quête:4 mal

Beloved Spanish indie rockers Hinds are back with their utterly triumphant fourth album, VIVA HINDS. Written by the band’s co-founders, co-vocalists, co-guitarists and co-songwriters Carlotta Cosials and Ana Perrote, it features their first-ever fully Spanish language songs, as well as first collaborations with the likes of Beck and Fontaines D.C.’s Grian Chatten. Recorded in rural France, the album was produced by Pete Robertson (Beabadoobee), engineered by the GRAMMY-nominated Tom Roach, and mixed by GRAMMY-winning engineer Caesar Edmunds (The Killers, Wet Leg).

Shortly after the band made their debut ten years ago, they hit what felt like an insurmountable obstacle – they had to change their name from Deers to Hinds for legal reasons. But, as their fans began to greet them at shows by cheering “¡VIVA HINDS!”, the band soon realized that what initially felt like an ending was actually just the beginning. Fast forward to 2023, and VIVA HINDS was written by Cosials and Perrote after a series of endings. They hit a creative rut after releasing their 2020 album The Prettiest Curse, and their bassist and drummer devastatingly decided to leave the band. They also split with their management team, lost touring revenue due to lockdowns, and were without a label for the first time. But when Perrote and Cosials got together to write again it became clear that their connection, one so special that they call themselves “millionaires in friendship,” would be all they needed to get them through. VIVA HINDS – the most accomplished, sonically adventurous, honest and celebratory record of Hinds’ career – is only the beginning.

PRESS/ONLINE: “The track, though signaling a new era for Hinds, arrives rapturous and catchy, as Perrote and Cosials trade verses and riffs. ...'Coffee' is a sweeping first chapter of where the duo aims to
“‘Coffee’ is a a gorgeous punk-indie cross contamination, instantly memorable, grungy” - Wonderland


“They bring the energy of a thousand rock bands, entrancing the crowd with their searing indie riffs, the constant interlocking of guitars and smiles, and deeply charming banter” - Rolling Stone

“The Prettiest Curse is an evolution. It is striking, complex, uncompromising indie-pop. More than that, it makes a bold statement: it canonises Spanish indie-rock” – Loud and Quiet 9/10
“They’ve taken their sound and unashamedly experimented with it. They’re all the better for it” – NME 4/5

“The Spanish group’s second album displays the superior songcraft of the band, as vocalists Ana Perrote and Carlotta Cosials wade through love’s messy feelings with confidence and exuberance” - Pitchfork

Dark Entries returns to Mexico with Back Up Dos: Mexican Tecno Pop 1982-1989. Following 2021’s Back Up compilation, Back Up Dos delivers 10 more tracks of synth-pop and New Beat, 7 of which have never before appeared on vinyl. From mutant drum machine beats to irresistible synthesizer hooks, fans of the fringes of the 80s will find songs to stir their cold, dark hearts. But Back Up Dos does more than mine retro kitsch; it documents the development of a rich DIY music scene that is still underexplored. As affordable samplers and digital synths spread throughout the decade, post-punk and new wave gave way to more aggressive EBM and cyberpunk sounds. The scene also developed in opposition to the political climate of the times: the rise of the drug cartels and a reactionary turn in national politics. Using home recording techniques, these bands took cues from the electronic wizardry of the Human League and Wax Trax Records while reflecting the vibrant and chaotic Mexican cultural landscape of the era. On Back Up Dos, impeccable pop anthems from Casino Shanghai and Los Agentes Secretos sit alongside gnarled obscurities from Ford Proco and María Bonita, showcasing a decade of sly deviance and enthusiastic experimentation. This album comes housed in an 80s-inflected neon sleeve designed by Gwenael Rattke and includes a 12-page booklet with photographs, lyrics, and notes. Back Up Dos compiles synthetic music produced in Mexico at the crossroads from Tecno Pop to Post-Industrial, nourished by culture shock and stories of dystopian worlds.

Die Compilation "Das schöne Leben des Herrn K." präsentiert 13 Neuinterpretionen aus dem Manfred Krug Oeuvre. Künstlerinnen und Künstler aus allen Ecken des deutschsprachigen Pop- und Indiekosmos erklärten sich bereit, ein Krug-Stück ihrer Wahl beizusteuern. Und so wie die Zusammenstellung der Platte verlief, so klingt sie nun auch: organisch und stimmig, dabei abwechslungsreich, und, obwohl die aktive Krug-Ära nun doch schon seit Längerem in der Vergangenheit ruht, enorm zeitgemäß.

The Hyperdrive label is back with a third outing which once again offers up some exciting and forward-thinking new artists. Anderson's 'Sweet Psylow' kicks off with some psychedelic synth loops over crisp tech house drums that hark back to the 90s prog heyday. HearThuG's 'Back To The Future' is a darker sound with whistles, snappy snares and eerie chords and Luis Malon & Seb G then combine for the bouncing techno rhythms and acid-laced pads of 'Extasis Nebular.' Last but not least, Jamie Leather's 'Strange Commodities' is a surging cosmic techno trip with dynamic drums and perc and majestic leads. This is another fine release from this young label.

Recital presents an artists’ record from the two giants Richard Hamilton and Dieter Roth. Hamilton (1922-2011) is revered as the father of British Pop Art as both theorist and practitioner, in addition to famously designing the artwork for The Beatles’ White Album. Dieter Roth (1930-1998) was a Swiss German artist who blithely ignored all artistic boundaries and aesthetic dictums. His oeuvre includes hundreds of artist books, almost half a thousand prints, sculptures, multiples and records, all balanced between magnetic playfulness and self-deprecating paranoia. Roth also ran his own record/book press Dieter Roth's Verlag and was a major force in the reckless improvisational music group Selten Gehörte Musik (1973-1979).

The two artists most significant collaborations happened between 1976 and 1978, beginning with a series of 74 paintings in which they reworked each other’s art. The paintings were made for an exhibition for dogs (as suggested by the late Marcel Broodthaers, to whom the works were dedicated) in Cadaqués, Spain. Hamilton and Roth then produced the catalogue Collaborations of Ch. Rotham with reproductions of all the paintings alongside four brilliant new collaborative texts. The narrative of the texts sprung from the “fairy story” (Hamilton) quality that emerged from these dog paintings – a hallucinatory tapestry of sausages, gestating giants, Sancho Panza, Don Quixote, and a donkey. Together they gallop, humorous and beautifully absurd, across the wild field of an imaginary seaside backdrop with endless garbled iterations of ever-mutating names riddled with mad typos.

For these recordings the individual texts were read by Roth and Hamilton, actor friend Duncan Smith, and a huge cast of British artists for the final play Die Grosse Bockwurst, performed at the Whitechapel Gallery in London in 1977. The recordings were first released on cassette on the Audio Arts label in 1978, and have now been remastered from the original ¼″ tapes for this double vinyl edition.

Also included are two booklets: one is a new essay written for this edition by artist and co-producer Malcolm Green (Red Sphinx, Atlas Press), alongside full reproductions of the Roth / Hamilton collaborative Ch. Rotham texts. Thanks to Björn Roth, Rita Donagh, Hansjörg Mayer, William Furlong, Tate Modern, and Hauser & Wirth.

Limited edition double-vinyl record of 300 copies in full color gatefold sleeve with over 70 minutes of audio recordings. Including two booklets: a 16-page new essay on Roth & Hamilton by Malcolm Green that includes new Roth translations, and a 20-page complete reproduction of the collaborative Ch. Rotham texts.

The Jesus Lizard sind zurück mit 'Rack', ihrem ersten Album seit 1998. Das Album enthält 11 Tracks mit flottem Gitarrenrock, wie man ihn nicht mehr gehört hat seit... seit The Jesus Lizard das letzte Mal eine Bühne in deiner Stadt erobert haben. The Jesus Lizard - Sänger David Yow, Gitarrist Duane Denison, Bassist David Wm. Sims und Schlagzeuger Mac McNeilly - sind zurück mit einem Album, das vor der Art von Verrücktheit nur so strotzt, die nötig ist, um die heutige AOR-Mittelmäßigkeit und den piss-perfekten Pop-Schwachsinn gleichermaßen zu besiegen.

Seit ihrer Gründung 1987 in Chicago haben The Jesus Lizard Zuhörer auf der ganzen Welt begeistert. Die tadellose, raketenartige Rhythmussektion von Sims und McNeilly war die perfekte Basis für Denisons zackiges, aber dennoch sauberes Riffing und Yows launischen Gesang, der sich als panischer Bürger, Realitätsflüchtling oder verletzter Meeressäuger manifestierte. Auf das Debütalbum folgten sechs weitere Studioalben, zwei Live-Aufnahmen sowie zwei Singles und EPs.

Auf 'Rack' kehren The Jesus Lizard neu formiert, erfrischt und voller Elan zurück. Keine lauen, faden Tracks, die zeigen, wie sie als Songwriter 'gereift' sind. Keine albernen Ausflüge in unnötige Genreübungen.

The Jesus Lizard. Sie sind vielleicht nicht mehr jung, aber sie werden nie, nie alt.

The Jesus Lizard sind zurück mit 'Rack', ihrem ersten Album seit 1998. Das Album enthält 11 Tracks mit flottem Gitarrenrock, wie man ihn nicht mehr gehört hat seit... seit The Jesus Lizard das letzte Mal eine Bühne in deiner Stadt erobert haben. The Jesus Lizard - Sänger David Yow, Gitarrist Duane Denison, Bassist David Wm. Sims und Schlagzeuger Mac McNeilly - sind zurück mit einem Album, das vor der Art von Verrücktheit nur so strotzt, die nötig ist, um die heutige AOR-Mittelmäßigkeit und den piss-perfekten Pop-Schwachsinn gleichermaßen zu besiegen.

Seit ihrer Gründung 1987 in Chicago haben The Jesus Lizard Zuhörer auf der ganzen Welt begeistert. Die tadellose, raketenartige Rhythmussektion von Sims und McNeilly war die perfekte Basis für Denisons zackiges, aber dennoch sauberes Riffing und Yows launischen Gesang, der sich als panischer Bürger, Realitätsflüchtling oder verletzter Meeressäuger manifestierte. Auf das Debütalbum folgten sechs weitere Studioalben, zwei Live-Aufnahmen sowie zwei Singles und EPs.

Auf 'Rack' kehren The Jesus Lizard neu formiert, erfrischt und voller Elan zurück. Keine lauen, faden Tracks, die zeigen, wie sie als Songwriter 'gereift' sind. Keine albernen Ausflüge in unnötige Genreübungen.

The Jesus Lizard. Sie sind vielleicht nicht mehr jung, aber sie werden nie, nie alt.

FOR FANS OF: Soundgarden, Foo Fighters, Queens Of The Stone Age, Silverchair, Black Sabbath
Wie sie selbst zugeben, gab es eine Zeit, in der es unwahrscheinlich schien, dass Torus überhaupt hier stehen würden, um der Welt ihr Debütalbum
vorzustellen. Das ist an sich schon eine überraschende erste Aussage, die aus dem Mund von Frontmann und Band-Mastermind Alfie Glass kommt,
während er und seine Bandkollegen im Wohnzimmer seines Hauses außerhalb von Milton Keynes sitzen. Jeder Schritt, den Torus bisher
unternommen haben, wurde mit Interesse und Beifall bedacht - bereits vor der von der Kritik gelobten Debüt-EP Sail" schwärmten die wichtigsten
Kritiker wie Kerrang! und Classic Rock von ihrer Marke des Null-Bullshit-Hardrocks", der gigantische Riffs und dicke, monströse Grooves" in der
Tradition von Rockgrößen wie Kyuss, Queens Of The Stone Age und Smashing Pumpkins bietet. Wenn Ihnen der Name Alfie Glass noch vertrauter
vorkommt, liegt das wahrscheinlich daran, dass Black Sabbath-Gitarrenlegende Tony Iommi die Fähigkeiten des Sechssaiters in der TV-Talentshow
Guitar Star lobte, als Glass gerade mal 12 Jahre alt war. Torus begann als Ein-Mann-Schlafzimmerprojekt, wurde aber schon bald durch den Bassisten
Harry Quinn (2020) und den Schlagzeuger Jack Orr (Anfang 2022) ergänzt. Trotz ihrer unterschiedlichen musikalischen Hintergründe und Einflüsse, die
von Wüstenrock über psychedelischen Prog bis hin zu Punk reichen, verbindet das Trio der gemeinsame Wunsch, Musik zu machen, die die Köpfe zum
Klingen bringt und die Füße bewegt. "Wir kommen alle aus verschiedenen Ecken, haben aber eine gemeinsame Vision für die Musik, die wir schreiben
wollen", nickt Orr.

Als sich RAM 1999 in Göteborg gründeten, führten sie bald die neue skandinavische Metal-Szenean (zusammen mit Bands wie Portrait und In Solitude). Oscar Carlquist (Gesang), Daniel Johannson (Gitarren), Harry Granroth (Gitarren), Leif Larsson (Bass) und Morgan Petterson (Schlagzeug) wurden oft mit einer jüngeren, kraftvolleren Version von Judas Priest verglichen und debütierten 2003 mit ihrem Sechs-Track-Mini-Album "Sudden Impact", das ursprünglich auf CD über Black Path Metal veröffentlicht wurde. High Roller Records ist stolz darauf, eine Vinyl-Wiederveröffentlichung von "Sudden Impact" anzukündigen, die den Titeltrack, "Judgement And Punishment", "Machine Invaders", "Blessed To Be Cursed", "Infuriator" und "Black Path" enthält. Obwohl es nicht so raffiniert ist wie spätere Alben wie "Forced Entry" (2005), "Lightbringer" (2008), "Death" (2012) oder ihr neuestes Werk "The Throne Within", das 2019 über Metal Blade Records veröffentlicht wurde, sorgte "Sudden Impact" definitiv für Aufsehen, als es 2003 erschien, zu einer Zeit, als der traditionelle Heavy Metal noch von der alten Garde des Genres dominiert wurde. Die unbändige Energie und der jugendliche Überschwang der Darbietung machten RAM fast sofort zu einer Kraft, mit der man rechnen musste, und zeigten, worum es im Heavy Metal schon immer ging: Stolz, Leidenschaft und Kraft.

RAM wurden in der Vergangenheit oft als "prototypischer schwedischer Metal" bezeichnet, und Sänger Oscar Carlquist widerspricht dem nicht: "Ich würde sagen, dass es bis zu einem gewissen Grad einen einzigartigen skandinavischen Metal-Stil gibt, und schwedische Musiker sind oft sehr talentiert. Sie hatten auch, zumindest in den Achtzigern, einige neoklassische Einflüsse (wahrscheinlich von Yngwie Malmsteen). Schwedische Sängerinnen und Sänger haben auch oft sehr klare Stimmen. Ich kann den schwedischen Sound erkennen, wenn ich den Gesang höre. "Sudden Impact" ist schon seit einiger Zeit nicht mehr erhältlich (2013 gab es eine limitierte Vinyl-Wiederveröffentlichung zum zehnjährigen Jubiläum), so dass die aktuelle Wiederveröffentlichung einer breiteren Öffentlichkeit eine neue Chance bietet, die Wurzeln einer der wichtigsten traditionellen Heavy-Metal-Bands der letzten 20 Jahre zu studieren.

Als sich RAM 1999 in Göteborg gründeten, führten sie bald die neue skandinavische Metal-Szenean (zusammen mit Bands wie Portrait und In Solitude). Oscar Carlquist (Gesang), Daniel Johannson (Gitarren), Harry Granroth (Gitarren), Leif Larsson (Bass) und Morgan Petterson (Schlagzeug) wurden oft mit einer jüngeren, kraftvolleren Version von Judas Priest verglichen und debütierten 2003 mit ihrem Sechs-Track-Mini-Album "Sudden Impact", das ursprünglich auf CD über Black Path Metal veröffentlicht wurde. High Roller Records ist stolz darauf, eine Vinyl-Wiederveröffentlichung von "Sudden Impact" anzukündigen, die den Titeltrack, "Judgement And Punishment", "Machine Invaders", "Blessed To Be Cursed", "Infuriator" und "Black Path" enthält. Obwohl es nicht so raffiniert ist wie spätere Alben wie "Forced Entry" (2005), "Lightbringer" (2008), "Death" (2012) oder ihr neuestes Werk "The Throne Within", das 2019 über Metal Blade Records veröffentlicht wurde, sorgte "Sudden Impact" definitiv für Aufsehen, als es 2003 erschien, zu einer Zeit, als der traditionelle Heavy Metal noch von der alten Garde des Genres dominiert wurde. Die unbändige Energie und der jugendliche Überschwang der Darbietung machten RAM fast sofort zu einer Kraft, mit der man rechnen musste, und zeigten, worum es im Heavy Metal schon immer ging: Stolz, Leidenschaft und Kraft.

RAM wurden in der Vergangenheit oft als "prototypischer schwedischer Metal" bezeichnet, und Sänger Oscar Carlquist widerspricht dem nicht: "Ich würde sagen, dass es bis zu einem gewissen Grad einen einzigartigen skandinavischen Metal-Stil gibt, und schwedische Musiker sind oft sehr talentiert. Sie hatten auch, zumindest in den Achtzigern, einige neoklassische Einflüsse (wahrscheinlich von Yngwie Malmsteen). Schwedische Sängerinnen und Sänger haben auch oft sehr klare Stimmen. Ich kann den schwedischen Sound erkennen, wenn ich den Gesang höre. "Sudden Impact" ist schon seit einiger Zeit nicht mehr erhältlich (2013 gab es eine limitierte Vinyl-Wiederveröffentlichung zum zehnjährigen Jubiläum), so dass die aktuelle Wiederveröffentlichung einer breiteren Öffentlichkeit eine neue Chance bietet, die Wurzeln einer der wichtigsten traditionellen Heavy-Metal-Bands der letzten 20 Jahre zu studieren.

Hyoga responds to Saori's call, alerted by an imminent danger. But before he can act, Saori is attacked by a divine warrior of Asgard, under the orders of Hilda of Polaris. Athena then goes to Asgard, initiating a confrontation. To save humanity, she halts the melting of the ice, but only for half a day. During this time, Seiya and his companions face the seven divine warriors of Asgard to retrieve the sapphires of Odin and free Hilda from the Nibelungen ring.

Seiji Yokoyama, the legendary composer of the entire Saint Seiya series, takes a turn towards Nordic themes and leads us straight into Scandinavian myths. The melancholy, fear, and epic nature of these background music pieces are palpable, supported by the "Andromeda Harmonic Orchestra" and the Colombia Male Choir on vocals, both of which have contributed to most of the series' iconic music.

The Heads’ Simon Price returns to his kandodo project with 'theendisinpsych'; "primitive pieces of psychedelic tuneage+years of wasted time=43 minutes of headphone bliss." It's the follow up to the 2019 collaboration with Wayne Maskell and Hugo Morgan, Kandodo 3 – K3, but this time back in solo-mode. He is now relocated in Northumbria, and has recorded the album himself in his home studio, drawing on his wide collection of music/instruments and the rural environment for inspiration. The new album fizzes and crackles with a verve that will activate the “turn on, tune in, drop out” sense in all listeners… Simon explained the album in a focused/out of focus track by track way… is this Price’s paean to his obsession with Bowie? chamba7 - octave mandolin through fuzz, tambo beat, in praise of Bowie compilations. chamba is malawian weed theendisinpsych - bought a reel to reel tape off ebay in 2005, ('Bowie radio interview tape, USA, 1970, 3 minutes?') then bought a machine to play it on in 2015. Heard the words and laid them onto a fuzzy break bed. Thought it all too relevant to today, prophetic David from his 'hippy' days (not a prophet or a stone age man) fuzzy oceans - played on 1 string spamjo, bouncing echo over 70's drum machine, 'we've fucked the oceans' freefalling - rolling cello and hissing cymbals with vocoder dreams comes with african/stationtostation artwork stylings for the sleeve..pre-apocalypse blues (and pinks), the world isn't going a good way a sumptuous 4 course sonic supper, tuck in.

Timeless Fairytale ist eine neue internationale Melodic-Metal-Band, gegründet vom dänischen Sänger Henrik Brockmann (ursprünglich Frontmann von Royal Hunt und
Evil Masquerade) und dem italienischen Gitarristen/Songwriter Luca Sellitto (Stamina). Die Band ist ein wahr gewordener Traum für alle Fans von eingängigen und eleganten Gesangsmelodien, klassisch angehauchten Instrumentalparts und majestätisch-bombastischer Musik. Kling wie Royal Hunt, Yngwie J. Malmsteen, Masterplan oder Scorpions.

Timeless Fairytale ist eine neue internationale Melodic-Metal-Band, gegründet vom dänischen Sänger Henrik Brockmann (ursprünglich Frontmann von Royal Hunt und
Evil Masquerade) und dem italienischen Gitarristen/Songwriter Luca Sellitto (Stamina). Die Band ist ein wahr gewordener Traum für alle Fans von eingängigen und eleganten Gesangsmelodien, klassisch angehauchten Instrumentalparts und majestätisch-bombastischer Musik. Kling wie Royal Hunt, Yngwie J. Malmsteen, Masterplan oder Scorpions.

In their musical journey spanning 15 years, Jungle by Night always knew their music isn't about individual talent, but in the blend of all elements its members bring to the table. This realization birthed the theme of their seventh album, “Synergy”. With the mantra "the whole is greater than the sum of its parts" echoing in their minds, Jungle by Night embarked on a mission to make an album that is recorded right in the moment, and as live as possible, to capture the energy between musicians. And to take it a step further, they threw open the doors of their studio in Amsterdam and invited some of Holland’s most prolific vocalists such as: Spinvis, Sef, Merol, Pitou, and Meral Polat. Each vocalist brought their unique style to the mix, infusing the tracks with depth and emotion. Recorded in their beloved studio in Amsterdam Noord, "Synergy" captures the essence of Jungle by Night's creative spirit. Here, imperfection is embraced, and spontaneity reigns supreme. It's about capturing the energy of the moment, where music comes alive in all its vibrant glory. So, dive into the world of "Synergy" and experience the crazy world Jungle by Night, and friends. It's more than just an album – it's a testament to the beauty of coming together and creating something greater than the sum of its parts. Jungle by Night are seven Dutch guys who together form a live act to be reckoned with. This Amsterdam band consists of a lot of synths, drums, bass, guitar and percussion enhanced by a trumpet and trombone. From more brass-heavy earlier albums to a stronger focus on the electronic groove on their latest, they bravely go where no band has gone before and now find themselves in the goldilocks zone between analogue dance music, nu-disco, Krautrock, 70’s funk and 80’s electro. The transfer to a more electronically driven sound might have been a small step for this merry band of highly skilled musicians, but it became a giant leap for the people on the dance floor. Their radiant and energetic live shows have become the must-see festival act that festivalgoers all over Europe include as a staple in their concert schedule. They know this won’t be a show, it’ll be a downright party. It’s like that tree in the forest. Was it really a festival if you didn’t see Jungle by Night? What constitutes this ever-present attraction is the highly danceable and addicting build up of their set, in which they take their audience by the hand and lead them into the groove. What happens when you come out on the other side? Depends. Just know you won’t be the same.

"Ist es die Euphorie" ist ein Live-Album, das die bereits jetzt legendären, ekstatischen Konzerte dieser 4Mann-Band einfängt. Aufgenommen in einem ehemaligen Schlagzeug- und Chorübungsraum des ehemaligen Münchner Gasteig, sitzt man quasi mit Raketenumschau im Proberaum. Ihre scheinbar "altmodische" Aufnahmetechnik beschreibt eigentlich schon den Werdegang der Band, die sich ganz old school, ohne große Spotify Playlists und TikTok Algorithmen, sondern Live, mit bald 100 Konzerten in 2 y Jahren ihr Publikum erspielt haben. Raketenumschau sind Freunde, ein Schwarm sozusagen, jeder ist Teil der Bandgeschichte und des Sounds. O-Ton Band: Geprägt haben uns viele Bands der Hamburger Schule aber auch Münchner Bands wie Malva, Prohibition oder Plainhead. Das Debütalbum der Raketenumschau "Ist es die Euphorie" wurde von Willy Löster (MOLA, Florian Paul, Bruckner) produziert und von Olaf O.P.A.L. (International Music, Juli, The Notwist) gemischt.

Multi-Platinum Certified indie pop artist Dayglow announces his highly anticipated debut album, titled DAYGLOW, will be released this autumn via olydor in UK The album was fully written, performed, recorded, produced, and mixed by Sloan Struble himself in his Malibu home studio. Last month, the artist, multi-instrumentalist, producer, and all-around creative kicked off a new chapter with his latest single and summertime anthem “Every Little Thing I Say I Do.” The nostalgically catchy song recalls the best of the early 2010’s indie and alternative music scene yet remains uniquely Dayglow. Since bursting onto the scene, he’s sold out headline tours around the globe and graced festival stages including Lollapalooza, Bonnaroo, Austin City Limits, Firefly Music Festival, Outside Lands, Reading & Leeds, Corona Capital, and more. His live performances have shined everywhere from The Tonight Show Starring Jimmy Fallon and The Late Show With Stephen Colbert to Austin City Limits TV. Along the way, he picked up critical acclaim from Billboard, NPR, UPROXX, American Songwriter, NME, Euphoria Magazine, and Ones To Watch to name a few.

DDS presents the debut EP from unknown entity NZO, whomever she may be, dancing in the gaps between amapiano, Afrobeats, broken beat and R&B with a rare guile and flavour.

The 4th in the DDS 12” series, NZO helps stake the label’s 15th year of operations with a typically Janus-faced approach to classic >< contemporary club ruffage. Tune to tune, she decimates and distills familiar tropes in singular, whirring syncopations designed to prompt bodies to move in fresh new ways. It’s all primed for proper animist magick, bound to snag rhythm fiends with its shape-cutting manoeuvres.

Working deep in the hardcore ’nuum’s 30 odd year tradition of concrète sampler chicanery, the four tracks find fractured vocals and echoes of club classics revitalised and reset with advanced drum ingenuity. 160BPM opener ‘Concentrate’ appears like Hessle Audio’s Joe stripped for parts, whilst ‘Mallet’ swivels like SND remodelling Afrobeats’ palette of tuned percussions, next to what could almost be a lost Various Production edit in the sublime tension of syrupy R&B and frothing drums on ‘Come Alive’.

The EP ends with its standout, ‘Body & Soul’, an undulating ama simmer punctuated by dub chords like some lost Basic Channel production re-cast for the lovers.

Die größten internationalen Hits der 80er, 90er und 2000er Jahre in einer exklusiven Doppel-Vinyl-Kollektion! Entdecken Sie die wichtigsten Künstler, die ihre Jahrzehnte geprägt haben!

Entdecken Sie zum ersten Mal auf Vinyl, das 4. Album der großartigen Crew von Yellow Productions: Africanism All Stars. Unter der Leitung von Bob Sinclar und mit dJ Spen, Federico Scavo, Roger Sanchez, Eddie Amador, Bt&Baker, Martin Solveig, DJ Gregory...

STONEMAN, die großen Provokateure der Gothic- und NDH-Szene sind nach nun über 6 Jahren Musikpause mit einem neuen Studioalbum zurück!
Während den letzten beiden Jahrzehnten, hat sich die düstere Truppe um Frontmann Mikki Chixx als fester Name etabliert. Mit mehreren Smash-Hits wie "Mord ist Kunst" und zahlreichen Auftritten bei Festivals wie dem Wacken Open Air, Eurorock, Wave-Gotik-Treffen oder Rock The Ring, haben sich STONEMAN aus dem Schattendasein des vorherrschenden Einheitsbreis katapultiert.
Pünktlich zum 20-jährigen Bandjubiläum in 2024, melden sich STONEMAN nun mit dem Album "NEU !" und Konzerten in Deutschland lautstark zurück!
Durch neue Songs wie "Heimatdiebe", "Korrekt" und natürlich "Helene" provozieren und polarisieren STONEMAN wie noch nie zuvor. Mal gehasst, mal geliebt, aber immer im bandtypischen Stil, mit tonnenweise Humor und Satire!
Das Album wurde in der Schweiz, auf Mallorca und in Los Angeles produziert und gemischt. Auch dieses Mal wurde beim Songwriting erneut auf den Steve van Velvet gesetzt, ebenso auf Dan Suter, der sich in der Schweiz um das Mastering des Albums gekümmert hat.

Reissue des zweiten James Holden-Albums von 2013, das zum ersten Mal seit 7 Jahren wieder auf Vinyl erhältlich wird. Im Gegensatz zu seinem Debütalbum "The Idiots Are Winning" (2006) erforscht Holden auf der Triple-LP "The Inheritors" die (Un-)Tiefen der elektronischen Musik und liefert eine ausgewogene Balance zwischen brachialen Experimenten und transformativen Trips. "The Inheritors" wurde von Resident Advisor zum Album des Jahres gekürt und schaffte es in die Jahresbestenlisten von The Quietus, The Wire, Drowned In Sound und Bleep.

Beloved Spanish indie rockers Hinds are back with their utterly triumphant fourth album, VIVA HINDS. Written by the band’s co-founders, co-vocalists, co-guitarists and co-songwriters Carlotta Cosials and Ana Perrote, it features their first-ever fully Spanish language songs, as well as first collaborations with the likes of Beck and Fontaines D.C.’s Grian Chatten. Recorded in rural France, the album was produced by Pete Robertson (Beabadoobee), engineered by the GRAMMY-nominated Tom Roach, and mixed by GRAMMY-winning engineer Caesar Edmunds (The Killers, Wet Leg).

Shortly after the band made their debut ten years ago, they hit what felt like an insurmountable obstacle – they had to change their name from Deers to Hinds for legal reasons. But, as their fans began to greet them at shows by cheering “¡VIVA HINDS!”, the band soon realized that what initially felt like an ending was actually just the beginning. Fast forward to 2023, and VIVA HINDS was written by Cosials and Perrote after a series of endings. They hit a creative rut after releasing their 2020 album The Prettiest Curse, and their bassist and drummer devastatingly decided to leave the band. They also split with their management team, lost touring revenue due to lockdowns, and were without a label for the first time. But when Perrote and Cosials got together to write again it became clear that their connection, one so special that they call themselves “millionaires in friendship,” would be all they needed to get them through. VIVA HINDS – the most accomplished, sonically adventurous, honest and celebratory record of Hinds’ career – is only the beginning.

PRESS/ONLINE: “The track, though signaling a new era for Hinds, arrives rapturous and catchy, as Perrote and Cosials trade verses and riffs. ...'Coffee' is a sweeping first chapter of where the duo aims to
“‘Coffee’ is a a gorgeous punk-indie cross contamination, instantly memorable, grungy” - Wonderland


“They bring the energy of a thousand rock bands, entrancing the crowd with their searing indie riffs, the constant interlocking of guitars and smiles, and deeply charming banter” - Rolling Stone

“The Prettiest Curse is an evolution. It is striking, complex, uncompromising indie-pop. More than that, it makes a bold statement: it canonises Spanish indie-rock” – Loud and Quiet 9/10
“They’ve taken their sound and unashamedly experimented with it. They’re all the better for it” – NME 4/5

“The Spanish group’s second album displays the superior songcraft of the band, as vocalists Ana Perrote and Carlotta Cosials wade through love’s messy feelings with confidence and exuberance” - Pitchfork

"Unwritten" ist das kühne und ungeschminkte Debütalbum von Natasha Bedingfield. Es wurde im Jahr 2004 veröffentlicht und ist von einer breiten Palette an Einflüssen und Stilen geprägt, die sich sowohl in den Liedtexten als auch im realen Leben zeigen. Der gleichnamige Titelsong des Albums hat vor kurzem eine Renaissance erlebt und ist zwei Jahrzehnte später wieder in den weltweiten Charts aufgetaucht. Das Album beinhaltet auch die weltweite Hymne "These Words" sowie weitere Favoriten wie "Single", "Wild Horses" und "I Bruise Easily". Die Sonderausgabe zum 20-jährigen Jubiläum ist zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich. Sie erscheint auf pfirsichfarbenem und schwarzem Vinyl und enthält ein 4-seitiges Booklet mit den Songtexten und einer Collage von Bildern der Original-CD-Veröffentlichung.

LSD ist eine kreative Supergroup, die sich aus Sia, Diplo und Labrinth zusammensetzt. Die Gruppe entstand aus einer natürlichen Verbundenheit zwischen den Künstlern, initiiert von den Songwritern Labrinth und Sia, die eines Abends zusammenkamen, um einen Song zu schreiben, und schnell merkten, dass es noch viele weitere gab, die darauf warteten, geschrieben zu werden. Ihre unbestreitbare musikalische Chemie entwickelte sich, und bald stieß Diplo zu ihnen, der das Trio vervollständigte. Dies ist ihr Debütalbum mit den weltweit erfolgreichen Singles "Thunderclouds", "Genius" und "Audio". Diese 5-Jahres-Jubiläums-Edition enthält eine alternative Farbvariante des Original-Covers und wurde zum allerersten Mal auf seeglasfarbenem Vinyl gepresst.

"Coming Up To Consciousness" ist das sechste Studioalbum von Pure Reason Revolution und das dritte ihrer Renaissance nach der Pause, die mit "Eupnea" von 2020 begann und mit "Above Cirrus" von 2022 fortgesetzt wurde. Wie die beiden Vorgänger ist auch das neue Album sehr persönlich. Die acht Tracks sind alle zwischen vier und sieben Minuten lang - kurz für PRR-Verhältnisse - und sie setzen sich mit verschiedenen Arten von Dunkelheit auseinander. Der unverwechselbare Stil der Band, der Prog und Pop durch verträumte Stimmungen, epische Riffs und engelsgleiche Harmonien verbindet, ist geblieben. Courtney und Greg Jong haben aber auch versucht, einen etwas anderen Weg einzuschlagen, indem sie neben ihren Dauerbrennern - vor allem Pink Floyd - auch Einflüsse von Talk Talk, Elliot Smith, The Smile und sogar Arctic Monkeys einfließen ließen. Der legendäre Session-Musiker Guy Pratt, der unter anderem mit Pink Floyd zusammengearbeitet hat, steuerte bei sieben der acht Tracks die Bassgitarre bei, während Jon Sykes von The Pineapple Thief bei einem Song den Bass spielte. Bruce Soord, ebenfalls von The Pineapple Thief, mischte das Album in Stereo und zum ersten Mal für PRR in Dolby Atmos und 5.1 Surround Sound.

Isik Kural returns with Moon in Gemini, a luminous scrapbook of slow-flowing narratives couched in intuitive and symbolic storytelling. Bending a playful take on environmental music to the folk song form, Isik's vocals coo atop pastoral field notes, airy chamber instrumentation and archival recordings culled from a curious musical life. A tender pastiche coalesces across the suite of Moon in Gemini's fourteen pieces, and Isik invites the listener to daydream as-deep-as-possible. "The songs on Moon in Gemini don't mind being slower or taking their time to reach the listener," says Isik, who wanted the title to speak to the album's dreamy, liminal nature. "I enjoyed how the phrase could be used to describe an object, a time or a place simultaneously," he explains. Similarly and subsequently, these songs contain a multiplicity of sonic artifacts, moments and spaces that span Isik's rich musical career to date. With the bulk of the album realized between Amasya, Turkey and Isik's current home in Glasgow, in both domestic and studio recording environments, additional tracks unearthed from his personal recording archive lend their lush patina. The record emerged as a fertile space to reimagine a handful of previously unreleased songs and unfinished ideas spanning the past fifteen years of his life and work, including streetside sounds documented while growing up in Turkey and recordings made while studying music engineering in Miami, Helsinki and Glasgow. Looking to the more recent past, Isik found himself wanting to build upon some of the methodologies and textures explored on his 2022 album in february, seeking a newly intimate, vocal-forward sound. He points to the track "film festival" from that album as a door through which to enter Moon in Gemini, where sample-based arrangements are presented in the context of asymmetrical "build ups and progressions" and ambience and vocals intertwine. Inspired in part by listening to iconic, if not sometimes misunderstood, singers such as Nina Simone, Aldous Harding and Ed Droste of Grizzly Bear, Isik aimed to carve out a new space for his voice on Moon in Gemini, experimenting with novel recording and mixing techniques. Captured at his aunt's farmhouse in Amasya during an extended three week recording session, we find Isik's vocal high in the mix, front-and-center and on newly expressive terms. As a songwriter, Isik is an intuitive and playful lyricist who allows his deep love of literature to flow through his off-kilter texts. Here, echoes of Silvina Ocampo's poem "Dialogues of the Silence" reverberate from the margins of "Most Beautiful Imaginary Dialogues". Likewise, Elliott Smith and Virgina Astley shapeshift through "Behind the Flowerpots," some lines of which were based on misheard lyrics from Smith's "Stickman" and Astley's "Some Small Hope." Attuned to the magic of happy coincidences, other unexpected "themes and connections between tracks flourished" during the recording process, resulting in some songs being more "thematically and lyrically connected to each other compared to previous records." The duos "Prelude" and "Interlude" as well as "Grown One Iota" and "After a Rain" explore connected stories, while "Almost a Ghost" and "Behind the Flowerpots" serendipitously emerged out of a conversation with Stephanie "Spefy" Roxanne Ward, whose balmy vocals heard highlighting in february return and call out to Isik's in sweet dialogue. Plumbing these new potentials of structure and songwriting, Isik also developed a taste for an expanded sonic palette, one enriched by the lulling undertones of live woodwinds and strings. The resulting collaborations with flutist Tenzin Stephen, harpist Kirstin McCarlie and clarinet player Giulia Tamborino envelop the record in an altogether "dreamier sound," swaying pastel and awash in lunar light. Moon in Gemini, brimming with natural imagery and lullaby-inflected tones, tunes into states of being where the wonder filled sound of everyday is heard and felt, perfectly imperfect in its poetry; where the invisible steps forward; where dauntless ghosts wait around every corner and play enriches the soul; where bird song fills sun-soaked afternoons and carries us on its wings into each enchanted evening. Isik Kural's Moon in Gemini will be released on vinyl, Japanese import CD, and digital editions on September 6, 2024. On behalf of Isik and RVNG, a portion of the proceeds from this release will benefit Mor Çaty Women's Shelter Foundation, whose social work at their solidarity centers and shelters supports women building lives unhindered by gender-based discrimination and male violence under free and equal conditions.

Onimikìg Algonquin: (n. an.)- thunder Timothy Archambault's unaccompanied flute pieces for this album have been inspired by Indigenous brontomancy (divination by thunder). Each piece highlights a different extended flute technique metaphorically related to types of thunder sounds: claps, peals, rolls, rumbles, inversions, and CG (cloud-to-ground). An important document of new music meets contemporary musicological research via Stephen O'Malley of SUNN O)))'s Ideologic Organ. The Indigenous flute used in this recording is made of cedar respective to the traditional woods used by the Kichesipirini and other tribes who live along the Ottawa & Saint Lawrence Rivers. To the Algonquin the flute (Pibigwan) is the wind maker or essence of the wind. Unlike other tribal nations whom the majority used the flute as a courting instrument, the Algonquin generally utilized the flute for more contemplative singular usage to mimic the sounds of nature or as a signaling device during times of conflict. When love songs were required, they were usually more plaintive in character expressing sadness, loneliness, or concerning the departure of a lover. The album intro begins with the shaking of a necklace of otter penis bone, fish spine, bear claw, elk teeth and deer hide, gifted from Algonquin Elder Ajawajawesi. It is meant to focus the listener's attention before the flute pieces begin. The warble or multi-phonic oscillation prevalent in all the pieces traditionally represented the "throat rattling" vocalization of the tonic note, sometimes known as the horizon of which the melody floats from. Due to the repetition of multi-phonic oscillation the performer will breathe erratically creating an altered state correlating with similar traditional ceremonial practices.

Lukas de Clerck brings us the ancient greek instrument, the aulos, of which his new interpretation of long form expression is coaxed forth on this tremendous recording. Lukas de Clerck explores a niche of archaeological research in music; the aulos is a historical Greek instrument that Lukas analyzed and reinterpreted by a luthier in modern times_navigating this impression as an artwork or living sculptural object, as there is an absence of historical partitions or written information about how to recreate technique on the instrument. Lukas de Clerck has interpreted information from the rare archaeological resources and visual art of the classical Greek period to recreate both playing technique and possible sound timbres with the instrument. With his contemporary approach to drone, post-minimalist music, and contemporary folk, we find a deeply satisfying and compelling, even playful set of songs, timbral exercises and compositions. An important document of new music meets contemporary archaemusicological research via Stephen O'Malley of SUNN O)))'s label Ideologic Organ. _ The telescopic aulos is speculative: might it have existed? It takes on features from the historical aulos, a double-reed instrument of which we know how it looked but little about what music was played on it or how it would have really sounded. It's an instrument without the limitations of canon or manual, providing creative freedom and awakening curiosity. The new instrument featured on this album is ancient and futuristic at once. The aulos has no tone holes; instead, each of the two tubes consists of three parts that can slide into each other. In this sense, the metal pipes bear a certain resemblance to the principle of a trombone. However, since both hands are already in use to hold both tubes, the sliding has to be done by way of gravity and the help of a «phorbeia», a leather mask which helps keep the reeds in place. The aulos's material is metal (instead of wood), which gives it a certain electronic allure and intensity, as well as a variety of sonic possibilities and textures. It produces overtones efficiently and allows them to play with their microtonality. The aulos Lukas plays on this recording was developed at Brasserie Atlas, a temporary occupation of a former brewery in the heart of Brussels where Lukas lives. It is quite a poetic coincidence that the birthplace of the instrument is named after the Greek titan condemned to carry the sky, while this instrument needs to be turned skywards to lower its pitch with the help of gravity. At Brasserie Atlas, Lukas has found collaborators who have shared in the process of building this new instrument: the collective Noir Métal has constructed the tubes, in this way becoming instrument builders; the phorbeia has been manufactured by Jot Fau; a former water reservoir in the vast cellar of the building carried the instruments' resonance for its first sounds. The place has left an imprint on this new instrument. With all of the telescopic aulos' layers, its sonic, musical and extra-musical components are still unfolding their potential as a medium for discovery and research, next to being an instrument of great musical potential. The music on The Telescopic Aulos of Atlas reflects this spirit. In several miniature pieces, it presents an encyclopaedia of musical possibilities that the instrument offers while keeping an intense and corporeal sonic specificity. The short pieces are studies that reflect on the sonic possibilities of this instrument that are yet to be explored. It meanders, searches and interacts with itself and the space. It needs to answer common expectations of old instruments being harmonious or pleasing. It transports a kind of experimental archaeology that, by formulating hypotheses in the present, allows us to reflect on what might have been in the past and simultaneously questions concepts of beauty, harmony or virtuosity. However, in the end, this instrument might have never existed before. -Julia Eckhardt

If there's one musician in the last decade that you may hear in wildly diverse musical contexts it is Belgian electric bassist and sound sculptor Farida Amadou. Not only can you enjoy the unerringly skillful command she has over her instrument but also the transformative power to reinterpret and expand her material in spontaneous and unconventional ways.

Amadou is self-taught and radically aware of her idiosyncratic relationship with the bass guitar. She neither emulates the virtuosos of the electric bass, nor does she use the instrument as a pure sound generator that merely emits humming and feedback. She takes a completely independent and unique approach. This freedom enables her to create an overwhelming wall of sound, as well as simple, clear structures that are rhythmically concise yielding a wide associative space that lands somewhere between free jazz and noise.

Her work is often concentrated and circular where motifs are established and developed outward. It is an organic sound in the literal sense of the word, constantly in motion, yet resting in itself. The three solo pieces she has recorded for Week-End Records emphasize her impressive ability to ignite ecstasy from tranquility, to fan out a whole range of moods from a few potent ideas.

These attributes make her a musician who enriches every group she plays in, because she is present with her assured and crystallized sound but refrains from being domineering. However, her strengths are even more apparent when she plays solo: the contrasts between the dark, heavy clouds of sound and the rhythmic passages, and the transitions between movements which always sound "logical" yet surprising.

Her new solo album, "When It Rains It Pours" presents Amadou as an inspired improviser who follows her musical intuition and acumen to create a truly unique soundworld. Rarely has improvised music sounded so succinct and compelling.

Wenn es in den letzten zehn Jahren eine Musikerin gegeben hat, die man in den unterschiedlichsten musikalischen Kontexten immer wieder hören will: nicht weil sie eine passable Mitspielerin wäre, sondern weil sie diese Kontexte jedes Mal bereichert und auf spontane, unkonventionelle Weise erweitert, umdeutet, in neue transformiert, dann ist es die belgische E-Bassistin und Klangskulpteurin Farida Amadou.

Sie ist Autodidaktin - und sie versteht diese Selbstaneignung des Instruments radikal. Weder eifert sie den Virtuosen des E-Basses nach, noch verwendet sie das Instrument als reinen Klangerzeuger, der bloß Brummen und Feedbacks von sich gibt. Sie geht von einem völlig eigenständigen Ansatz aus. Der ermöglicht es ihr, eine überwältigende Wall of Sound zu kreieren genauso wie einfache, klare Strukturen, die rhythmisch prägnant sind und einen weiten Assoziationsraum zwischen Free Jazz und Noise eröffnen. 

Ihre Musik ist konzentriert, hat einen langen Atem, kreist um Motive, entwickelt daraus neue Linien, die Amadou im Spiel weiterverfolgt. Es ist ein im Wortsinne organischer Sound, ständig in Bewegung, dabei in sich ruhend. Die Stücke, die sie für Week-End Records aufgenommen hat, unterstreichen ihre beeindruckende Fähigkeit, aus der Ruhe die Ekstase zu entfachen, aus wenigen Ideen eine ganze Palette an Stimmungen aufzufächern.

Das macht sie zu einer Musikerin, die jede Gruppe, in der sie spielt, bereichert, weil sie präsent ist, ohne zu dominieren, weil ihr Sound so prägnant ist, ohne die anderen zu übertönen. Im Solo treten die Stärken ihres Spiels aber noch stärker hervor: die Kontraste zwischen zwischen dunklen, schweren Klangwolken und den rhythmischen Passagen, vor allem die Übergänge, die immer „logisch“ klingen, aber zunächst unerwartet kommen und ihren eigenen Weg einschlagen. Ihr neues Solo-Album, “When It Rains It Pours” zeigt sie als inspirierte Improvisatorin, die sich nie bloß ihren Einfällen hingibt, sondern die Ideen zu Ende denkt, oder besser: spielt. Selten klang improvisierte Musik so kompakt und zwingend.

Vor drei Jahren gelang Sara Bareilles mit dem Lied "Love Song" einer der Hits des Jahres. Monatelang hielt sich das Stück in den Single- und Airplay-Charts. Die Bilanz: Top 5 der US- und UK-Charts, Platz 13 in Deutschland, Doppelplatin in den USA. Das dazugehörige Album "Little Voice" wurde mit Gold ausgezeichnet. Es folgten zahlreiche Tourneen quer durch die Welt, u.a. mit Mika, Paolo Nutini und Maroon5.

Im Oktober 2010 hat Sara Bareilles ihr zweites Album "Kaleidoscope Heart" in den USA veröffentlicht und ist damit direkt auf Platz 1 der Billboard Charts eingestiegen. Mittlerweile hat sich das Album in den USA knapp 250.000 Mal verkauft und die erste Single-Auskopplung "King of Anything" hat bereits Gold-Status und wurde für einen Grammy nominiert.

Am 11. Februar 2011 erscheint das großartige Album "Kaleidoscope Heart" mit 2 Bonus-Tracks nun endlich auch in Deutschland, rechtzeitig zu ihrer Deutschlandtour zusammen mit Maroon 5.

Der von Neal Avron (Fall Out Boy u.a.) produzierte Longplayer vereint kraftvolle, soulige Popsongs mit intelligenten Texten und Arrangements und überzeugt nicht zuletzt durch Sara Bareilles' abwechslungsreiche Stimme auf ganzer Linie.

Die limitierte Deluxe Edition von Archives Vol. III enthält Aufnahmen und Filme, die

die unangekündigte Bandbreite von Young’s Bemühungen aus der Zeit von 1976-1987 zeigen. Es ist eine der umfangreichsten Anthologien in seiner aufgezeichneten Geschichte. Insgesamt sind es 22 Discs, davon 17 CDs in 11 Softpaks und 5 Blu-Rays in 3 Softpaks. Es sind 11 Filme auf Blu-Ray, davon 4 bisher unveröffentlichte. Die insgesamt 198 Musiktitel enthalten 121 bisher unveröffentlichte Live-, Studio-, Mix- oder Schnittversionen und 15 bisher unveröffentlichte Songs, die hier zum ersten Mal überhaupt. 62 Tracks waren bereits auf verschiedenen Aufnahmen erhältlich. Die Blu-Rays enthalten 128 Tracks, über 14 Stunden Film. Die Box enthält außerdem ein 176-seitiges Buch und ein Poster. Mit über 28 Stunden können Sie von New York nach Denver fahren, die ganze Zeit hören und bei Ihrer Ankunft immer noch Stunden übrig haben.

Reissue, limited

16-Band-Compilation, die mit der Nahtstelle zwischen Gitarren-Rock einerseits, Programming und Electro andererseits dealt und anhand von teils exclusiven Beiträgen von Prong, Ministry, Godflesh, Killing Joke, Krupps, Einstürzende Neubauten, Consolidated uva.jene Zusammenhänge herausarbeitet, die Gruppen wie Korn & Co.erst den Weg freigemacht haben.

Das Top-20-Live-Album aus dem Jahr
1993, ist zum ersten Mal überhaupt
auf LP erhältlich.

Das Top-20-Live-Album aus dem Jahr
1993, ist zum ersten Mal überhaupt
auf LP erhältlich.

Between December 2022 and January 2024, the collective De Niemanders (producer Rick Wiegerinck joined the team) visited asylum seekers' centers in the Netherlands with a mobile studio, searching for singers, musicians, and their music and stories. The music sessions were mostly filled with pure joy, while the conversations were heavy, hopeless, hopeful, cheerful, and everything in between. The collective connected with creative individuals from all over the world, who in turn introduced them to even more artists, writers, and storytellers. Rocco, Wout, and Rick quickly realized that they needed to offer more than ‘just’ the music album as a platform, so a completely unique Niemanders newspaper was born, and journalist Christianne Alvarado joined for a six-part podcast series.

Following their instincts, they created a new Niemanders album that became a genuine collaboration between the people they met and themselves. A significant difference from the prisons was that this time, the singers and musicians could be recorded in a mobile studio. As a result, the album is a mix of many singers and languages, telling the stories of their journeys, dreams, families, past lives ‘back home,’ and their current situation as refugees. There are songs inspired by the stories that residents of asylum seekers' centers told or wrote down, sung by Rocco, while other tracks emerged from writing sessions with singers Isma IP, Guy-El Mabiala, Q-Mars, and Hamid Reza Behzadian, and are also sung by them. The song material is a creative melting pot of colorful music that ranges from swinging afrobeat, highlife, desert rock, and rootsy psychedelia, but the alternative rock for which Ostermann and Kemkens are known also seeps through. You could say that, with few exceptions, each song is a film soundtrack for the text.

Unfortunately, the harsh reality of asylum procedures also intruded into some of the blossoming musical friendships. Due to a negative decision by the Immigration and Naturalization Service (IND), one of the great singers was forced to leave the Netherlands. This is just one example of the lack of control over—and the nerve-wracking wait for—an IND decision, which unfortunately seems to be something every person in an asylum procedure must endure. The asylum process can bring years and years of uncertainty and waiting, or sudden deportation.

Zum ersten Mal veröffentlicht TZUYU von TWICE ihr erstes Solo-Debütalbum mit dem Titel ’abouTZU’,

das in zwei Versionen erhältlich ist: Run ver. und Fly ver.
Das Album enthält eine CD, ein Fotobuch, eine Fotokarte (4 von 15), ein gefaltetes Poster (1 von 3), einen Fotofilm (1 von 2), ein gedrucktes Foto (1 von 3), ein Interview-Poster (1 von 3), einen Stempelaufkleber, einen Umschlag, eine Lentikular-Fotokarte und ein Poster.

Abmessungen: 250 x 180 x 25 mm

„Unrepentant Geraldines“ markierte 2014 Tori Amos’ Rückkehr zur Pop- und Rockmusik, nach einem
Ausflug in eher klassische Gefilde. Aufgenommen in ihren eigenen Studios, und von ihrem Ehemann
Mark Hawley sowie Marcel van Limbeek produziert, besticht das Album durch seine Reduktion auf das
Wesentliche: Toris Stimme und ein Klavier. Bei den Texten ließ sich Amos von Gemälde und Fotografien
inspirieren. Der Rest ist Geschichte: Das von den Kritikern gefeierte Album wurde ein voller Erfolg! Diese
Deluxe Version ist als schwarze 180g Doppel Vinyl erhältlich und umfasst alle 17 Tracks des Albums,
einschließlich drei Bonus-Tracks, die zum ersten Mal veröffentlicht werden.

Als COPE das erste Mal vor knapp 10 Jahren veröffentlicht wurde, erklärte Manchester Orchestra das dies
ihre „ungeschminkte Heavy-Rock-Platte“ sei.
Und damit sollten sie recht behalten, während die Band sich mehr und mehr ihren eigenen Sphärischen
Sound schuf, bleibt COPE das lauteste & härteste Album ihres Schaffens.
Zur Feier dieses 10-jährigen Jubiläums spielte Manchester Orchestra die Platte einmal komplett in dem
kleinen Club in The Earl in Atlanta durch - das Ergebnis findet sich auf diesem Live Album.

Die britische Singer-Songwriterin und Musikerin Martina Topley-Bird wurde durch ihre Zusammenarbeit mit
den Trip-Hop-Pionieren Tricky und Massive Attack in der Musikbranche bekannt. Besonders hervorzuheben
ist ihr gefühlvoller Gesang auf dem Track ”Teardrop” von Massive Attack aus deren Album ”Mezzanine”,
der zu seiner atmosphärischen Wirkung beiträgt. Auch auf Trickys Debütalbum ”Maxinquaye” (1995)
hat ihre eindringliche Stimme den unverwechselbaren Sound geprägt. Als sie 2003 zu einer Solokarriere
überging, erntete sie mit ihrem für den Mercury Award nominierten Debütalbum ”Quixotic”, das bei Independiente Records erschien, großen Beifall der Kritiker. 2004 erweiterte Topley-Bird ihre Zusammenarbeit
und lieh ihre Stimme den Gorillaz-Tracks ”All Alone” und ”Kids with Guns” von deren Debütalbum ”Demon
Days”. Seitdem hat sie weitere Alben veröffentlicht, darunter ”Anything” (2004), ”The Blue God” (2008)
und ”Some Place Simple” (2010).
Martina Topley-Birds von der Kritik hochgelobtes und für den Mercury Award nominiertes Debütalbum
”Quixotic” wird zum ersten Mal auf Vinyl veröffentlicht. Diese erweiterte Ausgabe enthält das Originalalbum sowie drei B-Seiten und einen unveröffentlichten alternativen Mix der ersten Single ”Sandpaper
Kisses”. Sie wird auf Doppel-Vinyl gepresst und in einem Gatefold-Sleeve verpackt sein.