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Sam Shepherd alias Floating Points hat heute angekündigt, dass sein neues Album, „Cascade“, am 13. September 2024 via Ninja Tune erscheint.

„Cascade“ ist eine Eruption unvollendeter Angelegenheiten. Ende 2022 fand sich Shepherd, der dafür bekannt ist, so frei zwischen den Genres zu wechseln, wie es sein Künstlername andeutet, in der kalifornischen Wüste wieder, um an etwas Neuem zu arbeiten. „Mere Mortals“, seine erste Ballettmusik, die in Zusammenarbeit mit dem San Francisco Ballet entstand, sollte eine Kollision von Klang und Tanz sein, die die antike Parabel von Pandora durch das Prisma der Technologie erforscht. Auf „Promises“, seinem Vorgängeralbum, das 2021 veröffentlicht wurde, tauschte er seine typischen modularen Synthesizer-Teppiche und komplizierten Drum-Patterns gegen luftige Traumlandschaften aus, die er mit dem legendären Saxophonisten, Pharoah Sanders, und dem London Symphony Orchestra entwickelte. Diese Zusammenarbeit war so beliebt, dass eine Mercury Prize-Nominierung und ein ausverkauftes Konzert im Hollywood Bowl im September 2023 folgten. Zwischen diesen Projekten und einem bevorstehenden Anime-Score für Adult Swim, könnte es von außen betrachtet so aussehen, als ob Shepherd die Tanzfläche für immer verlassen würde. Aber während er tagsüber an seiner Ballettmusik schrieb, sehnte er sich nachts nach der schweißtreibenden Gemeinschaft einer Tanzfläche. Nach der pulsierenden Unbekümmertheit der elektronischen Musik. Im November 2019 veröffentlichte Shepherd sein von Kritiker:innen hochgelobtes zweites Studioalbum, „Crush“. „Cascade“ wurde als Nachfolger:in von „Crush“ konzipiert, um Album (und Publikum) die Möglichkeit zu geben, Floating Points noch einmal in seiner traditionellen Form auf einer Tanzfläche zu erleben: voller Buchla-Rhythmen, glitchenden Melodien, die einen Raum voller wogender Körper verzaubern. Die neun Songs dürfen bis zu acht Minuten am Stück schwelen und funken, was eine weitreichendere Erkundung von Sounds und Grooves als zuvor ermöglicht. Fast ein Jahrzehnt nach seinem vielbeachteten Debütalbum, „Elaenia“, hat der Komponist Wege gefunden, seine Experimente außerhalb der Clubmusik nahtlos in seine für die Tanzfläche konzipierte Musik einzubinden.

a A1. Vocoder Club Mix

Ginger Root ist das Projekt von Cameron Lew aus Südkalifornien. Seit seiner ersten Veröffentlichung 2017 vermischt der Multi-Instrumentalist, Produzent, Songwriter und visuelle Künstler handgemachten, aber makellos polierten Synth-Pop, Alt-Disco, Boogie und Soul zu einem Sound, den er selbst als "aggressiven Fahrstuhl-Soul" beschreibt. Durch seine Linse als asiatischer Amerikaner, der mit der Musik der 1970er und 80er Jahre aufgewachsen ist, nimmt eine Musik Gestalt an, die insbesondere den kreativen und kulturellen Dialog zwischen japanischem City Pop und seinen westlichen Gegenstücken von French Pop über Philly Soul bis hin zu McCartney der Ram-Ära hervorhebt. SHINBANGUMI ist seine dritte LP und die erste für sein neues Label Ghostly International. Lew zeigt sich auf SHINBANGUMI gelassener, eigenwilliger und bewusster denn je und bringt genau das zum Vorschein, wonach sich Ginger Root anhören und anfühlen sollte. Die Leadsingle "No Problems" fungiert mit singbaren Basslines, schwungvollen Gitarrenriffs und cleveren Keyboard-Hooks als Eröffnungssequenz und als Brücke zu neuem Terrain. Für Fans von L'Imperatrice, Toro y Moi, Unknown Mortal Orchestra, Thundercat, Crumb, Khruangbin. ENGStep inside the world of Ginger Root. Cameron Lew makes it easy to do so; every considered detail is his own manifestation, written, designed, and executed as an all-encompassing diorama of sound and sight. A multi-instrumentalist, producer, songwriter, and visual artist from Southern California, Lew has crafted his project steadily since 2017, inviting a fervent and growing legion of fans into storylines drawn across mediums: captivating albums with accompanying films and globe-spanning tours. The Ginger Root sound _ handmade yet immaculately polished synth-pop, alt-disco, boogie, and soul _ takes shape through Lew's lens as an Asian-American growing up enamored by 1970s and '80s music, specifically the creative and cultural dialogue between Japanese City Pop and its Western counterparts from French Pop to Philly Soul to Ram-era McCartney. He spins his retro-minded influences and proliferates savvily in the present, synthesizing a songwriter's wit, an editor's eye, and a producer's resource into something singular and modern. SHINBANGUMI, his long-awaited third LP, and Ghostly International debut set for physical release in 2024 with a visual album component, translates roughly to a new season of a show. It finds Lew more poised, idiosyncratic, and intentional than ever in a new chapter of life, unlocking "exactly what Ginger Root should sound and feel like," he says. "In terms of instrumentation and musicality, it's the first time that I felt very confident and comfortable with what everything should be comprised of. On the more personal side, I'm coming out of the last four years of writing, touring, and living as a different person; SHINBANGUMI is a platform to showcase my new self."

Der englische Singer-Songwriter ist in erster Linie als Sänger es Projekts No-Man bekannt, das er zusammen mit Steven Wilson führt. Die 16 neuen Tracks bilden eine kontrastreiche Reise durch Industrial Rock, Elektro-Pop, Singer-Songwriter-Direktheit, geisterhafte Karnevals-Soundscapes und vieles mehr. Der experimentelle, aber stets zugängliche Angriff auf die verschiedenen Genres entstand in Zusammenarbeit mit Steven Wilson, der das Werk sowohl in Stereo als auch 5.1 Surround Sound gemischt hat.

Eine Sammlung für M. Ward-Fans jeden Jahrgangs. "For Beginners: The Best Of M. Ward" versammelt 14 Tracks aus seiner gesamten Merge Records Discografie, einschließlich des neu aufgenommenen Songs "Cry". "For Beginners" ist sowohl eine Fibel und ein Mixtape mit Lieblingsstücken. Die Reihenfolge der Songs ist so ausgetüftelt, dass ihnen neues Leben eingehaucht wird. Beginnend mit "Chinese Translation" und "Poison Cup" vom 2006 erschienenen Album "Post-War", zeigt "For Beginners", wie Ward sein Können im Studio ausbaut. Seine einzigartige Coverversion von David Bowies "Let's Dance", aus dem 2003er Album "Transfiguration of Vincent", geht über in das überschwängliche "Never Had Nobody Like You" vom 2009er Album "Hold Time". Anstatt einer sauberen Entwicklungslinie, die ein chronologisches Arrangement suggeriert, ist das, was "For Beginners" zusammenhält, ist Wards tadelloses Können als Songwriter, das im Fokus bleibt während sich sein Sound von Low-Fi-Heimaufnahmen zu elektrischen, radiotauglichen Stompern und wieder zurück bewegt. Pünktlich zum 35-jährigen Jubiläum von Merge Records wird dieses Album eines der beliebtesten Künstler des Labels veröffentlicht und enthält mit dem Song "Cry" die erste neue M. Ward Aufnahme auf Merge seit 2018. "Cry" ist eine reduzierte Coverversion des Godley & Creme Pop-Klassikers, aufgenommen mit dem Folk Bitch Trio aus Melbourne, Australien. M. Ward über "Cry": ""Cry" wurde in einem tasmanischen Museum für moderne Kunst namens MONA aufgenommen. Ich saß am Ende eines langen Flurs, nur wenige Meter entfernt von Anselm Kiefers Skulptur eines 20 Fuß hohen Stapel von Bleibüchern, und links und rechts von mir, um ein einziges Mikrofon herum, saß das Folk Bitch Trio; wir probten und nahmen "Cry" in etwa 30 Minuten auf. Es ist mir ein Vergnügen, diesen Song zu einer Sammlung meiner schönsten Erinnerungen an das Musikmachen hinzuzufügen." Der Song ist der perfekte Schlussstein für eine Sammlung dieser Art und fasst Wards Stärke als Musiker zusammen: der Reichtum, den er in spärlichen Aufnahmen erreicht, sein Talent für Zusammenarbeit und seine Fähigkeit, die Seele eines akribisch ausgearbeiteten Popsongs zu durchschauen. Ein Mittel, um auf die Zukunft seiner eigenen Arbeit zu blicken, aber auch ein Rückblick auf seine Vergangenheit.

"Ist es die Euphorie" ist ein Live-Album, das die bereits jetzt legendären, ekstatischen Konzerte dieser 4Mann-Band einfängt. Aufgenommen in einem ehemaligen Schlagzeug- und Chorübungsraum des ehemaligen Münchner Gasteig, sitzt man quasi mit Raketenumschau im Proberaum. Ihre scheinbar "altmodische" Aufnahmetechnik beschreibt eigentlich schon den Werdegang der Band, die sich ganz old school, ohne große Spotify Playlists und TikTok Algorithmen, sondern Live, mit bald 100 Konzerten in 2 y Jahren ihr Publikum erspielt haben. Raketenumschau sind Freunde, ein Schwarm sozusagen, jeder ist Teil der Bandgeschichte und des Sounds. O-Ton Band: Geprägt haben uns viele Bands der Hamburger Schule aber auch Münchner Bands wie Malva, Prohibition oder Plainhead. Das Debütalbum der Raketenumschau "Ist es die Euphorie" wurde von Willy Löster (MOLA, Florian Paul, Bruckner) produziert und von Olaf O.P.A.L. (International Music, Juli, The Notwist) gemischt.

Wick Bambix ist vor allem als Sängerin und Gitarristin der Punkband Bambix bekannt. Ihr unverwechselbarer Gesangsstil und ihre Authentizität, die zu jedem Genre passt, in dem sie auftritt -Folk, Punk, Country - ist ebenso zu ihrem Markenzeichen geworden wie die Freimütigkeit ihrer Texte. "When Things Grow Teeth", Wicks erstes Soloalbum in voller Länge, befasst sich mit politisch gefärbten, sozialen Themen, vorgetragen in einer stets melodiösen melodramatischen Weise, aber mit erhobener Faust. Wick Bambix" Musik könnte man am besten als Punk-Akustik beschreiben.

Last Night Blues ist das 1961 erschienene Album von Lightnin’ Hopkins und Sonny Terry. Last Night Blues
ist das zweite von drei gemeinsamen Alben, auf denen Hopkins’ und Terrys unterschiedliche, aber sich
ergänzende Stile zu einem abgerundeten Hörerlebnis zusammengeführt werden. AllMusic erklärte: ”Diese
dynamische Scheibe repräsentiert, was der Blues sein sollte: nüchtern, gefühlvoll und voller Wahrheit”.
Gepresst auf 180-Gramm-Vinyl bei QRP, wird diese Ausgabe in Zusammenarbeit mit Acoustic Sounds
veröffentlicht.

Die neueste Veröffentlichung der US-Thrash-Legenden FLOTSAM AND JETSAM steht in den Startlöchern. Unter Beibehaltung ihres typischen schnellen und aggressiven Stils präsentiert „I Am the Weapon“ noch mehr musikalisches Können und Komplexität als zuvor.

Am the Weapon“ knüpft nicht nur nahtlos an die beiden herausragenden Vorgänger an, sondern geht auch in Sachen musikalisches Können und Komposition einen Schritt weiter. Während FLOTSAM AND JETSAM ihre Kernkompetenzen wie ihren aggressiven Stil kombiniert mit schnellen Tempi voll ausleben, gibt es auf „I Am the Weapon“ mehr überraschende Momente als je zuvor.
Von brutalen high-speed Tracks wie „I Am the Weapon“ hin zum atmosphärischen, aber nicht superschnellen „Burned My Bridges“ überzeugt jeder Track des Albums auf seine eigene Weise.

Nilüfer Yanya veröffentlichr ihr neues Album ‘My Method Actor’ auf Ninja Tune!

Während sie am neuen Album schrieb, zog sich Nilüfer mit ihrer kreativen Partnerin Wilma Archer (Sudan Archives/ Celeste) ins Studio zurück. Sie war ein Jahr lang mit ihrem zweiten Album „PAINLESS“ auf Tournee und befand sich in einer Phase des Übergangs, zwischen Alben, zwischen Plattenfirmen und zwischen Wohnorten. „My Method Actor“ hat viel mit der Idee zu tun, von einem Lebensabschnitt in einen anderen zu wechseln. Die Samen für „My Method Actor“ wurden Anfang 2023 gepflanzt, aber erst im Frühjahr desselben Jahres begannen die ersten Triebe zu sprießen. Als die Songs zu entstehen begannen, zogen sich Yanya und Archer von der Welt zurück. „Dies ist in dieser Hinsicht das intensivste Album.“, sagt Yanya. „Weil es nur wir beide waren. Wir haben niemanden sonst in diese Blase gelassen.“ Sie schrieben und nahmen in kleinen Sessions auf, verteilt über London, Wales und Eastbourne. Die Atmosphäre des Albums spiegelt diesen Kokon kreativer Energie wider: Es umhüllt die Hörenden mit cineastischen Schwüngen und wirkt gleichzeitig intim, indem es ihn in die kleine Welt einlädt, die sie geschaffen haben, und seine Geheimnisse preisgibt.

Nilüfers vorheriges Album, „PAINLESS“, wurde durchweg als eines der herausragendsten Alben des Jahres 2022 gefeiert, mit glühenden Kritiken von The Guardian (Album der Woche), The Sunday Times, Crack Magazine, NME und anderen. Das Album enthält die herausragenden Tracks, „anotherlife“, „stabilise“ und „midnight sun“, die Nilüfer in der „Tonight Show Starring Jimmy Fallon“ performte. Nilüfer trat auch in „Late Night with Stephen Colbert“, „Later with Jools Holland“ und in der Tiny Desk-Konzertreihe von NPR auf.

Sie hat Adele, The xx und Mitski auf ihrer Tournee begleitet, war Headlinende im Londoner Shepherd's Bush Empire und hat Shows in ganz Europa, Australien, Japan und den USA ausverkauft. Yanya wurde auch von Sampha, King Krule und Little Dragon geremixt und hat mit Bombay Bicycle Club und Liss zusammengearbeitet.

Unter den Galionsfiguren der französischen Disco hatte Bernard Fèvre, besser bekannt als Black Devil, wahrscheinlich die kürzeste Karriere, aber er war der brillanteste und einzigartigste Kopf von allen. Sein erstes Album Disco Club, das 1978 erschien, blieb zwar zunächst unbeachtet, ist aber inzwischen ein Muss, ein Sammlerstück, das viele Hörer dazu veranlasst hat, sich mit seinem umfangreichen Werk zu beschäftigen. Von Rockmusik bis Music Hall, von Sound-Illustration bis Disco, von Pop bis Reggae, von Filmmusik bis Werbung - Bernard Fèvre hat mit so vielen Genres experimentiert, dass es schwer war, den Überblick nicht zu verlieren. Eines seiner besten Alben trägt sogar einen so eindeutigen Titel wie The Strange World of Bernard Fèvre. Machen Sie sich auf den Weg in eine kosmische Dimension, die an das Unbekannte grenzt. BERNARD FEVRE (BLACK DEVIL DISCO / MILLPATTE / SUSPENSE) SPACE ODDITIES ist eine Reihe, die sich der Library-Music französischer (und anderer) Elektronik-Pioniere widmet. Das Projekt wird von Alexis Le-Tan & Jess initiiert und kuratiert und von Born Bad Records veröffentlicht.

„Hole Erth“, das achte Studioalbum von Chaz Bear als Toro y Moi, ist der bisher unerwartetste und kühnste Schritt des Genre-Veränderers. Bear taucht kopfüber in Rap-Rock, Soundcloud-Rap und Y2K-Emo ein. Das Album vereint hymnischen Pop-Punk und melancholischen Rap - zwei Genres, die sich heute mehr denn je gegenseitig beeinflussen - und enthält die meisten Features, die jemals auf einem Album von Toro y Moi zu hören waren. Ein Gefühl der Nostalgie schleicht sich in fast jede Toro y Moi-Veröffentlichung, aber Angst ist eine Emotion, die Bear nie absichtlich so erforscht hat, wie er es hier tut. Tracks wie „Tuesday“ kanalisieren ein spezifisches, aber für immer nachvollziehbares Gefühl von pubertärem Unbehagen. Ein verzerrtes Gitarrenriff führt zu einem sich wiederholenden Refrain, der an missverstandene Teenager erinnert, die laut - vielleicht zu laut - singen, während sie mit dem Fahrrad durch amerikanische Vorstädte fahren. Diese Vorahnung ist auch in „HOV“ zu hören, allerdings nicht ohne mit lustigen Zeilen wie „Romance is so cold / My advice? To Bring a coat." zu verblüffen. Bear hat die Energie, ist sich aber bewusst, dass seine Energie nicht ewig hält. In einer Zeit, in der das Internet in immer schnellerem Tempo mehrere Genres miteinander verschmilzt, schafft Bear das seltene Kunststück, mit dem zeitgenössischen alternativen Hörer Schritt zu halten. Das Herz von Toro y Moi ist es, sich ständig zu verändern, sich weiterzuentwickeln und zu experimentieren. Auf „Hole Erth“ fordert Bear sich selbst heraus, umarmt aber auch die unzähligen Klänge und Epochen, die ihn geprägt haben, während er neue Welten zusammenschmettert.

„Hole Erth“, das achte Studioalbum von Chaz Bear als Toro y Moi, ist der bisher unerwartetste und kühnste Schritt des Genre-Veränderers. Bear taucht kopfüber in Rap-Rock, Soundcloud-Rap und Y2K-Emo ein. Das Album vereint hymnischen Pop-Punk und melancholischen Rap - zwei Genres, die sich heute mehr denn je gegenseitig beeinflussen - und enthält die meisten Features, die jemals auf einem Album von Toro y Moi zu hören waren. Ein Gefühl der Nostalgie schleicht sich in fast jede Toro y Moi-Veröffentlichung, aber Angst ist eine Emotion, die Bear nie absichtlich so erforscht hat, wie er es hier tut. Tracks wie „Tuesday“ kanalisieren ein spezifisches, aber für immer nachvollziehbares Gefühl von pubertärem Unbehagen. Ein verzerrtes Gitarrenriff führt zu einem sich wiederholenden Refrain, der an missverstandene Teenager erinnert, die laut - vielleicht zu laut - singen, während sie mit dem Fahrrad durch amerikanische Vorstädte fahren. Diese Vorahnung ist auch in „HOV“ zu hören, allerdings nicht ohne mit lustigen Zeilen wie „Romance is so cold / My advice? To Bring a coat." zu verblüffen. Bear hat die Energie, ist sich aber bewusst, dass seine Energie nicht ewig hält. In einer Zeit, in der das Internet in immer schnellerem Tempo mehrere Genres miteinander verschmilzt, schafft Bear das seltene Kunststück, mit dem zeitgenössischen alternativen Hörer Schritt zu halten. Das Herz von Toro y Moi ist es, sich ständig zu verändern, sich weiterzuentwickeln und zu experimentieren. Auf „Hole Erth“ fordert Bear sich selbst heraus, umarmt aber auch die unzähligen Klänge und Epochen, die ihn geprägt haben, während er neue Welten zusammenschmettert.

„Hole Erth“, das achte Studioalbum von Chaz Bear als Toro y Moi, ist der bisher unerwartetste und kühnste Schritt des Genre-Veränderers. Bear taucht kopfüber in Rap-Rock, Soundcloud-Rap und Y2K-Emo ein. Das Album vereint hymnischen Pop-Punk und melancholischen Rap - zwei Genres, die sich heute mehr denn je gegenseitig beeinflussen - und enthält die meisten Features, die jemals auf einem Album von Toro y Moi zu hören waren. Ein Gefühl der Nostalgie schleicht sich in fast jede Toro y Moi-Veröffentlichung, aber Angst ist eine Emotion, die Bear nie absichtlich so erforscht hat, wie er es hier tut. Tracks wie „Tuesday“ kanalisieren ein spezifisches, aber für immer nachvollziehbares Gefühl von pubertärem Unbehagen. Ein verzerrtes Gitarrenriff führt zu einem sich wiederholenden Refrain, der an missverstandene Teenager erinnert, die laut - vielleicht zu laut - singen, während sie mit dem Fahrrad durch amerikanische Vorstädte fahren. Diese Vorahnung ist auch in „HOV“ zu hören, allerdings nicht ohne mit lustigen Zeilen wie „Romance is so cold / My advice? To Bring a coat." zu verblüffen. Bear hat die Energie, ist sich aber bewusst, dass seine Energie nicht ewig hält. In einer Zeit, in der das Internet in immer schnellerem Tempo mehrere Genres miteinander verschmilzt, schafft Bear das seltene Kunststück, mit dem zeitgenössischen alternativen Hörer Schritt zu halten. Das Herz von Toro y Moi ist es, sich ständig zu verändern, sich weiterzuentwickeln und zu experimentieren. Auf „Hole Erth“ fordert Bear sich selbst heraus, umarmt aber auch die unzähligen Klänge und Epochen, die ihn geprägt haben, während er neue Welten zusammenschmettert.

Hello 24! Nice to have you here. 23 is so yesterday, so over the top, really. Well, we’ve been dancing the following dances recently. What about you?

What lasts a long time usually turns out well. Having admired TEE MANGO from afar for many years, our A&R Michael Mayer took heart and invited him to this year’s TOTAL. “So In Love” is in the best tradition of the KOMPAKT minimal funk of the early years. We are delighted to have this lovely Englishman on board!

REINHARD VOIGT has always placed great emphasis on loving animals. On the track with the unsurprising title “Der, der mit dem Gummiball sang (Orange)”, he lets whole hordes of different four-legged friends and poultry on the microphone. Hopefully the stench will dissipate from the studio.

When Rhenish cheerfulness meets holiday anticipation, the result is something like this Hawaiian shirt turned music called “Chee-Caruso” by JÜRGEN PAAPE. No animals were tortured for this piece either, even if it sounds like it.

We stay in the realm of fauna and turn our attention to London’s award-winning pedigree dog REX THE DOG. “Laika” is a heart-warming ode to the mongrel dog of the same name, who was the first living creature to make it from the streets of Moscow into space. She would have loved that bleep.

A little-known fact about MICHAEL MAYER is that he is one of the fastest crossword puzzle foxes on the left bank of the Rhine, always in relentless rivalry with Wolfgang Voigt, who thinks he is even faster. The big battle is yet to come. Uninvited guest with five letters? “Urian”.

As an integral part of the family, JONATHAN KASPAR is of course not to be missed. “Are You” celebrates the kind of early morning rapture that is commonplace at his new DJ venue, the brand new Cologne superclub FI. Everything is so colourful here.

SASCHA FUNKE takes a bow to one of the greats of German showbiz with the trippy electro smasher “The Heck”. Born – like DJ Koze and Barnt – in Flensburg, died in Berlin in 2018 and wore glasses. More will not be revealed.

More emotion, more love, more sing-along factor? Si, claro! ARGIA’s “Love Keeps You Running” masterfully combines groove and pop – a blend that sounds very familiar to us. She may be at home in Madrid, but there’s Cologne DNA in her somewhere. We’re sure of it.

Let’s meet the legends, the veterans! JÖRG BURGER is still in a psychedelic mood in 2024. That suits him, that’s where he needs to be, that’s where we want him to be. A parallel universe is conceivable in which such music is affectionately called Goa.

Before going to bed, the WASSERMANN reads us a fairy tale from the Arabian Nights. At the same time, we focus on a point between everything, but really everything, and absolute, stark naked nothingness. 3, 2, 1… Let go.

Hallo 24! Schön, dass du da bist. 23 ist ja sowas von gestern, geht gar nicht, echt. Also, bei uns tanzt man neuerdings die folgenden Tänze. Und bei Euch?

Was lange währt, wird meist gut. Schon seit vielen Jahren aus der Ferne TEE MANGO bewundernd, hat sich unser A&R Michael Mayer ein Herz gefasst und ihn zur diesjährigen TOTAL eingeladen. “So In Love” steht in bester Tradition des kompaktschen Minimal Funk der frühen Jahre. Wir freuen uns, den quirligen Engländer an Bord zu haben!

Tierliebe wird im Hause REINHARD VOIGT schon immer groß geschrieben. Auf dem Stück mit dem nicht weiter verwunderlichen Titel “Der, der mit dem Gummiball sang (Orange)” lässt er gleich ganze Horden verschiedenster Vierbeiner und Federvieh ans Mikro. Hoffentlich zieht der Gestank wieder aus dem Studio ab.

Wenn rheinischer Frohsinn auf Urlaubsvorfreude trifft, dann kommt so etwas wie dieses Musik gewordene Hawaiihemd namens “Chee-Caruso” von JÜRGEN PAAPE heraus. Auch für diesen Beitrag wurden garantiert keine Tiere gequält, auch wenn es allenthalben so klingt.

Wir bleiben im Reich der Fauna und wenden uns London’s preisgekröntem Rassehund REX THE DOG zu. “Laika” ist eine herzerwärmende Ode an die gleichnamige Mischlingshündin, die es von den Strassen Moskaus als erstes Lebewesen ins All geschafft hat. Den Bleep hätte sie bestimmt gemocht.

Eine wenig bekannte Tatsache über MICHAEL MAYER ist, dass er zu den schnellsten Kreuzworträtsel-Füchsen links des Rheins zählt, stets in unbarmherziger Rivalität zu Wolfgang Voigt, der sich für noch schneller hält. Der große Battle steht noch aus. Ungebetener Gast mit fünf Buchstaben? “Urian”.

Als fester Bestandteil der Familie darf natürlich auch JONATHAN KASPAR nicht fehlen. “Are You” zelebriert frühmorgendliche Entrückungszustände, wie sie in seiner neuen DJ-Wirkungsstätte, dem nigelnagelneuen Kölner Superclub FI Gang und Gäbe sind. Alles so schön bunt hier.

SASCHA FUNKE verneigt sich mit dem trippy Electrosmasher “The Heck” vor einem der ganz Großen des deutschen Showbiz. Geboren – wie DJ Koze und Barnt – in Flensburg, gestorben 2018 in Berlin, Brillenträger. Mehr wird nicht verraten.

Mehr Gefühl, mehr Liebe, mehr Mitsing-Faktor? Si, claro! ARGIA’s “Love Keeps You Running” vereint meisterlich Groove und Pop – eine Melange, die uns durchaus bekannt vorkommt. Sie mag zwar in Madrid zuhause sein, aber irgendwo steckt in ihr eine Kölsche. Da sind wir uns sicher.

Auf zu den Legenden, den Urgesteinen! JÖRG BURGER zeigt sich auch in 2024 in einem psychedelischen Mood. Das steht ihm, da muss er hin, da wollen wir ihn haben. Es ist ein Paralleluniversum denkbar, in dem solche Musik liebevoll Goa genannt wird.

Der WASSERMANN liest uns vor dem Schlafengehen noch ein Märchen aus Tausendundeine Nacht vor. Wir fokussieren uns gleichzeitig auf einen Punkt zwischen allem, aber auch wirklich allem und dem absoluten, splitterfasernackten Nichts. 3, 2, 1… Loslassen

If there's one musician in the last decade that you may hear in wildly diverse musical contexts it is Belgian electric bassist and sound sculptor Farida Amadou. Not only can you enjoy the unerringly skillful command she has over her instrument but also the transformative power to reinterpret and expand her material in spontaneous and unconventional ways.

Amadou is self-taught and radically aware of her idiosyncratic relationship with the bass guitar. She neither emulates the virtuosos of the electric bass, nor does she use the instrument as a pure sound generator that merely emits humming and feedback. She takes a completely independent and unique approach. This freedom enables her to create an overwhelming wall of sound, as well as simple, clear structures that are rhythmically concise yielding a wide associative space that lands somewhere between free jazz and noise.

Her work is often concentrated and circular where motifs are established and developed outward. It is an organic sound in the literal sense of the word, constantly in motion, yet resting in itself. The three solo pieces she has recorded for Week-End Records emphasize her impressive ability to ignite ecstasy from tranquility, to fan out a whole range of moods from a few potent ideas.

These attributes make her a musician who enriches every group she plays in, because she is present with her assured and crystallized sound but refrains from being domineering. However, her strengths are even more apparent when she plays solo: the contrasts between the dark, heavy clouds of sound and the rhythmic passages, and the transitions between movements which always sound "logical" yet surprising.

Her new solo album, "When It Rains It Pours" presents Amadou as an inspired improviser who follows her musical intuition and acumen to create a truly unique soundworld. Rarely has improvised music sounded so succinct and compelling.

Wenn es in den letzten zehn Jahren eine Musikerin gegeben hat, die man in den unterschiedlichsten musikalischen Kontexten immer wieder hören will: nicht weil sie eine passable Mitspielerin wäre, sondern weil sie diese Kontexte jedes Mal bereichert und auf spontane, unkonventionelle Weise erweitert, umdeutet, in neue transformiert, dann ist es die belgische E-Bassistin und Klangskulpteurin Farida Amadou.

Sie ist Autodidaktin - und sie versteht diese Selbstaneignung des Instruments radikal. Weder eifert sie den Virtuosen des E-Basses nach, noch verwendet sie das Instrument als reinen Klangerzeuger, der bloß Brummen und Feedbacks von sich gibt. Sie geht von einem völlig eigenständigen Ansatz aus. Der ermöglicht es ihr, eine überwältigende Wall of Sound zu kreieren genauso wie einfache, klare Strukturen, die rhythmisch prägnant sind und einen weiten Assoziationsraum zwischen Free Jazz und Noise eröffnen. 

Ihre Musik ist konzentriert, hat einen langen Atem, kreist um Motive, entwickelt daraus neue Linien, die Amadou im Spiel weiterverfolgt. Es ist ein im Wortsinne organischer Sound, ständig in Bewegung, dabei in sich ruhend. Die Stücke, die sie für Week-End Records aufgenommen hat, unterstreichen ihre beeindruckende Fähigkeit, aus der Ruhe die Ekstase zu entfachen, aus wenigen Ideen eine ganze Palette an Stimmungen aufzufächern.

Das macht sie zu einer Musikerin, die jede Gruppe, in der sie spielt, bereichert, weil sie präsent ist, ohne zu dominieren, weil ihr Sound so prägnant ist, ohne die anderen zu übertönen. Im Solo treten die Stärken ihres Spiels aber noch stärker hervor: die Kontraste zwischen zwischen dunklen, schweren Klangwolken und den rhythmischen Passagen, vor allem die Übergänge, die immer „logisch“ klingen, aber zunächst unerwartet kommen und ihren eigenen Weg einschlagen. Ihr neues Solo-Album, “When It Rains It Pours” zeigt sie als inspirierte Improvisatorin, die sich nie bloß ihren Einfällen hingibt, sondern die Ideen zu Ende denkt, oder besser: spielt. Selten klang improvisierte Musik so kompakt und zwingend.

Die brasilianische Thrash-/Crossover Band Possuído Pelo
Cão ist in ihrer Heimat eine Kultband, nicht nur aufgrund
einiger Mitglieder, die man auch als Violator, DxFxCx, Terror
Revolucionário und Innocent Kids kennt. Das erste Demo
„Semen Churches“, welches von Possessed Sänger Jeff
Becerra öffentlich gelobt wurde, erschien im Jahr 2006 und
wurde damals digital und nur in einer kleinen CD-Auflage
veröffentlicht. Eine Wiederveröffentlichung (CD only) auf
Golden Core erfolgte im Herbst 2024. Die politischen und
gesellschaftskritischen Texte sind typisch für das Genre, aber
selbstredend wird auch der Fun großgeschrieben. Das hört
man dem energetischen Debüt „Possessed In The Circle Pit“
auch durchgehend an. Die Spielfreude und die Energie sind
einfach ansteckend, auch auf Tonträger.
Seit 2010 gab es dieses 2008er Debüt nicht mehr auf Vinyl.
Der Zeitpunkt ist perfekt, denn die Band ist seit einigen
Monaten wieder aktiv und möchte nun auch endlich in Europa
fußfassen. Dabei hilft nun die Neuauflage der LP, erstmals
adäquat für Vinyl gemastert und im Gatefold, sowie die
kürzlich ebenso bei Golden Core erschienene EP von 2006
„Semen Churches“

Neon Trees, die Band aus Provo, Utah, kündigt mit Sink Your Teeth das erste Album seit I Can Feel You Forgetting Me aus dem Jahr 2020 an. Die
Musik und die Texte vermitteln ein Gefühl von Biss und Rohheit, auf das man sich unbedingt verlassen kann. Für Frontmann Tyler Glenn spiegeln die
Songs einen Gemütszustand wider, den viele während der Pandemie gefühlt haben, aber er ist nicht unbedingt spezifisch für die letzten Jahre.
Die Rockband, die mit dem Hit "Everybody Talks" weltweit Erfolg feierte, ist den Sommer über auf ausgiebiger US-Tour zusammen mit Awolnation
und 311.

Gefangen auf Sumatra! Jayden ist verschwunden und soll gegen seinen Willen auf die indonesische Insel verschleppt worden sein. Der Mitbewohner des verschwundenen Studenten macht sich große Sorgen um seinen Freund und bittet Justus, Peter und Bob um Hilfe. Er hat einen seltsamen Anruf von Jayden erhalten - direkt aus Sumatra. Aber wie ist der junge Mann dort hingekommen und vor allem warum? Die drei Detektive übernehmen den Fall. Doch bald schon nehmen die Ermittlungen eine unerwartete Wendung ...

"Coming Up To Consciousness" ist das sechste Studioalbum von Pure Reason Revolution und das dritte ihrer Renaissance nach der Pause, die mit "Eupnea" von 2020 begann und mit "Above Cirrus" von 2022 fortgesetzt wurde. Wie die beiden Vorgänger ist auch das neue Album sehr persönlich. Die acht Tracks sind alle zwischen vier und sieben Minuten lang - kurz für PRR-Verhältnisse - und sie setzen sich mit verschiedenen Arten von Dunkelheit auseinander. Der unverwechselbare Stil der Band, der Prog und Pop durch verträumte Stimmungen, epische Riffs und engelsgleiche Harmonien verbindet, ist geblieben. Courtney und Greg Jong haben aber auch versucht, einen etwas anderen Weg einzuschlagen, indem sie neben ihren Dauerbrennern - vor allem Pink Floyd - auch Einflüsse von Talk Talk, Elliot Smith, The Smile und sogar Arctic Monkeys einfließen ließen. Der legendäre Session-Musiker Guy Pratt, der unter anderem mit Pink Floyd zusammengearbeitet hat, steuerte bei sieben der acht Tracks die Bassgitarre bei, während Jon Sykes von The Pineapple Thief bei einem Song den Bass spielte. Bruce Soord, ebenfalls von The Pineapple Thief, mischte das Album in Stereo und zum ersten Mal für PRR in Dolby Atmos und 5.1 Surround Sound.

Dream Theater-Keyboarder Jordan Rudess ist kein Unbekannter, wenn es um Experimente geht. Er hat den Ruf, kreative, klangliche und technologische Grenzen gekonnt zu überschreiten. Sein neuestes Werk, das Soloalbum "Permission to Fly", verkörpert dieses Ethos und beschäftigt sich mit der Komplexität der menschlichen Existenz in unserer facettenreichen Welt. Mit Darby Todd (Devin Townsend) am Schlagzeug, That Joe Payne am Gesang, Steve Dadaian an der Gitarre und Bastian Martinez als Gast-Gitarrensolist hat Rudess diesmal eine Kerngruppe von Musikern zusammengestellt, die seine Vision unterstützen und erweitern. "Permission to Fly" ist eine abwechslungsreiche Sammlung, die von ausgefeilten Prog-Kompositionen bis hin zu mitreißenden Balladen reicht. Die Songs erforschen verschiedene Themen - von alltäglichen menschlichen Kämpfen bis hin zu übernatürlichen Phänomenen. Jeder Song ist eine eigenständige Reise, aber in seiner Gesamtheit enthüllt das Album eine musikalische Odyssee durch das breite Spektrum menschlicher Erfahrungen.

ELEPHANT TREE legen eine bemerkenswerte Neuausgabe ihres hochgelobten Debütalbums "Theia" vor. Die Anniversary Edition dieses Meilensteins kommt mit einer Fülle von seltenen Fotos, Liner-Notes und Texten, die das Artwork frisch aufpolieren. ELEPHANT TREE wurden im Jahr 2013 irgendwo in Londons modrigen Seitengassen im Proberaum gezeugt. Dort entsprangen dem Bass von Jack Townley und Sam Harts Schlagzeug die ersten Töne des späteren "Attack of the Altaica" Demos. Damit war das Debüt zum Eröffnungsstück der neuen Raritätensammlung "Handful of Ten" geradezu prädestiniert. Die ansteckende Mischung aus warmem, schmelzendem Gitarren-Fuzz und hochfliegenden Gesangsharmonien auf "Attack of the Altaica" führte schnell zu einem Plattenvertrag und bereits im September 2014 erschien mit "Theia" das erfolgreiche erste Album. Die hart arbeitenden Engländer ruhten sich aber nicht auf ihren Lorbeeren aus und legten schon im Jahr 2015 das selbstbetitelte zweite Album "Elephant Tree" vor, das ebenfalls mit reichlich Applaus empfangen wurde. Mit dem dritten Langspieler "Habits" sollte der nächste große Schritt folgen, doch Pandemie und Schwierigkeiten ihres damaligen Labels machten den Engländern einen Strich durch die Rechnung. Dennoch blicken ELEPHANT TREE freudig auf zehn aufregende Jahre zurück und feiern diesen schönen Anlass mit den Wiederveröffentlichungen von "Habits" und "Theia" sowie mit großartigen Stücken aus ihrem Archiv und packenden neuen Tracks unter dem Titel "Handful of Ten".

2009 veröffentlichten Helvetets Port aus Göteborg ihr Debütalbum "Exodus To Hell" auf High Roller Records, ein Jahr später gefolgt von der EP "Man With The Chains". 2019 kam man mit dem Zweitling "From Life To Death" zurück, ehe die Welt durch die Pandemie zwischenzeitlich zum Erliegen kam.
Das brandneue Sudioalbum von Helvetets Port, "Warlords", geht nun als klare Steigerung gegenüber den ersten beiden Platten der Schweden durch. Die Musik von Helvetets Port ist absolut zeitlos - die Band hält sich zwar strikt an die Paradigmen des traditionellen Heavy Metal, ist aber stets um Eigenständigkeit bemüht.

2009 veröffentlichten Helvetets Port aus Göteborg ihr Debütalbum "Exodus To Hell" auf High Roller Records, ein Jahr später gefolgt von der EP "Man With The Chains". 2019 kam man mit dem Zweitling "From Life To Death" zurück, ehe die Welt durch die Pandemie zwischenzeitlich zum Erliegen kam.
Das brandneue Sudioalbum von Helvetets Port, "Warlords", geht nun als klare Steigerung gegenüber den ersten beiden Platten der Schweden durch. Die Musik von Helvetets Port ist absolut zeitlos - die Band hält sich zwar strikt an die Paradigmen des traditionellen Heavy Metal, ist aber stets um Eigenständigkeit bemüht.

STONEMAN, die großen Provokateure der Gothic- und NDH-Szene sind nach nun über 6 Jahren Musikpause mit einem neuen Studioalbum zurück!
Während den letzten beiden Jahrzehnten, hat sich die düstere Truppe um Frontmann Mikki Chixx als fester Name etabliert. Mit mehreren Smash-Hits wie "Mord ist Kunst" und zahlreichen Auftritten bei Festivals wie dem Wacken Open Air, Eurorock, Wave-Gotik-Treffen oder Rock The Ring, haben sich STONEMAN aus dem Schattendasein des vorherrschenden Einheitsbreis katapultiert.
Pünktlich zum 20-jährigen Bandjubiläum in 2024, melden sich STONEMAN nun mit dem Album "NEU !" und Konzerten in Deutschland lautstark zurück!
Durch neue Songs wie "Heimatdiebe", "Korrekt" und natürlich "Helene" provozieren und polarisieren STONEMAN wie noch nie zuvor. Mal gehasst, mal geliebt, aber immer im bandtypischen Stil, mit tonnenweise Humor und Satire!
Das Album wurde in der Schweiz, auf Mallorca und in Los Angeles produziert und gemischt. Auch dieses Mal wurde beim Songwriting erneut auf den Steve van Velvet gesetzt, ebenso auf Dan Suter, der sich in der Schweiz um das Mastering des Albums gekümmert hat.

Gemeinsame Auftritte mit weltbekannten Gitarristen wie Jon Gomm, Joscho Stephan oder Peter Finger, sowie Engagements als Live-Bassistin bei Alli Neumann oder der Band AnnenMayKantereit. Mit letzterer spielt Chassée bis heute in ausverkauften Hallen in Deutschland, Österreich und der Schweiz und veröffentlicht ihr 4. Studioalbum auf Roof Music!

'Attachment Theory' (VÖ: 06.09.24 via ROOF Records) ist das neue Album von Sophie Chassée. Insgesamt zehn Songs, die Herzensbrüche und kaputte Beziehungen verhandeln, als gäbe es da tatsächlich eine Theorie, eine Formel, um diesen verdammten Schmerz erträglicher zu machen. Und wenn es sie gibt, dann, das macht 'Attachment Theory' klar, muss diese Formel lauten: Gezupfte Gitarren a la Ben Howard, Tracy Chapman oder Andy McKee addiert mit einem wunderbar zarten, warmen Colbie-Caillat-Gesang und multipliziert mit großen Folk-Popmomenten, wie man sie noch aus frühen Taylor Swift-Songs kennt. Dazu Lyrics, die so klar alles 'Toxische' zurück in die Dunkelheit der Nacht singen, dass da nur noch Licht bleibt, etwa in 'What Fathers Do: Your words don’t met your actions/ You never heard of self reflection'. Mit 'Attachment Theory' erscheint nun bereits das vierte Studioalbum der Singer-Songwriterin. Da sind viele Genres, mit denen man Chassées Musik zu beschreiben versuchen könnte: Modern Fingerstyle, Folk oder Acoustic Pop. Vielleicht reicht es aber auch, diese Songs als das zu benennen, was sie sind: Große, ehrliche, tiefe Lieder. Solche, die die Landschaft vorbeiziehen lassen, Pflaster über die Wunden auf der Seele kleben – und die Hoffnung ein bisschen heller leuchten lassen.

Im neuesten Label-Spotlight der 'This Is'-Reihe - nach gefeierten Blicken auf Flying Dutchman und Fame - konzentrieren sich die Ace-Macher auf Goldwax, das seinen 60. Geburtstag feiert, und präsentieren die besten Aufnahmen, die während der kurzen Existenz des Soul-Labels entstanden sind.
Die Compilation rückt nicht nur James Carr ins Rampenlicht, sondern auch seinen wichtigen Labelkollegen Spencer Wiggins oder die wunderschönen Harmonien der Ovations. Diese drei Acts waren die tragenden Säulen von Goldwax und zeigen neben den Songschreiber-Talenten von George Jackson und Dan Greer, warum der Einfluss des Labels auch heute noch wichtig ist. Ein Katalog voller Juwelen, von den frühesten Aufnahmen des Hitmachers von 'Why Can't We Live Together', Timmy Thomas, bis hin zu selten aufgenommenen Künstlern wie Philip & The Faithfuls. Diese Zusammenstellung zeigt auch, wie stark die Club- und Studioszene in Memphis damals war, mit Aufnahmen von Willie Walker, Percy Milem, Barbara Perry, Gene 'Bowlegs' Miller und anderen, die zwar nur sporadisch Aufnahmen machten, aber beliebte Live-Performer waren. 'This is Goldwax' wird mit einem vollständig illustrierten Booklet mit Liner Notes von Dean Rudland geliefert. Eine perfekte Einführung in das Label zu Beginn seines siebten Jahrzehnts. Als Doppel-LP

THE THE, eine der meist gefeierten und geschätzten Bands der letzten Jahrzehnte, veröffentlicht mit Ensoulment ihr erstes Studioalbum mit neuen Songs seit einem Vierteljahrhundert. Die 12 brand-neuen Songs werden am Freitag, den 6. September 2024 auf Cinéola / earMUSIC veröffentlicht.
Ensoulment umfasst charakteristische Themen wie Liebe & Sex, Krieg & Politik, Leben & Tod – bis hin zu der Frage, was Menschlichkeit im 21. Jahrhundert bedeutet. Das Album wurde im Studio Cinéola in London geschrieben, vorbereitet und abgemischt, dem kreativen Zentrum von Matt Johnson, der treibenden Kraft hinter THE THE. Es enthält Einfl üsse aus der facettenreichen musikalischen Vergangenheit der Band, ist aber auch repräsentativ für das Hier und Jetzt. Johnson scheut sich nicht, die emotionale Komplexität des
menschlichen Daseins zu thematisieren - Intimität in einem Zeitalter der Entfremdung; Demokratie in einem Zeitalter der Post-Wahrheit; Imperium und Vasallentum; und der unaufhaltsame Aufstieg der künstlichen Intelligenz - doch das Album steckt auch voller Hoffnung.
Im Laufe der Jahre haben die Veröffentlichungen von THE THE einen unverwechselbaren Stil entwickelt, der nicht zuletzt dem Artwork von Matt Johnsons verstorbenem Bruder Andrew (aka "Andy Dog") zu verdanken ist. Ensoulment zeigt einige von Andrews bisher unveröffentlichten Illustrationen auf dem Cover, in dem hochwertig gestalteten 32-seitigen Booklet für die Vinylund CD-Formate sowie auf den Covern aller Singles.

THE THE, eine der meist gefeierten und geschätzten Bands der letzten Jahrzehnte, veröffentlicht mit Ensoulment ihr erstes Studioalbum mit neuen Songs seit einem Vierteljahrhundert. Die 12 brand-neuen Songs werden am Freitag, den 6. September 2024 auf Cinéola / earMUSIC veröffentlicht.
Ensoulment umfasst charakteristische Themen wie Liebe & Sex, Krieg & Politik, Leben & Tod – bis hin zu der Frage, was Menschlichkeit im 21. Jahrhundert bedeutet. Das Album wurde im Studio Cinéola in London geschrieben, vorbereitet und abgemischt, dem kreativen Zentrum von Matt Johnson, der treibenden Kraft hinter THE THE. Es enthält Einfl üsse aus der facettenreichen musikalischen Vergangenheit der Band, ist aber auch repräsentativ für das Hier und Jetzt. Johnson scheut sich nicht, die emotionale Komplexität des
menschlichen Daseins zu thematisieren - Intimität in einem Zeitalter der Entfremdung; Demokratie in einem Zeitalter der Post-Wahrheit; Imperium und Vasallentum; und der unaufhaltsame Aufstieg der künstlichen Intelligenz - doch das Album steckt auch voller Hoffnung.
Im Laufe der Jahre haben die Veröffentlichungen von THE THE einen unverwechselbaren Stil entwickelt, der nicht zuletzt dem Artwork von Matt Johnsons verstorbenem Bruder Andrew (aka "Andy Dog") zu verdanken ist. Ensoulment zeigt einige von Andrews bisher unveröffentlichten Illustrationen auf dem Cover, in dem hochwertig gestalteten 32-seitigen Booklet für die Vinylund CD-Formate sowie auf den Covern aller Singles.

Der Durchbruch nach dem Durchbruch. "In echt" ist das zweite Die Sterne-Album und erschien 1994 auf dem legendären Hamburger L"Age D"Or Label. Locker aus dem Handgelenk geschüttelter Indie Pop, aber funky. Eher Sly Stone, Remo Four und Peter Thomas. Tanzbar! Dazu noch Frank Spilkers Sprechsingtexte über Pop, Politik, Privates und das prekäre Leben. Das hat Flow, das war neu und ist es auf seine Art immer noch. In echt. Inklusive dem Überhit "Universal Tellerwäscher".

Schmeiß alles hin und werd PRINCIPESS! PRINCIPESS. Das sind die drei Musikerinnen Maria Moling, Julia Viechtl und Teresa Staffler. Schlagzeug, Bass und Orgel. Alle singen. Irgendwo zwischen feministischem Kraut Pop und Italo Post Wave einzuschubladen. Oder Italo Kraut Pop Deluxe. München als nördlichste Stadt Italiens ist dafür die Wahlheimat. Selbstbewusster Sound, der genau so nur in Alpennähe entstehen kann. Die PRINCIPESS-Themen: Feminismus. Mansplaining as its best. Gender Pay Gap. PMS. Hormone. Sexismus. Keine neuen Themen? Leider nein. Aber dafür immer noch viel zu aktuell. Am eigenen Leib haben die drei oft genug die strukturellen Probleme des Patriarchats - auch in der Musikbranche - gespürt. Sie sind wütend. Und das hört man. Ungeschminkt und unrasiert. Auf italienisch und auf Deutsch, im Sprachenmix, ganz im europäisch grenzübergreifenden Sinne, denn sie sind Freundinnen der Interkulturalität und Grenzenlosigkeit.

Die ungeschlagenen Glam Punk und Bubblegum-Champs aus der Schweiz sind zurück und bringen euch mit Power Pop Stick, haarigem, seifengewaschenem Rock'n'Roll und echtem Hippie-Scheiss um den Verstand! Mit Mitgliedern von The Jackets, Dead Bunny und Lovers. THE BUDGET BOOZERS ist eine anonyme Schweizer, (Umfeld Solothurn,Bern), schwere Alkoholikergruppe mit dem Hang zum Glam Rock, und zur gitarrenlastigen Bubble Gum Pop Musik, und spielen auch noch mit ihren anderen Bands ,The Jackets' ,The Lovers' oder den Post-Punks ,Dead Bunny'. haben sich aber seit 2005 entschlossen ein eigenes GLAM-PUNK Universum zu gründen mit dem Fixplanet the BUDGET BOOZERS mitten drin freche Poesie und haariger Rock'n'Roll! Real Hippie Shit For Real Punks! für dieses ihr jetzt drittes Album (die ersten zwei haben sie selbst herausgegeben). Love you, Hate you sind sie ins Berner Strawberry Studios zu Sebastian Zwahlen gegangen und hauen dir 10 Pop-Punk Glam Bubblegum Hits um die Ohren, dass man kaum mehr geradeaus gucken kann, am Schluss wurde es noch von Jim Diamond (The Sonics, Dirtbombs, White Stripes) abgemischt und gemastert. Auf der Platte sind alles Original-Kompositionen, darunter "Für immer", das auf Schweizerdeutsch gesungen ist, und für ihren Hit "Dignity" haben sie einen tollen Videoclip gedreht.

Erste Vinyl-Neuauflage dieses fantastischen Albums von 1981 von Marcos Valle, eines der bedeutensten Künstler der brasilianischen Musik. In Brasilien aufgenommen, nachdem er Ende der 70er Jahre in den USA gelebt hat, brachte Valle sein angeborenes Talent für Arrangements und seine vielfältigen Einflüsse auf diesem unwiderstehlichen Album zusammen. Gäste sind u.a. Sivuca, Chicago's Peter Cetera, Robson Jorge und Joses Azymuth Roberto Bertrami. Valle ist einer der wenigen Künstler, die man sich nicht entgehen lassen sollte, wenn man auch nur das geringste Interesse an brasilianischer Musik hat. Ob Sie nun Bossa Jazz, Samba, Psych Folk oder Soul mögen, Valle hat mit Sicherheit ein großartiges Album für Sie aufgenommen. Ende der 60er Jahre hatte er bereits genug qualitativ hochwertige Platten veröffentlicht, um sich einen Platz unter den besten brasilianischen Songwritern aller Zeiten zu sichern, aber seine Karriere war glücklicherweise noch nicht zu Ende, und er veröffentlichte in den folgenden Jahrzehnten weiterhin erstaunliche Musik. Mitte der 70er Jahre ließ er sich in Los Angeles nieder, weil er es leid war, unter der brasilianischen Militärdiktatur zu leben, und begann, mit so talentierten Künstlern wie Leon Ware oder Chicago zusammenzuarbeiten. ,Vontade de rever você" (1981) ist sein erstes Album nach der Rückkehr nach Brasilien und zeigt all die musikalischen Einflüsse, die er während seiner Zeit in den USA erhalten hat, insbesondere Boogie, Soul und Funk, mit hervorragenden Mitwirkenden: Sivuca, Peter Cetera aus Chicago, Robson Jorge und sogar José Roberto Bertrami von Azymuth am Rhodes. Das Eröffnungsstück ,A Paraíba nao é Chicago" ist Marcos Valles eigene Interpretation von Leon Ware's ,Baby Don't Stop Me" und macht deutlich, dass das, was er in LA erreicht hat, nun auch in Brasilien ankommt. Dies ist ein unverzichtbares Album für Boogie-Liebhaber. Hören Sie sich den unwiderstehlichen Groove von ecados de amor, (Valles eigene Komposition, die allerdings zuvor von Cristina Camargo aufgenommen wurde) oder elhos surfistas querendo voar" an, und Sie werden schnell feststellen, dass dieses Album zu den solidesten Leistungen in seiner gesamten Diskografie gehört. Selbst wenn das Tempo im Midtempo gehalten wird, wie beim abschließenden Stück ao pode ser qualquer mulher", schaffen es Valles Songs, die Tanzfläche mit seiner sehr gut gelungenen Mischung aus brasilianischen Klängen und funkigen Rhythmen zu erschüttern.

16 Jahre nach dem letzten Studioalbum kommt das neue Album von LOIKAEMIE mit Namen "Menschen"! "Anschnallen! Unglaublich, aber wahr! Verdammte Axt!" Die Worte von Sachsens größtem Punkfestival hätten keinen Funken kleiner sein dürfen. Mit ihrem Überraschungs-Headliner verkündete das Back To Future 2019: LOIKAMIE ist wieder da! Innerhalb von fünf Jahren ging so gleich zweimal ein Ruck durch die europäische Oi!- und (Street-)Punk-Szene: Schwer die Emotionen beim Abschied 2014, umso größer die Euphorie beim Live-Comeback! Und noch größer angesichts 12 neuer Songs! Seit 2019 ist LOIKAEMIE wieder eine feste Größe, weit oben in den Lineups der Festivals und den Clubs, und das weit über Deutschland hinaus. Thomas, Eddie, Paul und Bruno konnten live nicht nur nahtlos anknüpfen, sondern eine Stufe emporsteigen, auf den Konzerten trifft sich Jung und Alt in seiner ganzen subkulturellen Vielfalt, LOIKAEMIE ist eine Band, auf die sich - im besten Sinne - alle einigen können. Auch die Kreativität ist wieder erwacht: 2022 erschienen mit "Lumpenmann" und "Tief im Herzen" die ersten neuen Songs seit 2007 (digital und als limitierte 7"-Single), dazu gesellen sich bisher "Was Soll Die Ganze Scheisse?" und "Lasst Uns rein", alles Vorboten des nun erscheinenden fünften Studioalbums "Menschen" und schon auf einer Menge Playlists zuhause. Kein Wunder, dass nach 16 Jahren die Erwartungen riesig sind, bei den Fans wie der Band selbst. Und ,Menschen" ist nicht weniger als ein Manifest dessen, wie Punkrock im Jahr 2023 klingen muss: Rotzig und melodisch, kompromisslos und reflektiert, politisch und gut gelaunt. Alle zwölf Ohrenfräsen atmen den unverkennbaren LOIKAEMIE-Spirit und doch ist ,Menschen" ein Riesenschritt nach vorn. Schon der überaus modern klingende Opener ,Wenn wir alle so wären" fegt alles weg, was derzeit belanglos auf Allgemeinplätzen durch den Punk pogt, vom anschließenden hymnischen Titeltrack bis zur abschließenden Selbsteinladung ,Lasst und rein" bleibt die Energie ganz oben, gleichzeitig ist das Album vielschichtig wie nie zuvor in der Bandgeschichte. Zu Streetpunk- und Rock'n'Roll-Brettern gesellt sich Reggea, Sprechgesang, Ballade und Melodien, die sich auch im Pop nicht verstecken müssten. Statt markiger Statements erzählen die Texte pointierte Geschichten, teilen durchdachte Gedanken zu aktuellen Miseren in der Welt, der Szene oder im eigenen Kopf. Aber es gibt auch keine Scheu vorm hymnischen Refrain, den fortan volle Konzertsäle gemeinsam intonieren können. Oi!, was sind das knallende Hits! Im Klappcover mit bedruckter Innenhülle, hier auf klassisch schwarzem Vinyl!

Russian Circles kehrt mit einer Wiederveröffentlichung ihres legendären Albums Empros zurück, komplett mit einem neu gestalteten, geprägten Klappcover, erhältlich auf klassisch schwarzem Vinyl. Empros machte da weiter, wo die hymnischen Riffs und Melodien des 2009er Albums Geneva aufgehört haben, und injiziert noch mehr schleppende Rhythmen inmitten von Schädel-zerschmetternder Wucht mit der ganzen viszeralen Intensität von Godflesh, Swans und Neurosis. Einfach ausgedrückt: Empros ist Russian Circles' Master of Reality: eine radikale Überarbeitung von sowohl Heavy als auch Melodie, die in ihrer Klarheit und Perfektion monolithisch ist. Oder, wie ein einzelnes überlebendes Wolltier, das aus dem brutalen Frost des Winters auftaucht, ist Empros der Sound einer Band, die das Alter von ihren Schultern schüttelt, mit all der brutalen Kraft eines erwachten Ungetüms. Seit jeher arbeiten Mike, Dave und Brian an derselben Statue. Sie meißeln, sie schlagen, sie hämmern auf sie ein. Manchmal mit voller Wucht, manchmal sehr filigran. Die Meister monolithischer Melodien und monumentaler Rhythmen in absoluter Klarheit dargelegt, sind wieder am Werk. Mit "Empros" legen sie wieder ein Stück dieser gewaltigen Statue frei. Und vielleicht gibt es sogar ein paar Überraschungen in den sechs Tracks des Albums. Es gibt Riffs, ja - viele davon. Aber bei Empros scheint die gesamte Band die Verkörperung des Riffs selbst zu sein. "The six-song album intricately blends fat, grisly, discordant riffage with melodic, atmospheric, proggy sprinklings to create a sonically elaborate and raw package." - Premier Guitar Nur wenige, streng limitierte Magenta-Black 2024-Vinylauflage!

Enumclaw aus Tacoma, WA, angeführt von Sänger/Songwriter Aramis Johnson, ist eine Bewegung von Menschen für Menschen. Mit ihrer neuen, zweiten LP „Home in Another Life“ ist Enumclaw mehr als nur eine Rockband. Stattdessen sind sie eine Gemeinschaft von Kreativen, Videofilmern, Fotografen, Schriftstellern, Kritikern und Skatern. Sie sind für die punkigen Kids in den Skateparks in jeder Stadt, für die Kids, die die Hähnchenstreifen im Supermarkt essen, ohne zu bezahlen, für die Kids, die vielleicht nicht in den Theatern und Amphitheatern anzutreffen sind, aber auf jeden Fall im Punk-Treffpunkt die Sau rauslassen. „Home in Another Life“ packt ein ganzes Leben voller Emotionen in seine elf Songs - Johnson gibt gleich beim Opener „I'm Scared I'll End Up All Alone“ den persönlichen Ton an, einem schwankenden, aber heftigen Auftaktsong, der sich an Bands wie Dinosaur Jr und Archers of Loaf orientiert, aber einen modernen Touch hat. Singles wie „Change“ und „Not Just Yet“ zeigen, dass sich die Fähigkeit der Band, Hooks zu schreiben, seit ihrem Debüt „Save the Baby“ aus dem Jahr 2022 komplett verbessert hat. „Would you want me to change?“ schreit Aramis über einem krachenden Riff von Gitarrist Nathan Cornell, während das aggressive Schlagzeug- und Bass-Duo Ladaniel Gibson und Eli Edwards bei „Not Just Yet“ zum Headbanging-Tempo des Songs beiträgt. Nach einem hektischen Tourneeplan mit Bands wie Nothing, Illuminati Hotties und Toro Y Moi gibt es bei Enumclaw keine Anzeichen für eine Verlangsamung ihres Non-Stop-Tempos. Von Anfang an waren sie stolz darauf, eine Band der Arbeiterklasse zu sein, die so viel wie möglich unterwegs ist und CDs an Merch-Tischen brennt, wenn es nötig ist. „Home in Another Life“ fängt diese Energie ein - es ist ein Soundtrack, den man verdammt laut aus dem Fenster einer Mittelklasse-Limousine oder durch die Wände des Wohnhauses des Nachbarn schmettern kann. Es ist ein Album, das darauf abzielt, sich mit dir zu verbinden - das ist die einzige Art und Weise, wie Enumclaw funktionieren.

Enumclaw aus Tacoma, WA, angeführt von Sänger/Songwriter Aramis Johnson, ist eine Bewegung von Menschen für Menschen. Mit ihrer neuen, zweiten LP „Home in Another Life“ ist Enumclaw mehr als nur eine Rockband. Stattdessen sind sie eine Gemeinschaft von Kreativen, Videofilmern, Fotografen, Schriftstellern, Kritikern und Skatern. Sie sind für die punkigen Kids in den Skateparks in jeder Stadt, für die Kids, die die Hähnchenstreifen im Supermarkt essen, ohne zu bezahlen, für die Kids, die vielleicht nicht in den Theatern und Amphitheatern anzutreffen sind, aber auf jeden Fall im Punk-Treffpunkt die Sau rauslassen. „Home in Another Life“ packt ein ganzes Leben voller Emotionen in seine elf Songs - Johnson gibt gleich beim Opener „I'm Scared I'll End Up All Alone“ den persönlichen Ton an, einem schwankenden, aber heftigen Auftaktsong, der sich an Bands wie Dinosaur Jr und Archers of Loaf orientiert, aber einen modernen Touch hat. Singles wie „Change“ und „Not Just Yet“ zeigen, dass sich die Fähigkeit der Band, Hooks zu schreiben, seit ihrem Debüt „Save the Baby“ aus dem Jahr 2022 komplett verbessert hat. „Would you want me to change?“ schreit Aramis über einem krachenden Riff von Gitarrist Nathan Cornell, während das aggressive Schlagzeug- und Bass-Duo Ladaniel Gibson und Eli Edwards bei „Not Just Yet“ zum Headbanging-Tempo des Songs beiträgt. Nach einem hektischen Tourneeplan mit Bands wie Nothing, Illuminati Hotties und Toro Y Moi gibt es bei Enumclaw keine Anzeichen für eine Verlangsamung ihres Non-Stop-Tempos. Von Anfang an waren sie stolz darauf, eine Band der Arbeiterklasse zu sein, die so viel wie möglich unterwegs ist und CDs an Merch-Tischen brennt, wenn es nötig ist. „Home in Another Life“ fängt diese Energie ein - es ist ein Soundtrack, den man verdammt laut aus dem Fenster einer Mittelklasse-Limousine oder durch die Wände des Wohnhauses des Nachbarn schmettern kann. Es ist ein Album, das darauf abzielt, sich mit dir zu verbinden - das ist die einzige Art und Weise, wie Enumclaw funktionieren.

Nick Cave & The Bad Seeds melden sich mit ihrem neuen Album 'Wild God' nach fünf Jahren Pause zurück! Auf zehn Tracks tanzt die Band zwischen Konvention und Experiment, indem sie Linkskurven und Umwege macht, die die reiche Bildsprache und Emotion in Caves herzergreifenden Erzählungen verstärken. Es gibt Momente, die liebevoll an die Vergangenheit der Bad Seeds erinnern, aber sie sind flüchtig und dienen nur dazu, dem unerbittlichen und ruhelosen Vorwärtsdrang der Band eine weitere Facette zu geben. Nick Cave sagt über das Album: “It bursts out of the speaker, and I get swept up with it. It’s a complicated record, but it’s also deeply and joyously infectious.”

Produziert von Cave und Warren Ellis und gemischt von David Fridmann, begann Cave am Neujahrstag 2023 mit dem Schreiben des Albums. Bei Aufnahmen in der Provence und in London fügten die Bad Seeds schließlich ihre einzigartige Alchemie hinzu, mit zusätzlichen Auftritten von Colin Greenwood ( Bass) und Luis Almau (Nylonsaitengitarre, Akustikgitarre).

"Wild God…there’s no fucking around with this record. When it hits, it hits. It lifts you. It moves you. I love that about it." - Nick Cave

- Limited Vinyl Edition + Art Print Bundle: (Transparente Vinyl in Premium Tip-On-Sleeve mit bedruckten Inner-Sleeve plus limitierten 12” Artprint – Prägedruck auf hochwertigem Karton.)


Nick Cave & The Bad Seeds melden sich mit ihrem neuen Album 'Wild God' nach fünf Jahren Pause zurück! Auf zehn Tracks tanzt die Band zwischen Konvention und Experiment, indem sie Linkskurven und Umwege macht, die die reiche Bildsprache und Emotion in Caves herzergreifenden Erzählungen verstärken. Es gibt Momente, die liebevoll an die Vergangenheit der Bad Seeds erinnern, aber sie sind flüchtig und dienen nur dazu, dem unerbittlichen und ruhelosen Vorwärtsdrang der Band eine weitere Facette zu geben. Nick Cave sagt über das Album: “It bursts out of the speaker, and I get swept up with it. It’s a complicated record, but it’s also deeply and joyously infectious.”

Produziert von Cave und Warren Ellis und gemischt von David Fridmann, begann Cave am Neujahrstag 2023 mit dem Schreiben des Albums. Bei Aufnahmen in der Provence und in London fügten die Bad Seeds schließlich ihre einzigartige Alchemie hinzu, mit zusätzlichen Auftritten von Colin Greenwood ( Bass) und Luis Almau (Nylonsaitengitarre, Akustikgitarre).

"Wild God…there’s no fucking around with this record. When it hits, it hits. It lifts you. It moves you. I love that about it." - Nick Cave

Let It Burn" ist ein Feuerwerk von einem Rock-Album, mit dem BONSAI KITTEN 2024 laut zurückkommen. Wollen sie jetzt alles niederbrennen? Nicht alles, aber sicherlich die Brücken zu Allem, was man meint, über diese Band aus früheren Veröffentlichungen zu kennen. Denn die Flammen, die die Band hier anzünded, erleuchten hell den zuletzt eingeschlagenen Weg. Leidenschaftlich und ungestüm prescht die Band um Frontfrau Tiger Lilly Marleen in musikalischer Vielfalt und Virtuosität von Metal bis Blues durch das gesamte Album, welches in fließenden Übergängen an Rock-Klassiker der 70er als auch der 80er erinnert. Musikalisch hat sich der Stil der Band über die Jahre vom Punk-A-Billy über Punkrock zu Metal mit Prog- und Blueseinflüssen entwickelt. Sängerin Marleen hat ihre Band mit Metal- Schlagzeuger Marc "Reign" Reinke (ex-Destruction) und Bluesrock-Gitarrist André "Wally" Wahlhäuser neu aufgestellt. Zusammen mit Marcus "Spoxx" Schütze am 3-Saiter-Bass, setzten BONSAI KITTEN ihrem richtungsweisenden Vorgänger LOVE AND LET DIE (2020) mit LET IT BURN (2024) jetzt noch einen drauf! Die erste Vorab-Single "I Wonder" rockt es bereits! Selten wird ein Album heute noch so handgemacht und detailverliebt produziert, wie es Gitarrist Wally hier geschafft hat. Hitzig und dynamisch glänzen die 10 Songs und werfen dabei auch lyrisch ein Licht auf das Festhalten an dessen, für das Du brennst. Just LET IT BURN!



Als Digipak-CD mit Booklet, LP klassisch schwarz, limitierte LP farbig, streng limitierte LP farbig Special Collector's Edition (Vinyl jeweils mit Insert und im Gatefold-Sleeve) sowie Album Digital erhältlich. Als besonderes Highlight wird das Album außerdem im aufwendig produzierten Dolby-Atmos Mix neben dem Standard-Streaming auf den relevanten Portalen digital verfügbar sein!

180gr Tiger Splash LP (orange-red w/ yellow & black splatter) im Gatefold-Sleeve mit Insert

Let It Burn" ist ein Feuerwerk von einem Rock-Album, mit dem BONSAI KITTEN 2024 laut zurückkommen. Wollen sie jetzt alles niederbrennen? Nicht alles, aber sicherlich die Brücken zu Allem, was man meint, über diese Band aus früheren Veröffentlichungen zu kennen. Denn die Flammen, die die Band hier anzünded, erleuchten hell den zuletzt eingeschlagenen Weg. Leidenschaftlich und ungestüm prescht die Band um Frontfrau Tiger Lilly Marleen in musikalischer Vielfalt und Virtuosität von Metal bis Blues durch das gesamte Album, welches in fließenden Übergängen an Rock-Klassiker der 70er als auch der 80er erinnert. Musikalisch hat sich der Stil der Band über die Jahre vom Punk-A-Billy über Punkrock zu Metal mit Prog- und Blueseinflüssen entwickelt. Sängerin Marleen hat ihre Band mit Metal- Schlagzeuger Marc "Reign" Reinke (ex-Destruction) und Bluesrock-Gitarrist André "Wally" Wahlhäuser neu aufgestellt. Zusammen mit Marcus "Spoxx" Schütze am 3-Saiter-Bass, setzten BONSAI KITTEN ihrem richtungsweisenden Vorgänger LOVE AND LET DIE (2020) mit LET IT BURN (2024) jetzt noch einen drauf! Die erste Vorab-Single "I Wonder" rockt es bereits! Selten wird ein Album heute noch so handgemacht und detailverliebt produziert, wie es Gitarrist Wally hier geschafft hat. Hitzig und dynamisch glänzen die 10 Songs und werfen dabei auch lyrisch ein Licht auf das Festhalten an dessen, für das Du brennst. Just LET IT BURN!



Als Digipak-CD mit Booklet, LP klassisch schwarz, limitierte LP farbig, streng limitierte LP farbig Special Collector's Edition (Vinyl jeweils mit Insert und im Gatefold-Sleeve) sowie Album Digital erhältlich. Als besonderes Highlight wird das Album außerdem im aufwendig produzierten Dolby-Atmos Mix neben dem Standard-Streaming auf den relevanten Portalen digital verfügbar sein!