, Bei Herzschmerz bin ich dann immer da, bei dir!”

Iassen Markov & Jannik Haller

A year out from the release of Rise Against’s chart-topping, critically acclaimed ninth album Nowhere Generation, the Chicago band returns with Nowhere Generation II: a propulsive, five-song follow-up that serves to continue a critical dialogue between themselves, their fans, and the world at large. The new EP, written and recorded alongside the material for Nowhere Generation, looks beyond its full-length counterpart’s scrutiny of the chronic social, economic, and political instability and inequality that pervades the modern age. II is as biting as it is hopeful, and is a further testament to the resonance of a band that continues to defy the status quo of modern rock

Mixed Colours Vinyl

Nach der 2021 erschienenen Best-Of-Compilation 'This is Telex' erscheint jetzt der komplette Katalog des belgischen Synth-Pop-Trios als aufwändige limitierte 6CD-Box und als limitierte 6LP-Box, inclusive der Alben 'Looking For Saint Tropez', 'Neurovision', 'Sex', 'Wonderful World', 'Looney Tunes' und 'How Do You Dance?'.

Diese Studioalben wurden alle neu gemastert und von den Bandmitgliedern Dan Lacksman und Michel Moers neu abgemischt, wobei der Geist der Originaltitel erhalten blieb und gleichzeitig eine neue Frische hinzugefügt wurde, um eine endgültige Version jedes Albums zu schaffen. Das Boxset ist eine Zeitreise der Karriere des belgischen Synthpop-Trios, von ihrem Debüt 1979 bis zu ihrem letzten Studioalbum How Do You Dance? (2006).

HARDT ANTOINE is a London based DJ producer of French and West Indian descent, who continuously combines his hugely colourful and eclectic taste in music. He has also made a name for himself with his Reculture label and club nights.

His KOMPAKT debut clearly shows why he’s one to watch in the years to come. “Nobody’s Watching” is a dark grooving beast with bending synth lines and a haunting vocal; counterbalanced with uplifting Eastern analog pads. It’s from this rare breed of tracks that shine in a frantic peak time set and sexy late night moments alike.

“All We See” follows a similar path. Its mandatory bassline and dark melody evolve into something uplifting, as if to say – ‘We always see light at the end of our tunnel’.

Radial takes a more cinematic approach and largely neglects the dancefloor in a classic KOMPAKT 3-track EP fashion, following a lovely tradition that began with Dettinger’s KOM 2 and later on spawned the Pop Ambient movement.

Hardt Antoine proves himself a jack of all trades… Keep an eye on him!

HARDT ANTOINE ist ein in London ansässiger DJ-Produzent französischer und westindischer Abstammung, der seinen äußerst farbenfrohen und vielseitigen Musikgeschmack kontinuierlich durcheinender wirbelt. Auch mit seinem Label Reculture und Clubnächten hat er sich über London hinaus einen Namen gemacht.

Sein KOMPAKT-Debüt zeigt deutlich, warum man ihn in den kommenden Jahren im Auge behalten sollte. „Nobody’s Watching“ ist ein düsteres, groovendes Biest mit verzerrten Synthielinien und einer eindringlichen Stimme; mit erhebenden östlichen Analog Pads ausbalanciert. Es ist diese seltene Art von Tracks, die in einem hektischen Peak-Time-Set und sexy Late-Night-Momenten gleichermaßen glänzen.

„All We See“ geht einen ähnlichen Weg. Die zwingende Bassline und die dunkle Melodie entwickeln sich zu etwas Erhebendem, als ob sie sagen wollten: „Wir sehen immer Licht am Ende unseres Tunnels“.

Radial verfolgt einen filmischeren Ansatz und vernachlässigt die Tanzfläche weitgehend – in klassischer KOMPAKT-3-Track-EP-Manier, einer schönen Tradition folgend, die mit Dettingers KOM 2 begann und später die Pop-Ambient-Bewegung hervorbrachte.

Hardt Antoine erweist sich als Alleskönner … Behaltet ihn im Auge!

Das hatte man so bis dato nicht gehört: Die Band als Sampler, die Songs als Collage. Eine Indie?Band mit Funk, eine deutschsprachige Band die Parliament genauso viel schuldet wie Ton, Steine, Scherben. Rhythmus ist genauso wichtig wie die Gitarre und dann auch noch mit Orgel anstatt mit zweiter Gitarre. Man kann und soll sogar zu der Musik tanzen, die Texte eher Hip Hop und fluide. Köpfe explodieren, Aufruhr in Indiehausen! So war das 1993. 30 Jahre später veröffentlichen wir das bahnbrechende Sterne-Album "Wichtig" neu inklusive der Tracks der nicht minder legendären "Fickt das System"-EP von 1992. Seither sind Die Sterne zu Recht eine der einflussreichsten und interessantesten Bands hierzulande. Checkt aus wie alles begann Hört, kauft und streamt "Wichtig" und "Fickt das System"!

Hervorgegangen aus der Straßburger Szene und dem Omezis-Kollektiv, dem etwa zwanzig Künstler, Musiker, DJs und Videografen angehören, saugt Emile Londonien die englische Jazzszene der letzten fünfzehn Jahre auf. Der Spitzname Emile Londonien, eine doppelte Anspielung auf ihre britischen Einflüsse als auch auf einen berühmten, französischen Saxophonisten, entstand spontan. Als Symbol einer Generation, die in der Clubkultur aufgewachsen ist, wurde eine Band gegründet, die genau diese Kultur mit Jazz-Trio-Tradition verbindet. Ihre ersten Produktionen, die regelmäßig auf der BBC-Playlist aufgeführt werden, fanden ein begeistertes Echo. Bis vor wenigen Monaten unbekannt, spielte die Band beim Worldwide Festival von Sète, beim Montreux Jazz Festival im Sommer 2021 und bei Nancy Jazz Pulsations.
Beeinflusst von Yussef Kamaal, The Comet Is Coming, Atjazz, SunRa, Ornette Coleman oder Thelonious Monk, aber auch von der Broken Beat-, Jazz-, House- und Hip-Hop-Szene, verkörpert Emile Londonien diesen französischen Jazz-Stil der "nächsten Generation" perfekt.
Als CD und LP (Black Vinyl) erhältlich!

Record Kicks celebrates its 20th Anniversary with a limited edition "Rare Box Set" consisting of ten 45 vinyl with the very best of the label's catalogue.

2023 is a special year for Record Kicks: the Milan-based independent label turns 20 years old. In order to celebrate this great achievement, Record Kicks is proud to announce the release of a limited edition "Rare Box Set", coming out on March 3rd and containing 20 tracks on 10 "rare" 45 vinyl that retrace the story of these past 20 years of Record Kicks. The boxset is limited to 500 copies worldwide and it will also be released on digital format on that same day, March 3rd. The artwork by Japanese artist Ruminz is an homage to Afro-American culture. Of the 20 tracks on the "Rare Boxset", 11 tracks are previously unreleased on 45 vinyl, while 9 are reissues of mega in-demand gems.

Among the tracks released for the first time on 45, you'll find label's Funk & Soul heavyweights such as "Easy To Come Home" by Sydney funk maestros Dojo Cuts, "Your Love is Mine" by British funk band The New Mastersounds feat Corinne Bailey Rae and remixed by Nostalgia 77, "50 Foot Woman" by Hannah Williams & The Affirmations, "Soul Connection" by The Diplomats of Solid Sound and "Soul of My Life" by The Tibbs. For the first time on 45 vinyl, there are also two singles from the masters of Cinematic funk Calibro 35: "Stainless Steel" from their legendary album "Traitors" and "Ungwana Bay Launch Complex" from "S.P.A.C.E.", The Diasonics with "Andromeda", taken from their debut album "Origin Of Forms", and Whatitdo Archive Group's "Blood Chief" from the band's album "The Black Stone Affair".

On the reissue's front, among the rare tracks that by popular demand finally see the light again on 45 vinyl we find: the afrofunk cover of The Artic Monkeys' "I Bet You Look Good On The Dancefloor" by Baby Charles, JB's classic "Soul Power" by Kokolo remixed by Lack Of Afro, The Bluebeaters with "Catch That Teardrop" and "Toxic (One Drop Version)" singles, northern soul floorshaker "I'm a Good Woman" by Hannah Williams & The Tastemakers and deep funk stormer "I'm Not Your Regular Woman" by Marta Ren & The Groovelvets.

The "Rare Box Set" is just the first of many upcoming initiatives that will be revealed during the year to celebrate the Milan's label 20th anniversary. Side by side with similar imprints like Daptone, Big Crown, Colemine or Timmion Records, under its motto "The explosive sound from Today's scene", Milan-based record label and music publishing Record Kicks has been pitching the contemporary funk & soul scene since 2003. With over 250 releases under the belt, the label has released bands from all over the globe and earned support of VIP fans such as rap superstars Jay-Z, Tyler The Creator and Dr. Dre, who took inspiration from the label's catalogue by sampling it.








g g1: The New Mastersounds - Your Love Is Mine (Nostalgia 77 Remix) feat. Corinne Bailey Rae

TRAGEDY veröffentlichen 2023 ihr brandneues Album I Am Woman!

Auf I Am Woman, schreiben TRAGEDY das Drehbuch des Sleaze Rocks neu, und zollen ihr Tribut an die Weiblichkeit in allen Formen: Auf dem Album erwarten den Hörer 14 neue, vor Kraft- strotzende Hymnen und, eine gehörige Portion Spass!

Nachdem sie bereits mehrfach in den USA, Großbritannien, Deutschland, Frankreich, der Schweiz und darüber hinaus tourten, mehrere Alben mit metallischen Disco-, Soft-Rock- und Pop-Covern
veröffentlichten bevor sie überhaupt ihren ersten viralen Hit feierten, haben TRAGEDY schon früh bewiesen, dass sie nie nur die typische, satirische Coverband sein werden. Dieses verrückte Sextett verkörpert die Seele des Originals und erfindet sie von Grund auf neu, indem sie die Songs mit einer unbestreitbar ansteckenden Energie erfüllt, sowohl auf der Bühne als auch auf Platte.

Mit I Am Woman verkörpern TRAGEDY den Geist von Heavy Metal und bieten gleichzeitig eine frische Interpretation einiger der weltweit zeitlosesten Klassiker über Unabhängigkeit und Selbstliebe – wichtige
Botschaften, die heute mehr denn je nachhallen!

Es wird sich wieder distanziert. Und zwar von der gesamten Konkurrenz! Oder, um es noch deutlicher zu sagen: Die letzte echte Punkrockband gibt sich erneut die Ehre. Und wo andere sich wegducken und Schönfärberei betreiben, haben BRDIGUNG keine Angst, hässlich zu sein und die Dinge beim Namen zu nennen. „Wieder hässlich“ ist das 8. Studioalbum einer Band, die sich kompromisslos treu bleibt, immer wieder neu erfindet und nach wie vor auf politische Korrektheit und gesellschaftlichen Zeitgeist scheißt. Da wird kein Blatt vor den Mund genommen, sondern Punkrock in die verschiedensten Genres injiziert. Ein Album als Rundumschlag, das genreübergreifend aufmischt, aber auch musikalisch mit unerwarteter Vielfalt überrascht. Von tiefgründigen Songs zu aggressivem Dauerfeuer, bis hin zu Partymelodien, ohne dabei die gewohnte Härte zu vermissen. Macht euch bereit für 15 brandneue Songs, verbale Sucker Punches, klare Ansagen und neue Hymnen. BRDIGUNG sind zurück und es wird „Wieder hässlich“!

Es wird sich wieder distanziert. Und zwar von der gesamten Konkurrenz! Oder, um es noch deutlicher zu sagen: Die letzte echte Punkrockband gibt sich erneut die Ehre. Und wo andere sich wegducken und Schönfärberei betreiben, haben BRDIGUNG keine Angst, hässlich zu sein und die Dinge beim Namen zu nennen. „Wieder hässlich“ ist das 8. Studioalbum einer Band, die sich kompromisslos treu bleibt, immer wieder neu erfindet und nach wie vor auf politische Korrektheit und gesellschaftlichen Zeitgeist scheißt. Da wird kein Blatt vor den Mund genommen, sondern Punkrock in die verschiedensten Genres injiziert. Ein Album als Rundumschlag, das genreübergreifend aufmischt, aber auch musikalisch mit unerwarteter Vielfalt überrascht. Von tiefgründigen Songs zu aggressivem Dauerfeuer, bis hin zu Partymelodien, ohne dabei die gewohnte Härte zu vermissen. Macht euch bereit für 15 brandneue Songs, verbale Sucker Punches, klare Ansagen und neue Hymnen. BRDIGUNG sind zurück und es wird „Wieder hässlich“!

Es wird sich wieder distanziert. Und zwar von der gesamten Konkurrenz! Oder, um es noch deutlicher zu sagen: Die letzte echte Punkrockband gibt sich erneut die Ehre. Und wo andere sich wegducken und Schönfärberei betreiben, haben BRDIGUNG keine Angst, hässlich zu sein und die Dinge beim Namen zu nennen. „Wieder hässlich“ ist das 8. Studioalbum einer Band, die sich kompromisslos treu bleibt, immer wieder neu erfindet und nach wie vor auf politische Korrektheit und gesellschaftlichen Zeitgeist scheißt. Da wird kein Blatt vor den Mund genommen, sondern Punkrock in die verschiedensten Genres injiziert. Ein Album als Rundumschlag, das genreübergreifend aufmischt, aber auch musikalisch mit unerwarteter Vielfalt überrascht. Von tiefgründigen Songs zu aggressivem Dauerfeuer, bis hin zu Partymelodien, ohne dabei die gewohnte Härte zu vermissen. Macht euch bereit für 15 brandneue Songs, verbale Sucker Punches, klare Ansagen und neue Hymnen. BRDIGUNG sind zurück und es wird „Wieder hässlich“!

Es wird sich wieder distanziert. Und zwar von der gesamten Konkurrenz! Oder, um es noch deutlicher zu sagen: Die letzte echte Punkrockband gibt sich erneut die Ehre. Und wo andere sich wegducken und Schönfärberei betreiben, haben BRDIGUNG keine Angst, hässlich zu sein und die Dinge beim Namen zu nennen. „Wieder hässlich“ ist das 8. Studioalbum einer Band, die sich kompromisslos treu bleibt, immer wieder neu erfindet und nach wie vor auf politische Korrektheit und gesellschaftlichen Zeitgeist scheißt. Da wird kein Blatt vor den Mund genommen, sondern Punkrock in die verschiedensten Genres injiziert. Ein Album als Rundumschlag, das genreübergreifend aufmischt, aber auch musikalisch mit unerwarteter Vielfalt überrascht. Von tiefgründigen Songs zu aggressivem Dauerfeuer, bis hin zu Partymelodien, ohne dabei die gewohnte Härte zu vermissen. Macht euch bereit für 15 brandneue Songs, verbale Sucker Punches, klare Ansagen und neue Hymnen. BRDIGUNG sind zurück und es wird „Wieder hässlich“!

Matador

Gaz Coombes veröffentlicht die Neuauflage seines zweiten Soloalbums – ”Matador” - das 2015 erschien.

Ein Gefühl von Freiheit durchdringt jede Sekunde des Albums, das unter anderem die 2013er Single ”Buffalo” enthält. Von der astralen Pracht von ”The Girl Who Fell To Earth” bis zu den träumerischen Klängen von ”Oscillate” ist es der Sound eines Songwriters, der musikalische Grenzen wie Schnee zum Schmelzen bringt und Elemente von Neu!, Disney-Musicals, den schwedischen Psychedelikern Goat, Gyorgy Ligeti und Eno in einer eisigen Klanglandschaft vereint, die ebenso anspruchsvoll wie schön ist.

Das Ergebnis ist ein Album im klassischen Sinne. ”Matador” ist der Sound eines der größten britischen Songwriters, der mit Freude in die Zukunft blickt.

World’s Strongest Man

”World’s Strongest Man” ist die großartige Neuauflage des dritten Soloalbums von Gaz Coombes, das auf das 2015 erschienene ”Matador” folgte. Inspiriert von Grayson Perrys ”The Descent of Man”, Frank Oceans ”Blonde”, kalifornischem Gras, britischen Wäldern, unkontrollierter Männlichkeit, Neu! und HipHop (und vielem mehr), ist es eine wahrhaft bemerkenswerte Sammlung von elf zutiefst persönlichen Songs, die alle von einer raumfüllenden, fesselnden Melodie begleitet werden. Vom tiefgründigen Titeltrack bis
zum mitreißenden ”Deep Pockets”, über die wunderschöne rhythmische Ballade ”Slow Motion Life”, ist ”World’s Strongest Man” ein kühnes, ehrgeiziges, frei denkendes, zukunftsweisendes Rock’n’Roll-Album.

Skins is a producer/DJ based in Leeds with an active history in dance music that goes back over 10 years. He cut his teeth DJing regularly at the legendary former Oxford nightclub The Cellar. He played here as part of the Subverse Radio collective as well as for other favourite local promoters, alongside a regular radio show on the aforementioned station which he co-founded. After moving to Leeds in 2016, Skins focused his attention on music production and self-released a string of white-label techno EPs which garnered support from artists such as Djrum, Jane Fitz and Mike Schommer of Deepchord.

More recently Skins has moved away from the dub techno sound with which he had become associated, with an EP from speed garage newcomers Spin City on heavy rotation with DJs including Evan Baggs, Andrew James Gustav and Sugar Free. His latest explorations have found him returning to the futuristic jungle stylings which originally drew him into the world of electronic music in his teens.

Whether it’s in the studio or behind the decks, Skins draws on a wide range of influences from hip hop, deep house and techno through dubstep and grime to jungle, with a preference for playing vinyl over three turntables. He has performed alongside the likes of Willow, Batu, Answer Code Request, Levon Vincent and Ben UFO.

Parisian quintet En Attendant Ana have dazzled since day one. From the muted strains of their 2016 EP "Songs From The Cave", to the assured 2018 TiM debut "Lost & Found", to the sparkling refrains of "Juillet"; released just before the world collapsed around us, and which stood as the band's rebirth and purest statement of their music ambitions - until now. "Principia" is the band's third album and is without a doubt their best yet. Bandleader & principal songwriter Margaux Bouchaudon's voice anchors many of the songs on "Principia", her crystalline delivery ringing out like a bell as the band swoons & sways beneath her. The songs on "Principia" were composed from a place of confusion about the state of the world and her place in it, looking outward and inward for answers. They question our perception of others, the one they have of us and finally the one we have of ourselves in a society where the individual is king and the group is forgotten. Guitarist Max Tomasso - newly joined just before the recording of "Juillet"- feels more "moved-in" on these tunes, his sly guitar-work gliding effortlessly through. No showboating - only prickling at the precise moment necessary in suit of the song itself. New member Vincent Hivert (their touring sound man, Hivert joined the group just as touring was underway for "Juillet", replacing founding member Antoine Vaugelade)'s bass-work is rubbery & flexible, bouncing around and thru the melodies on a rhythmic sugar-high, practically urging on drummer Adrien Pollin's metronomic swing. The band's secret weapon, multi-instrumentalist Camille Frechou's trumpet & saxophone are more present & considered in the arrangements, adding a new layer of sophistication to the group's already debonair indie pop. Her beatific harmonies add a yearning to Bouchaudon's lilting phrases; sometimes uplifting, other times melancholic. Bouchaudon says "One of the most important points we tried to focus on was the place given to each instrument. For the first time, we withdrew parts, we were careful not to play everyone at once and I think that the result is a much lighter album in which every musician has a specific place and moment". But this album is also the first one to have been shaped entirely by the band, from the conception to the production. The meeting of Vincent Hivert and Margaux Bouchaudon gave birth to a duet in which the technical and artistic aspects were intertwined from the very beginning of the conception of "Principia". Apart from reshaping En Attendant Ana's dynamic, Vincent Hivert was able to think as a musician and producer as soon as they started working on Margaux Bouchaudon's demos which brought a new dimension to their music. The two of them recorded and mixed the album together reuniting their references and artistic goals. "Principia" is a great step forward without sacrificing the things that make the band unique. The nods to French pop (both current & classic) still permeate the proceedings, and the group's penchant for Anglo-Saxon indie pop from The Nineties (think Electrelane, Stereolab, American Analog Set) still rings out, but there's an air of - dare we say - maturity in "Principia"s twelve songs. The group always felt a little 'out-of' and 'ahead-of' its time, but tunes like "Wonder" "The Cutoff" and "Same Old Story" are cinematic and romantic, and absolutely feel like the next great phase of an already great band.

Peach Vinyl

Parisian quintet En Attendant Ana have dazzled since day one. From the muted strains of their 2016 EP "Songs From The Cave", to the assured 2018 TiM debut "Lost & Found", to the sparkling refrains of "Juillet"; released just before the world collapsed around us, and which stood as the band's rebirth and purest statement of their music ambitions - until now. "Principia" is the band's third album and is without a doubt their best yet. Bandleader & principal songwriter Margaux Bouchaudon's voice anchors many of the songs on "Principia", her crystalline delivery ringing out like a bell as the band swoons & sways beneath her. The songs on "Principia" were composed from a place of confusion about the state of the world and her place in it, looking outward and inward for answers. They question our perception of others, the one they have of us and finally the one we have of ourselves in a society where the individual is king and the group is forgotten. Guitarist Max Tomasso - newly joined just before the recording of "Juillet"- feels more "moved-in" on these tunes, his sly guitar-work gliding effortlessly through. No showboating - only prickling at the precise moment necessary in suit of the song itself. New member Vincent Hivert (their touring sound man, Hivert joined the group just as touring was underway for "Juillet", replacing founding member Antoine Vaugelade)'s bass-work is rubbery & flexible, bouncing around and thru the melodies on a rhythmic sugar-high, practically urging on drummer Adrien Pollin's metronomic swing. The band's secret weapon, multi-instrumentalist Camille Frechou's trumpet & saxophone are more present & considered in the arrangements, adding a new layer of sophistication to the group's already debonair indie pop. Her beatific harmonies add a yearning to Bouchaudon's lilting phrases; sometimes uplifting, other times melancholic. Bouchaudon says "One of the most important points we tried to focus on was the place given to each instrument. For the first time, we withdrew parts, we were careful not to play everyone at once and I think that the result is a much lighter album in which every musician has a specific place and moment". But this album is also the first one to have been shaped entirely by the band, from the conception to the production. The meeting of Vincent Hivert and Margaux Bouchaudon gave birth to a duet in which the technical and artistic aspects were intertwined from the very beginning of the conception of "Principia". Apart from reshaping En Attendant Ana's dynamic, Vincent Hivert was able to think as a musician and producer as soon as they started working on Margaux Bouchaudon's demos which brought a new dimension to their music. The two of them recorded and mixed the album together reuniting their references and artistic goals. "Principia" is a great step forward without sacrificing the things that make the band unique. The nods to French pop (both current & classic) still permeate the proceedings, and the group's penchant for Anglo-Saxon indie pop from The Nineties (think Electrelane, Stereolab, American Analog Set) still rings out, but there's an air of - dare we say - maturity in "Principia"s twelve songs. The group always felt a little 'out-of' and 'ahead-of' its time, but tunes like "Wonder" "The Cutoff" and "Same Old Story" are cinematic and romantic, and absolutely feel like the next great phase of an already great band.

Tape
Parisian quintet En Attendant Ana have dazzled since day one. From the muted strains of their 2016 EP "Songs From The Cave", to the assured 2018 TiM debut "Lost & Found", to the sparkling refrains of "Juillet"; released just before the world collapsed around us, and which stood as the band's rebirth and purest statement of their music ambitions - until now. "Principia" is the band's third album and is without a doubt their best yet. Bandleader & principal songwriter Margaux Bouchaudon's voice anchors many of the songs on "Principia", her crystalline delivery ringing out like a bell as the band swoons & sways beneath her. The songs on "Principia" were composed from a place of confusion about the state of the world and her place in it, looking outward and inward for answers. They question our perception of others, the one they have of us and finally the one we have of ourselves in a society where the individual is king and the group is forgotten. Guitarist Max Tomasso - newly joined just before the recording of "Juillet"- feels more "moved-in" on these tunes, his sly guitar-work gliding effortlessly through. No showboating - only prickling at the precise moment necessary in suit of the song itself. New member Vincent Hivert (their touring sound man, Hivert joined the group just as touring was underway for "Juillet", replacing founding member Antoine Vaugelade)'s bass-work is rubbery & flexible, bouncing around and thru the melodies on a rhythmic sugar-high, practically urging on drummer Adrien Pollin's metronomic swing. The band's secret weapon, multi-instrumentalist Camille Frechou's trumpet & saxophone are more present & considered in the arrangements, adding a new layer of sophistication to the group's already debonair indie pop. Her beatific harmonies add a yearning to Bouchaudon's lilting phrases; sometimes uplifting, other times melancholic. Bouchaudon says "One of the most important points we tried to focus on was the place given to each instrument. For the first time, we withdrew parts, we were careful not to play everyone at once and I think that the result is a much lighter album in which every musician has a specific place and moment". But this album is also the first one to have been shaped entirely by the band, from the conception to the production. The meeting of Vincent Hivert and Margaux Bouchaudon gave birth to a duet in which the technical and artistic aspects were intertwined from the very beginning of the conception of "Principia". Apart from reshaping En Attendant Ana's dynamic, Vincent Hivert was able to think as a musician and producer as soon as they started working on Margaux Bouchaudon's demos which brought a new dimension to their music. The two of them recorded and mixed the album together reuniting their references and artistic goals. "Principia" is a great step forward without sacrificing the things that make the band unique. The nods to French pop (both current & classic) still permeate the proceedings, and the group's penchant for Anglo-Saxon indie pop from The Nineties (think Electrelane, Stereolab, American Analog Set) still rings out, but there's an air of - dare we say - maturity in "Principia"s twelve songs. The group always felt a little 'out-of' and 'ahead-of' its time, but tunes like "Wonder" "The Cutoff" and "Same Old Story" are cinematic and romantic, and absolutely feel like the next great phase of an already great band.

Cream Colored Reissue

Kolonel Djafaar"s "Cold Heat" packs a mighty punch, combining the irresistible charm of Ethio jazz and psych rock with the power of a big band brass section, that has made them a formidable live force across Belgium. As they come into their own cinematic sound, now is the time for them to be enjoyed more widely, thanks to masters of exotic groove, Batov Records. Kolonel Djafaar"s debut release for Batov is an all-killer-nofiller EP. On "Bactrian Camel"" the four-man brass section picks up a thundering groove, only for the organ-led rhythm section to answer with their own snaking retort. Joris Wendelen"s electric guitar riffing adds a further Middle Eastern flavour to the stew. Written by trombonist Willem De Mol, who delivered the song after two months alone in Russia, "Lamentation" continues the Ethio vibe with a little Latin panache. The brass-led tone here is mysterious, the melody lingers. An almost surf-esque guitar solo transports the listener before the main groove on organ and brass recalibrates us to the solid rhythm.

The album’s title is a play on the word “Israel, meaning "to wrestle with God,” and IDK finds himself struggling with the existence of “He” – or God – during the course of the album’s 35 minutes, but not getting a clear answer. And he invites the album’s featured artists and the album’s listeners to think through the complexities of (their relationship with or belief in) Him.

Sound Of Smoke sind eine vierköpfige Psychedelic Soul- & Bluesrock Band aus Freiburg mit einem ordentlichen Vintagevibe. Die Bandmitgliedern um Frontfrau Isabelle Bapté schaffen es mit einem Mix aus Blues, Soul und Stonerrock auf eine Reise durch die Zeit mit zu nehmen, als Klänge a la Jefferson Airplane, Black Sabbath und Led Zeppelin in Ihren Bann zogen. Mit "Phases" veröffentlicht das Freiburger Psychedelic-, Soul- & Bluesrock Quartett kaum ein Jahr nach der Platte "Tales" ihre zweites Album über Tonzonen Records. In zahlreichen psychedelischen Jamsessions entstanden elf neue Songs, welche man im legendären Big Snuff Studio in Berlin aufnahm. Das Album wurde in einer 10-tägigen Session komplett analog mit der Technik aus den 60er & 70er Jahren auf Tonband von Szenen-Ikone Richard Behrens (Kadaver, Elder, Odd Couple, All Them Witches uvm.) aufgenommen. "Phases" überzeugt mit eingängigen Bluesrockriffs, orientalische Klängen, bis hin zu schwebenden, sphärischen Klangwelten aber auch Krautrock. Das Leitmotiv bleibt jedoch Isabelle Baptés versiertes Flötenspiel und ihre warme, individuelle Stimme, welche Grace Slick wieder aufleben lässt. Florian Kiefer, welcher den Titel "Reincarnation of Lemmy Kilmister" mit seinem markanten, grollendem Basssound (und Backenbart) für sich beansprucht, bildet mit Johannes Braunstein ein groovendes Fundament im Stile von John Bonham. Getreu dem Motto "Im just tryin to write the best guitar riff in history" wie schon einst Jimmy Page oder Richie Blackmore und einem Faible für Wildwestromantik, trägt Jens Stöver letztlich das gewisse Etwas zum "Sound Of Smoke" bei. Veredelt wurde "PHASES" danach noch mit Orgel- und Synthoverdubs von Isabelle und Florian. Sound Of Smoke freuen sich mit " Phases" ihr anspruchsvollstes Album einem großen Publikum präsentieren zu können.

'É o que a casa oferece' ist Gabriels Debütalbum bei Stones Throw. Es ist eine Hommage an seine brasilianischen Wurzeln, verleiht aber auch der Musik, mit der Gabriel aufgewachsen ist, einen modernen Anstrich. Für Fans Rodrigo Maranhão, Arthur Verocai, Azymuth, Domenique Dumont, Stan Getz & João Gilbert'.

White Vinyl

Die Ursprünge von HOST, dem neuen Projekt von PARADISE LOST-Sänger Nick Holmes und Gitarrist Greg Mackintosh, gehen nicht auf ihr gleichnamiges Album von 1999 zurück, sondern auf die Musikclubs in West Yorkshire Mitte bis Ende der 1980er Jahre. Während Holmes und Mackintosh bereits ausgewiesene Heavy-Metal-Fanatiker waren ("metal thrashing mad", wie Holmes es ausdrückt), fühlten sie sich gleichermaßen von der New-Wave- und Goth-Musikszene angezogen. Die stampfenden Rhythmen, die erhabenen Melodien und die unterschwellige Düsternis zogen sie in ihren Bann und sorgten für sofortige Ohrwürmer und den Wunsch, sich weiter damit zu beschäftigen. Holmes und Mackintoshs bald aufkeimende Karriere als Pioniere des Gothic Doom Metal in PARADISE LOST mag diese Fixierung zur Seite geschoben haben, aber die Klänge und die Aura haben sie nie verlassen. Im Gegenteil, sie wurden mit jedem Jahrzehnt noch stärker.

Ihr Debüt "IX" ist eine eklektische, mitreißende Sammlung von Songs, die eine einheitliche Front der Dunkelheit bilden, die mit Orchestrierung und Texturen verwoben ist. Ergänzt durch sorgfältig platzierte Gitarrenlinien, ist das Album eine weitere Umsetzung von Mackintoshs intuitivem Songwriting und rastlosem kreativen Geist. Um die Songs auf "IX" zu kreieren, verließ sich Mackintosh auf den Ansatz, mit einer Klavierlinie zu beginnen. Die von ihm selbst als "einfach" bezeichneten Akkordfolgen oder Klavierlinien wurden dann an Holmes weitergeleitet, um Ideen für den Gesang zu sammeln. Sobald die beiden eine Richtung gefunden hatten, schmückte Mackintosh jeden Song mit üppigen, aber eindringlichen Klanglandschaften aus - und verwischte dabei oft die Grenzen zwischen Gitarre und Keyboards.

Das Debut Album von HOST "IX" erscheint als limitierte weiße LP im Gatefold.

YUNGBLUD ist zurück und vielfältiger denn je, so ließ der Upcoming-Superstar sich zur Ankündigung seines neuen Albums „YUNGBLUD“ sein Manifesto auf die Rippen tätowieren. Selbst-betitelt, nahezu
schmerzhaft, voller Ehrlichkeit und heiß erwartet: „YUNGBLUD“ erscheint endlich am 2. September!

Mit seinen gerade ein mal 25 Jahren ist der talentierte Brite bereits unbestreitbar zum Rock’n’RollAushängeschild der Generation Z geworden ist. Auch seine gänzlich ausverkaufte LIFE ON MARS Tournee durch gesamt Europa und weltweit über 500 Millionen Streams auf seinen Songs sprechen wortlos für ihn und seinen Erfolg. YUNGBLUD hat inzwischen eine treue Fangemeinde auf der ganzen Welt, die zu seinen imposanten Shows strömen und jedes Wort seiner Songs mitschreien, als hinge ihr Leben davon ab.

Über sein neues Album sagt YUNGBLUD: “I have thought and felt this record so deeply. I went to a part of myself that I didn’t know was there.”. Er widmete seinem neusten Werk vollste Aufmerksamkeit und begab sich auf die Suche nach seinen tiefsten Emotionen: “ I studied it, I bathed in the emotion, tried to solve the equation and come up with an answer (at least for now) from love to pain, adoration to abandonment, laughter to betrayal.”

Das Album erschein als Standard CD und 12” Vinyl.

Stacked Maxi EP of heavily dubbed house from part-time rockstar and full-time posterchild of Detroit's next generation. 2Lanes turns in an impressive set for Cape St. Francis' second release.

Limited to 300 copies

"Mind Print" features Jonah Baseball on Guitar
"TX Pluck" features Jonah Baseball on Bass Guitar and Synth Keys
"Everlast" features Natty G on Vocals

Mixed by Salar Ansari
Mastered by Rude66
Artwork by Zeevaarder

After 6 years and 7 volumes, the Tramp Records crew invites you to join them on yet another enlightening journey into soulful Jazz, Folk and Funk from the 1970s.

This 8th volume contains nineteen Jazz, Soul and Folk nuggets from between the late 1960s and the late 1970s. One of the many highlights is the opening track by Bobby Cole which is most likely one of the finest independently produced vocal jazz recordings ever put on wax. So true. Oscar Brown Jr. and Mark Murphy sends its regards. But that's just the beginning. Praise Poems Vol.8 covers a wide selection of genres, from big band jazz (Helmut Pistor's Big Rock Jazz Band and Germany's own Ladykiller) to psych-pop (Portraits in Sound, Harve and Charee and Allison & Shaffer), from folk-rock (Flash, Garndarf and the incredible Fang Buzbee) to AOR (The Menagerie and Penn Central), completing the set with a handful of melancholic folk beauties, most notably Hans Hass Jr.'s mind-blowing "Welche Farbe hat der Wind".

Very few compilation series' release as many as eight volumes and those that get that far often start to run out of quality music or meander too far from their original artistic direction. That certainly is not the case with the "Praise Poems" series which leaps from strength-to-strength as our team of compilers and researchers continue to unearth lost and often overlooked music from an era long gone. Many of these records were released in small quantities as private pressings or by small regional labels. Obviously, those labels neither had the budget, expertise, nor options to promote their releases in a sweeping way. Therefore the majority of these artists failed to find the wider audience their music so richly deserved.

Anna B Savage has always asked questions in her music, but on new album in|FLUX answers are no longer her quest. Vulnerability and curiosity have consistently been operative words to describe her work and on her second album she ruminates on the complexities and variables of humanity, the pain or pleasure of love, loss and earthly connection, capturing it all in devasta- ting, elating and powerful ways. The key difference between this and previous releases: she’s not anxious about what’s on the other side. She’s come to appreciate staying afloat - basking even - in the open ended, uncertainty of the grey area.

Anna B Savage‘s new album features the singles „The Ghost“ & in|FLUX“ and will be released on 17th February on City Slang.

Über 6 Milliarden Streams für ihren bisherigen Katalog und mehr als 20 Millionen Follower:innen rund um die Welt – Aya Nakamura hat in den jüngsten Jahren Standards gesetzt. Nun öffnet der französisch-malische Superstar das nächste Kapitel für sich: Am 27. Januar erscheint das neue, vierte Album „DNK“, schon heute gibt es die Single „Baby“ in Begleitung eines Musikvideos – siehe unten.

„DNK“ folgt auf das 2018 veröffentlichte „NAKAMURA“ – das meistgestreamte französischsprachige Album aller Zeiten – und „AYA“, das 2020 erschien, zum meistgestreamten Album des Jahres 2021 einer Künstlerin in Frankreich wurde (über 1 Milliarde Streams!) und den Victoire de la Musique France Music Award 2022 gewann. Zusammen haben sich Nakamuras Alben weltweit über 1,5 Millionen Mal verkauft – und das nicht etwa nur in französischsprachigen Ländern, sondern quer durch Europa, Afrika und Südostasien. Wie populär die Künstlerin ist, zeigen auch ihre Zahlen bei TikTok: über 40 Millionen Creations und mehr als 40 Milliarden Views auf fünf Kontinenten gehen auf ihr Konto.

Nachdem die Titel der beiden Alben „Aya” und „Nakamura“ sich auf ihre Künstlernamen bezogen, gibt der Titel „DNK“ des neuen Albums einen Hinweis auf ihren bürgerlichen Nachnamen Danioko. Unverändert bleibt ihr einzigartiger lyrischer Stil, der der Pariser Slang, Arabisch und Bambara (die malische Sprache ihrer Eltern) vereint und Afrobeat, Pop, R&B und den karibischen Dance-Sounds des Zouk einen frischen Anstrich verpasst. Für zusätzliche Abwechslung sorgen die Features des Albums, darunter die aufstrebenden Rapstars Tiakola & SDM und die bekannte karibische Zouk-Sängerin Kim

- Mintgrünes Doppelvinyl (140g) inklusive Downloadcode und exklusivem 12” Art Print.


ODESZA veröffentlichen ihr viertes Album auf Ninja Tune inklusive Features von The Knocks, Bettye LaVette, Låpsley, Izzy Bizu, MARO, Ólafur Arnalds, Julianna Barwick & Charlie Houston.

ODESZA veröffentlichen ihr viertes Album ’The Last Goodbye’ auf Foreign Family Collective/ Ninja Tune. Es ist das bisher ambitionierteste & emotional mitreißendste Album des Grammy nominierten Duos. Ein Projekt voller Glanz und Emotionen, nostalgisch und doch in der Gegenwart verwurzelt, ist es ein mitreißendes Klangerlebnis, das Themen wie Verbindung, Erinnerungen und den Einfluss, den wir aufeinander ausüben, anspricht. Es ist eine lebhafte Feier der Menschen und Momente, die unsere Fingerabdrücke hinterlassen haben und die in der gesamten Platte widerhallen. Es ist das bisher persönlichste Album des Duos und eine brillante Sammlung, die Vergangenheit und Gegenwart auf euphorische Weise miteinander verwebt. Neben The Knocks, Bettye LaVette und MARO werden auf „The Last Goodbye“ auch Julianna Barwick, Låpsley, Ólafur Arnalds, Izzy Bizu und Charlie Houston zu hören sein. Das Produzentenduo ODESZA besteht aus Harrison Mills und Clayton Knight, die zusammen Musik zu machen begannen, nachdem sie sich an der Universität in Washington, USA, kennengelernt hatten. 2012 veröffentlichten sie ihr von der Kritik gefeiertes Debütalbum „Summer's Gone“, gefolgt von der 2014 mit Gold ausgezeichneten Platte, „In Return“, die an der Spitze der Billboard Dance-/ Electronic-Charts debütierte und die Platin-Single „Say My Name“ enthielt - ein Remix des Tracks von RAC wurde später für einen GRAMMY 2016 nominiert. Ihr drittes Album, „A Moment Apart“, wurde 2017 veröffentlicht, ebenfalls mit Gold zertifiziert und brachte ihnen zwei GRAMMY-Nominierungen für das beste Dance-/ Electronic-Album und die beste Dance-Aufnahme für die Gold-Single „Line Of Sight“ ein. Das Album erreichte Platz 2 in den UK-Dance-Album-Top 40 Charts und Platz 2 in den iTunes-Electronic-Charts im Vereinigten Königreich und debütierte auf Platz 3 der Billboard Top 200 in den USA.

Rulaman steht für schwebende, psychedelische Klangteppiche, gewoben aus einem erdigen und analogen Sound. 2015 gegründet, gelang es der Band unter dem Namen The Hace schnell lokale Erfolge zu feiern.2019 veröffentlichten sie die Debüt EP 'Peacemaker'.2020 wurde aus dem Quartett ein Trio und Rulaman war geboren. Mit der EP 'Rulaman' veröffentlichte die Band zum ersten Mal eine konzeptionelle EP, die ihre Zuhörer auf eine Reise durch Wald, Wüste, Sumpf und den eigenen Geist entführt. "To Serve The Dune" ist nun ihr Debütalbum via Tonzonen Records. Direkt der Album Opener 'Bitkin (Wake)' nimmt die Zuhörer*innen mit in die Tiefen der Psyche und kalten Monate. Mit starken Riffs und treibenden Drums wird einem hier eine neue Seite von Rulaman gezeigt, die nun durchaus härtere Töne anschlagen. Nur zwei Titel später werden im Instrumental 'Creatures' gewohnte, sphärische Klänge mit rhythmischen Bässen und fesselnden Melodien gemischt. Auch durchaus kritische Texte umfasst das Portfolio des Trios. 'ThirtyNine' erzählt die Geschichte eines machtgierigen Herrschers der seine Bevölkerung aushungert um sich selber daran zu bereichern.

- Erste Pressung, schwarzes Vinyl, limitiert auf 1000 Stück weltweit Uffe Lorenzen (alias Lorenzo Woodrose) ist der Frontmann von BABY WOODROSE und SPIDS NOGENHAT, der bei diesem Projekt allerdings unter seinem bürgerlichen Namen aufnahm und zudem auf Dänisch singt. Das erste Ergebnis ist das neue Soloalbum "Galmandsværk", das am 10. November erscheint und während eines Urlaubs auf der kleinen Vulkaninsel Gomera nahe der Küste von Marokko geplant wurde, wo er sich zum Großteil in einem kleinen Raum verschanzte und nichts anderes tat, als zehn Wochen lang neue Songs schrieb. Uffe Lorenzen: "Ich hatte im vergangenen Winter die Gelegenheit, für ein paar Monate zu reisen und entschied mich, viel Zeit damit zu verbringen, den Ozean zu betrachten und Songs auf Dänisch zu schreiben. Ich glaube, ich habe meine eigene Methode gefunden und vielleicht sogar einen persönlicheren Blickwinkel. Ich denke immer noch, dass das Schreiben auf Dänisch eine Herausforderung darstellt, aber ich glaube, dass der ehrlichere Ausdruck eine ehrlichere Darstellung verdient, daher sollte der Name LORENZO WOODROSE, der wirklich nur für Leute außerhalb Dänemarks zwecks Aussprache gedacht war, fühlte plötzlich merkwürdig oberflächlich an ".Galmandsværk (übersetzt "Akt des Wahnsinns") enthält zehn Lieder, die in viele Richtungen gehen und sich anhören, als ob BABY WOODROSE, SPIDS NOGENHAT und DRAGONTEARS verschmolzen sind und zu etwas Neuem wurden. Der Sound des Albums ist überwiegend akustisch mit vielen exotischen Instrumenten wie Sitar, Tablas, Bansuri, Drehleier und Geige. Uffe Lorenzen: "Ich denke, ich bin an einem Punkt angelangt, an dem ich neue Wege finden muss, um den Prozess interessant und motivierend zu gestalten. Diesmal war das Schreiben auf Dänisch nur eine Herausforderung von vielen. Wir haben zum Großteil Akustikinstrumente verwendet und versucht die üblichen Fehle rzu vermeiden, indem alle Songs mit einer einfachen Aufnahme von Gesang und Gitarre anstelle von Rockdrums und Gitarrensolos begonnen wurden und das Album zu einem ganz anderen Universum gemacht hat als alles, was ich in der Vergangenheit getan habe." "Galmandsværk" wurde mit einem analogen Ansatz aufgenommen. Das gesamte Album wurde auf einem Band gemischt, was bedeutet, dass kein Schneiden und Einfügen und keine Verwendung von Pro-Tools erforderlich war. Produziert wurde es von Uffe Lorenzen, Anders Onsberg und Anders Kjærsgaard im wunderschönen STC Studio in Kopenhagen und von Flemming Rasmussen in Sweet Silence gemastert.

Das Trio, in Rio de Janeiro gegründet, ist stark vom englischen und italienischen Prog Rock der 70er Jahre inspiriert, aber auch von traditioneller und populärer brasilianischer Musik beeinflusst, was ihnen einen besonderen und ziemlich einzigartigen Sound verleiht. Caravela Escarlates drittes Album ist eine neue Reise in alte Progressive-Rock-Wege. 'III' erinnert an historische Themen in verschiedenen Kontexten - Römisches Reich, Mittelalter, präkolumbianische Zivilisationen und Zeitalter der Entdeckungen. Das Cover-Artwork ist ein Gemälde des britischen Künstlers J.M.W. Turner, das den Ausbruch des Vesuvs darstellt, der Pompeji im Jahr 79 n. Chr. zerstörte. Musikalisch liefert die Band eine tiefe Melange aus Orgel und Synthesizern auf einer soliden Grundlage von Drums und Bass. Sieben Tracks (zwei Instrumentals) befeuern den einzigartigen Ansatz von Caravela Escarlate, der universell Einflüsse inkl. brasilianischem Akzent im Prog Rock mischt.

Between electronic music and traditional African music, dive into the heart of this subtle mix thanks to the leading artists of the genre! Bonobo - Vaudou Game - Bonga -Guts - Fatoumata Diawara - Philippe Cohen Solal - Manu Dibango -Anschorsong

Gold/ Bone Vinyl

Das Duo Tribunal aus Vancouver mag der breiten Welt noch unbekannt sein, aber das fesselnde Debütalbum "The Weight Of Remembrance" ist angeteten, das zu ändern. Im schwarzen Samtgewand des Gothic Doom Metal weben Tribunal düstere Geschichten von ultimativer Verurteilung, nicht enden wollendem Regen und einsamer Verzweiflung.

Mit dem klassisch ausgebildeten Cellisten/Bassisten/Sänger Soren Mourne und dem Gitarristen/Sänger Etienne Flinn bedient sich das Duo mit seinen ziegelsteinschweren, klassischen Doom-Riffs am klassischen Death Metal-Schwere wie z.B. My Dying Bride, allerdings gefiltert durch ein modernes Kaleidoskop. Der Sound ist mit Anspielungen auf die 80er und 90er Jahre sofort vertraut, klingt aber nie retro oder wie eine bloße Hommage. "The Weight of Remembrance" erweckt vielmehr das Gefühl eines sorgfältig komponierten Orchestersatzes, der zu einer bröckelnden, mit Moos bewachsenen Kathedrale passt. Die Vocals des Duos wechseln häufig zwischen geisterhaftem, klagendem Cleangesang, beißendem Kreischen im Black-Metal-Stil und furchteinflößenden Todesrufen.

Das Debüt von Tribunal ist eine unverzichtbare Ergänzung des modernen Doom-Kanons, der sich ausgehend von einer Basis aus erdrückender, tragischer Schwere und Verlorenheit in unendlich viele musikalische Richtungen entwickeln kann. In diesem Sinne hat "The Weight Of Remembrance" die vollendete Atmosphäre einer Band, die in Umfang und Ausführung ihrer Vision weit über ihr junges Alter hinaus ist.

Emo-Deutschpunk in den Neunzigern, Indierock-Experimente in den 2000ern und mittlerweile im queeren Power-Pop zu Hause: SCHROTTGRENZE Synthesizer, orchestrale Arrangements und klassische Chöre - die musikalische Reise, die hinter der einstigen Punkband aus dem niedersächsischen Peine liegt, ist erstaunlich. "Wir haben uns nie von der Musikindustrie, einer bestimmten Szene oder kommerziellen Erfolgsansprüchen abhängig gemacht und sind stets unseren gemeinsamen thematischen und musikalischen Vorlieben gefolgt", erklärt Sängerin* Saskia Lavaux, die SCHROTTGRENZE 1994 gemeinsam mit Gitarrist Timo Sauer gegründet hat. Bassist Hauke Röh und Schlagzeuger Lars Watermann vervollständigen das Quartett, das seit 20 Jahren in Hamburg ansässig ist. Als die Band 2017 - nach einer mehrjährigen Schaffenspause - mit dem Album "Glitzer auf Beton" ihr Comeback feiert, wird der Anspruch an die eigene musikalische Unabhängigkeit besonders deutlich. "Damals nahm die queere Trilogie ihren Anfang, die wir 2019 mit "Alles Zerpflücken" fortgesetzt haben und nun mit "Das Universum ist nicht binär" abrunden", fasst Saskia zusammen, die mittlerweile auf ihre ganz persönliche queere Transformation zurückblickt. Produziert wurden die besagten drei Platten, die eindeutig eine neue SCHROTTGRENZE-Ära markieren, allesamt gemeinsam mit Kristian Kühl. Neu hingegen ist die Zusammenarbeit mit Oliver Zülch, der in der Vergangenheit bereits Bands wie Die Ärzte, Sportfreunde Stiller und The Notwist tontechnisch supportet hat. Das Ergebnis: Ein neuer, klarer und empowernder Sound, der dem unabhängigen Bandkollektiv sehr gut steht.

Die norwegischen experimentellen progressiven Thrasher Vorbid sind endlich mit neuer Musik zurück - vier Jahre nach der Veröffentlichung ihres von der Kritik gefeierten Debütalbums. Vorbid ist eine junge, frische und unglaublich energiegeladene Metal-Band aus Arendal, Norwegen. Die früheren Alben erhielten erstaunliche Kritiken und bekamen viel Aufmerksamkeit in den Medien, was ihnen Tourneen mit norwegischen Underground-Schwergewichten wie Aura Noir, Obliteration oder Einherjer einbrachte. 2023 sind Vorbid noch technisch anspruchsvoller und faszinierenderer zurückgekehrt und haben das noch Spiel intensiviert. Nach dem 2022er CD-Release erscheint nun endlich auch die schwarze Doppel-LP in Kastentasche!

Priscilla Renea Hamilton , known professionally as Muni Long (pronounced "money long"), is an American singer and songwriter. Under her birth name, her solo debut studio album, Jukebox, was released through Capitol Records in 2009. She then spent the following decade co-writing songs for other recording artists, including the singles "California King Bed" by Rihanna, "Worth It" by Fifth Harmony, "Love So Soft" by Kelly Clarkson, "Imagine" by Ariana Grande, and the global chart-topper "Timber" by Pitbull featuring Kesha. She has received four Grammy Award nominations throughout her career, including for Best New Artist, Best R&B Song ("Hrs & Hrs"), and Best R&B Performance ("Hrs & Hrs"). She also received a nomination for Album of the Year through her work on Back of My Mind (2021) by H.E.R. . Public Displays of Affection is a soundtrack of intimacy that seemed to offer an answer: You let love lead. "I am a lover," Muni Long explains. "I prefer to be kind. I believe in fairytales. The reason Public Displays of Affection worked is because love was absent in R&B." For that breakthrough project, Muni wanted to mimic the ebbs and flows of a relationship, dipping and diving between moods and sounds - which is real, because love can be tumultuous, too.

The story of the new album begins when Las Robertas met producer Owen Morris (Oasis, The Verve, Ash, New Order) at a small, art gallery party in downtown San Jose. The result of this chance meeting is Love is the Answer, an album where the Welsh producer successfully highlights Las Robertas love of 90’s alt-rock greats like The Brian Jonestown Massacre, The Dandy Warhols, The Charlatans, LUSH, RIDE and The Breeders, while still sounding uniquely like Las Robertas.

Love is the Answer is a compilation of songs about love towards the universe, individual freedom and of hope in a time where the world seems ever closer to being consumed in chaos. It contains a pop edge while still combing shoegaze and psych rock influences.