Search:ans

LOSER pressing on - LIGHT BLUE BIO VINYL. Auf ihrem kaleidoskopischen zweiten Album, The Starrr Of The Queen Of Life, definiert Debby Friday den Erfolg auf ihre Weise. ,Ich will ein Star sein, diesen Wunsch kann ich nicht verbergen", sagt sie. ,Aber ich will nicht den Traum von jemand anderem leben oder einem vorgegebenen Weg folgen." Für die nigerianisch-kanadische Universalgelehrte bedeutet Starrr zu sein, in den Extremen zu leben: öffentlich oder privat, Selbstüberschätzung oder Demut, Fliegen oder Fallen. Ein Starrr zu sein bedeutet, den apokalyptischen Hedonismus eines nächtlichen Raves zu umarmen - und die Gemeinschaft im ,dunklen Raum, Mädchen in der Schlange für die Toilette" in der brummenden House-Hymne ,All I Wanna Do Is Party" zu finden. Es bedeutet, dass sie mit den Detroiter Techno-Wunderkindern HiTech in ,In The Club" Zeilen über Flaschen auf Eis austauscht und auf der Tanzfläche ausflippt, während sie zugibt, dass sie ,in diesen Tagen kaum auf der Tanzfläche ist". Es ist der Sound der Entdeckung, was nach dem Erfolg kommt, von dem die meisten Künstler nur träumen - wie man hell brennt, ohne auszubrennen. In 11 Songs stellt The Starrr Of The Queen Of Life Freitags chamäleonartigen Gesang zur Schau. Von der spärlichen, hauchzarten Schönheit des liebeskranken ,Leave" bis hin zum treibenden Post-Punk von ,Darker The Better". Der Gewinn des Polaris-Preises 2023 für ihr Debütalbum GOOD LUCK hat Debby Friday nur noch mehr angespornt: ,I'm tryna see more/ Man, I want the payoff" rappt sie über laserartige Synthesizer auf dem mühelos kopierten Kiss-off ,Lipsync`. Aber das Leben auf Messers Schneide kann nur eine gewisse Zeit lang aufrechterhalten werden: Während einer Nonstop-Tournee zur Unterstützung des Albums wurde sie schwer krank. Die Diagnose? Stressinduzierte Gürtelrose. Diese Erfahrung zwang Friday dazu, sich nach innen zu wenden. Im folgenden Jahr änderte sich ihr Management, ihre Routine und ihre Prioritäten. Um ihre Vision von radikaler Ehrlichkeit auf der Tanzfläche zum Leben zu erwecken, rekrutierte Friday den australischen Produzenten Darcy Baylis (Wicca Phase Springs Eternal). Die beiden kehrten zwischen ihren Tourneen in ihre De-facto-Heimat London zurück und tauschten im Studio von morgens bis Mitternacht Ideen aus. The Starrr Of The Queen Of Life ist voll von verschlüsselten, wenn-du-weißt-schon-wem-Referenzen, die Liebesbriefe und Anspielungen aus den Namen von It-Girl-Parfüms, französischem Cognac und hellenistischen Prophetinnen, die in Zungen sprechen, verweben. Es liest sich wie eine Manifestation von Freitags Streben nach einem experimentellen Popsound, der sich immer noch unverkennbar nach ihr anfühlt. ,Dieses Album handelt von der Idee, nach etwas zu greifen", sagt sie. ,Es geht darum, die Zeichen zu sehen und diesem Impuls zu folgen, immer mit der Möglichkeit, entweder in die Sonne zu fliegen oder auf die Erde zurückzufallen." Auf The Starrr Of The Queen Of Life erhebt sich Debby Friday in die Lüfte, um ihre Flügel zu befestigen und dem Klang ihrer eigenen Stimme zu folgen.

ROMEs viertes Studioalbum „Flowers from Exile“, ursprünglich 2009 veröffentlicht, nimmt zweifellos einen ganz besonderen Ehrenplatz in ROMEs umfangreichen Gesamtwerk ein und ist bis dato eines der wichtigsten wie auch beliebtesten Alben der Band. Als der damalige Co-Produzent und Tontechniker Patrick Damiani - der zudem als Musiker und Arrangeur an dem Album beteiligt war - Frontmann Jerome Reuter darauf ansprach, die Originalspuren auszugraben und die Aufnahmen in neuem Gewand aufzuarbeiten, war die Versuchung verständlicherweise sehr groß, das Meisterwerk mit frischen Ohren und aktualisierter Technik neu zu entdecken.

Viele Jahre nach den ursprünglichen Sessions waren Reuter und Damiani über die räumliche Tiefe der Aufnahmen und der klanglichen Breite des einst aufgenommenen Materials erstaunt. Sie erkannten, dass diese wegweisenden Aufnahmen aus den Anfangsjahren von ROME mit einem neuen Ansatz und aktualisierten Mischtechniken zu etwas wahrhaft Einzigartigem ausgebaut werden könnte. Mit großer Ehrfurcht und allem gebotenen Respekt vor dem Album und dessen ursprünglichen Sound, näherten sich beide Schritt für Schritt an den Klassiker heran und hoben in minuziöser Kleinstarbeit die einzelnen Originalspuren aus dem Sand der Zeit. So entstand nach monatelanger, detailversessener Arbeit „Flowers from Exile – Revisited“, welches den magischen Moment in der Frühgeschichte der Band zu neuer Größe (wieder-)erblühen lässt, ohne dabei die Essenz des fulminanten Originalwerks aus den Augen zu verlieren.

Die zwölf Songs des Albums entführen den Hörer auf eine atemberaubende Reise über ideologische Gräben hinweg, in die Zeit des Spanischen Bürgerkriegs und dessen Folgen - auch für einen Teil von Reuters Familie.

Erhältlich als:
- Digipak
- Schwarzes, 180 Gramm schweres 12“ Vinyl, Extra audiophiler Tonträger von hoher Qualität - deutsche Pressung, Stabile Kastentasche, Innenhülle mit allen Songtexten, Limitiert auf 500 Exemplare

Schon bevor Richard Pinhas Anfang der 70er begann, Musik zu machen, war er Fan von King Crimson. Bis heute hat ihn die Musik der britischen Band nicht losgelassen, aber am größten war deren Einfluss sicherlich ganz am Anfang. Auf dem zweiten Heldon-Album "Allez-Teia" wird das besonders deutlich. Es erschien 1975 auf Pinhas" eigenem Label Disjuncta. Der Eröffnungssong, eine schwebende Mischung aus Mellotronklängen und einer verwischten Gitarre, trägt den Titel "In The Wake Of King Fripp". Diese doppelte Anspielung bezieht sich einerseits auf den Bandgitarristen Robert Fripp und andererseits auf "In The Wake Of Poseidon", das zweite King-Crimson-Album. Das meditative "Omar Diop Blondin" mit seinen frei schwebenden Tönen über einer repetitiven Gitarrenfigur ist ausdrücklich Brian Eno und Fripp gewidmet. Ebenfalls großen Einfluss auf Pinhas übte Robert Wyatt von Soft Machine aus. Trotzdem ist "Allez-Teia" kein Tribut-Album. Die Stücke, die Pinhas zusammen mit seinem Partner Georges Grunblatt erarbeitete, erscheinen auf den ersten Blick freudig-schön, tragen jedoch alle eine angespannte Unterströmung in sich. Sie bilden ein Wechselspiel aus federleichter Akustikgitarre, Mellotron-Teppichen, Fuzz-Sounds und schweren, sphärischen Synthesizer-Klängen.

Es ist fast ein wenig gespenstisch, was sich auf "It"s Always Rock"n"Roll" abspielt. Zwar hat Richard Pinhas nichts von seiner charakteristischen Angriffslust eingebüßt, und auch die aus den ersten beiden Heldon-Alben bekannte sägende Gitarre ist neben den vertrauten Sphärenklängen seiner Synthesizer nach wie vor vorhanden. Doch dazu pulsiert durch dieses Doppelalbum eine düstere Energie, eine fröstelige Aura, die selbst den ruhigsten Stücken eine Art bebende Anspannung verleiht. "Zu diesem Zeitpunkt wollte ich aus Heldon eine düstere Band machen", gesteht Pinhas. "Wobei düster für mich nichts Negatives bedeutet." Es geht ihm auch gar nicht um die Düsternis an sich, sondern darum, das Verborgene zu erforschen und Althergebrachtes zu hinterfragen, unter die glitzernde Oberfläche zu tauchen, um dort Geheimnisvolleres zu entdecken. Was "It"s Always Rock"n"Roll" vielleicht aus dem Repertoire von Heldon heraushebt, ist seine Ausdehnung, sowohl was die Größe der Ideen als auch die Länge der Stücke angeht. Die meisten Tracks sind jedenfalls über sieben Minuten lang, zwei Werke nehmen sogar eine ganze Plattenseite in Beschlag.

Alanis Morissette Delivers the Equivalent of a Spiritual Awakening on Supposed Former Infatuation Junkie:
Introspective Themes and Compassionate Emotions on Eastern-Tinged Album Have Grown More Relevant
1998 Smash Plays with Enhanced Detail, Rich Textures, and Sharp Focus on Mobile Fidelity’s 180g 33RPM 2LP Set:
First-Ever Audiophile Edition Strictly Limited to 3,000 Numbered Copies
1/2" / 30 IPS analogue master to DSD 256 to analogue console to lathe

Alanis Morissette refuses to adhere to convention on Supposed Former Infatuation Junkie. While most artists follow-up their breakthrough with an album that closely parallels the approaches that helped make them famous, the maverick singer-songwriter stayed true to herself and drew inspiration from travel to India before she began the recording sessions. As much as the preceding Jagged Little Pill put her on the global radar, Supposed Former Infatuation Junkie confirmed her role as a vital generational voice — and proved her blockbuster success was no fluke. Having set a mark for most sales of an LP in its debut week by a female artist, the 1998 smash remains a pop-rock staple.

Sourced from the original master tapes, strictly limited to 3,000 numbered copies, housed in a Stoughton jacket, and pressed at Fidelity Record Pressing, Mobile Fidelity’s 180g 33RPM 2LP set of Supposed Former Infatuation Junkie presents the triple-platinum LP in audiophile sound for the first time. Benefitting from defined grooves that befit the album’s nearly 72-minute length, this pressing plays with enhanced detail, refined clarity, sharper focus, and broader dynamics than prior versions.

Those traits are key given Morissette’s use of more textured and atmospheric soundscapes, not to mention her evolution into a more nuanced and controlled singer. Similarly, the scale and reach of David Campbell’s string arrangements come across as orchestrations should. Ditto the synth-based architecture shaped by producer and principal Morissette collaborator Glen Ballard. All in all, Mobile Fidelity’s collectible edition simply delivers more information via transparent means.

Notable for its balance, sophistication, and richness, Supposed Former Infatuation Junkie at heart finds Morissette pausing, taking a breath, and learning how to navigate life in a healthy manner after enduring one of the most exhausting and rocket-to-fame stretches any musician ever experienced. It’s the sonic equivalent of a spiritual awakening, a call to betterment, a brave assessment of the self and humanity as a whole. As such, the tunes on her second international (and fourth Canadian) release teem with gratitude, compassion, love, empathy — emotions that lend themselves to the largely mellow, contoured scope and Eastern-tinged melodies of the songs themselves.

“How ‘bout how good it feels to finally forgive you,” Morissette sings on the lead single “Thank U.” “How ‘bout grieving it all one at a time.” Those sentiments, and the vocalist’s embrace of concepts such as divinity and acceptance, not only provide a foundation on which Supposed Former Infatuation Junkie rests. They also reflect the personal maturation she gained from her embrace of Buddhist culture in India and a mindset bent toward notions of reconciliation, peace, and sensuality that were nearly absent in popular music in the late ‘90s.

Those themes continue on “That I Would Be Good,” a confident reflection that takes stock of one’s mental, physical, and emotional state in the face of both changing and unpleasant circumstances — and concludes with Morissette performing a flute solo, further exposing the raw intimacy of the introspective tune. She channels relatable simplicity and joy on “So Pure,” with her invocations of “dance” and “freestyle” speaking to the freedom of expression that courses throughout Supposed Former Infatuation Junkie. And perhaps no song finds Morissette showcasing her refreshed attitude toward life and opening up more than the relationship-themed “Unsent,” whose unconventional structures and lack of a chorus only add to its directness.

Akin to many albums that were ahead of their time, and despite the critical and commercial accolades afforded it upon release, Supposed Former Infatuation Junkie attracted new appreciation and perspective as it got older. Issued during an era where its ideas of serenity, absolution, tranquility, and contentment seemed largely alien, the record — akin to the ways its predecessor foreshadowed a movement — now functions as a visionary beacon that foretells of way to maintain sanity, dignity, and goodness amid a contemporary landscape filled with constant distractions, polarizing views, and incessant calls to purchase, promote, and produce without questioning the what-for purpose.

Supposed Former Infatuation Junkie dares to ask the questions and, at its best, supplies meaningful answers and alternatives that lead to longed-for enlightenment, healing, and laughter. For these reasons alone, it’s a record that never goes out of style.

Top french drum & bass, loud mastered ans banging.

GASTEROPODES KILLERS présente Poison Ideas son nouvel album aux sonorités punk-rock-ska. Nos Escargots Tueurs se sont formés il y a 33 ans en Seine St Denis, avant de ramper, lentement mais sûre-ment, jusqu’en Charente sans bave ni lé-zard !
Amateurs de punk-rock, de hardcore et de ska, ils revendiquent haut et fort leurs influences : Clash, Parabellum, Mano Negra, Bérurier Noir, Garçons Bouchers, Wampas, La Souris Déglinguée, Madness, Bad Manners, Specials, Total Chaos, Exploited, Agnostic Front et autres Poison Idea.
Ces Assassins à Coquille se composent de Nath (chant & basse), de Droopy (chant & guitare), de Drunk (choeurs & guitare) et de Boul (batterie & chant). Chacun puise dans l’actualité, son quotidien, ses expériences personnelles ou dans le cinéma pour produire chansons et musiques tranchantes. Et puis, si le dessinateur Chester assure la pochette, alors l’humour est aussi de mise.
Attention, nos Colimaçons Criminels n’en sont pas à leur première sortie discographique et connaissent le « Do It Yourself » sur le bout de la langue. Maîtres dans l’art de la reptation et en totale indépendance, les GASTEROPODES KILLERS ont enregistré et mixé ce neuvième album dans leur studio La Coquille 2.

C’est le retour des Mollusques Terrestres Meurtriers, il est temps de relever vos antennes et de prendre la coquille en marche !!!

oulette - GO! (2025) | Melodic Rock at Its Finest!
Roulette is back, delivering another AOR/Melodic Rock milestone with their highly anticipated full-length album, "GO!" Featuring 10 brand-new
songs, this release follows the critically acclaimed "Now!" (2019) and continues the band's remarkable musical evolution.
Their recent EP "From Now Until Today" (2024) showcased their ability to develop their songwriting while staying true to their roots. Now, "GO!"
takes that journey even further.
"We have connected to our roots of Thin Lizzy, Def Leppard, Bryan Adams, and Van Halen," says bass player Hansi Fellbrink.
Expect powerful melodies, soaring vocals, electrifying guitar riffs, and a pounding rhythm section-everything that defines Roulette's signature
sound.
Following the massive success of their latest single, "Love's The Drug"-which has dominated the Swedish charts for over 7 months-"GO!" is set to
raise the bar even higher.
And with their reputation for extraordinary live performances, Roulette will bring their energy to the stage with several live shows, including an
exciting tour in Spain this October (2025).

Sounds like: Def Leppard, Journey, Europe oder Foreigner!

oulette - GO! (2025) | Melodic Rock at Its Finest!
Roulette is back, delivering another AOR/Melodic Rock milestone with their highly anticipated full-length album, "GO!" Featuring 10 brand-new
songs, this release follows the critically acclaimed "Now!" (2019) and continues the band's remarkable musical evolution.
Their recent EP "From Now Until Today" (2024) showcased their ability to develop their songwriting while staying true to their roots. Now, "GO!"
takes that journey even further.
"We have connected to our roots of Thin Lizzy, Def Leppard, Bryan Adams, and Van Halen," says bass player Hansi Fellbrink.
Expect powerful melodies, soaring vocals, electrifying guitar riffs, and a pounding rhythm section-everything that defines Roulette's signature
sound.
Following the massive success of their latest single, "Love's The Drug"-which has dominated the Swedish charts for over 7 months-"GO!" is set to
raise the bar even higher.
And with their reputation for extraordinary live performances, Roulette will bring their energy to the stage with several live shows, including an
exciting tour in Spain this October (2025).

Sounds like: Def Leppard, Journey, Europe oder Foreigner!

Hot Chocolate’s ‘Every 1's a Winner’ now on 1LP Black vinyl, is the fourth studio album by British band Hot Chocolate, released in April 1978. Selling over a million copies in the U.S. The album features nine tracks, including the hit singles "So You Win Again"—the band’s first UK number-one and "Every 1's a Winner".

Magenta & Blue Swirl Vinyl. Electric Youth ist ein in Toronto ansässiges Duo, bestehend aus Austin Garrick und Bronwyn Griffin, die erstmals mit dem Soundtrack zu dem 2011 für den Oscar nominierten Film "Drive" (mit Ryan Gosling in der Hauptrolle) bekannt wurden. Ihr mittlerweile ikonischer Erkennungsmelodie "A Real Hero" unterlegte mehrere Schlüsselszenen des Films und wurde von Kritikern hoch gelobt. Ihr Debütalbum "Innerworld", das die beliebte Single "A Real Hero" enthält, ist seit einigen Jahren auf Vinyl vergriffen. Zum 10-jährigen Jubiläum der Veröffentlichung kommt eine neue Pressung auf "Magenta & Blue Swirl Vinyl", die zudem 6 Bonus Tracks enthält - drei neue Songs und drei Remixe, u.a. von den legendären französischen Elektronik Künstlern Lifelike und Fred Falke.

Alice is a vocal harmony trio made up of three persons, joined by a cheap synth and limited virtuosity. Together, they craft a kind of future folklore that’s part funny, part apocalyptic — half-soft, half-harsh, half-sad, half-simple, half-complex, half-controlled, half-Yvonne Harder, half-Sarah André, half-Lisa Harder.

Since their last album L’Oiseau Magnifique, Alice have spent time on the road — in cars, in trains, out in the open. Accustomed to writing outdoors, they slowly stitched together a collection of new songs. After two years of performing in clubs, bars, stairwells, carpentry workshops, activist agricultural fairs and roadside shoulders, they took their Oiseau Magnifique just about everywhere. It felt like time to sew these new pieces together — a quilt of humour and soft words, something we could really use in these half-sweet, half-fascist times.

Les Châteaux Faibles is the name of one of their latest songs, and naturally, the title of their new album. It captures the group’s ethos perfectly — a search for refuge in fragility, in a weakness that’s better when shared. A collective sensitivity to bring us closer, stronger — united in our Châteaux Faibles.

Alice is a vocal harmony trio made up of three persons, joined by a cheap synth and limited virtuosity. Together, they craft a kind of future folklore that"s part funny, part apocalyptic - half-soft, half-harsh, half-sad, half-simple, half-complex, half-controlled, half-Yvonne Harder, half-Sarah André, half-Lisa Harder.

Gary Numans Intruder-Liveshow in der OVO Arena in Wembley im Mai 2022 war eine elektrisierende
Demonstration von Innovation, Kunstfertigkeit, Energie und Eindringlichkeit. 1981 verkündete Numan
seinen Rückzug von Live-Auftritten und feierte dies mit drei ausverkauften Konzerten in Wembley. 41
Jahre später kehrte er in die Arena zurück und fand dort ein außergewöhnlich engagiertes Publikum vor,
das ihn stets unterstützt hatte.
Diese ikonische Show, ein unvergessliches Erlebnis für Numan und seine Fans, erscheint nun in zwei limitierten Editionen: einem 3LP-Livealbum und einer 2CD+Blu-ray mit Audio und Video der Show unter dem
Titel „A Perfect Circle“, einer Anspielung auf seine Rückkehr an den legendären Veranstaltungsort. Die
Blu-ray enthält außerdem ein Backstage-Interview mit Gary selbst.
„A Perfect Circle“ ist eine perfekte Mischung aus Vergangenheit und Zukunft, Dunkelheit und Licht sowie
elektronischer Innovation. Als Pionier der Musik überschreitet Numan weiterhin die Grenzen der Performance und beweist, dass sein Einfluss auf die Genres Elektronik und Rock ungebrochen ist. Für diejenigen,
die das Glück hatten, Zeuge zu werden, war die Show ein Zeugnis seines bleibenden Erbes und ein Blick in
die Zukunft der Live-Musik.

Rachika Nayar und Nina Keith veröffentlichen am 18. Juli unter ihrem neuen Projekt Disiniblud ein selbstbetiteltes Album!

Rachika Nayar und Nina Keith, aka Disiniblud, treffen sich in Brooklyn, in einem Park, der so klein ist, dass man nicht aneinander vorbeigehen kann, ohne sich zu bemerken. Sie reden. Erst über Musik, dann über alles. Über das, was war, über das, was nicht mehr sein wird. Post-Lockdown-Liebe auf Distanz, als würde man sich an jemandem festhalten, den es nie ganz gab. Buddhismus, Hinduismus, ein Soundtrack, den sie beide als Teenager geliebt haben. Ein Gespräch ohne Worte. Eine Verbindung, die sich anfühlt wie eine längst vergessene Kindheitserinnerung. "Disiniblud", das selbstbetitetelte Album, das am 18.07.2025 via Smugglers Way erscheint, ist das Echo davon. Rachika Nayar und Nina Keith verfolgen unterschiedliche musikalische Ansätze, die sie im gemeinsamen Projekt Disiniblud zusammenführen. Rachika veränderte mit ihrer 2022er LP "Heaven Come Crashing" ihr Repertoire: Statt Ambient-Gitarren setzt sie nun auf maximalistische Synthesizer, tiefe Sub-Bässe und Amen Breaks. Diese Fusion aus Post-Rock und Elektronika wurde von Pitchfork als Best New Music ausgezeichnet und fand Anerkennung in Medien wie The New York Times, Stereogum, Fader und GQ - zudem eröffnete sie Tourneen mit M83. Nina Keith ist bekannt für ihren autodidaktischen Kompositionsstil. Ihr Debüt "MARANASATI 19111" präsentierte sie mit Instrumenten wie Cello, Klavier, Klarinette und Flöte, um persönliche Erfahrungen und Erlebnisse im Zusammenhang mit Gemeinschaftstraumata und paranormalen Ereignissen musikalisch zu verarbeiten. Mit neuen Veröffentlichungen wie "Come Back Different" featuring Julie Byrne erweitert sie ihr Spektrum durch den Einsatz modularer Synthesizer und komplexer Vokalarrangements.





e a5. [it could happen]




[j] b5. [as is most (bimbo it out)]





[e] a5. [it could happen]




[j] b5. [as is most (bimbo it out)]

- erste Vinylversion des hochgelobten Albums aus dem Jahr 1991
- produziert von Charlie Bauerfeind und Dirk Schlächter
- enthält eine Bonus LP mit Demoversionen und raren, unveröffentlichten Tracks
- Remaster 2025, für das Medium Vinyl gemastert
- bedrucktes Inlay mit Liner Notes, Texten und vielen Abbildungen

Ende der Achtziger hatte sich Thrash Metal auch in Deutschland etabliert und spielte weltweit sogar eine führende Rolle. Bereits zu dieser Zeit war es einigen Bands nicht mehr genug, einfach nur schnell und aggressiv zu spielen.

Der Thrash Metal wurde in vielen Fällen anspruchsvoller und technischer. In den USA trieben das Watchtower auf die Spitze, in Deutschland folgten gleich mehrere Bands auf demAaarrg-Records Label (Mekong Delta, Target). Während andere Acts erst noch straight agierten und dann im Verlauf ihrer Karriere mit progressiven Elementen liebäugelten (Holy Moses, Deathrow, Destruction), schnürten die Hamburger MEGACE schon nach der Bandgründung 1988 ein anspruchsvolles Paket aus anspruchsvollem Thrash und Prog.
Mit der Sängerin Melanie Bock hatte man zudem ein besonderes As im Ärmel, denn sie kann Beides: Das kehlige Thrash-Shouting und melodischen Gesang. Das hob MEGACE direkt von anderen Bands ab, was ihnen direkt eine Chancen bot, die auch genutzt wurden.

Nach einigen Demotapes erschien das Debütalbum „Human Errors“, welches in der Presse durchweg gelobt wurde und auch heute noch Fans auf der ganzen Welt hat (Reissue auf CD und LP, Golden Core 2025). Das zweite Album „Inner War“ kam mit Verspätung im Jahr 1999 auf dem kleinen Label Angular (Sylvan, Vanishing Point, Lana Lane).

Der Thrashfaktor wurde ein Stück zurückgefahren, während die melodische Seite der Band und der Klargesang von Melanie Bock in den Vordergrund rückt. Das schafften MEGACE ohne sich zu verbiegen. 1999 war nicht der perfekte Zeitpunkt für diesen Stil, aber die CD fand über die Jahre immer mehr Anhänger und der Ruf nach einer Vinylausgabe wurde lauter.

Die damaligen Musiker entschieden sich, Golden Core den exklusiven Zuschlag zu geben

140g black 12“ Vinyl
Limited edition 300 copies

Limitiertes weißes Vinyl Eine exklusive Compilation des legendären britischen Indie-Labels él, das in den 1980er Jahren mit stilvollem Pop, kunstvollem Design und internationalem Einfluss begeisterte. Mit Künstlern wie Momus, Louis Philippe und The King of Luxembourg bietet The Rubens Room eine elegante Reise durch Kammerpop, Chanson und Filmscores - fernab vom Mainstream. Begleitend zum Buch Bright Young Things erscheint dieses Sammlerstück auf weißem Vinyl - ein Muss für Liebhaber anspruchsvoller Popkultur.

After more than a decade of music-making, Durand Jones & The Indications have blossomed as a unit and are basking in their successes. On their aptly titled new album, Flowers, The Indications unfurl their true colors _ embracing all their roots and influences, maturation and confidence, and share them with the world. Since forming in 2012, the road has taken The Indications from those origins at Indiana University, Bloomington to the global stage, selling out shows across Europe, Japan, Australia, and New Zealand to the West Coast_ where DJI has a strong following among the lowrider and vintage soul enthusiasts. For as far as Durand Jones & The Indications have come, Flowers grew from the desire to return to their roots in a Bloomington basement, a space where they first found camaraderie in gritty funk and Southern soul that would inspire their self-titled debut. Pulling sonically and spiritually from each of the group's previous releases and solo work, Flowers is the next stage of DJI's inspired soulful discography. DJI are not only accepting their flowers, but indulging in their sweet and sexy fragrance.

Das Debütalbum von Leroi Conroy, das zu gleichen Teilen von der Sensibilität des goldenen Hip-Hop-Zeitalters und verlorenen Filmszenen aus den 60er und 70er Jahren geprägt ist, wiegt schwer und hat Jahre der Entwicklung hinter sich. Die ersten beiden Tracks des Albums wurden 2017 als 45er veröffentlicht und in den folgenden Jahren von DJ Premier, Raekwon, Ghostface Killah, Macklemore, Phantogram und vielen anderen gesampelt. Aber nach der Veröffentlichung verbrachte Terry Cole alias Leroi Conroy einen Großteil seiner Zeit damit, sein Indie-Soul-Label Colemine Records zu vergrößern und Platten für andere zu produzieren (Okonski, Parlor Greens, Wesley Bright, BlackMarket Brass, Kendra Morris, Rudy De Anda, Delvon Lamarr Organ Trio, Andrew Gabbard), anstatt seine eigenen zu machen. Jetzt, acht Jahre nachdem viele der Rhythmustracks auf dem bewährten Tascam 388 aufgenommen wurden, erscheint Leroi Conroys Debüt-LP, "A Tiger's Tale". Das Album ist als hypothetischer Soundtrack zu einer alternativen Erzählung von Rudyard Kiplings The Jungle Book konzipiert. Die Erzählung ist das Bestreben des Menschen, die Natur zu zähmen und sie seinem Willen zu unterwerfen... und die Antwort der Natur. Das Album ist eine Mischung aus triumphalen Instrumentalpartituren und absolut düsteren, dunklen und manchmal dissonanten Moodytracks. Das zugrundeliegende Element der Hip-Hop-Sample-Kultur ist durchweg offensichtlich, und es besteht kein Zweifel, dass viele dieser Tracks in den kommenden Jahren geflippt werden. Klanglich reiht sich die Platte nahtlos in die Reihe vieler anderer Colemine Instrumentalisten ein: dreckige Lo-Fi-Drums, schmetternde Bläser, Wah-Gitarre, Hammond-Orgel und jede Menge cineastische Einsprengsel wie Flöte, Nylongitarre und Vibraphon. Das Schlagzeug stammt von Coles langjährigem Mitarbeiter Rob Houk und ist das Rückgrat des Albums. Und mit einigen Beiträgen der Colemine-Künstler Kelly Finnigan und Jimmy James ist die Platte wirklich eine Familienangelegenheit. File Under: To Be Sampled.

Das anglo-australische Indiepop-Quartett Allo Darlin' meldet sich nach über zehn Jahren mit dem neuen Album ,Bright Nights" zurück. Es ist die Rückkehr ihrer intelligenten, schönen Popmusik mit Texten, in denen Erfahrung mitschwingt, und Melodien, die klingen, widerhallen und schweben. Da sie sich und die Musik, die sie zusammen gemacht haben, vermissten, kündigten Allo Darlin' an im Oktober 2023 ein paar Konzerte in UK zu spielen, und die Reaktion der Fans war überwältigend. Die Tickets waren innerhalb Minuten ausverkauft, und die Fans reisten aus der ganzen Welt an, so dass die Band ihr Konzert in London in einen doppelt so große Halle verlegen musste. Es schien, als hätten ihre Fans Allo Darlin' genauso vermisst wie sie sich selbst. In diesem Jahr war die Band außerdem Headliner einer exklusiven Deutschland-Show auf dem Cologne Pop Fest und antwortete auf die herzliche Einladung mit einem speziellen Song mit dem Titel "Cologne". Bright Nights folgt den emotionalen Gezeiten der vorangegangenen zehn Jahre: "Es ist ein Album, das von Herzen kommt und sich mit Themen wie Liebe, Geburt und Tod beschäftigt - "Dinge, über die wir mehr nachdenken als bei unserem ersten Album. Ich hoffe, dass das Album zeitlos und fröhlich klingt, aber auch nachdenklich und emotional", sagt Songschreiberin und Sängerin Elizabeth Morris Innset. Inspiriert von einer Mischung aus klassischem (Indie-Guitar) Pop, Folk und Country, knüpft Bright Nights dort an, wo Allo Darlin' mit dem We Come From The Same Place von 2014 aufgehört hat, und erinnert an den selbstbewussten und anspruchsvollen Sound ihres zweiten Albums Europe. "Wenn ich es höre, denke ich an die Wüste, aber ich kann das Meer sehen. Die süßen Klänge der hellen Sommernächte in der nördlichen Hemisphäre, aber auch das Bewusstsein, dass der Winter eines Tages zurückkehren wird". Die Aufnahmen auf dem Album sind Live-Aufnahmen, die nach Meinung der Band die beste Art war, diese neuen Songs aufzunehmen. Allo Darlin' bringen uns an einen Ort, an dem wir uns geliebt fühlen. In einer wechselhaften Welt ist die warme Umarmung ihres neuen Albums ebenso notwendig wie willkommen. "Breezy rom-pop brilliance." 8/10, NME - "Classic indie pop... doesn't rewrite the formula for wistful bedsit charm as much as show that it can still be carried out masterfully." Pitchfork - "A masterclass of modern cult pop." The Guardian - "Terrific, witty and heartfelt, like a less moody Belle & Sebastian." The New York Times

Das anglo-australische Indiepop-Quartett Allo Darlin' meldet sich nach über zehn Jahren mit dem neuen Album ,Bright Nights" zurück. Es ist die Rückkehr ihrer intelligenten, schönen Popmusik mit Texten, in denen Erfahrung mitschwingt, und Melodien, die klingen, widerhallen und schweben. Da sie sich und die Musik, die sie zusammen gemacht haben, vermissten, kündigten Allo Darlin' an im Oktober 2023 ein paar Konzerte in UK zu spielen, und die Reaktion der Fans war überwältigend. Die Tickets waren innerhalb Minuten ausverkauft, und die Fans reisten aus der ganzen Welt an, so dass die Band ihr Konzert in London in einen doppelt so große Halle verlegen musste. Es schien, als hätten ihre Fans Allo Darlin' genauso vermisst wie sie sich selbst. In diesem Jahr war die Band außerdem Headliner einer exklusiven Deutschland-Show auf dem Cologne Pop Fest und antwortete auf die herzliche Einladung mit einem speziellen Song mit dem Titel "Cologne". Bright Nights folgt den emotionalen Gezeiten der vorangegangenen zehn Jahre: "Es ist ein Album, das von Herzen kommt und sich mit Themen wie Liebe, Geburt und Tod beschäftigt - "Dinge, über die wir mehr nachdenken als bei unserem ersten Album. Ich hoffe, dass das Album zeitlos und fröhlich klingt, aber auch nachdenklich und emotional", sagt Songschreiberin und Sängerin Elizabeth Morris Innset. Inspiriert von einer Mischung aus klassischem (Indie-Guitar) Pop, Folk und Country, knüpft Bright Nights dort an, wo Allo Darlin' mit dem We Come From The Same Place von 2014 aufgehört hat, und erinnert an den selbstbewussten und anspruchsvollen Sound ihres zweiten Albums Europe. "Wenn ich es höre, denke ich an die Wüste, aber ich kann das Meer sehen. Die süßen Klänge der hellen Sommernächte in der nördlichen Hemisphäre, aber auch das Bewusstsein, dass der Winter eines Tages zurückkehren wird". Die Aufnahmen auf dem Album sind Live-Aufnahmen, die nach Meinung der Band die beste Art war, diese neuen Songs aufzunehmen. Allo Darlin' bringen uns an einen Ort, an dem wir uns geliebt fühlen. In einer wechselhaften Welt ist die warme Umarmung ihres neuen Albums ebenso notwendig wie willkommen. "Breezy rom-pop brilliance." 8/10, NME - "Classic indie pop... doesn't rewrite the formula for wistful bedsit charm as much as show that it can still be carried out masterfully." Pitchfork - "A masterclass of modern cult pop." The Guardian - "Terrific, witty and heartfelt, like a less moody Belle & Sebastian." The New York Times

Nach drei triumphalen, ausverkauften Konzerten im legendären Londoner Hammersmith Apollo im vergangenen Jahr haben die Teskey Brothers ihr neues Album „Live At The Hammersmith Apollo“ angekündigt –
es erscheint am Freitag, den 11. Juli, und ist ab sofort vorbestellbar. Das Live-Album ist eine umfassende
Erweiterung des umfangreichen und beliebten Katalogs der Band und enthält Songs aus ihrem dritten Album „The Winding Way“, das auf Platz 1 der ARIA-Charts landete, ein kraftvolles Cover von Otis Reddings
„Try A Little Tenderness“ (ab heute überall erhältlich) und erstmals auf Vinyl/CD einen ihrer frühen Hits,
„Forever You and Me“ (über 150 Millionen Streams).
„Live At The Hammersmith Apollo“ wird im Anschluss an ihren Auftritt im Londoner Alexandra Palace
vor über 10.000 Fans (dem bisher größten Auftritt) am Donnerstag, den 10. Juli 2025, veröffentlicht.
Ganz im Sinne der Liebe der Band zum Analogen wurde „Live At The Hammersmith Apollo“ vollständig
auf Band aufgenommen, genau wie Livealben von Bruce Springsteen (’75), David Bowie (Ziggy Stardust ’73) und zahllosen anderen im selben Raum aufgenommen worden wären. Der in London ansässige
Produzent/Toningenieur Declan Gaffney wurde mit der technischen Seite beauftragt, nachdem er zuvor
Livealben für U2 und die Rolling Stones produziert und gemischt hatte.

Das Debütalbum von Leroi Conroy, das zu gleichen Teilen von der Sensibilität des goldenen Hip-Hop-Zeitalters und verlorenen Filmszenen aus den 60er und 70er Jahren geprägt ist, wiegt schwer und hat Jahre der Entwicklung hinter sich. Die ersten beiden Tracks des Albums wurden 2017 als 45er veröffentlicht und in den folgenden Jahren von DJ Premier, Raekwon, Ghostface Killah, Macklemore, Phantogram und vielen anderen gesampelt. Aber nach der Veröffentlichung verbrachte Terry Cole alias Leroi Conroy einen Großteil seiner Zeit damit, sein Indie-Soul-Label Colemine Records zu vergrößern und Platten für andere zu produzieren (Okonski, Parlor Greens, Wesley Bright, BlackMarket Brass, Kendra Morris, Rudy De Anda, Delvon Lamarr Organ Trio, Andrew Gabbard), anstatt seine eigenen zu machen. Jetzt, acht Jahre nachdem viele der Rhythmustracks auf dem bewährten Tascam 388 aufgenommen wurden, erscheint Leroi Conroys Debüt-LP, "A Tiger's Tale". Das Album ist als hypothetischer Soundtrack zu einer alternativen Erzählung von Rudyard Kiplings The Jungle Book konzipiert. Die Erzählung ist das Bestreben des Menschen, die Natur zu zähmen und sie seinem Willen zu unterwerfen... und die Antwort der Natur. Das Album ist eine Mischung aus triumphalen Instrumentalpartituren und absolut düsteren, dunklen und manchmal dissonanten Moodytracks. Das zugrundeliegende Element der Hip-Hop-Sample-Kultur ist durchweg offensichtlich, und es besteht kein Zweifel, dass viele dieser Tracks in den kommenden Jahren geflippt werden. Klanglich reiht sich die Platte nahtlos in die Reihe vieler anderer Colemine Instrumentalisten ein: dreckige Lo-Fi-Drums, schmetternde Bläser, Wah-Gitarre, Hammond-Orgel und jede Menge cineastische Einsprengsel wie Flöte, Nylongitarre und Vibraphon. Das Schlagzeug stammt von Coles langjährigem Mitarbeiter Rob Houk und ist das Rückgrat des Albums. Und mit einigen Beiträgen der Colemine-Künstler Kelly Finnigan und Jimmy James ist die Platte wirklich eine Familienangelegenheit. File Under: To Be Sampled.

3XL’s first new release in 2025 by Italian trio Cortex of Light is a synapse-tickling dose of classic FSOL-era world-building that takes in gloopy trance cooked down with sub-heavy, vaporous dub, mutant acid, breakbeat rave, Artificial Intelligence and a Mark Fell-style algorithmic brainmelt.

You'll know if you've spent any time following Piezo's output that the Milan-based producer and Ansia boss has a knack for lysergically enhancing any club template he sets his sights on. With releases on Idle Hands, Wisdom Teeth, Loefah's 81 and most recently Dekmantel, Luca Mucci has blottered up dubstep, hard drum, 2-step and minimal techno, here re-convening with fellow Milanese journeymen Aitch and primordial OOze/xàr num as Cortex of Light to blur those edges even further

'ILLUMINOTECNICA' isn't the trio's first release, but it's their most substantial and easily most developed. If 2024's 'Aeon Is A Child At Play With Colored Balls' showed off their aptitude for threading their luminous soundscapes into a horizontal soundtrack, then this album is a proper chance for Cortex of Light to show off their versatility in a different setting, matching dancefloor hallucinations with expertly sculpted sound design.

Psilocybin-tainted soundscapes scrape into breathy flute sounds and chest-thumping bass drops on the opener, haunted by a vision of electronic music that's been contrived in back rooms, squats and outdoor raves for decades at this point. Like so much of the rest of the 3XL catalog, there's a drive and coherence here that comes from classic dub techno and chill-out room fodder (think The Black Dog or Pentatonik), but always infused with something that dates it to the present era, be it a tactile sliver of Visible Cloaks-style neo-new age ambience, or a sort of mescaline-dipped take on Photek's bass-heavy, meticulously hazed 'Solaris' period downtempo gear, chopped 'n screwed into the uncanny.

Repress!

In the mid-1970s, a force of nature swept across the continental United States, cutting across all strata of race and class, rooting in our minds, our homes, our culture. It wasn’t The Exorcist, Goodbye Yellow Brick Road, or even bell-bottoms, but instead a book called The Secret Life of Plants. The work of occultist/former OSS agent Peter Tompkins and former CIA agent/dowsing enthusiast Christopher Bird, the books shot up the bestseller charts and spread like kudzu across the landscape, becoming a phenomenon. Seemingly overnight, the indoor plant business was in full bloom and photosynthetic eukaryotes of every genus were hanging off walls, lording over bookshelves, and basking on sunny window ledges. The science behind Secret Life was specious: plants can hear our prayers, they’re lie detectors, they’re telepathic, able to predict natural disasters and receive signals from distant galaxies. But that didn’t stop millions from buying and nurturing their new plants.



Perhaps the craziest claim of the book was that plants also dug music. And whether you purchased a snake plant, asparagus fern, peace lily, or what have you from Mother Earth on Melrose Avenue in Los Angeles (or bought a Simmons mattress from Sears), you also took home Plantasia, an album recorded especially for them. Subtitled “warm earth music for plants…and the people that love them,” it was full of bucolic, charming, stoner-friendly, decidedly unscientific tunes enacted on the new-fangled device called the Moog. Plants date back from the dawn of time, but apparently they loved the Moog, never mind that the synthesizer had been on the market for just a few years. Most of all, the plants loved the ditties made by composer Mort Garson.



Few characters in early electronic music can be both fearless pioneers and cheesy trend-chasers, but Garson embraced both extremes, and has been unheralded as a result. When one writer rhetorically asked: “How was Garson’s music so ubiquitous while the man remained so under the radar?” the answer was simple. Well before Brian Eno did it, Garson was making discreet music, both the man and his music as inconspicuous as a Chlorophytumcomosum. Julliard-educated and active as a session player in the post-war era, Garson wrote lounge hits, scored plush arrangements for Doris Day, and garlanded weeping countrypolitan strings around Glen Campbell’s “By the Time I Get to Phoenix.” He could render the Beatles and Simon & Garfunkel alike into easy listening and also dreamed up his own ditties. “An idear” as Garson himself would drawl it out. “I live with it, I walk it, I sing it.”



But as his daughter Day Darmet recalls: “When my dad found the synthesizer, he realized he didn’t want to do pop music anymore.” Garson encountered Robert Moog and his new device at the Audio Engineering Society’s West Coast convention in 1967 and immediately began tinkering with the device. With the Moog, those idears could be transformed. “He constantly had a song he was humming,” Darmet says. “At the table he was constantly tapping.” Which is to say that Mort pulled his melodies out of thin air, just like any household plant would.



The Plantae kingdom grew to its height by 1976, from DC Comics’ mossy superhero Swamp Thing to Stevie Wonder’s own herbal meditation, Journey Through the Secret Life of Plants. Nefarious manifestations of human-plant interaction also abounded, be it the grotesque pods in Invasion of the Body Snatchers or the pothead paranoia of the US Government spraying Mexican marijuana fields with the herbicide paraquat (which led to the rise in homegrown pot by the 1980s). And then there’s the warm, leafy embrace of Plantasia itself.



“My mom had a lot of plants,” Darmet says. “She didn’t believe in organized religion, she believed the earth was the best thing in the whole world. Whatever created us was incredible.” And she also knew when her husband had a good song, shouting from another room when she heard him humming a good idear. Novel as it might seem, Plantasia is simply full of good tunes.



Garson may have given the album away to new plant and bed owners, but a decade later a new generation could hear his music in another surreptitious way. Millions of kids bought The Legend of Zelda for their Nintendo Entertainment System back in 1986 and one distinct 8-bit tune bears more than a passing resemblance to album highlight “Concerto for Philodendron and Pothos.” Garson was never properly credited for it, but he nevertheless subliminally slipped into a new generations’ head, helping kids and plants alike grow.



Hearing Plantasia in the 21st century, it seems less an ode to our photosynthesizing friends by Garson and more an homage to his wife, the one with the green thumb that made everything flower around him. “My dad would be totally pleased to know that people are really interested in this music that had no popularity at the time,” Darmet says of Plantasia’snew renaissance. “He would be fascinated by the fact that people are finally understanding and appreciating this part of his musical career that he got no admiration for back then.” Garson seems to be everywhere again, even if he’s not really noticed, just like a houseplant.

A psychedelic start for the imprint where Digregorius tricks and conducts us into unknown lands...
Find the answers through this spiritual and musical exploration that waves from Folk to electro/ techno.

A true embodiment of Brazilian Boogie, this is the first official reissue of Brylho's album, founded in Rio de Janeiro in 1978 as Brylho da Cidade. The group was influenced by the Black Rio movement of Tim Maia, Cassiano, and others. Members included Arnaldo Brandão (vocals/bass), Paulo Roquette (guitar), Cláudio Zoli (guitar/vocals), Robério Rafael (drums), Bolão (percussion), and Ricardo Cristaldi (keyboard). Claudio Zoli stands out as an important funk artist of the 1980s, during a time when Pop Rock bands dominated the Brazilian music scene. This album features one of the biggest hits of 1983: the soulful reggae groove "Noite do Prazer." Often described as Rio de Janeiro's answer to George Benson's "Give Me the Night," it's a timeless classic that bridges funk, soul, and Brazilian grooves. On "Se Você For a Salvador," a sun-soaked, feel-good boogie track, younger generations have embraced a new term to describe the sound: Brazilian City Pop. The record also delivers dancefloor heat like the stomping "Jóia Rara," the vibrant soul-reggae fusion "Destrava Maria," the ahead-of-its- time rap-funk hybrid "Cheque Sem Fundo," and the electrifying samba-reggae "Pé de Guerra," rich with Bahian rhythms and energy. Closing out the album are two under-the-radar jazz-funk gems: "Meditando" and "171." Though often lumped into the boogie category, these tracks lean more toward the sleek 1980s jazz-funk sound, reminiscent of UK acts like Level 42.

Als Erbe der Tradition der Griots - Geschichtenerzähler, Dichter und Musiker, die jahrhundertelang als Hüter des westafrikanischen Kulturerbes fungierten - war Ousmane ein Wegbereiter des modernen elektrischen Mandingue-Sounds. An der Seite von Mory Kanté & Kanté Manfi la bei Les Ambassadeurs du Motel de Bamako und später bei der in Abidjan ansässigen Band Les Ambassadeurs Internationaux schmiedete Ousmane seine Karriere, bevor er dem malischen Sänger Salif Keita mehr als drei Jahrzehnte lang als dessen Gitarrist diente. Unzählige Jahre des Tourens brachten Ousmane dazu, sich auf seine eigenen Kompositionen zu konzentrieren. „Kefi mba“, benannt nach dem schwarzen Stier aus seiner Kindheit, mit dem er sein Maniok-Essen geteilt hatte, und „N'Ny“ wurden im renommierten JBZ Recording Studio in Abidjan aufgenommen. Sie wurden zunächst auf Kassette veröffentlicht und kamen 1982 und 1983 auf Vinyl heraus. Nur wenige Monate nach der Leon Keita-Veröffentlichung präsentiert Analog Africa nun Ousmane Kouyatés zwei funkgetränkte Mandingue-Perlen aus den frühen 1980er Jahren, sorgfältig restauriert, gepresst auf pink gefärbtem 180g-Vinyl und in einer wunderschönen Siebdruckhülle.

Diese EP ist weltweit auf 2000 Exemplare limitiert und verspricht, die Tanzflächen mit ihren ansteckenden Rhythmen ordentlich zu rocken!

Ende der Achtziger hatte sich Thrash Metal auch in Deutschland etabliert und spielte weltweit sogar eine führende Rolle. Bereits zu dieser Zeit war es einigen Bands nicht mehr genug, einfach nur schnell und aggressiv zu spielen. Der Thrash Metal wurde in vielen Fällen anspruchsvoller und technischer. In den USA trieben das Watchtower auf die Spitze, in Deutschland folgten gleich mehrere Bands auf dem Aaarrg-Records Label (Mekong Delta, Target).
Während andere Acts erst noch straight agierten und dann im Verlauf ihrer Karriere mit progressiven Elementen liebäugelten (Holy Moses, Deathrow, Destruction), schnürten die Hamburger MEGACE schon nach der Bandgründung 1988 ein anspruchsvolles Thrashpaket. Mit der Sängerin Melanie Bock hatte man zudem ein besonderes As im Ärmel, denn sie kann Beides: Das kehlige Thrash-Shouting und melodischen Gesang. Das hob MEGACE direkt von anderen Bands ab, was ihnen direkt eine Chancen bot, die auch genutzt wurden.

Nach einigen Demotapes, die auch von der internationalen Presse gelobt wurden, erhielten sie einen Plattenvertrag bei 1MF Records, das Label des ehemaligen Sänger von Angel Dust und Scanner, S.L. Coe. Im Juli 1991 wurde dann in den Dust Music Studios (Dark Millenium, Torchure, Morbid Jester, Sacrosanct) das Debütalbum „Human Errors“ aufgenommen, welches in der Presse durchweg gelobt wurde und auch heute noch Fans auf der ganzen Welt hat. 2025: Golden Core veröffentlicht die erste (offizielle) Neuauflage dieses Genreklassikers. Die CD-Version enthält die bisher unveröffentlichten Aaarrg Records Demos, die im Studio von Ralph Hubert (Mekong Delta) 1989 aufgenommen wurden. Die CD enthält ein 16seitiges Booklet, die LP einen bedruckten Einleger. Separate Master für LP und CD!

Drei essenzielle Metalalben aus drei Ländern! In dieser Vinyl-Box findet man remasterte und wertige Neuauflagen von Alben, für die man im Original heute ein kleines Vermögen bezahlen muss. TARAMIS aus Australien spielen epischen Heavy Metal, der sowohl Fans von Manilla Road und Cirith Ungol, aber auch Liebhaber der frühen Iron Maiden gefällt. Die LP wurde 1987/1988 von Metal Blade (USA) und Roadrunner (Europa) lizensiert. QUARTZ sind aktuell immer noch die dienstälteste aktive Heavy Metal Band (zwischen 75 und 80 Jahre alt) und spielten erst kürzlich bei Festivals wie Up The Hammers (Griechenland) und Coursts Of Chaos (Frankreich). Sie gelten zudem als Miterfinder der NWOBHM. Auf “Satan´s Serenade” wurden zwei rare EPs (“Satan´s Serenade” und “Nantucket Sleighride”) erstmals zusammengefasst. Album Nummer drei ist von der belgischen Band SCAVENGER, die in verändertem Line Up auch heute wieder aktiv sind. Ihr traditioneller Heavy Metal begeisterte bereits 1985, als “Battlefields” auf Mausoleum Records erschien.

Cody Currie & Kapote together in the studio! Delivering a 4 track EP that connect proto-disco, neo soul, Chicago house beats and jazz funk in a very spontaneous, super catchy way.
Cody, the London multi-talent musician and Kapote, the Berlin based creative head of Toy Tonics have a lot in common. Both come from studying jazz, knowing different instruments, having played in bands and at the same time being DJs with a huge passion and the skill to rock thousands of people every weekend at the Toy Tonics Jams with a wild mix of different music. They have what we call THE VIBE. Soulful, catchy, intense. When they play records at a party and when they work on tracks. Both play keyboards, bass, guitar and drums. Both sing. And both have funny nicknames that journalists gave them: Cody Currie was called "the Tom Misch of House music" and Kapote the "Wes Anderson of electronic music". Makes us laugh, but also fits well. And yes: Both are a bit crazy... like every extremely talented musician.

Repress !

Oscar-Gewinner Steven Spielberg führt Regie in der Neuverfilmung von Bernsteins “West Side Story” – der klassischen Geschichte von junger Liebe vor dem Hintergrund von Gang-Rivalitäten in New York 1957. Basierend auf einem Drehbuch von Pulitzer Prize and Tony Award-Gewinner Tony Kushner imaginiert Spielberg das legendäre Musical neu und bleibt doch auch wieder nah am Original. Ein durch und durch gelungener, mitreißender Film mit einem aufregenden Soundtrack, der jetzt auch auf einer Doppel-Vinyl erhältlich ist.

Voller Hits wie ”Maria”, ”Tonight”, ”America” und ”I feel pretty”.
Die Schauspieler singen dabei selbst - ein Ereignis. Mit Ansel Elgort (Tony), Ariana DeBose (Anita), David Alvarez (Bernardo) und erstmalig Rachel Zegler, die in der Rolle der Maria brilliert. Oscarpreisträgerin Rita Moreno schließlich, die bereits im originalen Film dabei war, singt ”Somewhere” - ganz bei sich, brüchig, berührend: Gänsehaut pur!
GRAMMY-Gewinner Gustavo Dudamel ist der Dirigent dieses packenden Soundtracks und dirigiert dabei unter anderem the New York Philharmonic. Das Booklet enthält liner notes vom “West Side Story” Music Consultant, dem Oscar®-Preisträger John
Williams.

Repress !

Oscar-Gewinner Steven Spielberg führt Regie in der Neuverfilmung von Bernsteins “West Side Story” – der klassischen Geschichte von junger Liebe vor dem Hintergrund von Gang-Rivalitäten in New York 1957. Basierend auf einem Drehbuch von Pulitzer Prize and Tony Award-Gewinner Tony Kushner imaginiert Spielberg das legendäre Musical neu und bleibt doch auch wieder nah am Original. Ein durch und durch gelungener, mitreißender Film mit einem aufregenden Soundtrack, der jetzt auch auf einer Doppel-Vinyl erhältlich ist.

Voller Hits wie ”Maria”, ”Tonight”, ”America” und ”I feel pretty”.
Die Schauspieler singen dabei selbst - ein Ereignis. Mit Ansel Elgort (Tony), Ariana DeBose (Anita), David Alvarez (Bernardo) und erstmalig Rachel Zegler, die in der Rolle der Maria brilliert. Oscarpreisträgerin Rita Moreno schließlich, die bereits im originalen Film dabei war, singt ”Somewhere” - ganz bei sich, brüchig, berührend: Gänsehaut pur!
GRAMMY-Gewinner Gustavo Dudamel ist der Dirigent dieses packenden Soundtracks und dirigiert dabei unter anderem the New York Philharmonic. Das Booklet enthält liner notes vom “West Side Story” Music Consultant, dem Oscar®-Preisträger John
Williams.

"• Brand new act formed and fronted by Cormac Neeson of The Answer.
• Neeson gathered together a stellar cast of Northern Irish musicians steeped in the alternative folk, Americana, blues and rock scenes to form California Irish.
• Recorded using analogue techniques straight to tape in just four days, ‘The Mountains Are My Friends’ is a love letter to the Laurel Canyon-era West Coast of the 60s and 70s.
• Debut single ‘Big Questions’ leads the campaign and is released on March 28th. Two more singles to follow.
• The band recently made their live debut and will headline Belfast Empire on May 16th

• Neeson has enjoyed global success with The Answer, including world tours supporting AC/DC, UK Top 30 albums, UK No.1 Rock Albums and appearances at major festivals across Europe.
• Full press and radio campaign for the UK in place, with dedicated Irish promo team in addition.
• Full digital marketing campaign has been underway since the turn of the year, gathering over 2000 people onto the California Irish mailing list even before any music has been released
"

After more than a decade of music-making, Durand Jones & The Indications have blossomed as a unit and are basking in their successes. On their aptly titled new album, Flowers, The Indications unfurl their true colors _ embracing all their roots and influences, maturation and confidence, and share them with the world. Blue Iceberg Splash Vinyl. Since forming in 2012, the road has taken The Indications from those origins at Indiana University, Bloomington to the global stage, selling out shows across Europe, Japan, Australia, and New Zealand to the West Coast_ where DJI has a strong following among the lowrider and vintage soul enthusiasts. For as far as Durand Jones & The Indications have come, Flowers grew from the desire to return to their roots in a Bloomington basement, a space where they first found camaraderie in gritty funk and Southern soul that would inspire their self-titled debut. Pulling sonically and spiritually from each of the group's previous releases and solo work, Flowers is the next stage of DJI's inspired soulful discography. DJI are not only accepting their flowers, but indulging in their sweet and sexy fragrance.

Mit seinem siebten Studioalbum kehrt der Musiker und Singer-Songwriter Juan Wauters mit einem Liebesbrief an seine Geburts- und Heimatstadt Montevideo, Uruguay, zurück. "MVD LUV" erscheint am 27. Juni 2025 über Captured Tracks. Mehr als ein Jahrzehnt nach Beginn seiner Solokarriere hat Wauters seine musikalische Identität zu einem charismatischen und charmanten, authentischen und fesselnden Drahtseilakt geformt, der auf dem schmalen Grat zwischen Aufrichtigkeit und Performativität balanciert. Auf seinem neuen Album kommen seine Fähigkeiten als Songwriter voll zur Geltung. Die meisten Songs auf "MVD LUV" sind weniger als zwei Minuten lang und strotzen nur so vor Lebensfreude, aber das Album als Ganzes zeigt Wauters von seiner liebenswertesten Seite, denn er schreibt mit Zuneigung und Mitgefühl über die uruguayische Stadt, die er liebt und sein Zuhause nennt. Die klare Absicht, mit der Wauters Montevideo und seinen Charakter illustriert, zeichnet das Porträt eines Künstlers, der sich seinem Handwerk und seinem Thema mit großer Hingabe widmet. So gesehen ist "MVD LUV" mehr als nur ein Album - es ist eine Heimkehr. Dabei hat er sich die reichen musikalischen Traditionen von Montevideo zu eigen gemacht und gleichzeitig die Grenzen seines unverwechselbaren Songwritings weiter verschoben. "MVD LUV" ist eine Liebeserklärung an seine Wurzeln und seine Gegenwart und bringt uruguayische Klänge auf die Weltbühne, indem es Candombe- und Murga-Rhythmen in Wauters' charakteristische Mischung aus Folk, Pop und Experimenten einbezieht. Da Wauters einen Großteil seiner Karriere in den Vereinigten Staaten verbracht hat, trägt er seit langem die doppelte Identität eines Einwanderers und eines Einheimischen. Mit "MVD LUV" wollte er eine Brücke zwischen diesen beiden Welten schlagen und die Essenz der Straßen, Häuser und des Gemeinschaftsgeistes von Montevideo einfangen. Das Album wurde an verschiedenen Orten in der Stadt aufgenommen, von seinem eigenen Studio bis hin zu Bürgersteigen, Dächern und den Wohnungen der beteiligten Musiker. Dieser Ansatz verleiht dem Projekt eine unverfälschte Authentizität und lässt Montevideo selbst wie eine aktive Präsenz in der Musik erscheinen. Thematisch beschäftigt sich "MVD LUV" mit Identität, Nostalgie und menschlichen Beziehungen. Tracks wie "Manejando por Pando" und "Siempre Vuelven" reflektieren über die Rückkehr nach Hause und den Lauf der Zeit, während "If It's Not Luv" und "Dime Amiga" sich mit Liebe, Kameradschaft und persönlicher Reflexion beschäftigen. "Ando con Miedo" fängt urbane Ängste ein und stellt Introspektion den pulsierenden Rhythmen der Stadt gegenüber. Wauters schafft damit eine zutiefst persönliche und doch universelle Meditation über Zugehörigkeit. Mit "MVD LUV" präsentiert Juan Wauters eine lebendige, tief empfundene Erkundung von Ort und Identität und schafft ein Album, das sich sowohl tief verwurzelt als auch universell anfühlt. Dieses Album führt den Hörer nicht nur in Montevideo ein, sondern lädt ihn ein, sich dort zu Hause zu fühlen.

New Traditions is a collection of pipe music, electronic music, mouth music and folk music from five emerging and prominent Scottish artists.

It started in Sutherland with a recording of The Waters of Kylesku. “Do you learn any Gaelic at the school?” asks Hamish Henderson of Christine Stewart. “No,” she answers. “That’s a shame,” he responds, “Isn’t it?” she says. Then she sings. Her voice is of the peat itself, grown from the earth as the language was. It soars raptor-like above drenched ground and scoured pink rock.

Next, to Nancy Dorian, a linguistic missionary of sorts, who came from America to watch a language die. She charted the decline of Gaelic in a cluster of Sutherland villages from 1963 to 2020 when the terminal native speaker passed. Gaelic has origins in nature, with each letter of the alphabet named after a tree. It seems significant that the land of the north is now all-but devoid of forest.

Enter Alan Lomax, who travelled the world documenting indigenous music. Material from his archives feature on (fucking) Moby’s platinum selling Play. Despite the record’s worldwide commercial success we know very little of the music he essentially exploited.

Then musician Martyn Bennett, who built tracks around Lomax recordings of Scots and Gaelic voices, and did so with love that shared his blood with the cancer that killed him. His records both popularised and preserved obscure indigenous Scottish music.

This collection of tunes has similar intent: to consolidate ephemeral words in physical grooves - real as the rigs that still scar the earth - but also a desire to interpret. These versions have the greatest reverence for the originals at heart, but like the architecture of a great gallery, serve to protect and elevate.

Mit "But remember what you have had" setzt Stephen O'Malley seinen musikalischen Ansatz fort und erweitert ihn auf multiphonisches elektroakustisches Schreiben und akusmatisches Hören. Stephen O'Malley schöpft nicht nur aus seiner umfangreichen Erfahrung als Komponist und Live-Instrumentalist, sondern auch aus den zahllosen Studioproduktions- und Mixing-Sessions, an denen er im Laufe seiner vielen Projekte (solo, mit SUNN O))) oder KTL, um nur einige zu nennen) teilgenommen hat. Die Arbeit von Stephen O'Malley an diesem neuen Stück ist ehrgeizig, eine inspirierte Forschung, die sich mit den tiefen Verwicklungen zwischen Polyphonie, Intonation und Timbralität beschäftigt, die durch melodische Motive verstärkt werden. Dazu beschwört O'Malley sein ganz persönliches Klanguniversum herauf, das sich aus verstärkten Texturen, instrumentalen Dauertönen und roher Energie zusammensetzt, um sie in Wellenfronten, Wellen und Schlägen zu brechen, die eine komplexe, reiche und faszinierende Materie weben. "But remember what you have had" ragt als wichtiges Werk in Stephen O'Malleys Repertoire heraus: Es vereint die Vielfalt seines musikalischen Ansatzes auf beispielhafte Weise und legt gleichzeitig die Grundlagen und Versprechen für die Zukunft einer bereits außergewöhnlichen Reise.

A lush, energizing contemporary pop record, built on heart-swelling minimal/maximal electronic production + deep feels. Reality"s breaking and rebirth is happening, one day at a time - essential asks deconstructed and refitted in new ways. Unconventional songwriting/performance duo Sharpie Smile ride inspired waves of futurist sound art, a dreamy, ethereal vision-quest through serpentine soul-terrain. RIYL: SOPHIE, 100 gecs, Ouklou