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Rage Queen Delilah Bon is a force to be reckoned with blending elements of hip-hop, nu-metal, and riot grrrl ethos into her signature "Brat Punk" style. Her music serves as a fierce anthem for marginalized communities, particularly women, non-binary and the LGBTQ+ community. Her performance at the 2023 Glastonbury festival garnered acclaim from Kerrang!, who hailed her as a ‘standout voice in the rise of bold and bratty heavy music’. This recognition secured her a coveted spot on Kerrang!'s 'Sound of 2024' artist list and further recognition as ‘New Noise’ artist in Metal Hammer magazine and full feature in Clash Magazine. 2024 promises to be a monumental year for Delilah Bon, with a series of highly successful single and video releases to date and her highly anticipated album ‘Evil, hate Filled Female’ due for release in September. She’s also playing a host of Summer festivals including Download, Glastonbury, 2000 Trees and several European festivals including Rock For People in Czech Republic and Metropolis Festival in the Netherlands, with more to be announced! Her singles from the upcoming album, “Maverick” and "Finally See Me” have received widespread support from BBC Radio 1 and Kerrang! Radio, earning coveted spots as Track of the Week’ on Alyx Holcombe’s BBC Radio 1 Introducing Rock Show, ‘Future Flavour’ on Nels Hylton’s BBC Radio 1 Future Alternatives and ‘Track of the week’ on Kerrang! New Noise with Hope Lynes. She’s also had major editorial support from Spotify, Apple Music, Deezer and Amazon Music, including her 3rd Misfits 2.0 playlist Cover artist. Delilah Bon's international appeal was further solidified by her support slot on US artist Scene Queen's UK tour in 2023 and performances at sold-out arena shows in France earlier this year supporting French band Shaka Ponk. Notably, she made National television appearances on Le Late Show and Taratata TV in France, showcasing her magnetic stage presence to a global audience. With her bold persona, genre-defying sound, and unwavering commitment to amplifying marginalized voices, Delilah Bon continues to cement her status as a trailblazer in the music industry.

Das sechste Studioalbum von Shellac "To All Trains" besteht aus 10 Songs und hat eine Gesamtspiellänge von 28 Minuten. Die Band ist immer noch: Steve Albini (Gitarre), Todd Trainier (Schlagzeug) und Bob Weston (Bass). Aufgenommen und gemischt wurde "To All Trains" bei Electrical Audio in Chicago an einigen langen Wochenenden im November 2017, im Oktober 2019, im September 2021 und im März 2022. Das Album wurde von Bob & Steve bei Chicago Mastering Service gemastert. Artwork und Aufmachung von LP und CD sind identisch (die CD ist kleiner). Bob hat alle Fotos gemacht, einige mit einer schicken Kamera und andere mit einem Telefon. Wie immer hat die Tonqualität bei Shellac höchste Priorität. Die LPs werden von Green Vinyl Records in einem Spritzgussverfahren hergestellt. Dieses neue Verfahren verwendet zu 100 % recycelbares PET (wie Limonadenflaschen) und ist umweltfreundlich, da es kein PVC oder Phthalate enthält. Außerdem verbraucht das Verfahren 79 % weniger CO2 als herkömmliche hydraulische PVC-Vinylpressen. Die Platten wiegen 180 Gramm. Wie zuletzt bei Shellac, wird es für dieses Album keine Werbung, keine Presse- oder Radiopromotion, keine E-Promotion, keine Werbe- oder Rezensionsexemplare, keine Werbegimmicks und auch sonst kein kostenloses Mittagessen geben. Die Band wird weiterhin sporadisch und entspannt Shows spielen oder auf Tour gehen, so wie immer. Es gibt bei Shellac keine Korrelation zwischen Shows und Plattenveröffentlichungen. Shellac haben keine Website. Vielleicht sollten sie sich eine zulegen.

Macht euch bereit für Even Flow, die progressive Metal-Sensation aus Italien. Gegründet Ende der 90er Jahre von den Brüdern Lunesu, at diese Band
seit ihrer Gründung für Aufstehen in der Metal-Szene gesorgt. Mit einer einzigartigen Mischung aus technischer Finesse und gefühlvollen Melodien
hat sich Even Flow ihren eigenen Platz in der Welt des progressive Metals geschaffen. Nachdem sie bereits zwei EP-Veröffentlichungen in der
Vergangenheit hatten, bereiten sich Even Flow nun auf die lange erwartete Veröffentlichung ihres zweiten Studioalbums vor. Aufbauend auf dem
Erfolg ihres Debütalbums können Fans eine aufregende Reise durch komplexe Kompositionen und kraftvolle Darbietungen erwarten.
Was Even Flow auszeichnet, ist nicht nur ihr musikalisches Talent, sondern auch ihre Zusammmenarbeit mit renommierten Musikern von Bands wie
Fates Warning, Symphony X und Dream Theater. Dies spricht Bände für das Können und die Anerkennung innerhalb der Branche.
Neben ihrer Studioarbeit hat sich Even Flow auch als fesselnde Live-Band etabliert. Nachdem sie Bands wie Firewind und Eluveitie auf vergangenen
Touren supportet haben, haben sie bewiesen, dass sie unvergessliche Auftritte auf der Bühne liefern können.
Für Fans des progressive Metals, die nach etwas Frischem und Aufregendem suchen, ist Even Flow eine Band, die Aufmerksamkeit verdient. Mit
ihrem bevorstehendem Album, das Grenzen überschreitet und Erwartungen trotzen wird, ist jetzt der perfekte Zeitpunkt, um sich der Reise von Even
Flow anzuschließen.

HOUSE OF COMMANDO, produziert von Oli Rüger & Tobi Wehner und gemastered von Howie Weinberg (bekannt für seine Arbeit mit Nirvana und U2), knüpft nahtlos an das erfolgreiche Debütalbum RED LIGHT HABITS von BIRD'S VIEW an.
Die deutschen Alternative-Rocker BIRD'S VIEW veröffentlichen ihr mit Spannung erwartetes zweites Studioalbum "House of Commando". Der Sound ist dabei eine einzigartige Kombination aus dem Punk von REFUSED, der Intensität von RED FANG und der Atmosphäre der FOO FIGHTERS.
Nachdem BIRD'S VIEW mit ihrem Debüt einen ersten kleinen Erfolg verbuchen konnten und mittlerweile von Wizzard Promotion vertreten werden, haben sie seit dem Release unter anderem mit SOULFLY, SKID ROW & GREEN LUNG getourt. Mit HOUSE OF COMMANDO machen sie nun einen weiteren Schritt in Richtung Rock-Olymp.
Die 11 neuen Tracks auf HOUSE OF COMMANDO hinterlassen bereits beim ersten Hören einen nachhaltigen Eindruck. Zu den Highlights des Albums gehören Stücke wie "Vienna", "Pin Drop“ und "Come Back Home"

Album, auf dem die Künstlerin aus Bristol sich die Welt ganz nach ihren Vorstellungen formt.

Nach 'Return' (2020) und 'Sound of the Morning' (2022) ist 'Someday, Now' die Fortsetzung von Pearsons akustisch geprägter Singer-Songwriter-Kost, die sie mit Hilfe des Elektronik-Produzenten Nathan Jenkins alias Bullion (u.a. Carly Rae Jepsen, Ben Howard, Nilüfer Yanya, Avalon Emerson) gestaltet hat. Nach einer Zeit des Burnouts, des selbst erzwungenen Exils vom Musikmachen und des Alleinreisens kehrte die Künstlerin aus Bristol mit klarem Verstand und einer Vision zurück. “I knew exactly who I wanted to work with, I knew exactly who my session band were going to be, I knew where I wanted to record. It felt like I was finally calling the shots for myself, and that was so empowering.”

Eine breite und interessante Palette von Inspirationen hat dabei die Platte beeinflusst: Beck, Neneh Cherry, Charlotte Gainsbourg, Kate Bush, Tears For Fears, Arthur Russell. 'Someday, Now' zeigt das natürliche Talent der Songwriterin für Ohrwürmer und präsentiert zehn Pop-Tracks, die mit Bullions leichter, aber anspruchsvoller Note verfeinert werden. Während frühere Platten von Katy J Pearson langsamer und stückweise entstanden, wurde 'Someday, Now' in den Rockfield Studios in Wales innerhalb weniger Wochen mit einer Band aus den Heavenly-Labelkollegen Huw Evans (H. Hawkline, Aldous Harding), Davey Newington (Boy Azooga sowie Joel Burton (Broadside Hacks) geformt.

Die niederländische Singer-Songwriterin und ehemalige DELAIN-Stimme CHARLOTTE WESSELS enthüllt 2024 ihr erstes Studioalbum! The Obsession
erscheint am 20. September über Napalm Records und folgt auf die beiden Compilation-Alben Tales From Six Feet Under und Tales From Six Feet
Under Vol II, die Wessels als Solokünstlerin veröffentlichte. Beide enthalten Songs, die zunächst exklusiv ihrer loyalen Patreon-Community
vorbehalten waren, bevor die Sammlungen 2021 und 2022 auch für die breite Öffentlichkeit physisch und digital zugänglich wurden. Damals hat
Charlotte alle Instrumente eigens eingespielt oder programmiert und in Eigenregie in ihrem Six Feet Under Studio produziert. Neben Patreon hat sich
die charismatische Künstlerin mit über fünfzigtausend monatlichen Hörer*innen auf Spotify und allein mehr als einhunderttausend Follower*innen
über Instagram eine treue, stetig steigende Fangemeinde aufgebaut – jetzt treibt sie ihre Solokarriere mit The Obsession voran!

Die US Death Metal-Ikonen NILE kehren mit ihrem mit lang ersehnten, zehnten Studioalbum The Underworld Awaits Us All zurück, das via Napalm Records erscheint.

Wieder einmal verbinden sie technische Präzision mit unbarmherziger Brutalität zu einer markerschütternden Death Metal-Attacke. Dabei beweisen ausnahmslos alle Bandmitglieder – von Gründungsmitglied und Gitarrist Karl Sanders, Schlagzeuger George Kollias, bis hin zu Sänger und Gitarristen Brian Kingsland Zach Jeter, sowie Bassist Dan Vadim Von – enormes musikalisches Können an ihren Instrumenten.
Das neue Album wurde erneut in Sanders' eigenem Serpent Headed Studios in Greenville, South Carolina produziert und aufgenommen. Für das Mixing und Mastering arbeitete die Band mit dem Produzenten Mark Lewis (Dying Fetus, Whitechapel, The Black Dahlia Murder) zusammen, der auch schon am Vorgängeralbum Vile Nilotic Rites beteiligt war und die gewaltige Bildwelt des Covers wurde von Micha "Xaay" Loranc gestaltet, der sich vom Jüngsten Gericht inspirieren ließ.

Wer sich in den letzten Jahren mit deutschsprachiger Metal- & Rockmusik beschäftigt hat, der kam an HERBST nicht vorbei. Nachdem die 4 Berliner mit ihrer ersten EP und dem Debütalbum „Ein letzter Abend“ ein ersten Achtungserfolg landen konnten, ging es auch direkt in den Tourbus mit ENGST quer durch die Republik.
Mit „Spiegel“ (VÖ: 20.09.24) folgt nun der neue, mitreißende Longplayer der Band. Treibend, mit krachenden Gitarren und Mörder-Hooklines, entfesseln die 10 neuen Tracks auf "Spiegel" eine unbändige Energie, die dich von der ersten Sekunde an packt und nicht mehr loslässt. Das Feature mit Ex-Annisokay Shouter Dave Grunewald und Alles Mit Stil zeigt eine der vielen Facetten des neuen Albums! So geht moderner, deutschsprachiger Metal im Jahr 2024!

Sam Grant, Gitarrist von Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, macht mit dem zweiten Album seines verrückten Psych-Projekts Rubber Oh dort weiter, wo er mit dem Debüt "Strange Craft" 2021 aufhörte. Kaleidoskopische Melodien schweben über dichte Rhythmen und dunklen, schweren Riffs, die in eine weite cineastische Landschaft ausbrechen. Ein faszinierender Klangraum zwischen Leichtigkeit und Härte mit für Chor und Streicher komponierten Arrangements. Feat. Rozi Plain, Voka Gentle und Me Lost Me & Ceitidh Mac. Limitierte Auflage auf rotem Splatter-Vinyl.

2024 Reissue

"Cream Corn" was released for the first time in 1985. The Album plucked two tunes from "Rembrandt" and added a couple new ones that had been recorded on their home studio 8 track in Winterville Georgia. "Moving to Florida" (the best example ever of what Beef?heart probably sounded like when he"s tripping) and the other three tracks blew peoples" minds by being so pre?cise and fullly-messed-up at the same time. "Cream Corn" was a perfect bite-sized taster for what would follow.

"Locust Abortion Technician" was relased for the first time in 1987. Without anyone looking over their shoulders, the band really rose to the occasion with "Locust Abortion Technician." From the opening track, "Sweat Loaf," which quotes Black Sabbath with results both hilarious and bowel-stomping, to the scuzz-guitar riven "found" vocals of "22 Going on 23," "Locust" is a non-stop face-full of hallucinogenic gas. Maniacal sludge guitar figures and Gibbytronix vocals are smeared everywhere, with most "Locust..." LP OLE-2058-LP 191401205818 excellent results. For many folks. "Locust" represents the album with which the Buttholes fully fulfilled their insane potential.

Mit dem neuen Album „My Years with UFO“ kehrt Michael Schenker zum allerersten Mal zu seinen klassischen Jahren mit UFO zurück. Seine Zeit mit der britischen Hardrock-Band UFO in den 1970er Jahren bleibt eine der gefeiertsten Epochen in der Rockgeschichte und erhob UFO von Underground-Sensationen zu Rocklegenden.

Die Liste der prominenten Gastkünstler umfasst Axl Rose, Slash, Kai Hansen, Roger Glover, Joey Tempest, Biff Byford, Jeff Scott Soto, John Norum, Dee Snider, Joel Hoekstra, Joe Lynn Turner, Carmine Appice, Adrian Vandenberg, Michael Voss, Stephen Pearcy und Erik Grönwall.

Lutalo's highly visceral folk goes electric on The Academy, the Vermont multi-instrumentalist, songwriter and producer's debut LP. Recorded in January 2024 at the storied Sonic Ranch and self-produced along with Jake Aron (Snail Mail, Protomartyr, L'Rain), The Academy feels like watching the best underground film you've seen in years; establishing Lutalo as a singular voice of this generation of indie rock. Lutalo describes The Academy as their "first chapter" - a time capsule of the lessons they've learned in their 20-something years of life. "This record is exactly that: a `record' of my early life," they say of their debut album, out via Winspear. "The experiences, thoughts and feelings I was holding at those times and am currently processing. To me, this is the first big stamp of my existence I'm sharing." While Lutalo's 2022 EP Once Now, Then Again introduced them as a lo-fi acoustic guitar wunderkind, The Academy is bigger and bolder without compromising Lutalo's inviting sense of emotional intimacy, inspired by alt-rock veterans like Thom Yorke and Rob Crow as well as electronic greats like Aphex Twin and Bowery Electric. The Academy's grander arrangements are heard in the biting adrenaline rush of "Ocean Swallows Him Whole," or the anti-war jangle of album closer "The Bed." Their lyrics are often deeply intuitive, flowing as a stream of consciousness, albeit with weighty meanings. With their unique baritone and finesse for lyrical world building, Lutalo cuts to the bone-while only just beginning to reveal the depth of their artistry and vision.

Lutalo's highly visceral folk goes electric on The Academy, the Vermont multi-instrumentalist, songwriter and producer's debut LP. Recorded in January 2024 at the storied Sonic Ranch and self-produced along with Jake Aron (Snail Mail, Protomartyr, L'Rain), The Academy feels like watching the best underground film you've seen in years; establishing Lutalo as a singular voice of this generation of indie rock. Lutalo describes The Academy as their "first chapter" - a time capsule of the lessons they've learned in their 20-something years of life. "This record is exactly that: a `record' of my early life," they say of their debut album, out via Winspear. "The experiences, thoughts and feelings I was holding at those times and am currently processing. To me, this is the first big stamp of my existence I'm sharing." While Lutalo's 2022 EP Once Now, Then Again introduced them as a lo-fi acoustic guitar wunderkind, The Academy is bigger and bolder without compromising Lutalo's inviting sense of emotional intimacy, inspired by alt-rock veterans like Thom Yorke and Rob Crow as well as electronic greats like Aphex Twin and Bowery Electric. The Academy's grander arrangements are heard in the biting adrenaline rush of "Ocean Swallows Him Whole," or the anti-war jangle of album closer "The Bed." Their lyrics are often deeply intuitive, flowing as a stream of consciousness, albeit with weighty meanings. With their unique baritone and finesse for lyrical world building, Lutalo cuts to the bone-while only just beginning to reveal the depth of their artistry and vision.

Lutalo's highly visceral folk goes electric on The Academy, the Vermont multi-instrumentalist, songwriter and producer's debut LP. Recorded in January 2024 at the storied Sonic Ranch and self-produced along with Jake Aron (Snail Mail, Protomartyr, L'Rain), The Academy feels like watching the best underground film you've seen in years; establishing Lutalo as a singular voice of this generation of indie rock. Lutalo describes The Academy as their "first chapter" - a time capsule of the lessons they've learned in their 20-something years of life. "This record is exactly that: a `record' of my early life," they say of their debut album, out via Winspear. "The experiences, thoughts and feelings I was holding at those times and am currently processing. To me, this is the first big stamp of my existence I'm sharing." While Lutalo's 2022 EP Once Now, Then Again introduced them as a lo-fi acoustic guitar wunderkind, The Academy is bigger and bolder without compromising Lutalo's inviting sense of emotional intimacy, inspired by alt-rock veterans like Thom Yorke and Rob Crow as well as electronic greats like Aphex Twin and Bowery Electric. The Academy's grander arrangements are heard in the biting adrenaline rush of "Ocean Swallows Him Whole," or the anti-war jangle of album closer "The Bed." Their lyrics are often deeply intuitive, flowing as a stream of consciousness, albeit with weighty meanings. With their unique baritone and finesse for lyrical world building, Lutalo cuts to the bone-while only just beginning to reveal the depth of their artistry and vision.

Den Titel für sein Album "Classical Soul Volume One" hat Pianist und Komponist Alexis Ffrench an klassische Hip Hop-Mixtapes angelehnt. Kurze Melodie-Fragmente aus Soul-Hymnen wie "Ain't No Sunshine" und "A Change Is Gonna Come" verbindet er, wie "Samples" im Hip Hop, mit seinen eigenen Kompositionen. Diese sind von persönlichen Momenten und Erinnerungen inspiriert. Alexis Ffrench sagt: "Dieses Projekt hat etwas von einem Rundumblick und ist auch das Ergebnis eines '360°-Prozess', bei dem ich zurückgeschaut, aber auch nach vorne geblickt habe". Der Tod seines Vaters war ein fundamentaler Einschnitt, ein Verlust, der nachhallte und Alexis neu auf sein Leben blicken ließ. Eine Auszeit in der Natur, in den Highlands von Schottland, brachte ihm Ruhe und Zeit zur Reflexion. "Diese Erfahrungen veranlassen dich, darüber nachzudenken, was man hat und wirklich liebt", erklärt er. Insofern ist "Classical Soul Volume One" auch eine universelle Erzählung von Verlust und Liebe und dabei eine Feier des Lebens.

Let Me Comfort You: The Hush Rarities collects the bonus tracks from High Moon Records’ critically lauded CD Gemini Girl: The Complete Hush Recordings. Appearing on vinyl for the first time, these 11 alternate takes, demos and previously unissued songs hail from the sessions for Laurie Styvers’ two unjustifiably obscure LPs Spilt Milk and The Colorado Kid, recorded in early 1970s London, and recently tagged by Pitchfork as “a sharp and idiosyncratic snapshot of how it feels to try growing up.” Akin to a “lost” third album, this remarkably well-rounded package is a further showcase for the honey-voiced intimacy of this youthful Texas singer-songwriter, with a program of lovelorn gems doused in splendid orchestration. RIYL Carole King, Judee Sill, Weyes Blood. Packaged with a four page lyric insert.

GER Ayo ist zurück mit "Mami Wata", ihrem 7. Album. Benannt nach der nigerianischen Göttin des Meeres. Im Mittelpunkt dieses neuen Albums steht das Wasser, die Hauptinspiration der Sängerin, die vor 3 Jahren nach Tahiti zog. Ayo hat aus ihrer Umgebung inmitten des Pazifiks neue Kompositionen geschöpft, die von intimen Balladen bis zu rhythmischen Litaneien reichen. "Mami Wata" ist ein Logbuch, ein Zeugnis für die Neugeburt einer starken Künstlerin. Nichts wird dem Zufall überlassen, weder in ihren Texten in freien Versen, noch in ihren Melodien, Harmonien und Arrangements, die mit Präzision zwischen den Genres oszillieren. Produziert von Gitarrist Freddy Koella (Bob Dylan, Lhasa...), erwärmen ihre akustischen Texturen das Herz ebenso wie ihre Texte, die von Spiritualität, Freiheit und der Kraft handeln, endlich man selbst zu sein.

"Flood" ist eine Platte und eine Wiedergeburt, für die die Band aus Minnesota fünf Jahre Arbeit aufgegeben hat, um schließlich 13 Tracks in nur 10 Tagen an der texanischen Grenze aufzunehmen. Während die aufschlussreichen Sessions im letzten Jahr auf der Sonic Ranch mit den langjährigen Produzenten Caleb Wright (Charly Bliss, Samia) und Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) stattfanden, begann der Entstehungsprozess des Albums vor gefühlt einer Ewigkeit. In derselben Nacht, in der Hippo Campus ihre letzte Platte "LP3" feierten, erfuhren sie, dass jemand, den sie liebten, unerwartet verstorben war. Die Peitschenhiebe des Erwachsenwerdens wurden durch die Auswirkungen von Tod, Niedergeschlagenheit, Sucht und Angst noch verstärkt, so dass sie sich dem überwältigenden Ziel verschrieben, etwas Tiefgreifendes und Lebensveränderndes zu schaffen. Sie wurden gemeinsam nüchtern, nahmen regelmäßig an Gruppentherapien teil, schrieben mehr als 100 Songs, traten einen Schritt zurück und stellten plötzlich fest, dass ihnen das, was sie machten, eigentlich keinen Spaß brachte. Für eine Band, die eine Milliarde Streams überschritten hat, historische Veranstaltungsorte wie Red Rocks ausverkauft hat, auf Festivalbühnen auf der ganzen Welt aufgetreten ist - und das alles dank des unwiderstehlichen, frühlingshaften Songwritings, das ihre Reihe von experimentellen Pop- und emphatischen Rockalben füllt - wussten sie, dass das, was sie dieses Mal machten, einfach nicht gut genug war. Gemeinsam mit Wright und Cook räumten sie auf und warfen alle Vorurteile darüber über Bord, wie sie zu klingen gedachten. Sie versuchten nicht mehr, ein sogenanntes Meisterwerk zu erzwingen, und verpflichteten sich gegenseitig, das zu schneiden, was ihnen am besten gefiel: kein Hinterfragen oder Zurückhören, nur ein Mantra des Vorwärtsdrangs. Weniger als zwei Wochen später hatten Sänger Jake Luppen, Gitarrist Nathan Stocker, Schlagzeuger Whistler Allen und Bassist Zach Sutton "Flood" fertig. Auf "Flood" liefern Hippo Campus dicht gedrängte Thesen über Selbstkritik und Selbstvergebung, Ermächtigung und das Zurückbleiben hinter den Erwartungen, gescheiterte Beziehungen und das Finden eines Weges nach vorne. Die Gefühle sind roh, echt und ungeschützt, unterstützt von subtilen Tonartwechseln und Tempowechseln und der angeborenen Raffinesse, die sie so mühelos präsentieren können.

Das Album "Walk With Me" von Dog Eat Dog, veröffentlicht 2006 von Nuclear Blast und nur kurze Zeit erhältlich, zählt zu den versteckten Juwelen der Rockmusik. Lange vergriffen, hoch gehandelt und nun endlich wieder erhältlich als Digipak und Ltd. Edition Orange Vinyl.

Das Album "Walk With Me" von Dog Eat Dog, veröffentlicht 2006 von Nuclear Blast, ist ein beeindruckendes Zeugnis der kreativen Kraft und musikalischen Vielseitigkeit der Band. Obwohl es nur für kurze Zeit verfügbar war, hat es dennoch einen bleibenden Eindruck hinterlassen und zählt zu den versteckten Juwelen der Rockmusik.

Dog Eat Dog, bekannt für ihre innovative Mischung aus Rock, Punk und Funk, erlebte in den frühen 2000er Jahren eine Phase intensiver Kreativität. Nach mehreren erfolgreichen Alben und Touren entschied sich die Band, ein Album zu schaffen, das ihre musikalische Entwicklung und ihre Erfahrungen der letzten Jahre widerspiegeln sollte. Die Arbeit an "Walk With Me" begann, und die Bandmitglieder verbrachten unzählige Stunden im Studio, um ihre musikalischen Ideen zu perfektionieren.

2003 fanden sie mit Vibra ein neues Management und kamen so in Kontakt mit Claus Grabke. Mit ihm arbeiteten sie an Songs wie "M.I.L.F.", "Hell Yeah", "Cannonball" und "Undivided" für ihr neues Album. Bei letzterem singt Marta Jandová von Die Happy als Gastsängerin.

Das Album wurde mit viel Leidenschaft und Hingabe aufgenommen. Jeder Song auf "Walk With Me" erzählt seine eigene Geschichte und spiegelt die persönlichen und kollektiven Erlebnisse der Band wider. Die kraftvollen Rhythmen, eingängigen Melodien und tiefgründigen Texte zeigen Dog Eat Dog auf dem Höhepunkt ihrer Kreativität.

"Walk With Me" ist vollgepackt mit energiegeladenen Tracks, die die einzigartige Mischung aus Rock, Punk und Funk der Band perfekt zur Geltung bringen. Songs wie "Undivided" und "Walk With Me" strotzen vor Dynamik und zeigen die musikalische Vielfalt der Band. Besonders hervorzuheben sind die kraftvollen Gitarrenriffs und die markante Stimme des Leadsängers, die jedem Song eine besondere Note verleihen.
Die Produktion des Albums ist erstklassig, mit einem klaren und dynamischen Sound, der die Energie und Leidenschaft der Band perfekt einfängt. Die sorgfältige Abmischung und die durchdachte Songstruktur machen "Walk With Me" zu einem Hörgenuss, der sowohl bei hoher Lautstärke als auch in ruhigen Momenten überzeugt.

Trotz der hohen Qualität des Albums war "Walk With Me" nur für eine kurze Zeit verfügbar. Dies lag an internen Problemen bei Nuclear Blast und unerwarteten rechtlichen Komplikationen, die dazu führten, dass das Album nach kurzer Zeit vom Markt genommen werden musste. Diese unglücklichen Umstände bedeuteten, dass viele Fans das Album nicht erwerben konnten, was es zu einem begehrten Sammlerstück machte.

"Walk With Me" ist ein herausragendes Album, das die kreative Essenz von Dog Eat Dog in ihrer besten Form einfängt. Die Kombination aus eingängigen Melodien, kraftvollen Rhythmen und einer faszinierenden Entstehungsgeschichte macht es zu einem unverzichtbaren Bestandteil jeder Musiksammlung. Nun haben Fans endlich die Möglichkeit, dieses Meisterwerk wieder als CD Digipack und Ltd. Edition Orange Vinyl zu kaufen - und auch digital ist es zum ersten Mal seit langer Zeit wieder verfügbar.

Acid, 1980 im belgischen Brügge gegründet, gelten als einer der ersten Vorläufer des Speed Metal auf dem europäischen Kontinent. Sängerin Kate de Lombaerd, die Gitarristen Dirk Simoens (Dizzy Lizzy) und Donald Devers (Demon), Bassist Peter (T-Bone) sowie Drummer Geert (Anvill) nahmen in Form von "Acid" (1983), "Maniac" (1983) und "Engine Beast" (1985) drei hoch geschätzte Alben für Giant Records auf, ehe sich Mitte der achtziger Jahre ihre Wege trennten. Um 2019 herum reifte in Kate de Lombaerd der Plan, es noch einmal zu versuchen. Unter der Mitwirkung von Mathieu Trobec (Bass), Gilles Reuse (Gitarre), Andreas Stieglitz (Gitarre) und Bastiaan Andriessen (Schlagzeug) fand man sich wenig später unter dem Namen Kate's Acid zusammen. Es folgten umjubelte Live-Auftritte u.a. beim Keep It True Rising (2021) und noch einmal beim Keep It True im Jahre 2023, wo auch das jetzt vorliegende Album "Blowing Your Ears Off" mitgeschnitten wurde.

Acid, 1980 im belgischen Brügge gegründet, gelten als einer der ersten Vorläufer des Speed Metal auf dem europäischen Kontinent. Sängerin Kate de Lombaerd, die Gitarristen Dirk Simoens (Dizzy Lizzy) und Donald Devers (Demon), Bassist Peter (T-Bone) sowie Drummer Geert (Anvill) nahmen in Form von "Acid" (1983), "Maniac" (1983) und "Engine Beast" (1985) drei hoch geschätzte Alben für Giant Records auf, ehe sich Mitte der achtziger Jahre ihre Wege trennten. Um 2019 herum reifte in Kate de Lombaerd der Plan, es noch einmal zu versuchen. Unter der Mitwirkung von Mathieu Trobec (Bass), Gilles Reuse (Gitarre), Andreas Stieglitz (Gitarre) und Bastiaan Andriessen (Schlagzeug) fand man sich wenig später unter dem Namen Kate's Acid zusammen. Es folgten umjubelte Live-Auftritte u.a. beim Keep It True Rising (2021) und noch einmal beim Keep It True im Jahre 2023, wo auch das jetzt vorliegende Album "Blowing Your Ears Off" mitgeschnitten wurde.

Mit "The Machine in the Ghost" erreichen HAUJOBB den beeindruckenden Meilenstein des zehnten Studioalbums. Auch ihr neuestes Werk unterscheidet sich von all seinen Vorgängern. Das derzeit in Leipzig residierende Duo verweigert sich weiterhin standhaft jeder Wiederholung. "The Machine in the Ghost" unterscheidet sich bereits durch die Verwendung von Feldaufnahmen, um die Sounds für dieses Album zu erzeugen. Um die gewünschten Effekte zu erzielen, haben HAUJOBB bewusst auf eine Mischung aus Software und Hardware gesetzt - letzteres in Form von mit Alltagsgegenständen erzeugten Tönen. Diese symbolische Anspielung auf eine Zeit, in der es weniger Software und mehr analoges Drehen an den Reglern gab, ergänzt das Thema von "The Machine in the Ghost" um einen Hauch von Retro-Feeling - ohne jede nostalgische Verklärung. Das Album dreht sich um die spannungsgeladene Beziehung zwischen analog und digital, Geist und Materie. Als sich HAUJOBB im ostwestfälischen Bielefeld zunächst zu einem Trio formierten, kamen ihre Haupteinflüsse noch aus der Vancouver-Schule des Industrial - und speziell SKINNY PUPPY sowie FRONT LINE ASSEMBLY. Dies ist auf ihrem ersten Album "Homes & Gardens" (1993) noch hörbar, doch schon bald wurden HAUJOBB selbst als Aushängeschilder eines modernen elektronischen Industrial-Sounds angesehen. Auf den folgenden Alben "Freeze Frame Reality" (1995) und "Solutions for a Small Planet" (1996) entfernten sich die Deutschen zunehmend von den kanadischen Einflüssen, indem sie damit begannen, IDM (Intelligent Dance Music) mit Industrial und EBM zu verschmelzen. Damit katapultierten sich die Deutschen mitten in die internationale Szene und verschafften sich sogar in den USA einen Kultstatus. Auch nachdem HAUJOBB zum Duo mutiert waren, blieben sie einflussreich und insbesondere ihr 2011 in Eigenregie veröffentlichtes Album "New World March" gilt als weitere Großtat. Mit "The Machine in the Ghost" schlagen HAUJOBB ein neues spannendes Kapitel in ihrer bemerkenswerten Karriere auf. Unmittelbar zu Beginn der nächsten industriellen und kreativen Revolution, die der rasante Aufstieg der künstlichen Intelligenz auszulösen verspricht, legen HAUJOBB ihre metaphorischen musikalischen Finger erneut direkt an den Puls der Zeit.

The concept for and palette of Crystal Dorval aka White Poppy’s ‘Paradise Gardens’ trilogy first germinated in 2016 as a notion of “paradise music” combining new age, bedroom shoegaze, and bossa nova into “transcendental Tropicalia.” As she filled tapes of recordings exploring the idea, many of the songs gradually gravitated towards the hermetic dream pop her project is best known for, becoming the albums Paradise Gardens (2020) and Sound Of Blue (2023). Dorval describes these collections as a sort of “emotional purging or shadow work,” before arriving at “the state of inner paradise:” Ataraxia.

As the third, final, and most purist realisation of the original ‘Paradise Gardens’ vision, Ataraxia delivers. Nine instrumentals of nimble guitar, elevated bass, clean rhythm, and clear light, gliding like swans on a shimmering pond. There’s a sense throughout of playful tranquillity, of serenades at sunset, of kisses of blissful Muzak wafting along a boardwalk.

But behind the music is a patience, grace, and levity born of Dorval’s personal journey with spiritual healing that paralleled the trilogy. A process of transmuting pain into beauty, day by day, melody by melody, cleaving the darkness from the soul and re-entering one’s rightful home in the Garden.

"Skid Row - Live in London" ist das erste Live-Album der USRocker. Aufgenommen und gefi lmt (in hochaufl ösendem 4K) im
02 Forum Kentish Town im Oktober 2022, fängt das Livealbum
Skid Row auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte ein und präsentiert
zeitlose Songs wie "18 And Life", "Slave To The Grind" und
"Youth Gone Wild" sowie neue Fan-Favoriten von "The Gang's
All Here", darunter "Tear It Down" und "Time Bomb". "Live in
London" ist das ultimative Skid Row-Live-Erlebnis und ein Muss
für alle alten und neuen Fans.

Italienischer Prog-Power-Metal vom Feinsten!
Vision Divine sind wieder da und liefern eine Handvoll glorreichen und sanften Progressive Power Metal. Eine epische Saga, die sich über zwei
monumentale Alben erstreckt, mit "Blood And Angels' Tears" als erstem Teil: angesiedelt in einer fernen Epoche vor den bekannten Zivilisationen,
dreht sich die Erzählung um drei Engel, die wegen ihrer Unentschlossenheit während des katastrophalen Krieges zwischen Luzifer und Erzengel
Michael aus dem Himmel verbannt wurden. Jedes Album ist ein Kapitel in einer großen, filmischen Geschichte: Themen wie Erlösung, Einheit und
Widerstandskraft durchdringen die melodischen Orchestrationen und den eindringlichen Gesang. Erlebt die cineastische Majestät von "Blood And
Angels' Tears", wo jede Note und jeder Text verschmilzt, um einen zeitlosen Kampf und eine heldenhafte Reise durch die Gefilde des alten Mythos
und der fantastischen Fantasie zu beschwören!

Eternal champions! (power metal)
Ewige Meister!
(Power Metal)
Nach dem Erfolg des fulminanten Debütalbums "Emperor Rising" liefert "Return Of The Heralds" noch mehr schnelle, melodische Melodien, die im
Bereich des traditionellen Power-Speed-Metal leben und gedeihen.
Das neue Krilloan-Album ist einmal mehr eine herzliche Hommage an die "guten alten Zeiten" des klassischen Heavy Metal und der Sword &
Sorcery-Unterhaltung, die sie geprägt haben. Epische und grimmige Schlachthymnen über Conan den Barbaren, Elric von Melniboné, "Warhammer
40.000" und die nicht enden wollenden Tage in einer Welt jenseits unserer eigenen: das ist die konzeptionelle Grundlage der schwedischen Band um
Gitarrist Klas Holmgren, mit einem klaren Fokus auf ein ausgefeiltes und stets ausgewogenes Songwriting. Eines ist sicher: Langweilig wird es einem
beim Hören eines Krilloan-Albums nie!

Schwedens gefeierter Komponist, Produzent, DJ und Pianist Rasmus Faber stellt sein erstes Ambient/Neoklassik-Album vor: "Where Light Touches“ A NIMA Story" ist eine Audiointerpretation des hochgelobten Buches "NIMA" des Illustrators Ross Tran (RossDraws) aus L.A. Rasmus erschafft ein vollständig immersives Hörerlebnis im Atmos-Surround-Sound und malt atemberaubende Audiobilder mit zart-melodischen Farbtönen, voller atmosphärischer Gespräche zwischen gefühlvollen Klavieren, beruhigenden Streichern und anspruchsvoller elektronischer Musik, die anmutig durch dieses bezaubernde Werk fließen. Aufgenommen mit komplettem Orchester in Stockholm, wurden die Werke mit elektronischen Elementen aus Rasmus' reichhaltigem Erbe verschmolzen.

THE 6TH ALBUM BY FRENCH CULT UNDERGROUND RAPPER

BOTH PRODUCTION AND GUESTS PERFECTLY MATCH DEEP, TOUCHING AND ASTUTE LYRICS featuring EUPHONIK, SWIFT GUAD, SALIGO & DEMI PORTION

Tanukichan, the musical project of Oakland, CA’s Hannah van Loon, has been a prominent figure in modern shoegaze music since 2016, when she first collaborated with Chaz Bear of Toro y Moi. Together, they released an EP and two full-length albums under Bear's Company Records, culminating in 2023's GIZMO. With her new EP Circles, out September 20th, 2024, via Carpark Records, van Loon ventures into new territory by teaming up with a new producer for the first time – Franco Reid.

The genesis of their partnership dates back to the GIZMO campaign, when Reid noticed van Loon wearing an Incubus shirt in a press photo on Instagram. Intrigued by whether or not van Loon was a genuine fan, he sent her a DM. Their shared musical interest sparked a dialogue that eventually led to the creation of the single "NPC" in 2023.

Lead single “City Bus,” offers a reflection on van Loon's childhood bus rides in San Francisco, evoking the stop-and-go rhythm of commuter life through hard-hitting drums and heavy guitar feedback phasing in and out of the mix. Themes of self-reflection and societal belonging permeate the track, echoing van Loon's ongoing personal journey.

While much of Circles delves into internal struggles, “It Gets Easier” takes on a more celebratory tone as van Loon realizes she’s developed a heightened sense of maturity when dealing with hardship. “It feels easier to let go of situations or people that don’t serve me,” reflects van Loon, “Or if they can’t be avoided, at least I don’t have to dwell on the sadness or discomfort I feel when letting someone down.” Introduced by Reid, nu-gaze sensation Wisp, contributes a verse in her similarly ethereal vocal style.

There is a notable shift on Circles when you consider the first three Tanukichan releases were produced by a pioneer of the chillwave genre. With van Loon’s consistently dreamy songwriting and Reid at the helm, Tanukichan enters new sonic territory that feels larger, arena-ready, and more like a highspeed night drive than the hazy summer dream of its predecessors.

When the body starts screaming...SOFT VIOLET harnesses the pain with beats and rhythms, bass, synth and vocals, to manifest a rejuvenated writhing musical being that thumps and bumps. Downtrodden...upbeat! Upbeat!

Following multiple band projects, including the parallel powerhouse acts Spinnen and the ecstatic Turkish-Armenian-Friendship TAF, multi-instrumentalist SOFT VIOLET, now releases her solo debut album: Sterner Stuff. And that it is: Guttural with a pounding heart laid out on sexy stainless-steel surface, defiantly glinting.

Playful experimentation reigns free, fusing drum-machine and analogue synths with bass and vocals, to create a hybrid glittering creature that shines sublime.

SOFT VIOLET has a special power to tap in, making clearly conscious decisions to break and irritate, strutting through techno beats, poetically proclaiming personal and political urgency with a confidence, sincerity and sense of humour echoing the likes of Zheani and Sneaks or (thrillingly also) the 1990's heroes Cibo Matto.

SOFT VIOLET urges the listener to unite, to love and be loved and find ways, through music, of transforming pain into something joyous and uplifting, porous and free, as well as incessantly danceable.

SOFT VIOLET dares to go places that others do not, tapping into an honesty that others shy away from, welcoming everyone in to come play.

SOFT VIOLET is a fighter rising in solidarity. The beginning of the matriarchy is already in full effect. See You In The International Court Of Justice Bitch. Let's bounce!

Monument is one of Portico Quartet’s most accessible, direct records to date. If Terrain addressed the darker side of how Duncan Bellamy and Jack Wyllie made sense of the pandemic, then Monument resonates as an ode to better times. If not quite a dance record, it nonetheless pulses with an energy, radiance and a scalpel sharp focus. Jack Wyllie explains: “It’s possibly our most direct album to date. It’s melodic, structured and there’s an economy to it that is very efficient. There’s not much searching or wastage within the music itself, it is all finalised ideas, precisely sculpted and presented as a polished artefact.” Bellamy expands “Monument sits somewhere between our albums Portico Quartet and Art in the Age of Automation. It has perhaps a more overtly electronic edge to its sound – there are more synthesisers and electronic elements than we have used before and the music is often streamlined and rhythmic”.

Limited Edition of 1000 Opaque Light Blue 180 Gram Vinyl LP. Ghost on Ghost is Iron & Wine's fifth full length record and was originally released in 2013. The album found Sam Beam the bands principle member working once again with longtime associate Brian Deck (Modest Mouse, Califone). The record marks the last time the two would work together on a journey that began with the bands second record, Endless Numbered Days. It also marked a shift for the two from working in Chicago to setting up in New York City. The idea behind the move was to tap into the creative musical community New York had to offer. The line-up that helped bring Beam's vision for Ghost on Ghost to life included a who's who from the jazz community as well as the deep wells of outside art including Steve Bernstein (Sex Mob/Levon Helm Band), Rob Burger (Tin Hat Trio), Brian Blade, Curtis Fowlkes (The Jazz Passengers), Tony Garnier (Bob Dylan Band), Marika Hughes, Briggan Kraus, Maxim Moston, Tony Scherr (The Lounge Lizards), Doug Wieselman, Kenny Wolleson (Tom Watis/John Zorn) and Anja Wood. The level of talent on Ghost on Ghost far surpassed anything Beam ever imagined when he first began writing songs as Iron and Wine on his four-track. Upon completing the Ghost on Ghost Beam jokingly referred to the recording process as "a reward to myself" after years of chasing sounds by himself. Being able have the finest in musicians in New York City perform on the record, elevating these songs into places he never imagined Beam stated, "it was an honor -- really inspiring." Beam stated at the time that Ghost on Ghost takes it's inspiration from records like Nilsson Schmilsson, Ram, Mingus Moves and What's Going On. The record they all crafted is warm and inviting and was like anything up to that point in the Iron & Wine catalog.

Limited Edition of 1000 Opaque Pink 180 Gram Vinyl LP. Kiss Each Other Clean, Iron & Wine's fourth full length record was originally released in 2011 and came three years after his biggest selling record up to that point, The Shepherd's Dog. The bands two earlier albums had been sparse, intimate solo affairs that offered no hint of the direction he would take with records three and four. Like The Shepherd's Dog, Kiss Each Other Clean is layered with textures, poly-rhythmic sounds and a more is more approach. His lyrics sprung to life in ways initially unimaginable to early fans and critics helping each song tell its story and build to climaxes thru various sounds and editing techniques. However what remained at the core of KEOC, and what fans of the band had come to love, was the song writing and singing of principle songwriter Sam Beam. Beam's ability to invite you in with his hushed singing tone and knack for a melody remained front and center even in his drive to replicate something in the vein of Waits' Swordfishtormbones Principle recording for KEOC was at home in Dripping Springs, Texas where Beam resided at the time. After laying down the bulk of the record Beam moved recording to Chicago to work with Brian Deck. A cast of musicians helped Beam find his sound and see his vision for KEOC including Joe Adamik (Califone), Jim Becker (Califone), Thomas Bartlett (Doveman), Stuart Bogie (Antibalas), Rob Burger (Tin Hat Trio), Benny Massarella (Red Red Meat/Califone), Chad Taylor (Chicago Underground Duo) and Matt Lux (Isotope 217). With KEOC Beam and company brought in soft rock smoothness, dub reggae textures, and instruments that hadn't been featured on previous records. The vintage synths on 'Monkeys Uptown', the Stevie Wonder funk on 'Big Burned Hand,', the strum and drang of 'Walking Far From Home' all give the otherwise very organic-sounding arrangements a welcome cheesy kick. The record also produced the biggest radio single of the bands career with the vintage AM friendly vibes of 'Tree by the River.' It was an adventurous period in the career in Iron & Wine and one in which Beam was defying categorization.

Haut la vache is a record of sound exploration, a testimony to twilight contemplation, and by the way, the second field recording album by collectif_sin~. After Tour de Transmission (2016), a recording of celestial flutes created by the wind rushing through a metal structure at the top of a Pyrenean peak, we now head to Switzerland, where the tinkling of cowbells forms infinite landscapes for the ears, a metallic wave swaying over the green grass that you can listen to on side A, while on side B you'll discover a remix of the bells by the collectif_sin~. Get on the bus and long live the cows!

Neue Vinylauflage des zweiten Albums UNION (2009) der britischen Indie-Rock-Band The Boxer Rebellion mit den Singles "Evacuate", "Flashing Red Light Means Go", "Soviets" und "Spitting Fire", das My Morning Jacket von #1 der US-Alternative-Alben bei iTunes verdrängte und zum ersten Album einer Band ohne Vertrag wurde, das nur als digitaler Release in die Billboard Top 100 Album-Charts einstieg. UNION erschien - remastered - 2023 erstmals auf Vinyl.

REISSUE

Strut presents a brand new reissue of Juju"s powerful Afrocentric album "Chapter Two: Nia" from 1974, originally released on Strata East.

REISSUE

Strut presents an exclusive reissue of Oneness Of Juju"s classic 1976 album Space Jungle Luv, an essential addition to the Black Fire Records reissue series.

Tijs Vanneste, succesvol muzikant én tv-maker, komt met zijn eerste eigen plaat 'Over De Helft'.

Als deel van het iconische duo 'Van Echelpoel' werd het hoog tijd voor Vanneste om zijn eigen muzikale pad te bewandelen.

Tijs scoorde al eerder met albums in functie van zijn televisiewerk: 'Hier Is Het Goed' en 'Wildgroei' maakten deel uit van zijn gelauwerde televisieprogramma 'De Kempen' op VRT1. Dit nieuwe project wordt gedreven door zijn persoonlijke passie en mag gelabeld worden zoals iedereen in deze woelige tijden dat zelf wilt: een daad van egoïsme, nakend narcisme of gewoon een uiterst hoge nood aan een eigen creatieve uitlaatklep.

'Over De Helft' is geen toevallige schepping, integendeel, het is een belichaming van elementen die voor Tijs van onschatbare waarde zijn: humor, diepgang en plezier doordrenkt met wereldwijde muzikale invloeden zoals Reggae, Dub en Slavische klanken.

Zoals we van Vanneste gewoon zijn wordt dit alles op zijn eigen hardnekkige en eigenwijze manier van uitdrukken gepresenteerd: het authentieke en ondertussen tot wereldtaal verheven Kempense dialect.

De titel van dit zelfverklaard meesterwerk is treffend: 'Over De Helft'. Want laat dat nu de plek zijn waar Tijs zich bevindt: bijna 45 jaar oud en vooral erg blij met waar hij nu voor en in het leven staat: eerlijk en rechtdoorzee. Nummers als 'Talent' en 'De Kempen' vertellen over vroeger, nu en... later.

In het allerbeste geval is 'Over De Helft' een stimulans voor zowel lichaam als geest of op zijn minst een plaat die je doet dansen, lachen en verlangen naar een eeuwigdurende zomer.

Mara MacDonald is a musician and performer from Melbourne, Australia. She released her debut album 'I'm just One Person' as Marara on JPEG Artefacts in January 2023. She has also self-released two EP's, has received the Signal Sound Commission grant for young artists, and is known for her chaotic, confessional live performances. Brad Rose of Foxy Digitales said of her debut: "it feels like I've uncovered some kind of hidden treasure… each word, each sound echoes into forever."

August and June will be available on streaming platforms and limited-edition cassette tape on 27/09/24. Guests include pillar of the Australian noise scene, Uboa, and prolific Portland producer, Kaho Matsui. For fans of: Claire Rousay, More Eaze, Katie Dey, Felicia Atkinson, Elaine Radigue.